Le bania fait partie intégrante du paysage culturel russe. Vous ne pouvez pas visiter la Russie sans passer dans un bania (En russe : баня). On trouve les premières traces de cette tradition ancestrale dans « Le Conte des Années Révolues », écrit au XIIe siècle, ce qui en fait l’une des plus anciennes chroniques russes. Les hommes plus que les femmes russes fréquentes de manière hebdomadaire ces lieux de rencontre. L’histoire dit que les plus gros contrats ont été signés après s’être fait fouetter par des branches séchées de bouleau ou de chêne apportées par le fameux client.

Je vous propose aujourd’hui de découvrir ce qu’est le bania, son histoire et ses pratiques, et ainsi vous préparer à une expérience hors du commun.

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Histoire de cette tradition

Il y a fort longtemps, le peuple slave croyait que les quatre éléments principaux étaient combinés dans un bania : le feu, la terre, l’eau, et l’air. Ils croyaient en son pouvoir curatif, autant pour le corps que pour l’âme. De manière récurrente, chacun s’y rendait pour prendre du repos, réfléchir à des situations difficiles de la vie, ou simplement après de longs voyages. Au fil du temps, la tradition s’est étendue à proposer une séance de sauna russe aux invités du jour, du moins pour ceux qui avaient la chance de disposer d’un bania privatif chez eux, ou pour les citadins, d’aller aux bains publics.

Encore aujourd’hui, la tradition d’aller au bania est très présente. Que ce soit à la campagne ou en ville, se rendre dans un bania est une coutume qui reste imprégnée dans la culture russe. De nouveaux bania sont toujours en construction, preuve que cette tradition perdure.

La popularité du bania n’avait pas de distinction particulière dans les catégories sociales de la population. Que l’on soit noble ou paysan, chacun pouvait se rendre dans un bania, ou même en construire un. C’est à la fin du XVIIe siècle qu’il a été autorisé de les construire à une certaine distance des habitations, risque d’incendie oblige. Les bains publics connaissent leur essor au même moment, impliquant indéniablement un tarif à l’entrée.

Les bains russes les plus connus sont sans nul doute ceux de Sandunov édifiés en 1808 (article complet à retrouver ici).

Deux types

Il y a historiquement une distinction à faire entre deux typologies de bania. Le bania noir (баня по-чёрному) et le bania blanc (баня по-белому). Le bania noir apparaît au XVIe siècle, ce qui en fait la plus ancienne tradition russe. Le principe consistait à faire monter la température à environ 60 °C, ainsi la fumée qui se dégageait du poêle en brique restait à l’intérieur. Le but est d’éliminer toute forme de microbes ou bactéries. Ensuite, la fumée était évacuée à l’extérieur, il fallait tout de même pouvoir entrer sans risquer d’être asphyxié. Cette technique était donc d’abord utilisée par souci d’hygiène, bien qu’elle provoque rapidement un noircissement des murs par la fumée, et qu’elle nécessite entre 3h et 6h de préparation. Son utilisation est aujourd’hui assez rare.

À l’inverse, la technique la plus répandue est celle du bania blanc, qui elle rejette la fumée directement à l’extérieur. La température est alors aux alentours des 90 °C. Entre nous, c’est quand même beaucoup plus agréable à l’œil de se détendre dans un lieu propre, n’est-ce pas ?

Les 10 bienfaits du bania

Les bienfaits du bania sont multiples, tant d’un point de vue physique que moral. Après une séance, le corps est pour ainsi dire « renouvelé », plus ressistant. Il n’est pas rare de très bien dormir après.

1. Calme le système nerveux

L’un des principaux avantages des saunas et des bains est peut-être qu’ils aident à soulager le stress. L’atmosphère chaleureuse et calme détend imperceptiblement les muscles, calme le système nerveux et normalise la respiration et l’approvisionnement en sang.

2. Nettoie la peau

Ce n’est pas pour rien que le sauna et le bain ont toujours été inclus dans la liste des procédures de beauté. Après tout, l’un de leurs principaux avantages est qu’ils aident à nettoyer la peau humaine. Sous l’influence de la température chaude, les pores s’ouvrent, la sueur est activement libérée et la peau est mieux nettoyée, libérant ainsi les vieilles cellules. Après plusieurs séances au bania, vous pourrez observer un léger effet de rajeunissement cutané.

3. Élimine les toxines

On sait que toutes sortes de substances nocives pénètrent périodiquement dans le corps humain avec la nourriture ou l’air. Le corps essaie constamment de les combattre, de les éliminer ou de les détruire. Lorsqu’une personne transpire excessivement, se sent faible, souffre souvent de rhumes, il est fort probable que beaucoup de toxines se soient accumulées dans son corps, auxquelles le corps lui-même ne fait pas bien face. Le bania aide le corps à se débarrasser des toxines.

4. Aide à améliorer le système immunitaire

Beaucoup de gens croient à tort que le système immunitaire n’a pas besoin d’être entretenu et abusent de ses capacités. Cela peut conduire à son affaiblissement, qui est la cause de nombreuses maladies. Dans le sauna et le bain de vapeur, le corps est bien et profondément réchauffé, ce qui déclenche la production de globules blancs dans le sang, qui jouent un rôle important dans la lutte contre les maladies et les infections.

5. Soulage la douleur

La douleur crée un inconfort pour une personne, surtout lorsqu’elle devient chronique. Lorsque les analgésiques ne vous aident pas, en l’absence de contre-indications supplémentaires, vous pouvez essayer le bania. Lorsque le corps est chauffé, les vaisseaux se dilatent, ce qui améliore la circulation sanguine, soulage les tensions musculaires et soulage la douleur.

6. Facilite la respiration

La température élevée dilate les vaisseaux sanguins et ouvre les canaux respiratoires d’une personne, ce qui déclenche un processus actif d’élimination du mucus du corps. Après plusieurs séances de telles procédures, il devient plus facile pour une personne souffrant de congestion nasale de respirer.

7. Aide à perdre des kilos en trop

Cet avantage ne doit pas être pris trop au pied de la lettre. Le bania aide à perdre du poids uniquement si un excès de poids se forme en raison du liquide accumulé dans le corps. En raison de l’exposition à l’air chaud, le corps transpire activement et le corps perd l’excès de liquide. Grâce à cela, une partie du poids disparaît également. Cependant, sans un régime alimentaire supplémentaire et un mode de vie actif, il est peu probable que vous puissiez obtenir les résultats souhaités.

8. Faire face à l’insomnie

C’est une autre des propriétés bénéfiques du sauna. Lors de leur visite, les muscles sont détendus, la circulation sanguine s’améliore, ce qui est nécessaire pour un sommeil sain et normal. Même après une courte séance, la qualité du sommeil peut être considérablement améliorée. Par conséquent, il est préférable de prendre ces procédures le soir avant d’aller au lit.

9. Soulage le stress mental

Le sauna et le bain de vapeur aident à détendre non seulement le corps, mais aussi l’esprit. Dans une ambiance chaleureuse et cosy, vous ne voulez pas penser au travail et aux problèmes du quotidien. Par conséquent, le cerveau se repose.

10. Vous rapproche de vos proches

C’est une excellente occasion de rencontrer vos amis et votre famille, ce qui vous permettra non seulement de passer du temps avec des bienfaits pour la santé, mais aussi de profiter de conversations amicales. Dans la Rome antique, les gens pouvaient passer toute la journée dans les bains de la ville afin de communiquer chaleureusement avec leurs amis et leurs proches.

Ce qu’il ne faut pas faire

Afin de profiter d’une expérience optimale, il convient de respecter à quelques règles définies, parfois bafouées aujourd’hui.

On peut d’abord évoquer la question du repas. Se sentir lourd, ou même avoir faim sont des sensations auxquelles on pense rarement, et qui pourtant sont déterminantes pour le bon déroulement d’une séance de bania. C’est pourquoi il est important, avant de s’y rendre, de déguster quelque chose de léger, comme une salade faible en calories. Après la séance, ne vous jetez pas non plus sur une côte de bœuf, mais plutôt sur quelque chose de plus léger et sain, comme quelques blinis (блины) ou pelmenis (пельмени).

De plus, les boissons alcoolisées sont normalement prohibées, mais vous verrez sûrement des gens avec un verre à la main. Certains prennent du thé, d’autre du kvas ou du mors bien frais. Si vous voulez profiter de l’expérience telle qu’elle se fait traditionnellement, essayez tout de même de vous en tenir à un thé russe, et si possible après cette séance. De toute façon, personne ne boit quoi que ce soit à l’intérieur du sauna.

Enfin, le plus important est de respecter les limites de son corps. Dans un bania entre 80 °C et 100 °C un Russe expérimenté reste entre 10 et 15 minutes. Si votre corps vous dit au bout de 5 minutes de sortir alors SORTEZ ! Ça ne sert à rien de jouer les gros bras. Si vous dépassez les limites, vous risquez de tomber dans les pommes à la sortie. Croyez-moi, j’ai déjà fait l’expérience.

Toujours dans le même registre, essayez de rester assis. Le fait de s’allonger va réduire votre perception de l’environnement et vous risquez d’avoir le même effet. Si vous prenez une séance de massage dans le sauna, ne vous inquiétez pas le masseur ne restera pas plus de 5 minutes en mouvement.

Procédure à suivre pour que le Bania soit efficace

La procédure pour effectuer une bonne séance de bania se décompose en 3 étapes clés. Vous aurez les détails des outils et de leur pratique respective dans les rubriques suivantes !

Maintenant que le bania est chauffé à bonne température et que le balai (En russe : веник) est assez détrempé, il est temps de s’engager.

Prenez d’abord une douche sans savon, à une température qui vous semble agréable. Le savon aura pour effet de refermer les pores de la peau, à utiliser à la fin de la séance. D’ailleurs, inutile de mouiller vos cheveux, cela ne vous exemptera pas de cette sensation de chaleur torride au bout de quelques minutes. Cependant, je vous conseille de porter la « chapka » en feutre qui protégera votre tête et votre cerveau.

Première étape

Vous êtes alors prêt à entrer dans le bania, seul ou accompagné. Assoyez-vous pendant environ 5 à 10 minutes sur le banc le plus bas. Sachez qu’il y a habituellement entre 2 et 3 niveaux de hauteur de banc.

Au bout de 10 minutes, sortez et passez un peu de temps dans la pièce voisine pour vous refroidir. Ne versez pas d’eau froide sur vous pour le moment.

Deuxième étape

Vous vous sentez maintenant prêt à y retourner ? Parfait, mais n’oubliez pas qu’il vous faudra un accompagnant. Assoyez-vous de nouveau, mais sur le niveau le plus haut, vous y resterez un peu plus de 10 minutes cette fois-ci.

Votre acolyte versera alors de l’eau sur le poêle ou les pierres chaudes, et agitera le venik de bouleau ou de chêne. Cela aura pour effet d’humidifier la pièce. Dans un bain public, le maître de cérémonie le fera pour vous. Dans les meilleurs saunas russes, des huiles essentielles d’arbre sont ajoutées à l’eau.

Quelques instants plus tard, le responsable du balai commence à l’apposer sur le dos, et effectue une caresse du cou jusqu’aux pieds, puis dans le sens inverse. Pendant quelques minutes, il vous frappera le corps avec cet instrument. Au bout d’une dizaine de minutes, vous échangez les rôles, à votre tour de prendre le venik, et répétez l’opération pour votre acolyte.

Sachez tout de même que les plus expérimentés peuvent utiliser deux balais (веники) simultanément.

Au moment de sortir, il vous faut vous jeter dans la glace ! Plusieurs options, si vous êtes à la campagne en hiver, la neige est à votre disposition. Pour les citadins, il y a soit le seau d’eau très froide soit l’énorme bac à glaçons où vous vous plongez 3 fois quelques secondes. Dans tous les cas, c’est très rapide. Cela vous donnera un petit choc thermique qui refermera immédiatement les pores de votre peau et permettra de faire réagir votre corps. Vous allez alors sentir l’énergie dégager par votre corps.

Vous pouvez maintenant faire une petite pause.

Troisième étapes

Vous entrez à nouveau dans le bania, quelques minutes, et vous vous asseyez sur le niveau le plus bas. Restez y le temps de vous réchauffer après le seau de glace, mais sortez avant de recommencer à transpirer. Vous pouvez dès à présent quitter le bania, et vous diriger vers la douche et utiliser du savon, ce qui refermera complètement les pores.

À savoir, les Russes restent habituellement 2 heures dans un bania, et alternent avec des douches sans savon, pour répéter l’opération.

Vous savez maintenant à peu près tout de la procédure, nul doute que vous saurez la pratiquer.

Les outils indispensables

Température

La température est assez variable, elle se situe entre 65 et 120 °C. Les plus courageux pourront tenter les températures extrêmes. Il faut savoir que la température idéale se situe entre 80 et 90 °C. En dessus, on se situe plus dans le hammam tandis qu’au-dessus ce n’est plus trop plaisant.

Néanmoins, il faut noter que la sensation de chaleur est différente entre un bania où l’humidité est plus importante qu’un sauna à chaleur sèche, la sensation de brûlure est alors plus présente.

Le venik

Le venik est un ensemble de branches formant un petit balai, le plus souvent du bouleau, parfois du chêne. C’est un élément essentiel du bania. Il sert à fouetter et à masser son acolyte lors de la séance.

Pour une bonne utilisation, il faut le laisser tremper dans de l’eau tiède assez longtemps pour que les feuilles, mais aussi le bois, soient imbibés. Dès lors, il sera prêt à l’utilisation.

Le choc thérmique

Les températures élevées du bania sont telles qu’il est indispensable de refroidir le corps. La douche glacée permet cela, en plus de produire une énergie incomparable. Une attention particulière est à porter aux gens sujets aux maladies cardiaques. Une telle différence de température (parfois jusqu’à 100 °C) peut être dangereuse.

Chapeau de feutre

Si vous voulez garder toute votre tête, le chapeau de feutre vous sera essentiel !

La chaleur est si importante que votre tête peut sembler particulièrement chaude. Des problèmes capillaires peuvent aussi survenir. Ce chapeau gardera votre tête plus au frais, et évitera une décoloration peut-être précoce du cheveu.

Sauna finlandais, Hammam arabe, Bania russe, quelles différences ?

Bien qu’on puisse parfois confondre le bania au sauna finlandais, ou au hammam arabe, il convient de montrer les différences.

Le sauna finlandais désigne un sauna à air sec, c’est-à-dire sans vapeur, ou presque. L’humidité optimale se situe entre 3 et 8 %, mais peut parfois atteindre les 15 ou 20 % au maximum. La température y est très élevée, régulièrement au-dessus de 100 °C.

Le hammam arabe trouve son origine dans les thermes romains. Dans un hammam, l’humidité tend à être maximale (100%), et la température est assez basse, seulement environ 40°C. Par conséquent, une séance de hammam peut prendre une journée entière : les gens ne se contentent pas de se laver et de recevoir diverses procédures médicales et cosmétiques, mais se détendent et se rencontrent tout simplement.

De plus, ni dans le sauna, ni dans le hammam, la pratique qui consiste à se fouetter avec un venik n’est présente, c’est une vraie particularité qui fait le charme de la Russie. Les bains russes sont quant à eux autour des 90 °C avec un taux d’humidité moyen.

Vous voilà presque familier avec le bania, il ne vous reste plus qu’à l’essayer lors de votre prochain voyage en Russie.

Les meilleurs bania de Russie

Nous avons regroupé les meilleures adresses de Moscou ICI. Saint-Pétersbourg et d’autres villes viendront au fur et à mesure.

Comme on dit en Russie : С лёгким паром ! (Que la vapeur soit légère).

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Le ballet russe est plus qu’une dance ou un spectacle. C’est le cœur de la culture russe. Il n’y a pas de Noël sans ballet au même titre qu’il n’y a pas de Noël sans salade « Olivier ». Vous esquissez un sourire, mais c’est la vérité et nous allons vous le prouver.

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Histoire du ballet russe

La naissance du ballet

Dans le monde de l’art russe, le ballet a joué une place importante depuis son commencement en 1672 lors de la toute première représentation jouée à Maslentisa pour la cour du Tsar Alexeï Mikhaïlovitch. Elle fut entamée par un acteur représentant Orphée chantant des vers flatteurs en allemand pour le Tsar Alexeï. Depuis cette première représentation timide, le ballet s’est grandement développé et a connu une émancipation durant le règne de Pierre Le Grand qui amena la danse en Russie et l’introduit de manière permanente à la cour grâce à un décret. Peu après la fin de son règne en 1735, le Premier corps de cadets de Saint-Pétersbourg, établissement militaire, fut fondé dans la nouvelle capitale de l’Empire Russe [1] par l’impératrice Anne de Russie. Les beaux-arts ainsi que la danse de salon furent ajoutés dans l’enseignement des futurs militaires considérant leur connaissance indispensable pour exercer des fonctions gouvernementales importantes. Ceci contribua à l’importation du ballet dans les hautes sphères du gouvernement russe de l’époque.

Un des événements historiques clés pour le ballet se déroula le 4 mai 1738 quand Jean Baptiste Landé, maître de ballet français, devint le premier président de la première école de ballet en Russie : l’École de danse de Sa Majesté Impériale[2]. Installée à l’origine dans des salles spécialement équipées du Palais d’Hiver, Landé reçut l’autorisation de former douze garçons et douze filles russes afin d’en faire la première compagnie de ballet qui, elle, fut créée un peu plus tard en 1742. L’un des jeunes garçons, Nikita Beketov, excellait et devint rapidement le favori de l’Impératrice Élizabeth I^re de Russie.

Le ballet russe continua son développement sous le règne de Catherine II de Russie pendant lequel elle fit jouer des ballets à la cour, notamment par des nobles. À l’origine sans musique, les mélodies russes furent introduites dans les ballets par le compositeur florentin Gasparo Angiolini en 1766 ce qui révolutionna cet art. Poursuivant sa montée en popularité sous le règne d’Alexandre Ier, le ballet russe doit son succès phénoménal à cette époque à des célébrités comme Charles Louis Didelot, le maître de ballet qui fit briller des ballerines comme Maria Danilova ou encore Evodokia Istomina. Le Tsar Alexandre III, dans la deuxième moitié du XIX^e siècle rendit les ballets bihebdomadaires, les mercredis et dimanches.

[1] Saint-Pétersbourg fut la capitale de l’Empire Russe de 1712 jusqu’en 1917.
[2] Aujourd’hui « Académie de ballet Vaganova ».

L’exportation du ballet à l’international

En 1898, Serge de Diaghilev fonda « Mir iskousstva », une association d’artistes russe afin de prôner un art nouveau et une exportation de l’art russe à l’international. Avec sa compagnie « Ballets russes » fondée en 1907, il enchaina les tournées dès 1709 dans le monde entier notamment à la première à Paris, puis à Londres en 1714, en Amérique du Sud et aux États-Unis en 1917 jusqu’à sa dernière tournée en 1929 à la fin de laquelle il décèdera[3]. Il restera jusqu’à aujourd’hui l’un des pionniers de l’exportation des ballets russes et plus généralement de l’art de la danse à l’international.

La première guerre mondiale apporta de gros changements dans le monde de la danse russe, notamment à cause de la révolution Bolchevique qui fit fuir de nombreux russes vers les autres pays européens dans lesquels ils n’étaient pas toujours bien vus. Les danseurs, comme de nombreux habitants, fuirent la famine de la révolution et devinrent, pour la plupart, déchus de leur nationalité à cause de mesures prises par le nouveau gouvernement contre les réfugiés dont la situation n’était pas régularisée. Après une période de rejet de l’immigration russe, la bourgeoisie française autour des années 20 commença à montrer un l’intérêt pour l’art russe. Ainsi commença à se développer en France la culture russe, avec de plus en plus de ballets. En 1929, Jacques Rouché à l’époque directeur de l’Opéra de Paris, aidé par Serge Lifar mena en France une réforme de la danse afin de donner une place culminante aux ballets. De nouvelles compagnies émergèrent telle que celle de Ida Rubinstein, ancienne danseuse de la compagnie « Ballets russes », à l’origine de l’œuvre désormais classique du Boléro de Ravel. Ou encore la compagnie des « Ballets russes de Monte-Carlo » fondée par MM. de Basil et Blum en 1932. Néanmoins à partir de 1934, le ballet russe lâcha Paris comme capitale et connut une véritable internationalisation caractérisée par l’ouverture d’écoles de danse partout dans le monde.

[3] Serge de Diaghilev et sa compagnie firent en tout 21 tournées internationales de 1909 à 1929.

La seconde guerre mondiale et la chute de l’URSS

Après une pause artistique durant la Seconde Guerre mondiale, l’Opéra de Paris fit sa première tournée post-guerre aux États-Unis durant l’été 1948 afin de relancer le monde culturel. Embarqués dans la Guerre-froide, les États-Unis créèrent le Congrès pour la liberté de la culture en 1950. En partie financé par la CIA, son but était de séduire l’Europe et de lui montrer que la culture n’est pas compatible avec le communisme soviétique. Cette propagande américaine se définit principalement par des tournées de ballets. Après avoir vu annulée une de leurs représentations à l’Opéra de Paris pour cause de tensions militaires au Vietnam[4], les danseurs soviétiques se rendirent tout de même à Londres en 1956 dans une ambiance tendue[5]. La tournée fut un succès.

En 1961, Rudolf Noureev, un danseur de ballet russe, demanda l’asile politique auprès de policiers dans un aéroport. Il était l’un des meilleurs danseurs soviétiques de son époque. Cet évènement fut tristement marquant pour l’URSS qui se sentit profondément humilié. La dernière étape de l’histoire du ballet fut la chute de l’URSS en 1991 qui permit la réelle et finale exportation de l’art russe dans le monde avec la découverte de pièces en Europe et aux États-Unis jusqu’à présent inconnues. Nous pouvons compter parmi elles Romeo et Juliette de Sergueï Prokofiev ou encore La fontaine de Bakhtchisaraï de Rostislav Zakharov. Dès lors, les ballets russes devinrent et restèrent ceux qu’on connaît en Europe et dans le monde aujourd’hui.

[4] « Affaire des ballets soviétiques » dans la presse en 1954.
[5] Les danseurs soviétiques en tournée à Londres en 1956 étaient accompagnés d’agents du KGB afin qu’ils ne soient pas tentés de rester en Europe.

Les caractéristiques du ballet Russe

Le discours du mouvement

Au-delà d’être une simple représentation, les ballets sont un véritable moyen d’expression. Sans une seule parole, les mouvements de cet art chorégraphique retracent une narration illustrée à l’aide de costumes et de décors. Bien plus que pour la beauté du geste, les pièces jouées sont de véritables dialogues entre les danseurs qui nous conduisent le long du fil rouge de l’histoire racontée.

L’équilibre des arts

Le ballet russe contemporain se caractérise principalement par la parité des arts. Le mélange de musique, de peinture et de danse. La collaboration est infinie est fait intervenir de nombreux artistes autres que des danseurs. On retient par exemple le nom de Stravinsky, incontournable compositeur à l’origine de la musique des ballets de Diaghilev L’Oiseau de feu, 1910 ainsi que Petrouchka, 1911 mais aussi Le Sacre du printemps, 1913 qui est considérée comme son œuvre principale.

Mais aussi le nom de Léon Bakst, peintre costumier accompagnateur des premières heures de la compagnie des « Ballets russes » pour laquelle il fera les décors et les costumes. « Lorsque je produis un ballet, je ne perds de vue à aucun instant chacun de ces trois facteurs. » Cette phrase prononcée par Diaghilev traduit parfaitement l’importance du mélange d’art dans le ballet.

L’allure des danseurs

Les silhouettes dénudées et sculptées sont caractéristiques du ballet russe contemporain. Souvent vêtu que d’un justaucorps et de collants, les ballerines laissent apparaître une ligne de corps nette, presque athlétique se différenciant des lignes plus douces qui étaient recherchées à l’origine. La danse du ballet nécessite une souplesse de corps importante permettant la réalisation des mouvements de la danse. Une tenue droite, la tête alignée aux épaules une silhouette longiligne est recherchée. L’attitude rigoureuse est un principe fondamental dans cet art. Les pas plus qu’expressifs la rejoignent comme principe essentiel et sont poussés à l’extrémité de leur virtuosité.

L’origine « russe » des danseurs

Après le développement du ballet à l’international en grande partie dû à Diaghilev, le caractère de la nationalité russe était un critère important pour les danseurs de ballet. Elle était signe d’éducation artistique et de légitimité pour danser le ballet, elle ajoutait un cachet remarquable au danseur. Elle était tellement convoitée que certains danseurs occidentaux changèrent leurs noms d’origine pour les « russifier ». Parmi tant d’autres, on retiendra l’Anglaise Alicia Marks qui changera son nom en Alicia Markova.

Les cinq ballets russes à ne pas manquer

Don Quichotte, 1869 de Marius Petipa

Tiré du fameux roman de l’espagnol Cervantès, le ballet de Don Quichotte raconte les aventures du personnage du même nom, de son fidèle écuyer Sancho Panza et de son cheval Rossinante. Elle est cependant centrée sur l’histoire de deux jeunes amoureux : Quiterie – fille de l’aubergiste du village et Basilio – jeune barbier sans argent rejeté par le père de sa bien-aimée. Don Quichotte va cependant participer à l’histoire afin de rendre leur amour possible. Pour cela, il mène une quête à travers la campagne espagnole de Castille-La-Manche. Débordant d’humour dans une lutte contre des moulins, cette pièce présente des décors et des costumes colorés qui nous rappellent son origine hispanique.

Le Lac des cygnes, 1875 de Marius Petipa et Lev Ivanov[1]

Cette pièce fut chorégraphiée sur une musique de Tchaïkovski en 1875. Ayant rassemblé sa famille pour fêter son anniversaire, la Reine, mère du jeune Prince Siegfried organise un bal durant lequel il devra choisir sa futur épouse. Ne pouvant choisir sa futur épouse par amour, il s’enfuit dans la forêt et y trouve un groupe de cygnes. Parmi eux se trouve la jeune princesse cygne Odette qu’il se décide à épouser. Cependant, le sorcier Von Rothbart n’est pas de cet avis et décide de l’en empêcher en le trompant dans son choix d’épouse le lendemain durant le bal. Le Lac des cygnes met en scène cette histoire d’amour tourmentée qui est désormais incontournable. Il est le ballet russe le plus joué au monde.

Casse-Noisette, 1891 de Lev Ivanov

Sur une musique de Tchaïkovski, les trois tableaux mettent en scène une adaptation du roman d’Alexandre Dumas Casse-Noisette et le Roi des souris (En russe : щелкунчик). Elle raconte l’histoire d’une jeune fille allemande, Carla Stahlbaum, qui reçoit le soir de Noël un Casse-Noisette en forme de bonhomme. Elle se fait emporter dans une épopée nocturne durant laquelle elle fait face à une armée de souris. Casse-Noisette se transforme finalement en Prince et vient à son secours pour la sauver de ce mauvais rêve et l’emmener dans son royaume de friandises rencontrer la Fée Dragée. Apportant de l’imagination, de la magie et de l’amour, c’est une pièce marquant chaque année la période des fêtes en Russie.

L’Oiseau de feu, 1910 de Michel Fokine[2]

Pièce orientale, c’est la première du compositeur Stravinsky. Elle raconte, en deux tableaux, l’histoire d’un héros du folklore russe : Ivan Tsarévitch, qui se lance à la poursuite d’un oiseau rencontré dans la forêt pour l’attraper. Le capturant, il lui rend sa liberté contre une plume magique. Il rencontre alors une princesse, fille du terrible Roi Kachtcheï l’immortel qui le menace de le changer en pierre. L’Oiseau apparaît alors pour le secourir et le débarrasse du roi et de ses servants. Ivan finit par se faire couronner Tsar aux côtés de sa bien-aimée princesse. Cette œuvre a grandement contribué à faire naître et grandir la popularité de son compositeur Stravinsky et des ballets russes.

Petrouchka, 1910 de Alexandre Benois[3]

Sur une musique de Stravinsky, ce ballet fut chorégraphié pour la première fois en 1911 par le fameux Michel Fokine. Elle est découpée en quatre tableaux qui racontent l’histoire de trois pantins adoptant tous les trois des styles de danse différents et parmi lesquels on compte Petrouchka. Ils prennent vie sous la main d’un Mage et se mettent à danser. Le ballet raconte les mésaventures amoureuses du pantin qui tente désespérément de séduire la Ballerine, un autre des pantins. La scène se déroule durant la « Semaine grasse », Maslenitsa en russe, une ancienne fête païenne célébrée pour fêter l’entrée dans le Grand Carême orthodoxe, une période d’approfondissement de la foi. Les décors reproduisent donc l’ambiance de cette tradition si ancrée dans la culture slave. Cette pièce est, elle aussi, une des pièces maîtresses de la culture du ballet russe.

[1] La chorégraphie originale du ballet avait été faite par Julius Wentsel Reisinger en 1875 avant d’être revu et modifié en 1895.
[2] À la demande de Serge de Diaghilev
[3] Chorégraphiée par Michel Fokine

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Le drapeau de la Russie est le signe distinctif officiel de la fédération, dont la description est établie par la loi (en règle générale, la constitution). C’est l’un des symboles de l’État avec l’armoiries et l’hymne. Le drapeau russe est rectangulaire avec trois bandes horizontales égales respectivement de couleur blanche, bleue et rouge. Le rapport entre la largeur du drapeau et sa longueur est de 2:3.

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Couleurs du drapeau russe

La loi constitutionnelle fédérale sur le drapeau national de la Fédération de Russie n’établit pas de nuances de couleurs.

Selon celle-ci*, la couleur de chaque bande de drapeau doit correspondre au numéro de couleur du Pantone Color Atlas, cependant ces numéros ne sont pas indiqués. À cet égard, lors de la commande d’impression du drapeau russe, les organes de l’État russe indiquent les couleurs suivantes: blanc (couleur sans nuances supplémentaires), bleu (pantone 286C) (enduit solide), rouge (pantone 485C) (enduit solide).

*GOST R 51130-98 « Drapeau d’État de la Fédération de Russie. Spécifications générales »

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Histoire du drapeau de la Russie

Bannières des XVI-XVII siècles

Les bannières sont l’un des signes héraldiques les plus anciens et les plus utilisés. La principale motivation de leur apparition est militaires. Un porte-étendard décoré de façon frappante s’élevait au-dessus de la ligne de soldats, indiquant le centre de cette formation et l’emplacement du chef de l’armée – le commandant. Ainsi, la bannière indiquait l’endroit d’où venaient les ordres, aidait à maintenir l’alignement dans la bataille, indiquait le point autour duquel les combattants devaient unir les rangs et la direction dans laquelle les soldats devaient se déplacer.

En 1552, les régiments russes sont allés à l’assaut de Kazan sous la bannière du « Sauveur le plus miséricordieux ». Dans la chronique du siège de cette ville, Ivan le Terrible donne des précisions sur son aspect. Sous la tsarine Sophia Alekseevna, la bannière fera la campagne de Crimée puis sous Pierre Ier la campagne d’Azov et la guerre avec les Suédois. Une copie de cette bannière, maintes fois restaurée, est conservée à l’Armurerie du Kremlin.

En 1612, la bannière de Dmitri Pojarski flotta sur la milice qui quitta Nijni Novgorod pour libérer Moscou des polonais. Elle était de couleur cramoisie avec le portait du Christ et de l’Archange Michel.

En 1669, les peintres polonais Stanislav Loputsky et Ivan Mirovsky, invités par le tsar Alexeï Mikhaïlovitch, au palais royal de Kolomenskoïe proposèrent pour la première fois une bannière avec l’aigle bicéphale.

1668 – Premier drapeau pour le navire « Aigle »

La construction des premiers navires en Russie a commencé sur ordre du tsar Alexei Mikhailovich. En 1669, le trois-mâts de 22 canons « Aigle » sortit des chantiers. Pour son pavillon, une commande de matériaux de couleurs blanc, bleu et rouge fut passée. Nous ne savons pas exactement à quoi ressemblaient ces drapeaux construits à partir des tissus obtenus. Les historiens s’accordent sur plusieurs versions. L’une d’entre elles serait confirmée par le charpentier du bateau et par une gravure. La voici-ci contre.

1693 – Drapeau du tsar de Moscou

En 1688, le jeune tsar Pierre Ier s’intéresse aux affaires maritimes. Son premier navire était un bateau anglais restauré (un grand voilier), à partir duquel commence l’histoire de la flotte russe. Sur les côtés du bateau, il y avait des rayures horizontales blanches, bleues et rouges.

En 1693, un petit détachement de vaisseaux spécialement construits par Pierre Ier fit un voyage aux îles Solovki. Lors de l’expédition, Pierre Ier utilisa un drapeau qui nous ait parvenu. Il a été conservé jusqu’au début du XXe siècle par les moines de l’un des monastères d’Arkhangelsk avant d’entrer au musée naval de Saint-Pétersbourg. Cet étendard s’appelait le « drapeau du tsar de Moscou ». Jusqu’au début du XVIIIe siècle, il servait à la fois de drapeau d’État russe et d’étendard personnel de Pierre le Grand.

1700 – Drapeau de la flotte russe et étendard de Pierre Ier

En 1699, Pierre Ier dessina une croix de Saint-André sur le drapeau tricolore. C’est d’ailleurs l’année de la création de l’ordre du même nom. Là aussi il y a eu plusieurs versions néanmoins on retiendra la croix bleue sur fond blanc qui est de nos jours le pavillon de la flotte de guerre russe.

Vers 1700, Pierre abandonna le « drapeau du tsar de Moscou » et accepta comme étendard un drapeau fondamentalement nouveau : un drap jaune avec un aigle à deux têtes noir tenant des cartes des quatre mers dans son bec et ses pattes. En tant que drapeau de la marine, on conserva celui basé sur la croix de Saint-André en plus de quelques autres déclinaisons comme le Jack russe appelé Keyser.

1720 – Drapeau commercial de la Russie

Légalement, le drapeau blanc-bleu-rouge fut attribué à la flotte civile dans un décret du 20 janvier 1705, puis confirmée par le principal acte législatif maritime de la Russie – la Charte maritime de 1720.

Les premières applications du drapeau russe blanc-bleu-rouge sur terre se sont avérées être associées aux découvertes géographiques des marins russes. Auparavant, en signe d’annexion des terres à la Russie, les marins érigeaient généralement une croix commémorative sur la nouvelle côte. Mais en 1806, une expédition navale russe qui explora la côte du sud de Sakhaline hissa les deux drapeaux sur la côte d’Aniva Bay : Saint-André et blanc-bleu-rouge. L’utilisation de deux pavillons dans ce cas est très symbolique: le drapeau Andreevsky indique que le mérite de la découverte de la nouvelle terre appartient à la flotte militaire tandis que le drapeau tricolore considère les terres comme russe. Depuis lors, le lever du drapeau blanc-bleu-rouge sur les terres nouvellement annexées se propage progressivement tant en mer que sur terre.

1742 – Bannière d’État de l’Empire russe

En 1742, dans le cadre de la cérémonie de couronnement d’Elizaveta Petrovna , de nouveaux symboles ont été ajoutés aux bannières de l’Empire russe : la couronne, le sceptre, l’orbe, l’épée et le sceau. Le nouveau modèle se composait d’un tissu jaune avec un aigle bicéphale noir des deux côtés entouré de boucliers ovales avec 31 armoiries, symbolisant les royaumes, les principautés et les terres mentionnés dans le titre impérial. L’aigle à deux têtes n’avait pas encore d’armoiries territoriales sur ses ailes. Le dessin de la bannière a été réalisé par le peintre Ivan Vishnyakov.

Cette bannière sera réutilisée pour le couronnement de tous les tsars. Chacun apportera ses petites modifications en fonction des territoires conquis.

1858 – Drapeau national de l’Empire russe

Au milieu des années 1850, la direction des affaires héraldiques de la Russie était concentrée entre les mains du baron B. Köhne. Il prit l’initiative de changer le drapeau russe. Köhne pensait qu’il devaient être construits exclusivement sur la base des couleurs des armoiries et disposées dans l’ordre d’ancienneté. Tout en gardant le même design (trois bandes horizontales égales) il choisit trois nouvelles couleurs. La bande supérieure est devenue noire comme l’aigle à deux têtes. Au milieu le jaune dominait pour représenter l’or de la bannière. Enfin la bande inférieure était blanche, correspondant à la couleur argentée du cavalier sur la poitrine d’un aigle à deux têtes. Alexandre II approuva ce nouveau drapeau le 11 juin 1858.

Koene n’a pas complètement réfléchi aux problèmes liés à l’utilisation du nouveau drapeau. Ainsi, la Russie disposait de 3 drapeaux. Le principal, le drapeau d’État est devenu noir-jaune-blanc. Le drapeau d’État de la flotte marchande est resté blanc-bleu-rouge tandis le drapeau de la flotte militaire était toujours servi par la croix bleue de Saint-André.

La situation ambiguë fut résolue par l’empereur Alexandre III. Connaisseur de l’histoire et de la culture russes, ayant occupé le trône après la mort tragique de son père en 1881, il jugea nécessaire de restaurer le drapeau traditionnel. Et le 7 mai 1883, à la veille de son couronnement, Alexandre III officialisa le drapeau blanc-bleu-rouge de l’État russe.

1914 – Symbole d’unité du tsar avec le peuple

En 1914, la Russie est entrée dans la Première Guerre mondiale. Le début de la guerre s’est accompagné d’un élan patriotique. De ce fait, on hissa des drapeaux blanc-bleu-rouge dans tout le pays. En réponse à la recrudescence du nationalisme au début de la guerre, le gouvernement prit un certain nombre de mesures visant à maintenir l’unité nationale. En août 1914, un drapeau spécial fut introduit. Ce drapeau était blanc-bleu-rouge avec dans le coin supérieur gauche l’étendard impérial – un aigle noir à deux têtes sur fond jaune. Conçu pour démontrer l’unité du tsar avec le peuple, il était destiné à un usage non officiel par tous les Russes à leur discrétion.

1917 – Drapeau de la RSFSR

L’année fatidique 1917 a ouvert une nouvelle page de l’histoire russe. Le gouvernement provisoire, qui a pris le pouvoir en février 1917, changea les armoiries et l’hymne de la Russie tout en gardant le drapeau traditionnel blanc-bleu-rouge. Cependant, le pouvoir fragile du gouvernement provisoire fut renversé en Octobre 1917.

Le nouveau gouvernement bolchevique utilisa des symboles internationaux de la lutte révolutionnaire dans les symboles de l’État. Ce n’est donc pas un hasard si le drapeau de la jeune république soviétique est devenu rouge. Cette couleur symbolise le sang versé dans la lutte pour les idées communistes.

Le premier drapeau de la RSFSR a été approuvé en juillet 1918. Bordée de jaune, les lettres « RSFSR » étaient placées en croix sur un fond rouge, et en dessous, l’inscription déchiffrant cette abréviation: « République socialiste fédérative soviétique de Russie ». Ce drapeau fut adopté pour tous les corps : étatique, militaire et naval. La même année, on y apporta des modifications. L’abréviation RSFSR repris sa police d’origine. Celui-ci exista jusqu’en 1937.

Depuis 1922, la RSFSR est entrée en tant que partie intégrante de l’État bolchevique unifié – l’URSS. Tout le pouvoir était concentré dans les structures de la centrale syndicale et le drapeau RSFSR n’avait pratiquement aucune application pratique.

En 1954, le drapeau RSFSR a changé. La couleur principale du tissu reste le rouge. Une bande verticale bleue courait le long de la tige. Dans le coin supérieur gauche on plaça l’emblème de l’État de l’URSS : un marteau jaune et une faucille sous une étoile à cinq branches.

1924 – Drapeau de l’URSS

Le 30 décembre 1922, la RSFSR fusionna avec la RSS d’Ukraine, la BSSR et la ZSFSR en un État d’union – l’URSS. La constitution de l’URSS décrit le drapeau comme un tissu rectangulaire rouge ou écarlate avec un rapport largeur / longueur de 1: 2. Dans son coin supérieur gauche on trouve un marteau et une faucille dorés et au-dessus d’eux une étoile rouge à cinq branches, encadrée par une bordure dorée. Officialisation le 18 avril 1924. Tous les navires de l’URSS et les missions diplomatiques de l’URSS ont utilisé le pavillon de l’URSS.

1991 – Retour au Blanc-Bleu-Rouge

En relation avec l’effondrement du système soviétique, le symbolisme de l’État russe a également changé. En 1990, les organes étatiques de la RSFSR soulevèrent la question du drapeau russe. Une commission gouvernementale fut formée pour développer de nouveaux symboles. De ce fait le problème du drapeau fut résolu rapidement et presque sans controverse. La Russie reprit les couleurs historique blanc-bleu-rouge.

Le 15 décembre 1990, le Soviet suprême de la RSFSR a décidé d’approuver le nouveau drapeau de la Russie blanc-bleu-rouge. Dans une préparation hâtive de documents, une erreur se glissa dans les dimensions. En effet, le rapport hauteur / largeur était fixé à 1: 2 alors que les drapeaux soviétiques comme la grande majorité des drapeaux des pays du monde, avait un rapport largeur / longueur de 2: 3. Par ailleurs, les couleurs étaient mal décrites. Le bleu était « clair » alors qu’il est normalement bleu « foncé » et le rouge n’est pas écarlate. Afin de résoudre le problème, en 1991, on inclut la description dans la Constitution de la RSFSR. Néanmoins, les dimensions étaient encore incorrectes.

Il fallu attendre 1993 et un décret de Boris Eltsine pour avoir la correction définitive.

Finalement, à la veille de XXIème siècle, l’utilisation du drapeau ainsi que le code couleur fixé par le GOST R 51130-98 mentionné en début d’article furent ajoutés à la constitution.

Signification du drapeau russe

Il n’y a pas d’interprétation officielle de la signification des couleurs du drapeau russe. Officieusement, il existe deux interprétations des couleurs, mais aucune d’entre elles ne peut être considérée comme vraie. Ce n’est qu’une opinion subjective.

1. le rouge est l’État, le bleu est la couleur de la Mère de Dieu, sous le patronage de la Russie, le blanc est la couleur de la liberté et de l’indépendance.
2. Le blanche -représente la paix, la pureté, la perfection et la noblesse. Le bleu est la couleur de la foi et de la fidélité, de la constance et de l’honnêteté. Le rouge symbolise l’énergie, la force, le courage, la générosité et l’amour en plus du sang versé pour la patrie.

Le chemin historique du drapeau de l’État russe est long – il a plus de trois siècles. De la première apparition sur les navires de guerre russes à nos jours, le drapeau a traversé beaucoup de hauts et de bas, mais il a toujours servi la Russie, c’était l’expression matérielle de son nom et, à ce titre, il continue de servir aujourd’hui.

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Tout le monde a en tête les classiques souvenirs stéréotypés à ramener de Russie ce qui est très limitatif. En effet, la Russie compte de nombreux artisanats traditionnels centenaire qui vous donneront la possibilité de ramener un vrai souvenir authentique que personne n’aura. Pour cela, j’ai édité ce guide ultime non-exhaustif des choses à rapporter dans vos valises.

Temps de lecture estimé : 14 minutes

Art de la table

Porcelaine impériale Lomonossov

La manufacture de porcelaine impériale a été créée en 1703 par Pierre le Grand à Saint-Pétersbourg. Depuis ce temps, elle n’a cessé de fabriquer des articles et des services de table uniques. On la distingue des autres avec son style bleu cobalt sous forme de filet. C’est sans nul doute le cadeau le plus prestigieux à rapporter de Russie.

Céramique de Gjel

La céramique de Gjel est plus massive que la porcelaine impériale, mais reste une marque de fabrique typiquement russe depuis 1802. Le bleu cobalt est aussi omniprésent. Moins chère que sa grande sœur, elle fera impression sur une table nappée de blanc.

Khokhloma – peinture sur bois traditionnelle

Khokhloma est le nom d’un artisanat traditionnel apparu en Russie au milieu du XVIIe siècle aux environs de Nijni Novgorod, dans de petits villages de la rive gauche de la Volga, dont celui de Khokhloma. Il s’agit de la décoration laquée de meubles et d’objets de vaisselle en bois, utilisant le rouge, le vert et le noir sur fond doré. Les motifs sont floraux ou représentent avant tout des fraises ou des baies de sorbier et parfois des oiseaux et des poissons, mais le plus souvent ce sont des volutes florales.

Filigrane de Kazakovo

Le filigrane de Kazakovo est une sorte de dentelle de métal faite de fils ou de lanières d’or ou d’argent finement soudés, à jour ou sur un fond, composant divers motifs. Des bijoux et objets divers ont été faits ou revêtus de filigrane depuis l’Antiquité. Il s’agit de l’un des plus anciens types de travail artistique du métal. 

Décoration d’intérieur

Matrioshka – la poupée russe

Tout le monde connait ce symbole de la Russie. Les poupées russes sont des séries de poupées de tailles décroissantes placées les unes à l’intérieur des autres. On parle aussi parfois de poupée gigogne, en référence à la marionnette de la Mère Gigogne, qui représente une grande et forte femme entourée d’enfants.

Samovar l’immense théière russe

Un samovar est un ustensile domestique qui est utilisé pour faire bouillir l’eau du thé en Russie et dans d’autres pays. Si vous êtes un amateur de thé, cet objet massif sera utile et décoratif dans votre salon ou dans votre salle à manger.

Miniatures de Palekh

Cet artisanat populaire est développé dans le village de Palekh (oblast d’Ivanovo) en Russie. Il s’agit de miniatures laquées, réalisées à tempera sur un support à base de papier-mâché. Ce sont, habituellement, des boîtes, des coffrets, des cendriers, des porte-cigarettes, des broches, des poudriers qui servent de supports à ces miniatures.

Jostovo l’art de la peinture laquée

La peinture de Jostovo est un ancien artisanat populaire russe de peinture sur des plateaux en métal. Apparu au début du XIXe siècle, les plateaux en métal sont préalablement enduits de quelques couches d’apprêt (mastic) et de vernis à l’ huile (généralement noir). La peinture se fait en quelques coups énergiques et fermes consécutifs avec un pinceau doux et des peintures à l’huile, richement diluées avec de l’huile de lin.

Broderie d’or de Torjok

La broderie au fil d’or s’est développée à Torjok au Xe siècle et fournissait principalement la cour du tsar et l’Église orthodoxe. Oleg Ivanov a sauvé l’usine de justesse à l’arrivée des bolcheviques ce qui a permis de garder cette tradition jusqu’à nos jours.

Fashion

Les châles traditionnels

Le châle en laine aux motifs traditionnels russes est apparu au XIXe siècle et s’est vite rependu dans toute la société russe – de l’aristocratie jusqu’aux paysans. Très grand, il permet de se couvrir entièrement le cou et la tête. Pratique quand il fait froid, c’est un souvenir utile.

Chapka le célèbre chapeau russe en fourrure

Encore un autre symbole de la Russie qui constitue un souvenir authentique d’un voyage réussi. L’ouchanka est un chapeau traditionnel russe ou nordique, en fourrure, muni de parties rabattables qui peuvent couvrir les oreilles et la nuque, ou être relevées et nouées sur la coiffe. Dans le langage courant, on le désigne souvent sous le simple nom de chapka, qui signifie « bonnet ».

Châles d’Orenbourg

Les châles d’Orenbourg sont entièrement tricotés à la main à partir de duvet de chèvres de l’Oural. Ils sont légers, élégants et très chauds. Ce souvenir est simplement unique, car vous ne trouverez nulle par ailleurs une telle qualité. Les chèvres d’Orenbourg sont une race particulière qui produit un duvet extrêmement chaud.

Valenki

Les valenki sont des chaussures d’hiver russes traditionnelles, essentiellement des bottes en feutre de laine. Les Valenki étaient autrefois les chaussures de choix pour de nombreux Russes, mais dans la seconde moitié du XXe siècle, elles ont perdu la plupart de leur attrait dans les villes, en raison de leur association avec les vêtements rustiques. Aujourd’hui vous pouvez les utiliser à la maison si vous venez des montagnes car elles tiennent très chaud.

Dentelle de Vologda

La finesse de la dentelle de Vologda est mondialement connue. Elle revient à la mode Depuis que Beyoncé est apparue dans son clip Jealous vêtue d’une cape de dentelle conçue par Ulyana Sergeenko.

Alimentation

Caviar rouge

En Russie cela s’appelle du caviar rouge mais en Europe on appele ça des oeufs de saumon. Dans tous les cas, il en existe de nombreuses variétés avec des qualités très différentes. Je vous explique comment choisir les meilleurs dans mon article ci-dessous.

Vodka russe

Bon là rien à dire, qui ne va pas ramener une vodka en souvenir de Russie ? Cela dit, il y a vodka et vodka. Ne vous précipitez pas vers la première bouteille, prenez le temps de lire et de comprendre comment choisir une vodka de qualité.

Zefir la guimauve russe

Le zefir, également connu sous le nom de zéphyr, zéphir ou zefi, est une confiserie russe populaire qui est traditionnellement fabriquée en fouettant des fruits rouges ou de la purée de fruits avec du sucre et des blancs d’œufs. Cette guimauve agrémentera efficacement votre café une fois de retour à la maison.

Chocolat et confiserie russes

Alors là, il y en a des montagnes ! Ce n’est pas le choix qui manque. Les grandes chocolateries soviétiques se sont regroupées en consortium pour distribuer tout le pays. Je vous donne les marques les plus célèbres dans mon article ci-dessous. Ne vous inquiétez pas, vous en trouverez dans tous les supermarchés.

Kvas, soda russe à base de pain

Cette boisson constituera sûrement votre plus grande surprise gustative en Russie. Il n’y a pas de juste-milieu, soit, on aime soit on n’aime pas, mais il faut toujours le boire très frais ! Je vous laisse la surprise de découvrir la conception de ce soda dans mon article.

Les sodas soviétiques

L’URSS a été mise à l’écart de la mondialisation pendant des décennies. Ce n’est pas pour autant que les Russes n’ont pas inventé leur propre soda. La gamme est bien diversifiée et chaque Russe pourra vous parler de son enfance un soda à la main. À retrouver dans tous les supermarchés qui se respectent.

Mors, un jus à la russe

Le mors est une boisson sucrée servie très fraîche, faite à partir de fruits rouges (à l’origine sauvages) tels que cassis, framboises, airelles, groseilles, griottes, ou plus rarement fraises. C’est l’outil idéal pour déguster de la vodka. Les Russes vous apprendront comment faire si vous demandez.

Medavukha, l’hydromel russe

La medavukha est une boisson alcoolisée slave à base de miel très similaire à l’hydromel. Elle a le degré d’alcool d’une bière, mais enivre beaucoup plus à cause du sucre. Excellente fraîche ne vous faite pas prié surtout si vous faites un tour dans l’anneau d’or. Souzdal est le fief de cette boisson. Attention tout de même de garder quelques souvenirs…

Autres idées

Jouets de Dymkovo

Les jouets de Dymkovo sont des figurines modelées en argile et peintes, représentant des personnages et des animaux (parfois en forme de sifflet). Ils représentent une forme ancienne d’artisanat populaire russe, toujours pratiquée dans le village de Dymkovo (oblast de Kirov, autrefois Viatka).

Peintures de Gorodets

La peinture de Gorodets est une tradition du XIXe siècle qui consiste à décorer des objets en bois de couleurs vives. Ces petites boites sont un souvenir authentique de Russie à ne pas louper.

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La matriochka ou poupée russe (En russe : Матрёшка) est depuis longtemps un symbole de la Russie, au même titre que la vodka, l’ours et les nombreux clichés qui se sont développés dans la conscience des gens. D’autre part, la matriochka russe est un brillant exemple de talent populaire, faiblement influencé par la culture de masse. Voyant ensemble d’où elle vient, comment elle fonctionne et ce qu’elle représente.

Histoire de la poupée russe appelée Matriochka

La première matriochka russe est apparue à la fin du XIXe siècle et a été reconnue comme l’une des images les plus complètes de la Russie, un symbole de l’art populaire russe.

La légende dit que la première matriochka russe est la figure d’un vieil homme chauve de bonne humeur, apparemment un sage bouddhiste apportée de l’île de Honshu, qui contenait plusieurs figures enfermées les unes dans les autres. Les Japonais, d’ailleurs, affirment qu’un moine russe inconnu a été le premier à tailler un tel jouet sur l’île de Honshu.

La poupée russe en bois détachable s’appelait matriochka. Dans la province pré-révolutionnaire, le nom Matryoshka était considéré comme l’un des noms russes les plus courants, basé sur le mot latin « mateg », qui signifie mère. Ce nom était associé à la mère d’une grande famille en bonne santé avec une noble figure. Plus tard, il est devenu un nom signifiant cette pièce de menuiserie détachable, peinte en couleurs. Mais même aujourd’hui, la matriochka reste un symbole de maternité et de fertilité avec ses nombreuses petites poupées.

De son apparition à sa consécration

Dans la seconde moitié du XIXe siècle, la grande réforme d’Alexandre II porte ses fruits : l’industrie se développe rapidement, les chemins de fer se construisent. En même temps, le niveau de conscience nationale augmente, l’intérêt pour l’histoire et la culture nationales apparaît, l’artisanat populaire est relancé. Depuis les années 60, le XIXe siècle a formé de façon anachronique une nouvelle branche des beaux-arts, appelée « style russe ». À l’époque soviétique, il était méprisé pour son style « pseudo-russe ».

De nombreux artistes célèbres, dont V.M. Vasnetsov, K.A. Somov, M.A. Vrubel, V.A. Serov, F.A. Malyavin, K.A. Korovin, S.V. Malyutin, E.D. Polenova ont participé de la manière la plus active à la création du style russe dans l’art. Ils ont été soutenus par des mécènes connus dont Savva Mamontov, le créateur du Cercle d’art d’Abramtsevo, près de Moscou. Avec Mamontov, les artistes discutaient des moyens de développer l’art russe et de faire revivre les anciens métiers populaires dont la confection de jouets. Anatoly Mamontov, frère de Savva Ivanovich, était le propriétaire du magasin-atelier « L’éducation des enfants » (en russe : Детское воспитание).

C’est dans l’atelier d’Anatoly en 1890 que la première matriochka russe fut mise au point par Vassily Zvezdochkin et peinte par Sergey Malyutin. Cette poupée en forme de femme avec un coq noir contenait 7 poupées plus petites dont une plus petite en forme de bébé, une fille avec une faucille, une fille avec un pain, un frère avec une sœur et deux autres filles.

A.I. Mamontov a engagé des artisans du jouet hautement qualifiés et a exigé d’eux une approche non-standard dans la fabrication des jouets. Pour élargir les horizons des maîtres et développer leur imagination créative, l’atelier a apporté des échantillons de jouets du monde entier. À cette époque, on observait un intérêt accru pour l’art oriental, en particulier l’art japonais. L’exposition d’art japonais, organisée à Saint-Pétersbourg en 1895, a beaucoup contribué à l’émergence et au développement de cette mode. Parmi les objets exposés on pouvrait trouver la figure d’un sage bouddhiste, Fukurumu, un vieil homme chauve et bon enfant, dans laquelle ont été placées plusieurs autres figurines en bois. La statuette de Fukurumu a été apportée de l’île de Honshu et, selon la légende japonaise, elle a été sculptée par un moine russe venu au Japon par des moyens inconnus. On pense que Fukurumu était le prototype de la matryoshka russe.

En 1900, la matriochka russe a été présentée à l’Exposition universelle de Paris, où elle a reçu une médaille et une reconnaissance mondiale. En 1911, les artisans de Sergiev Posad exécutaient des commandes pour 14 pays. Dans la liste des prix de l’atelier, 21 sortes de poupées imbriquées étaient répertoriées. Elles se distinguaient par la peinture, la taille et le nombre d’inserts allant de 2 à 24. En 1913, le tourneur N. Bulychev a sculpté une matriochka de 48 poupées spécialement pour l’exposition de jouets tenue à Saint-Pétersbourg. C’est d’ailleurs à Serguiev Posad que vous retrouvez le musée du jouet.

Les matriochkas de Semenov

L’énorme popularité de la matriochka de Sergiev Posad a entraîné une concurrence. Les maîtres d’autres endroits ont pu voir la nouveauté lors de foires, notamment la plus grande du pays, celle de Nijni-Novgorod. Suivant le mouvement, la ville de Semyonov a été choisie pour accueillir un grand centre artisanal de production de matriochka (où la matriochka est appelée Semyonovskaya).

La tradition de la peinture de la matriochka Semyonovskaya remonte aux maîtres du jouet héréditaire Mayorovs du village de Merinovo, non loin de Semyonovo. En 1922, Arsenty Mayorov a ramené de Nijni-Novgorod une matriochka non peint. Sa fille aînée Lyuba l’a peinte avec un pinceau à l’aniline. Sur sa tête, elle a représenté une kokochnik russe et, au centre, une fleur écarlate qui ressemble à une camomille.

La peinture de la matriochka Semyonovskaya, plus lumineuse et plus décorative que celle de Sergiev Posad trouve son origine dans les traditions populaires de l’ornement « à base de plantes » de la Russie ancienne. Les artisans de Semyonov ont laissé plus de surfaces non peintes, ils utilisent des peintures à l’aniline plus modernes, également recouvertes de vernis.

La matriochka Semyonovskaya se distingue des autres car elle est multi-places et se compose de 15 à 18 figures colorées. C’est à Semyonov que la plus grande matriochka de 72 poupées a été sculptée. Son diamètre d’un demi-mètre, et sa hauteur est de 1 mètre respecte les proportions officielles de 1:2. Semyonov est considéré comme le plus grand centre de création de matriochka en Russie.

La Matriochka de Polkhovsky Maidan

Au sud-ouest de la région de Nizhny Novgorod, il existe un autre centre célèbre pour la production et la peinture de poupées russes imbriquées – c’est le village de Polkhovsky Maidan. Cette matriochka est encore plus lumineuse avec des couleurs très vives. Les artistes de Polkhovsky Maidan, comme les artisans de Semyonov, se concentrent sur la peinture florale sur un tablier, en omettant tous les détails domestiques du costume. Le motif principal de leur peinture est la fleur d’églantier à plusieurs pétales («rose»). Cette fleur a longtemps été considérée comme un symbole du féminin, de l’amour et de la maternité.

La poupée russe incrustée de pailles

La matriochka Vyatka est la plus septentrionale de toutes les poupées russes. Elle a reçu une identité particulière dans les années 1960 car incrustées de pailles. Il s’agit d’un travail très complexe et minutieux, y compris la préparation d’un type spécial de paille et son utilisation dans la décoration des figurines en bois.

Matriochka d’auteur

Les changements politiques et économiques, connus sous le nom de « perestroïka » de Gorbatchev, ont suscité un grand intérêt dans le monde pour la culture russe. Les changements économiques ont permis l’ouverture d’ateliers privés et les artisans ont pu vendre leurs produits librement, comme c’était le cas il y a 100 ans. Cette période est dite « d’auteur » car les standards sont volontairement supprimés pour laisser la place à la créativité.

Les poupées russes modernes

La matriochka contemporaine est très pittoresque. Il s’est avéré que la poupée russe a un énorme potentiel pour garder en mémoire des événements et transmettre des émotions. C’est ainsi que la «subordination» dans la poupée russe s’exprime très clairement lors de la venue de Bill Clinton en Russie. Les poupées spécialement commandées représentant le futur président des États-Unis et ses plus proches collaborateurs.

Parfois, des conte de fées sont illustrés sur une matriochka avec des héros de contes folkloriques ou d’auteurs célèbres comme Pouchkine, Ershov, Aksakov, Tolstoï et autres. Très souvent, les artistes dessinent des monuments architecturaux sur les tabliers de poupées russes. Une telle matriochka est le meilleur souvenir car elle vous rappellera les endroits visités.

Comment sont fabriquées les matriochkas ?

En règle générale, les matryoshki (pluriel de matriochka en russe) sont faites de bois d’arbres à feuilles caduques. La matière la plus utilisée est le tilleul mais on peut aussi utiliser du bouleau, de l’aulne et du peuplier tremble. Les arbres destinés à la fabrication des matryoshkas sont abattus au début du printemps, généralement en avril quand ils sont en sève.

Ils sont ensuite nettoyés, laissant les cernes d’écorce à plusieurs endroits pour éviter que celui ne se fende en séchant. Les bûches ainsi préparées sont empilées irrégulièrement de façon à ce qu’il y ait un espace d’air entre elles. Le bois récolté est conservé à l’extérieur pendant au moins deux ans. Les grumes, prêtes à être transformées, sont sciées à blanc pour la future matriochka.

Entre les mains d’un tourneur, la pièce subit jusqu’à 15 opérations avant de devenir une matriochka prête à l’emploi. Habituellement, la plus petite figurine non ouverte est taillée en premier, puis toutes les autres figurines. Les poupées terminées sont apprêtées avec de la colle d’amidon puis séchées avant d’être peintes.

Où se procurer des matriochkas en France ?

Ci-dessous, vous pouvez retrouver tous les modèles et plein d’autres accessoires à l’effigie de ce symbole russe.

Poupée russe à Peindre

Poupée russe neutre en bois pour laisser parler votre imagination.

Poupée russe classique

Poupée russe classique de 7 pièces pour 21cm.

La matriochka

Jolie matriochka en bois de 15cm pour 10 pièces.

Où se procurer des matriochkas en Russie ?

Comme vous pouvez l’imaginer, on trouve des poupées russes partout en Russie et surtout aux abords des lieux touristiques. Plus vous en êtes proches, plus elles seront chères. Le mieux est de s’éloigner et si possible aller directement au producteur à Serguiev Posad ou à côté de Nijni-Novgorod. A Moscou, le marché ouvert d’Izmaïlovo vous offrira le plus grand assortiment. Il faudra alors faire son choix et bien négocier.

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La peinture de Gorodets (En russe : городец роспись) est un artisanat d’art populaire russe, un type particulier de peinture sur bois, apparu au milieu du XIXe siècle dans la région de Gorodets. Ce village, fondé au XIIe siècle, se situe sur la rive gauche de la Volga, non loin de Nijni-Novgorod, à 400 kilomètres à l’est de Moscou.

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Le village de Gorodets

Le village de Gorodets est situé le long de la Volga, territoire autrefois propice au commerce. La situation géographique du village a stimulé le développement de divers métiers. La célèbre foire de Makariev, la plus grande de Russie, se tenait traditionnellement à proximité du village.

Parmi les habitants des villes de la Volga, il y avait de nombreux forgerons et tisserands. Les artisans locaux aimaient surtout travailler le bois. C’est donc logiquement que la peinture de Gorodets est apparue pour décorer les créations de ces artisans.  

Qu’est-ce que la peinture de Gorodets ?

La peinture de Gorodets est un style de peinture sur bois qui se distingue par ses couleurs vives et son apparente simplicité. À l’origine, il était utilisé pour décorer les habitations et divers articles ménagers. Les rouets (machines à roue servant à filer le chanvre, la laine ou le lin) locaux étaient particulièrement appréciés. Ils étaient vendus en grandes quantités dans presque toute la Russie. 

Cette peinture typique originaire du petit village de Gorodets servait à décorer de nombreux objets du quotidien, comme des rouets, mais également des meubles, des volets, ou encore des portes. 

Histoire de la peinture de Gorodets

Comme évoquée précédemment, la peinture Gorodets est apparue dans la région de la Volga, dans la province de Nijni-Novgorod, dans la région de la ville appelée Gorodets. Les habitants des villages voisins décoraient les fileuses en bois avec des sculptures. Dans un premier temps, ils créaient le motif par l’insertion d’autres types de bois. Ensuite, ils peignaient l’ornement sculpté qui sera totalement recouvert de peinture par la suite.

Bientôt, on décorait avec des motifs peints non seulement les fileuses, mais aussi les traîneaux, les malles, les meubles, les jouets, les boîtes, les panneaux de bois et bien d’autres articles.

Au début, on utilisait des peintures à l’œuf, mais les peintures à l’huile et à la gouache l’ont progressivement remplacée.

Les sujets de la peinture de Gorodets étaient principalement des fleurs, mais aussi des images d’animaux. On retrouve notamment des chevaux, des oiseaux voire même des animaux plus exotiques comme des lions ou des léopards. 

La peinture représentait également des scènes de la vie quotidienne comme la vie des paysans, des marchands, des scènes de mariage, des scènes de la vie urbaine, des personnages de contes populaires, ou encore des scènes romantiques variées comme des promenades.

La peinture de Gorodets atteint son apogée dans les années 1890. Au début du XXe siècle, cet artisanat est cependant tombé en déclin et a presque cessé d’exister pendant la Première Guerre mondiale.

La renaissance de la peinture de Gorodets

On associe la renaissance moderne de la peinture de Gorodets au nom d’Ivan Oveshkov. Cet artiste a ouvert en 1935, un atelier public réunissant d’anciens peintres, dans le village de Koskovo, dans l’Oblast de Vladimir, dans le but de préserver cet art populaire. Ivan Oveshkov a non seulement pris la direction de l’atelier, mais a également organisé des cours de formation pour enseigner l’art de la peinture décorative à une nouvelle génération d’artistes. Sous sa direction, la gamme d’articles décoratifs a commencé à s’élargir. En deux ans, les œuvres de ses élèves ont été présentées à l’exposition d’art populaire de la Galerie Tretiakov, l’un des plus célèbres musées moscovites. 

L’une des réussites du XIXe siècle est l’émergence de cette technique dans l’art. La peinture de Gorodets se trouvait à l’origine sur le plateau des rouets. Ils ont été décorés à l’aide d’une technique d’incrustation spéciale : des figures sculptées dans du bois d’une espèce différente ont été insérées dans les renfoncements des objets. De cette façon, les artisans de l’époque ont créé de véritables chefs-d’œuvre d’art populaire.

Dans la seconde moitié du XIXe siècle, le besoin de fileuses a augmenté et l’incrustation est devenue un moyen très long et laborieux de les décorer. On décida de remplacer la sculpture par la peinture vers la fin du XIXe siècle. Les éléments picturaux devinrent la principale décoration.

En 1960, l’atelier fondé par Ivan Oveshkov devint l’usine « Peinture de Gorodets » (Gorodetskaya Rospis en russe). Les anciennes traditions sont toujours maintenues en vie par les artisans contemporains qui travaillent à l’usine de peinture de Gorodets pour produire œuvres et souvenirs. 

Les particularités de la peinture de Gorodets

La peinture de Gorodets se distingue par certaines caractéristiques : les peintres utilisent des traits libres pendant la peinture et celle-ci est réalisée sans croquis préalable.

Dans la peinture de Gorodets, on retrouve souvent des sujets similaires comme les fleurs de Gorodets. Ces dernières se distinguent par la diversité des formes et des couleurs. Les types les plus populaires sont les images de bourgeons, de camomilles, de marguerites et de roses. Les feuilles sont dessinées en groupes de deux à cinq pétales.

Les animaux. Ces motifs sont profondément symboliques. L’oiseau est la représentation du bonheur familial, et le cheval quant à lui, incarne la richesse.

Aujourd’hui

L’usine « Peinture de Gorodets » continue d’expérimenter pour concevoir des compositions d’un genre nouveau. Elle préserve également la tradition artistique et stylistique, datant du XIXe siècle. Ils permettent ainsi à cet artisanat national de continuer à se développer.

Les artisans de Gorodets produisent des objets décoratifs, des coffrets, des boîtes, divers ensembles d’articles de cuisine ainsi que des meubles et des jouets pour enfants, dont le très populaire cheval à bascule. Ils produisent également de nombreux souvenirs typiques pour les touristes.  

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Les artisans du village russe de Kazakovo, situé dans la région de Nijni-Novgorod, sont réputés pour l’orfèvrerie et le travail des métaux, et plus particulièrement pour ce qu’on appelle le filigrane. Ce type de travail requiert un savoir-faire unique ainsi qu’une technique méticuleuse.

Cet artisanat fait aujourd’hui la fierté du village de Kazakovo et est considéré comme l’un des symboles du savoir-faire russe. 

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Qu’est-ce que le filigrane de Kazakovo ?

Le filigrane est une sorte de dentelle de métal faite de fils ou de lanières d’or ou d’argent finement soudés, à jour ou sur un fond, composant divers motifs. Des bijoux et objets divers ont été faits ou revêtus de filigrane depuis l’Antiquité. Il s’agit de l’un des plus anciens types de travail artistique du métal. 

Le nom du mot vieux-russe signifiant « torsion », ou comme cette variété de technique de bijouterie est également appelée, filigran de l’italien filigrana. Le mot vient du latin filum (fil) et granum (grain), car le motif est parfois fait de fil torsadé, mais aussi de petites billes de métal. 

Le filigrane peut être considéré comme l’apothéose de l’art du bijou ancien, qui a survécu et existe encore aujourd’hui à notre époque. Le filigrane implique une technique spécifique, qui consiste à tordre le fil le plus fin des métaux précieux, le plus souvent en or ou en argent. La torsion de deux fils produit un fascinant motif ajouré qui est ensuite appliquée sur la surface du bijou. Cette méthode est utilisée dans la fabrication de différents bijoux : boucles d’oreilles, bagues ou pendentifs.

Histoire du filigrane de Kazakovo

En Russie, le filigrane est une technique connue depuis très longtemps. On trouve des objets en filigrane dans les fouilles des kurgans du IXe siècle. La technique des grains était déjà utilisée dans à l’époque de la Rus de Kiev (une principauté slave, orientale qui s’est développée autour de Kiev) au Xe siècle. 

Dans ces objets, le fil torsadé n’est presque pas utilisé. Mais à partir du XIIe siècle, les grains passent au second plan et le filigrane de fond soudé est de plus en plus utilisé. 

Au XVIIe siècle, le besoin d’objets en filigrane augmente. Une division du travail apparaît, les artisans deviennent indépendants et des artisans individuels se chargent de la production de filigranes. 

Au XVIIIe siècle, de grands ouvrages filigranes ont été réalisés en utilisant par exemple des pierres, du cristal et de la nacre. On retrouve à cette époque de plus en plus de petites argenteries en filigrane, comme des vases, des salières ou encore des coffrets.

Depuis le XIXe siècle, les usines produisent un grand nombre d’objets filigranes : vaisselle chère, ustensiles d’église, accessoires de toilette. Les méthodes et les techniques utilisées se perfectionnent. 

En Russie, le village de Kazakovo, dans le district de Vacha de l’Oblast de Nijni-Novgorod, devient l’un des plus grands centres de production de filigranes. Le premier artel pour la production de filigranes a été établi dans le village en 1939. 

Le filigrane pendant la Seconde Guerre Mondiale

Pendant la Seconde Guerre mondiale, les artisans ne sont pas restés inactifs. Même si la fabrication de bijoux s’est interrompue, ils ont continué à travailler. Ils fabriquaient alors les épaulettes, les bretelles pour les officiers ainsi que des étuis à cigarettes et autres objets utiles en temps de guerre.

Dans la période d’après-guerre, ils ont développé la production de couteaux et de fourchettes, ainsi que la production de vases, de sucriers, de porte-bonbons et bien d’autres objets d’une beauté étonnante. Au milieu des années 1950, les caractéristiques propres au filigrane de Kazakovo continuent de se développer. La principale particularité du filigrane de Kazakovo est le fait qu’il ne soit pas appliqué dans le cadre de la décoration d’un objet métallique, comme une superposition sur le métal. Il est plutôt utilisé pour créer des objets entièrement ajourés.

Au cours des années 1990, l’artel a connu des moments très difficiles. Les prix des matières premières ont fortement augmenté et le nombre de clients a considérablement diminué. Comme ailleurs, le nombre d’employés a été réduit, mais l’ossature principale de l’équipe créative est restée.

L’artel hérite et développe les plus riches traditions du passé, en recherchant et en développant de nouvelles techniques et de nouveaux types de produits en filigrane. En constante recherche créative, les artistes trouvent de nouveaux motifs et de nouvelles combinaisons. Ils utilisent dorénavant la dorure, et incluent parfois des pierres précieuses ou du cristal à leurs réalisations. 

Ces dernières années, l’entreprise a commencé à fabriquer des objets religieux comme des pendentifs, des couvertures d’icônes, des croix, ou des panagias, des médaillons renfermant l’image de la Vierge.

Le filigrane de Kazakovo aujourd’hui

Les choses vont maintenant très bien pour l’artel de Kazakovo. Les artisans travaillent aujourd’hui avec l’administration présidentielle russe, la Chambre des comptes, le Conseil de la Fédération, les administrations des villes et des régions, les chemins de fer russes, l’entreprise Gazprom, le bureau du procureur général, ou encore avec le ministère de la Défense.

Aujourd’hui, l’artel de Kazakovo emploie une centaine de personnes. Ses produits sont connus dans toute la Russie, bien au-delà des frontières de la région. Comme autrefois, les bijoutiers travaillent à la main durant tout le processus de fabrication. C’est un travail minutieux et certains objets nécessitent plusieurs mois pour être fabriqués.

Pour maintenir les traditions de l’artisanat filigrane, l’artel de Kazakovo emploie de jeunes artisans. Il coopère également avec le collège d’art et d’artisanat populaire de Pavlovsk (petite ville située à une vingtaine de kilomètres au sud de Saint-Pétersbourg). Cette coopération permet aux artisans expérimentés de partager leurs connaissances avec la nouvelle génération.

Les artisans de Kazakovo mêlent habilement traditions et modernité. La gamme de production comprend plus de 100 articles. Outre les célèbres porte-gobelets, vous pouvez également acheter d’autres objets décoratifs, des bijoux et des montres, des gobelets de sport et des ustensiles d’église. Tous les articles sont fabriqués en filigrane ajouré et argenté. Tous ces objets sont des pièces uniques, entièrement fabriquées à la main.

Le filigrane de Kazakovo est donc une excellente idée pour un cadeau authentique ou un souvenir de Russie. 

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Torjok, située à 240 kilomètres au nord de Moscou dans la région du Tver, est la ville de Russie où s’est développé l’artisanat populaire de la broderie d’or. Les brodeurs d’or de Torjok travaillaient autrefois pour les Romanov, la famille impériale russe. Ils ont par la suite travaillé pour le gouvernement soviétique avant de voir leur usine et leurs traditions disparaître dans les années 1990 avec la fin de l’Union soviétique.

Aujourd’hui, cet artisanat est populaire auprès des élites russes et continue de faire la renommée de Torjok. 

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L’histoire de la broderie d’or de Torjok 

La broderie d’or est un artisanat ancien qui est arrivé relativement tard en Russie. Il est apparu à Torjok au XIIIe siècle et s’est fortement développé dans la seconde moitié du XVIIIe siècle la première moitié du XIXe siècle. 

Les brodeurs d’or de Torjok se sont inspiré des broderies byzantines, les références en la matière. À cette époque, ils brodaient des coiffes, des tabliers, des ceintures, des chaussures, des sacs à main, des détails de costumes folkloriques et des objets d’usage religieux. Ils ont même reçu des commandes de la part de la famille impériale russe, les Romanov. 

En 1855, 30 des meilleurs brodeurs de Torjok ont été envoyés à Saint-Pétersbourg, à l’occasion du couronnement d’Alexandre II, pour broder des armoiries. Certaines de ces pièces sont aujourd’hui conservées au musée d’État de l’Ermitage et dans la chambre des armuriers.

Dans la seconde moitié du XIXe siècle, en raison de l’évolution de la mode et du coût élevé de la broderie d’or, la demande de broderies d’or a chuté et les commandes sont devenues de moins en moins régulières. Pour préserver cette tradition, des ateliers ont été ouverts et les brodeurs d’or ont ainsi pu continuer à exercer leur métier.

En 1923, une école a été créée pour dans le but de former les brodeurs, et en 1928, ses diplômés ont été réunis dans l’artel de broderie d’or de Torjok. La création de cet artel a coïncidé avec une importante commande de bannières et d’insignes militaires. 

Grâce à ces nombreuses commandes, l’artel est devenu une usine dans les années 1960 et employait jusqu’à 1 000 femmes. L’usine produisait principalement des insignes, des vêtements, des bannières et des banderoles pour l’armée soviétique, mais également différents accessoires traditionnels. 

Les produits des maîtres de Torjok ont été exposés à plusieurs reprises lors d’expositions nationales et étrangères entre le XIXe et le XXe siècle, dont les plus importantes : Nijni Novgorod, Philadelphie, Moscou, Paris, Milan, New York, Bruxelles ou encore Osaka.

De la chute de l’Union Soviétique à nos jours

Après la chute de l’Union soviétique, l’usine Torjok a fermé. Elle a ensuite été rachetée par Oleg Ivanov, originaire de Torjok, pour perpétuer la tradition de sa ville. 

Les premières œuvres faites à l’usine après sa réouverture étaient des icônes. L’Église orthodoxe est, en effet, redevenue l’un des principaux clients de l’usine grâce à la chute du régime soviétique. L’usine continue également de broder des insignes, cette fois pour l’armée russe. 

Aujourd’hui, environ 300 femmes travaillent au Torjok Zolotochveïa. Chaque année, environ 15 jeunes femmes commencent leurs études d’art de l’orfèvrerie. Durant deux ans et demi, elles apprennent ce savoir-faire traditionnel et perpétuent ainsi cet artisanat typiquement russe.

De nos jours, les produits des brodeurs d’or de Torjok peuvent être vus dans de nombreuses expositions en Russie ou à l’étranger. Les collections de broderies en or de Torjok sont notamment conservées au Musée d’État russe, au Musée d’art populaire, ainsi qu’au Musée de Torjok.

La broderie d’or de Torjok aujourd’hui

La gamme moderne de produits de broderie d’or est riche et variée. Il s’agit de broches, de housses de coussin décoratives, de belles nappes, de serviettes, de chemins de table, de bijoux féminins originaux (broches, parures de poitrine, pinces à cheveux), de ceintures brodées d’or et d’argent, de vêtements féminins élégants, de coiffures, d’écharpes, de châles, de sacs de théâtre, de sacs de beauté, de sacs à main, de porte-monnaie, d’agendas, de carnets, de boîtes, de flacons, de cravates et bien plus encore. 

La broderie d’or, comme à l’époque, est réalisée avec des fils dorés et argentés sur du cuir, du daim, du velours, de la soie, de la laine et d’autres matériaux modernes. La broderie est complétée par des perles, des fils, des pierres semi-précieuses et des perles. Les compositions de la broderie d’or utilisent à la fois des ornements floraux traditionnels russes, des animaux ou des motifs picturaux, géométriques et architecturaux.

Visiter Torjok et son musée

Vous pouvez visiter à Torjok le musée d’orfèvrerie Torzhokskiye Zolotoshvei. Il s’agit d’un musée qui raconte l’histoire de la naissance de la broderie d’or et son développement au fil des années. Vous comprendrez également comment les brodeurs Novotorjsky, comme on appelle les habitants de Torjok, sont devenus réputés dans toute la Russie pour leur savoir-faire.

L’exposition du musée est très instructive et présente de nombreuses broderies d’or d’une d’une beauté époustouflante, comme des vêtements, des coiffes ou des icônes.

L’espace d’exposition est organisé de manière à faire découvrir progressivement l’histoire et l’évolution de la broderie d’or. Vous comprendrez ainsi les raisons de sa popularité à travers la Russie. Une visite captivante et fascinante consacrée à un artisanat unique et traditionnel qui fait la fierté de Torjok et de la région de Tver. 

Le musée peut être visité tous les jours de la semaine. Il est ouvert du lundi au vendredi, de 9 heures à 18 heures, et les samedis et dimanches de 9 heures à 17 heures. Un billet ne coûte que 150 roubles. On y trouve également un magasin dans lequel vous trouverez différents souvenirs typiques de Torjok. 

Le musée de l’Usine de broderie d’orfèvrerie à Torjok ainsi que le magasin se trouvent sur Kalininskoïe Chaussée 12 à Torjok dans la région de Tver.

Comment se rendre à Torjok ?

Pour visiter Torjok et découvrir son artisanat unique, plusieurs options s’offrent à vous : 

Vous pouvez vous y rendre en voiture par l’autoroute M10 qui relie Moscou et Saint-Pétersbourg et vous arrêter à Torjok.

L’autre possibilité est le train. Il vous faudra aller dans un premier temps jusqu’à Tver, puis à Torjok avec le train régional. 

Depuis la gare de Tver, vous pouvez également choisir de prendre le minibus, qui s’arrête juste à côté du musée Torzhokskiye Zolotoshvei, le musée d’orfèvrerie de Torjok. 

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Artisanat d’une beauté incroyable, d’une exécution semblable à celle d’un bijou, aux motifs riches, la dentelle de Vologda est un artisanat mondialement connu, originaire des territoires du Nord de la Russie. Chaque ornement a son propre rythme et prend vie, donnant au produit une beauté et une unicité inimitables.

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Histoire de la dentelle de Vologda

La tradition d’orner les vêtements avec des motifs brodés a débuté en Russie il y a longtemps. De cette manière, les femmes décoraient les vêtements de la classe paysanne, de la noblesse et de la royauté.  Belles dentelles avec des fils d’or ou d’argent, perles, pour la noblesse ; aux beautés de la campagne, quant à elle, les dentelles faites de lin.

Les géniteurs de la dentelle de Vologda sont venus d’Europe. La première dentelle étrangère – faite de fils d’or – est arrivée à Vologda au XVIe siècle par la route maritime du Nord. Un siècle plus tard, la Russie a commencé à fabriquer… des lacets en métal dans le palais de l’Armurerie.

L’art de la dentelle de Vologda est apparu aux XVIIe-XVIIIe siècles. Jusqu’au début du XIXe siècle, les travaux d’aiguilles sont réalisés à domicile.

La première usine est apparue à Vologda qu’un siècle plus tard. Le commerce de masse doit, lui, son apparition aux serfs. Tous les domaines des propriétaires fonciers de la province avaient leurs mini-usines : ils tissaient à Moscou et à Saint-Pétersbourg. Un tiers de toutes les dentellières de Russie vivaient dans la province.

Les motifs ornementaux de chaque comté de Vologda différaient les uns des autres. Les produits se caractérisaient par l’individualité du travail de maître. La technique d’exécution de la dentelle différait également. L’apogée de ce savoir-faire coïncide avec l’abolition du servage. Artisanat peu coûteux. Le rouleau, les bobines et le métier à tisser coûtaient avant la révolution 1 rouble 50 kopecks. Les dentellières gagnaient jusqu’à 20 roubles par an, mais passaient 16 heures par jour avec des fuseaux.

Fin XIXe siècle début du XXe siècle s’amorce un déclin de cet artisanat, avant qu’il ne dépasse les frontières de la Russie pour atteindre l’Europe, où il devint immédiatement à la mode.

Caractéristiques uniques de la dentelle de Vologda

La première caractéristique reside dans la division obligatoire entre le motif et le fond (lignes d’ornement claires et expressives qui ne se confondent pas avec le fond).

Aux premiers stades de la création de cet artisanat populaire, les travailleurs qualifiés ont choisi comme motif principal les légendes, contes et contes de fées. Mais aussi oiseaux ou l’arbre de vie. De nos jours, les dentellières laissent place à la créativité et à l’imagination.

Au cours du XXe siècle, de nombreuses expositions et compétitions étrangères ou nationales sont organisées. Les produits en dentelle de Vologda y recoivent des places d’honneur et une reconnaissance indéniable. La première, à Paris, apporte une reconnaissance internationale aux travaux d’aiguille du Nord. L’Union de la dentelle de Vologda reçoit le Grand Prix en 1937 pour sa nouveauté et son exécution artistique. Des médailles d’or ont été apportées à Vologda depuis Chicago, Philadelphie et Bruxelles, la capitale de la dentelle.

Les dentellières de renom et leurs oeuvres

Kapitolina Vasilievna Isakova, instructeur en chef de l’école de dentelle, se distingue par une atmosphère sereine et lyrique. Son célèbre panneau « Le cerf » 1968, est très chaleureux dans son atmosphère et virtuose dans son exécution. Les rennes y sont représentés en lignes fluides, chaque personnage étant placé sur sa propre rangée. Les fils blancs comme neige reproduit fidèlement le silence de la forêt d’hiver.

Vera Dmitrievna Veselova, dentellière héréditaire, fabriquait de la dentelle non seulement pour des panneaux, mais aussi pour des vêtements et des intérieurs. Sa nappe « Ladya », une incarnation des traditions du motif Vologda, un échantillon des plus fins détails, est bien connue.

Viktoria Nikolaïevna Yelfina a réalisé des compositions complexes et à grande échelle. Son tableau « L’arbre qui chante » 1978 traduit habilement l’arrivée du printemps, lorsque la nature réveille la vie. Son arbre est en fleurs et les oiseaux chanteurs tournoient en son sommet. Sa première œuvre, la nappe « Flocon de neige », est devenue un emblème du métier de dentellière et un symbole de reconnaissance de cette habile union.

La dentelle de Vologda aujourd’hui

En 2010, un musée de la dentelle voit le jour dans un manoir du XIXe siècle à Vologda. En plus de l’exposition, il dispose d’un café, de salles de cours et d’un salon-boutique. Parmi les quatre mille objets exposés figurent les premières dentelles en fils d’or et d’argent, mais la principale fierté de la collection est le travail des dentellières de Vologda, que le conteur Stepan Pisakhov appelait « le chant gelé ».

« La dentelle la plus massive ». Le record professionnel a été établi à Vologda par 570 dentellières, qui ont travaillé simultanément pendant deux heures. Événement international : des maîtres de huit pays – de l’Australie au Canada – y ont participé.

Musée de la dentelle à Vologda

L’exposition principale du musée est consacrée à la fondation et au développement de l’artisanat d’art traditionnel de la région de Vologda et aux tendances mondiales dans le développement de la dentelle de la fin du XIXe au début du XXIe siècle. La collection s’est constituée sur plusieurs années. Des expositions uniques de fabrication de dentelles des entrepôts de la réserve-musée historique, architectural et d’art de Vologda ont été prises comme base. De plus, on trouve des croquis spéciaux, des costumes de la fin du XIXe – début du XXe siècle ont été confectionnés, les produits de dentelle de l’auteur ont été achetés par les principaux dentelliers de Vologda et des échantillons de dentelle de centres de dentelle étrangers en France, Belgique, Allemagne, Autriche et Pologne. Certaines expositions ont été offertes au musée par des organisations et des particuliers.

L’exposition du Musée de la Dentelle aborde les thèmes suivants :

• La dentelle dans les objets de culte des XVIIe-XIXe siècles
• Dentelle en costume paysan et textiles ethnographiques
• Produits en dentelle 1920-1940
• Centres de dentelle en Europe et en Russie
• Oeuvres d’auteur des artistes de l’association « Flocon de neige »

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À un peu moins de 1000 kilomètres à l’est de Moscou, se trouve la ville de Kirov. Cette ville de 500 000 habitants, à l’architecture typique des villes russes, est située le long de la rivière Viatka. C’est sur la berge opposée à la ville de Kirov qu’est né cet Art populaire. Aujourd’hui, du village historique de Dymkovo, il ne reste plus qu’une petite plage et des maisons en bois. Il s’agit du berceau des célèbres jouets d’argile.

C’est un destin tragique qui est à l’origine de ces jouets. En effet, c’est en 1418 qu’apparaît la première création de ces objets. À cette date, une grande bataille meurtrière a opposé les habitants de la région de Viatka à ceux de la ville de Veliki Oustioug et a laissé de nombreux orphelins à Kirov. Ces jouets sont parfois appelés également jouets de Viatka ou jouets de Kirov.

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L’origine des jouets de Dymkovo

Afin de réconforter les enfants de Dymkovo de la perte de leurs parents, des habitants leur ont fabriqué des jouets qui étaient des figurines mais également des sifflets, tous en terre cuite. Les figurines fabriquées étaient petites afin que les enfants puissent les tenir dans leurs mains et jouer.

Une affaire de femmes…

Dès l’origine, le travail est exclusivement féminin. C’est en plus de leur travail quotidien que les femmes reproduisaient, à la fois pour faire plaisir mais également pour se distraire, ce qu’elles voyaient : des aristocrates, des enfants, des animaux… C’est peu à peu qu’elles se sont mises à vendre cet Art populaire si typique. Au fil des siècles, le secret de la fabrication s’est transmis de mère en fille. En 1811, le général Nikolai Khitrov, décrit pour la première fois cet Art féminin si coloré déjà pour son l’époque.

Pourtant, cet art a failli disparaître dans les années 1920 après la Révolution Bolchevique. Une femme, Anna Afanassievna Mezrina, a réussi à sauver, à relancer et à faire perdurer à elle seule cet artisanat. Cet Art a réussi à résister à toutes les crises. Lors de la Seconde Guerre Mondiale, après avoir été abandonné, la production a été relancée. Avec la chute de l’URSS en 1991, paradoxalement, la fabrication a été de plus en plus importante. En effet, les couturières n’avaient plus de commandes et elles se sont souvent reconverties dans la fabrication des jouets de Dymkovo. En outre, avec la fermeture en masse d’usines, la crise des banques, les jouets servaient de monnaie d’échange dans les systèmes du troc. Actuellement, plus d’une cinquantaine de femmes fabriquent ces jouets, toujours à Kirov. Certaines travaillent à leur propre compte souvent chez elles et d’autres travaillent dans des coopératives de production (les artels). Pourtant, les artisans sont vieillissants et les jeunes ne sont plus attirés par cet artisanat qui reste peu rémunérateur.

Les différentes étapes de fabrication

Le jouet Dymkovo est un objet unique artisanal. Il n’existe pas et il ne peut pas y avoir deux produits absolument identiques.

La matière première

Dès leur origine ces objets ont été fabriqués à base d’argile rouge vif mélangé avec du sable brun de la rivière Viatka. Le sable est ramassé au printemps, après les crues afin qu’il soit le plus propre possible pour qu’il ne se fissure pas pendant la cuisson. Ces deux ingrédients sont mélangés, pétris longuement puis on rajoute de l’eau.

L’objet

Puis la pâte obtenue est coupée en boules et mise dans des moules qui vont donner la forme définitive au jouet. Après séchage, l’objet obtenu est travaillé au couteau afin d’enlever les surplus d’argile. Puis, un léger polissage, à l’aide d’un chiffon humide est pratiqué afin qu’il soit lisse et uniforme.

Le séchage

Un temps de séchage de deux jours est nécessaire et ces pièces moulées sont assemblées entre elles avec de l’argile rouge liquide. Après un nouveau temps de séchage, l’objet est à nouveau lissé pour donner au produit une surface plane. Le séchage complet dure, en fonction de l’objet et de la météo, entre deux et une trentaine jours. Il est alors cuit pendant 2 à 3 heures dans un four entre 700 et 900 degrés.

Le blanchiment

Le produit virant au rouge-brun après cuisson, la figurine doit être blanchie. Les pièces sont alors plongées dans une solution de craie, finement broyée au préalable, et de lait. Cette opération est reproduite deux à trois fois et uniformise la surface du produit.

La peinture

Autrefois, les peintures étaient à base de pigments naturels mélangés à du jaune d’œuf et du kvas (boisson aigre traditionnelle obtenue par fermentation de farine, de malt, ou de pain de seigle). Des plumes et des bouts de bois servaient à la décoration du jouet. Après séchage, et pour le rendre brillant, l’objet était recouvert à nouveau par de l’œuf. Les couleurs étaient nombreuses et vives : rouge, jaune, vert, bleu, marron, rose, noir. Les artisanes commençaient par les peintures les plus claires. Aujourd’hui, les colorants artificiels (aniline) et les pinceaux sont utilisés pour peindre. Les artistes utilisent toujours les mêmes palettes de couleur variées et éclatantes qu’autrefois.

Une peinture décorative

Les motifs géométriques ont toujours été utilisés pour peindre les jouets de Dymkovo. Chaque artisane peint les motifs selon son inspiration et même si certains décors reviennent parfois dans les jouets, ils restent des pièces uniques. Ainsi, on retrouve souvent des motifs comme des cercles, des rayures, des points, des lignes droites, des étoiles, des éléments végétaux, des traits bleus ondulés qui représentent l’eau… Cet ornement peut être unicolore ou multicolore et également décoré de feuilles d’or.

Les différents types de jouets de Dymkovo

Les sifflets

Les sifflets sont l’un des jouets symboliques fabriqués dès le XVe siècle. Donnés aux orphelins de Dymkovo, afin de les distraire, ils sont à l’origine de la fête de la danse des sifflets. Chaque année, au printemps, les habitants honoraient le matin lors d’une messe leurs ancêtres disparus, puis l’après-midi, ils s’amusaient. Les habitants se réunissaient, sifflaient en déambulant dans les rues. Ces sifflets étaient soit noirs soit rouges. Puis, les artisanes ont vu de la porcelaine chez les maîtres, elles ont alors adopté le fond blanc et ont décoré les sifflets. Un concours de siffleur avait lieu chaque année. Les jouets étaient et sont toujours fabriqués en forme de cheval, de cavalier, de vache, d’oiseau, etc.

Les figurines humaines

Petites à l’origine afin de tenir dans la main des enfants, les figurines ont désormais des tailles variées. Ces figurines sont souvent des représentations féminines. Elles sont peintes et représentées en vêtements traditionnels colorés et mettent en scène les femmes russes dans leurs activités quotidiennes. Ainsi, on retrouve des mères avec leurs enfants, des porteuses d’eau, des cuisinières, et même des conductrices de voitures. On retrouve également des représentations d’hommes qui sont des pêcheurs, des cavaliers sur différents animaux, bien entendu sur des équidés, mais également sur des coqs, des cerfs, des oiseaux etc.

Les animaux

Les représentations animales sont nombreuses et empruntent à la fois aux animaux domestiques et aux animaux sauvages. Toujours peints de couleurs vives, ils représentent des dindes, des poules, des béliers aux cornes d’or, des chevaux, des bœufs, des chèvres, des cerfs, des ours, des baleines… C’est toute la faune russe qui est représentée.

Les autres représentations

Suivant leur inspiration, les artisanes représentent leur époque même si cet art populaire garde sa tradition originelle. Ainsi, à l’époque soviétique, les artistes aimaient piocher dans le thème des succès scientifiques et spatiaux : un homme et une femme en scaphandre sous un pommier, la représentation de Youri Gagarine sont recherchés chez les collectionneurs. Des scènes anecdotiques de la vie des artisanes trouvaient également une traduction dans leur art. Ainsi Zoïa Penkina, créatrice de jouets de mère en fille a représenté son premier voyage dans le métro de Moscou. Elle a créé la figurine d’une femme agitée, coincée par un tourniquet à l’entrée d’une station sous le regard d’une personne âgée tout aussi émue.

Où découvrir cet artisanat ?

Depuis Moscou, la ville de Kirov est accessible en train de nuit, mais il faut compter 13 heures de trajet.

À Kirov, il suffit de se promener dans la ville pour rencontrer de nombreuses artisanes et leurs productions. Néanmoins, trois lieux sont à privilégier :

• Le musée régional des traditions locales de Kirov est ouvert du mardi au dimanche, de 10h à 18h30. Avant une visite vous pouvez les contacter par téléphone au +7 833 238-28-68 ou par mail ofis@muzey43.ru . Vous pouvez également consulter leur site Internet www.muzey43.ru

• La fabrique du jouet de Dymkovo et son musée est ouvert de juin à août (du lundi au vendredi), de septembre à mai (du mercredi au dimanche) ; de 10h à 18h. Avant une visite vous pouvez les contacter par téléphone au +7 833 238-39-53 ou par mail dymkatoycxp@mail.ru. Vous pouvez également consulter leur site Internet www.dymkatoy.ru

• Le centre d’artisanat populaire « Viatka » est ouvert sur inscription. Vous pouvez réserver par téléphone au +7 833 235-28-28 ou par mail center.vyatka@gmail.com. Vous pouvez également consulter leur site Internet : www.vyatskoeremeslo.ru.

En Russie, de nombreuses expositions temporaires ont lieu à Kirov, Moscou ou encore Saint-Pétersbourg.

A l’international, le jouet de Dymkovo est exposé aux Etats-Unis au Japon ou encore en Suisse.

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