Le permis de séjour permanent (résidence) est appelé en russe « вид на жительство » et abrégé en « ВНЖ » (VNJ). Il vous donne le droit de travailler et de vivre légalement dans la Fédération de Russie, et cela, de manière indéfinie. Afin d’obtenir ce précieux document de couleur bleu et de la taille d’un passeport, il faut déjà être éligible. Ensuite, au même titre que le permis de séjour temporaire (RVP) il faudra constituer un dossier et faire la demande auprès du ministère des affaires étrangères. Dans cet article, nous vous donnons des précisions sur cette procédure qui peut s’avérer très longue si on ne s’y prépare pas bien.

Quelles sont les conditions pour demander un permis de séjour permanent ?

Pour obtenir un permis de séjour, il faut absolument entrer dans une des conditions. Si ce n’est pas le cas, et même si vous vivez en Russie depuis des dizaines d’années alors il faudra faire une demande de quota.

1. Les ressortissants étrangers nés sur le territoire de la RSFSR et qui avaient auparavant la citoyenneté soviétique.
2. Les citoyens étrangers mineurs dont les parents résident en permanence dans la fédération de Russie.
3. Les citoyens étrangers mineurs recevant un permis de séjour avec leurs parents/tuteurs.
4. Les citoyens étrangers ayant des parents ou des enfants citoyens de la fédération de Russie et résidant en permanence en Russie.
5. Les citoyens étrangers légalement reconnus recevant un permis de séjour avec leurs parents/tuteurs ou ayant des parents/tuteurs avec un permis de séjour valide.
6. Les citoyens étrangers reconnus comme étant des locuteurs natifs de la langue russe (NRYA)
7. Les ressortissants étrangers expulsés du territoire de la république de l’union autonome de Crimée et leurs proches en ligne directe
8. Les spécialistes hautement qualifiés (VKS) travaillant dans la fédération de Russie depuis au moins six mois et les membres de leur famille (cf. en pratique ci-dessous)
9. Les citoyens étrangers qui ont suivi avec succès dans la fédération de Russie un programme d’enseignement supérieur à temps plein reconnu par l’état et qui ont reçu un document sur l’éducation et les qualifications avec mention (diplôme rouge).
10. Les personnes résidant en fédération de Russie et dont la citoyenneté de la fédération de Russie a été révoquée.
11. Les citoyens Biélorusses et Turkmènes.
12. Un citoyen étranger qui a reçu un permis de séjour temporaire RVP en Russie.

Changements appliqués le 1er Novembre 2019

1. La durée de traitement des VNJ passe de 6 mois à 4 mois.
2. Le permis de séjour permanent VNJ n’a plus de date de péremption. Il est maintenant valable pour une durée indéterminée. Avant il était valide 5 ans.
3. Le livret du permis de séjour permanent VNJ doit être changé dès l’âge de 14, 20, 45 ans. Il doit être changé au plus tard 1 mois après avoir atteint l’âge spécifié
4. Une notification annuelle de permis de séjour permanent doit être soumise chaque année dans les deux mois suivant l’expiration de l’année suivante à compter de la date de réception du permis de séjour (auparavant, elle pouvait être déposée tout au long de l’année). En outre, vous pouvez soumettre une notification en personne, par courrier ou par l’intermédiaire du portail des services de l’état (si cela fonctionne). Tous les 5 ans, la notification devra être soumise en personne.
5. Le permis de séjour sera annulé si le ressortissant étranger n’a pas présenté de préavis annuel pendant deux années civiles consécutives après avoir reçu son permis de séjour.
6. Les frais gouvernementaux augmentent et passe à 5.000 roubles (y compris lors du remplacement d’un permis de séjour VNJ)

En pratique comment cela se passe ?

Si vous êtes mariés ou si vous avez des enfants russes alors vous faites un RVP. Puis, vous déposez le dossier pour le VNJ le lendemain de la réception du RVP. Délai total de 8 mois incompressible. Ensuite, la nationalité pourra être demandée qu’après 3 ans de mariage.

Si vous avez un VKS depuis 6 mois alors vous pouvez également demander un permis de séjour. Cependant, celui-ci sera limité à la durée de votre visa de travail. Sachant que la demande est après 6 mois et qu’il faut 4 mois pour le recevoir cela ne sert absolument à rien. D’autant plus que nous relevons de sérieux problème à prolonger le VNJ dans ce cas particulier. En conséquence, nous ne pourrons pas vous aider lors du dépôt sous la condition « VKS ».

Enfin, si vous n’entrez dans AUCUN des cases alors il faut faire une demande de quota.

Quels sont les documents à fournir pour obtenir un VNJ ?

Voici la liste des éléments et des actions à faire pour obtenir un permis de séjour permanent (VNJ) avec une idée des prix.

1. Une demande de permis de séjour permanent en double exemplaire.
   Lien: Форма заявления о выдаче вида на жительство (для граждан старше 18 лет)
   Annexe 1
   Annexe 2
   Annexe 3
2. Certificat médical montrant que vous n’avez pas de maladies infectieuses, que vous n’êtes pas toxicomane et que vous n’êtes pas séropositif (environ 4500 RUB dans une clinique)
3. Le(s) document(s) qui prouve(nt) que vous pouvez demander le VNJ.
   – Certificat de mariage étranger apostillé, traduit et notarié 
   – Certificat de mariage russe
   – Acte de naissance de vos enfants russes
   – Autres
4. Test de langue russe spécial pour le permis de séjour permanent (VNJ) (de 9800 à 14300 RUB)
5. Un extrait No. 3 de votre casier judiciaire apostillé dans le pays d’origine. Le casier doit ensuite être traduit en russe. La traduction doit être notariée. Le casier judiciaire n’est valable que trois mois. Vous ne pourrez pas déposer votre dossier avec un casier judiciaire de plus de trois mois. (Environ 3000 RUB)
6. Photocopie de votre passeport, carte d’immigration, RVP, visa de sortie et enregistrement (~500 RUB)
7. Un extrait d’un compte bancaire avec au minimum 300.000 RUB dessus ou une note de l’employeur, comme preuve de l’existence d’un revenu légal correspondant au minimum requis, signé et tamponné.
8. Les notes des dernières notifications du RVP (normalement 2 feuilles formats 1/3 A4 signé et tamponné)
9. Si une personne vit dans la Fédération de Russie depuis plus de trois ans, elle doit également fournir un document sur la disponibilité du logement (loué, familial ou personnel).
10. Traduction notariée de toutes les pages de votre passeport avec le dernier visa (~4500 RUB)
11. Quittance de paiement des frais gouvernementaux (5000 RUB à compter du 1er Novembre 2019). A payer sur place.
12. 4 Photos d’identité 35x45mm mat en couleur et mat avec une image claire de face d’une personne sans chapeau. Pour les citoyens qui portent en permanence des lunettes, les lunettes doivent être portées sur les photos (~500 RUB)
13. Si vous êtes mariés, copie du passeport interne de votre conjoint.
14. Le(s) voyage(s) pour Sakharovo, la patience dans les files d’attente, des chargeurs de téléphones portables et de la chance.

Une fois le dossier déposé, il faut attendre maintenant environ 4 mois pour recevoir le précieux document.

Combien coûte le permis de séjour permanent ?

Coût approximatif sans agence: environ 40.000 RUB

Coût approximatif avec agence: environ 130.000 RUB

* La quantité de demande est telle que nous ne faisons plus de consultation gratuite. Nous pouvons cependant nous rencontrer ou en discuter par téléphone.

Étape 3 : Dépôt du dossier

Cette dernière étape est à discuter au cas par cas. Vous aurez le choix entre déposer seul votre dossier ou opter pour un accompagnement payant.

Droits & Devoirs d’un VNJ

Les avantages d’avoir un permis de séjour VNJ

1. La possibilité de résider légalement sur le territoire de la Fédération de Russie et de changer librement de lieu de résidence et de séjour de son plein gré
2. Le droit de quitter la Russie sans documents supplémentaires (pas de visa de sortie)
3. La capacité de travailler dans n’importe quel sujet de la Fédération de Russie sans restrictions
4. Des médicaments et des programmes sociaux gratuits y compris une pension, une éducation gratuite et des soins médicaux
5. Le droit de posséder un logement et de l’indiquer comme lieu de résidence
6. Après avoir reçu un permis de séjour, un étranger a le droit d’élire et d’être élu auprès des autorités locales et de participer à des référendums locaux.
7. Un étranger qui a un permis de séjour en Russie peut adresser des invitations à entrer dans le pays pour ses parents d’un autre État

Quelles sont les restrictions légales ?

1. Un détenteur d’un VNJ ne peut pas voter dans les procédures électorales, ni être élu au niveau régional.
2. Les ressortissants étrangers titulaires d’un permis de séjour permanent ne sont pas non plus enrôlés dans le service militaire de la Fédération de Russie, mais ils peuvent servir dans l’armée russe, sous contrat et de leur propre volonté.
3. Un détenteur d’un VNJ n’a pas le droit de faire partie de l’équipage d’un navire sous pavillon de la Fédération de Russie.
4. Un détenteur d’un VNJ ne peut pas travailler dans les services publics et les agences de sécurité de la Fédération de Russie.
5. Ne peut pas être pilote d’un avion de l’aviation civile.
6. Le contrôle des changes sur les devises étrangères s’applique.

Obligations d’un citoyen étranger titulaire d’un permis de séjour permanent

1. Le comportement d’un migrant doit être conforme à la loi et à la constitution de la Russie.
2. Un citoyen étranger devrait pouvoir subvenir à ses besoins et à ceux de sa famille, c’est-à-dire que le revenu moyen ne devrait pas être inférieur au minimum vital. C’est pour cette raison que vous devez notifier les autorités chaque année.
3. Les détenteurs d’un VNJ sont autorisés à voyager hors de la Fédération de Russie pendant six mois au plus.

Prolongation de votre ancien permis de séjour VNJ

Si vous avez un permis de séjour permanent à durée limitée, vous pouvez le changer pour un nouveau sans limite et à tout moment. Pour cela, vous devez vous rendre au centre migratoire de Sakharovo pour Moscou, au Krasny Tekstilshchik pour Saint-Pétersbourg et dans les centres migratoires pour les autres régions.

Liste des documents :

• Passeport du demandeur
• Traduction notariée de toutes les pages de votre passeport
• Ancien permis de séjour + une copie
• Dernier enregistrement et sa copie
• Réception du paiement des droits de l’État.
• Test de langue russe pour VNJ. Ceci n’est pertinent que si le permis de séjour précédent a été délivré avant mars 2015
• Certificats médicaux confirmant l’absence de maladies infectieuses (y compris le VIH et le COVID-19)
• Certificat d’absence de casier judiciaire
• 4 photos d’identité 35 × 45 millimètres mat.
• Formulaire de prolongation à remplir

Il faut compter 10-14 jours et cela coûte 5000 RUB.

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Un permis de séjour temporaire ou « RVP » est l’affirmation du droit d’un citoyen étranger résidant temporairement dans la Fédération de Russie dans le but d’obtenir un permis de résidence (séjour permanent).

Il est délivré sous la forme d’un tampon dans le document d’identité d’un citoyen étranger (le plus souvent dans le passeport international) ou une forme de document prescrit délivré par la Fédération de Russie à un apatride qui ne possède pas de document prouvant son identité.

Le permis de résidence temporaire est délivré pour une durée de trois ans. La procédure est différente pour un ressortissant étranger qui est arrivé en Russie avec un visa et un ressortissant étranger qui est arrivé dans la Fédération de Russie d’une manière ne nécessitant pas de visa. La législation russe ne prévoit pas l’extension d’un permis de séjour temporaire. A la fin de validité du permis, il vous faudra demander un permis de séjour permanent (VNJ), mais cela est encore loin…

Qui peut obtenir un Permis de séjour temporaire RVP ?

Demande d’un quota

Conformément à l’article 6 de la loi fédérale, un permis de séjour temporaire (En russe: разрешение на временное проживание) peut être délivré à un citoyen étranger dans le quota approuvé par le Gouvernement de la Fédération de Russie. Sans l’obtention de ce quota, la demande d’un permis de résidence temporaire ne sera pas acceptée.

Cependant, la loi fédérale définit les catégories des ressortissants étrangers, qui peuvent obtenir le permis de séjour temporaire sans quota.

Quelles sont les personnes qui peuvent obtenir un RVP sans quota ?

1. Une personne née sur le territoire de la Fédération de Russie, ex-citoyen de l’URSS.
2. Une personne invalide dont les enfants sont des citoyens de la Fédération de Russie.
3. Une personne dont un de ses enfants est de nationalité russe.
4. Une personne dont l’un des parents invalides est citoyen de la Fédération de Russie.
5. Une personne mariée à un citoyen de la Fédération de Russie, ayant sa résidence en Fédération de Russie.
6. Une personne qui investit en Fédération de Russie. Le montant est établi par le Gouvernement de la Fédération de Russie.*
7. Une personne qui effectue son service militaire en Russie.
8. Les ressortissants étrangers participant au programme national de réinstallation volontaire.
9. Les ressortissants étrangers, citoyens de l’URSS et ayant suivi un enseignement professionnel supérieur en fédération de Russie.
10. Les citoyens ukrainiens ou apatrides résidant de manière permanente sur le territoire ukrainien, reconnus comme réfugiés ou ayant obtenu l’asile temporaire sur le territoire de la fédération de Russie

*Novembre 2020 : une loi est en projet pour clarifier le montant d’investissement nécessaire pour bénéficier d’un permis de séjour. On parle ici d’un investissement de minimum 15 millions de roubles dans une société russe, de 30 millions dans l’immobilier ou de 50 millions dans sa propre société âgée de minimum 3 ans.

Changements majeurs en 2022

1. Le test médical est valable une année et n’est faisable que dans une poignée de cliniques agréées à Moscou.
2. À partir du 1er janvier 2022, pour activité de travail illégale, les étrangers peuvent être condamnés à une amende de 5 000 roubles et expulsés de la Fédération de Russie avec interdiction d’entrée , et leurs employeurs peuvent être condamnés à une amende pouvant aller jusqu’à 800 000 roubles pour chaque immigrant illégal.
3. Les formulaires de demande de délivrance d’ un permis de séjour temporaire et d’un permis de séjour en Russie ont encore changé.
4. Vous pouvez fournir le certificat médical dans les 30 jours suivant la date de soumission des documents. Je vous invite à ne pas le faire car vous ne savez pas si l’inspecteur est au courant et cela vous évitera de revenir.
5. Le test de langue n’est plus nécessaire pour les titulaires d’un diplôme d’enseignement d’un niveau non inférieur au niveau général de base, délivré en URSS avant le 1er septembre 1991, d’un diplôme d’enseignement et (ou) de qualifications qui ont a passé la certification finale d’État dans la Fédération de Russie du 1er septembre 1991 au 31 décembre 1995.

Changements majeurs en 2021

1. Votre visa en cours sera annulé sur place quand vous récupérez votre permis de séjour. Nous ne savons pas encore s’il est possible de refuser l’annulation.
2. Après annulation de votre visa, on vous appose le visa de sortie ce qui évite de le faire soit même.
3. Lors du dépôt, les inspecteurs prendront vos empreintes digitales complètes et plusieurs photos.

Changements à partir du 18 Juillet 2020

1. Le formulaire de demande a totalement changé.
   • La forme est plus simple à remplir
   • Les dates doivent toutes respecter le format JJ.MM.AAAA
2. Les mineurs qui ont atteint l’âge de 14 ans doivent signer leur propre demande de VNJ et être présent lors du dépôt.
3. Obligation de fournir un permis de séjour ou un autre document prouvant la résidence en dehors de l’État de citoyenneté.

Changements appliqués le 1er Novembre 2019

1. La durée de traitement des RVP passe de 6 mois à 4 mois.
2. Vous ne pouvez pas rester plus de 6 mois en dehors de Russie afin de conserver votre RVP. Avant c’était 6 mois consécutifs.
3. Votre époux(se) doit être enregistré(e) dans la même région que vous.

Quels sont les documents à fournir pour obtenir un RVP ?

1. Une demande de permis de résidence temporaire en double exemplaire.
   Lien : Заявление о выдаче разрешения на временное проживание
2. 3 photos personnelles de 35 x 45 mm, en couleur et mat avec une image claire de face d’une personne sans chapeau. Pour les citoyens qui portent en permanence des lunettes, les lunettes doivent être portées sur les photos (~500 RUB)
3. Une traduction notariée de toutes les pages de votre Passeport avec son visa (~50€)
4. Une copie de votre enregistrement
5. Une copie de votre carte d’immigration
6. Un extrait No. 3 de votre casier judiciaire apostillé dans le pays d’origine. Le casier doit ensuite être traduit en russe. La traduction doit être notariée. Le casier judiciaire n’est valable que trois mois. Vous ne pourrez pas déposer votre dossier avec un casier judiciaire de plus de trois mois (~45€)
7. Un certificat médical émanant d’une institution agréée par le lieu du dépôt du dossier : document confirmant l’absence de la toxicomanie et de maladies infectieuses qui posent un danger pour autrui, certificat de l’absence du VIH et de COVID-19 (environ 5000 RUB)
8. Un certificat de connaissance de la langue russe, de l’histoire de la Russie et du cadre juridique de la Fédération de Russie pour RVP. Ce document comprend : un certificat de compétence en langue russe, connaissance de l’histoire de la Russie et le cadre juridique de la Fédération de Russie (de 9800 à 14300 RUB)
9. Preuve de paiement des frais gouvernementaux pour le RVP (5000 roubles au 1er Novembre 2019, 1600 RUB en 2021). À payer sur place.
10. En fonction de votre demande d’autres documents peuvent être demandés :
    1. Marié(e) à un citoyen de la Fédération de Russie, ayant sa résidence sur le territoire de la Fédération de Russie – un certificat de mariage et passeport du conjoint russe.
    2. Investir en Fédération de Russie une lettre à en-tête de l’organisation. (ATTENTION: n’a jamais fonctionné !)
    3. Service militaire – le contrat de votre service militaire.
    4. Parent d’un enfant de nationalité russe : certificat de naissance.
    5. Autres documents pour les autres cas
11. Le(s) voyage(s) pour Sakharovo, la patience dans les files d’attente, de la monnaie, des chargeurs de téléphones portables et de la chance si vous le faite seul.

Une fois le dossier déposé, il faut attendre environ 4 mois pour recevoir le précieux tampon et pouvoir faire son enregistrement.

Par où commencer ?

La toute première étape est de demander l’extrait de casier judiciaire dans votre pays d’origine. Celui-ci déterminera votre date limite de dépôt car il n’est valable que 3 mois. Vous pouvez le demander en ligne sur le site du ministère de la Justice. Faites attention de bien indiquer tous vos noms et prénoms. Vous le recevrez dans un délai d’une semaine et il faudra alors le renvoyer à Rennes pour le faire apostiller. Cela prendra encore une bonne semaine. Enfin, il vous faudra avoir l’original avec vous en Russie.

Si vous êtes mariés en France alors il faudra aussi apostiller l’acte de mariage et le récupérer en Russie.

Une fois le casier judiciaire et si applicable, l’acte de mariage français apostillés en votre possession en Russie, vous pouvez enchaîner en même temps toutes les autres étapes. Passez le test médicale et le test de langue russe pour RVP puis faites la traduction notariée de tous les documents. Nous pouvons vous aider pour chacune des étapes car tous les documents doivent concorder.

Une fois le dossier prêt. Vous avez trois options.

1. Vous pensez être à la hauteur et vous allez à Sakharovo faire le dépôt. Bonne chance !
2. Vous nous demandez de vérifier vos documents. On pourra alors trouver des erreurs qui vous feront gagner beaucoup de temps. N’oubliez pas qu’à ce moment précis, il vous reste au mieux du mieux 9 semaines pour faire le dépôt.
3. Vous ne voulez pas perdre de temps. Nous vous accompagnons jusqu’au dépôt. Il faudra quand même aller une fois à Sakharovo car la procuration n’est pas autorisée.

Combien coûte un permis de séjour temporaire ?

Coût approximatif sans agence: 40.000 RUB

Coût approximatif avec agence: environ 130.000 RUB

* La quantité de demande est telle que nous ne faisons plus de consultation gratuite. Nous pouvons cependant nous rencontrer ou en discuter par téléphone.

Étape 3 : Dépôt du dossier de RVP

Cette dernière étape est à discuter au cas par cas. Vous aurez le choix entre déposer seul votre dossier ou opter pour un accompagnement payant.

Pourquoi faire appel à nos services ?

Le centre migratoire multifonction en charge de toutes les questions d’immigration a été délocalisé à Sakharovo à quelque 70 km au sud-ouest de Moscou. Cette simple phrase répond à la question posée ci-dessus. D’autant plus que s’il fallait simplement aller là-bas on pourrait prendre son vendredi et se faire une datcha, mais que nenni ! Il y a des centaines de demandeurs tous les jours qui commencent à faire la queue dès 4 heures du matin. Il faut donc s’armer de patience ou demander de l’aide à une agence spécialisée en immigration.

Si vous pensez que nos tarifs sont injustes et/ou excessifs, nous vous invitons vivement à les comparer avec d’autres prestataires en ligne et même perdre quelques dizaines de milliers de roubles. Faites aussi l’expérience d’aller à Sakharovo seul.

Avis de mes clients

Merci encore pour avoir été disponible, malgré mon planning difficile.
La préparation complète du dossier a été vraiment rapide, je n’imaginais pas pouvoir le déposer avec succès quelques jours seulement après avoir fait appel à tes services.

Sylvain, Pilote de ligne

Après avoir décidé de franchir le pas du permis de séjour, Alexandre m’a été d’une grande aide. Il a pu gérer efficacement mon dossier avec son timing serré. Encore merci !

Julien, Directeur commercial

Avec mes nombreux déplacements, je ne pouvais pas gérer seul la complexité de mon dossier. Tellement de document à fournir… Alexandre a su me donner un planning et nous avons pu tout faire dans l’ordre et dans les temps pour me faire economiser un maximum de temps.

Nicolas, Gérant d’une société dans l’IT

Just amazing ! I’d like to deeply thank Alexandre for his help in my impossible case.

Hassan, professeur

Déposer son dossier de RVP seul

Une fois que vous avez l’ensemble des documents voir même avant vous devez vous rendre au centre d’immigration de Moscou qui se trouve maintenant à Sakharovo.

Premier conseil : arriver le plus tôt possible : 30 minutes voire une heure avant l’ouverture. La file d’attente peut être longue.

Une fois sur place, vous irez chercher un Талон (talon) qui vous donnera un rendez-vous dans 4 à 8 semaines. A parti de ce moment vous n’avez plus qu’à attendre ou finir de compléter votre dossier.

Le jour J venu, vous vous rendez une nouvelle fois dans le doux village de Sakharovo pour déposer votre dossier. Vous passerez dans un bureau et montrerez l’ensemble de vos documents. L’agent inspectera les documents.

• S’il y a des erreurs ou s’il manque un document, vous serez remerciés et vous n’aurez plus qu’à modifier vos erreurs et retourner à la file d’attente pour avoir un nouveau talon. Attention à ne pas vous tromper en remplissant votre formulaire de demande de RVP (document No.1). Nous avons le fichier « type ».
• Si tout est correct, vous n’aurez plus qu’à revenir dans 4 mois en espérant que votre cas soit bon.

Si votre dossier n’est pas accepté….vous savez ce qu’il vous reste à faire….tout recommencer, surtout que vos documents (tests médicaux et casier judiciaire) ne sont valables que trois mois.

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Peterhof (En russe : Петергоф) est souvent comparé à Versailles, mais cette immense résidence impériale ne se situe pas en France, mais bien en Russie sur la mer Baltique. C’est le musée le plus visité de Russie, environ 4,2 millions de touristes le visitent chaque année. Cet article est la base du guide complet sur Peterhof.

Temps de lecture estimé : 16 minutes

Horaires de Peterhof

Le Grand Palais ouvre ses portes à 10h30 pour les fermer à 19h00. Les horaires sont prolongés de deux heures le samedi. Le palais est fermé le lundi. Pour y accéder, vous passez par le jardin supérieur si vous venez par la voie terrestre ou par le jardin inférieur si vous venez par la voie maritime. Ces deux jardins ouvrent à 9h et ferment à 20h pour vous laisser le temps de sortir à la fermeture du grand palais. Respectivement, la fermeture se fait une heure plus tard le samedi.

Les palais fonctionnent en hiver et les jardins sont ouverts pour le transit des visiteurs. Tous les autres points d’intérêt y compris les fontaines sont fermées hors saison.

La saison débute généralement mi-Avril pour se terminer mi-Octobre.

Achat des billets d’entrée à Peterhof

Concernant les billets d’entrée, ils peuvent s’acheter en ligne sur le site officiel ou directement sur place. Nous vous conseillons d’arriver avant l’ouverture et de passer aux bornes électroniques pour avoir le minimum de queue à faire. En saison, l’attente peut être très longue.

Réservez votre excursion avec un guide francophone

Via Alexandre de Russie

Je peux vous reserver une excursion privée ou en groupe à la journée avec un guide francophone. Les tarifs sont dégressifs en fonction du nombre de personne. Ils vont de 397€ par personne seule, 444€ pour un couple à 101€ par personne dans un groupe. Le prix inclut les transferts, le guide francophone, les entrées des musées et le repas du midi.

Via Tsar Visit

Si vous souhaitez réserver d’un guide expérimenté francophone avec vos billets, vous pouvez vous rendre sur le site de notre partenaire Tsar Visit et bénéficier de 5% de remise avec le code : ALEXANDRE5

Avec Viator

Ci-dessous, j’ai sélectionné pour vous 3 options sur la plateforme Viator. Une excursion en groupe très bien notée, une excursion privée et les billets coupe-file.

Comment se rendre à Peterhof ?

En bateau express – hydroglisseur

Le moyen le plus sympa et le plus rapide reste le bateau express plus précisément l’hydroglisseur appelé le « Météore ». La traversée se fait en 30 minutes et vous avez un hydroglisseur toutes les 15 minutes à partir de 10h du matin en saison (du 15 avril au 15 octobre). Vous pouvez prendre ce bateau derrière l’Ermitage et il vous amènera directement au débarcadère du jardin inférieur. Deux sociétés s’occupent des traversées (Peterhof Express & Neva Travel).

L’avantage de cette option est la rapidité, mais elle a un coût de 1600 RUB aller-retour (simple 800 RUB). Par ailleurs, il vous faudra obligatoirement prendre un billet pour le jardin inférieur car vous allez le traverser à pied.

En taxi

En moins d’une heure vous pouvez rejoindre Peterhof en taxi pour environ 2000 RUB (voiture pour 4 personnes + chauffeur). C’est une option facile à gérer avec l’application Yandex taxi ou autre.

En bus ou en train

Cette option vous prendra 1h30, soit 40 minutes pour rejoindre le métro Avtovo (ligne 1, rouge) plus 50 minutes de bus (No. 200 ou No. 210). L’avantage est le prix minime de 80 RUB (40+40) par personne.

La dernière option serait de prendre le train de banlieue mais je ne préfère pas vous embarquer dans une expédition commando pendant vos vacances.

Plan de Peterhof

Un point d’histoire

Peterhof signifie « la cour de Pierre » en Allemand. Au début du XVIIIe siècle, l’empereur engagea les meilleurs architectes, sculpteurs et ingénieurs, comme Francesco Bartolomeo Rastrelli, Nicola Michetti et Jean-Baptiste Leblond. Malgré la mort de Pierre le Grand, la construction continua, sous la gouvernance de ses successeurs. L’immense terrain pourrait accueillir jusqu’à 500 terrains de Football. Le système d’irrigation unique constitue également une belle promenade pour les visiteurs.

Le Grand Palais à Peterhof

Le Grand Palais, avec la grande cascade située devant sa façade, est l’attraction principale de Peterhof et la caractéristique architecturale dominante de tout le complexe. Du XVIIe au XIXe siècle, le Grand Palais était la résidence des tsars russes, où se déroulaient des événements importants, des célébrations, des réceptions, des bals et des mascarades.

Aujourd’hui, le Grand Palais est un musée d’histoire et d’art unique, dont la collection comprend environ 3500 pièces avec des peintures, de la porcelaine, des tissus, des meubles uniques, ainsi que des objets personnels ayant appartenus aux souverains russes.

Architecture du grand palais

Le majestueux bâtiment se divise en plusieurs parties, dont la plus grande est la partie centrale à trois étages, reliée à de petites galeries d’un étage avec des ailes à deux étages. Dans la partie orientale se trouve le bâtiment de l’église et dans la partie occidentale le bâtiment « Sous les armoiries ».

La façade nord, qui fait face à la mer et à la grande cascade, longe le bord de la terrasse du parc et s’étend sur 268 mètres. Sur le côté sud, le Grand Palais est construit sous la forme d’une large lettre « P », formée par sa partie centrale et deux bâtiments de trois étages attenants.

Les façades du bâtiment, peintes en jaune vif, sont décorées avec sobriété, sans superflu. La décoration utilise des éléments typiques de l’architecture baroque : cartouches luxuriants sur les ouvertures des fenêtres, bas-reliefs dans les pignons et motifs de balcon forgés, blanc rustique et pilastres. Le bâtiment monumental compte environ 30 pièces.

L’entrée pour les invités a été aménagée dans la partie ouest du bâtiment, où se trouve l’escalier de parade, créé par Rastrelli en 1751. Des statues dorées, des bouquets sculptés, des cariatides et des cartouches rococos, ornent l’escalier de parade.

En passant par les salles d’entrée, vous pouvez entrer dans la salle de réception Bleue, qui servait de secrétariat avec un journal de bord quotidien, où tous les événements de la vie du palais étaient enregistrés. Les portes ouest mènent au Corps d’Armes. Les invités peuvent ensuite descendre les escaliers de devant pour se rendre à l’enfilade des salles de cérémonie officielles.

Les salles de cérémonie

La salle Chesmen (En russe : Чесменский зал) est une salle d’attente située devant la salle du trône, où les fonctionnaires attendaient le début de la réception. La décoration principale de la salle est constituée de peintures de l’artiste allemand Hackert représentant les épisodes les plus dramatiques de la bataille de Chesmen, au cours de laquelle la flotte russe dirigée par le comte Alexei Orlov a vaincu la flotte turque.

La salle du trône (en russe : тронный зал) est la salle la plus spacieuse conçue pour les réceptions, les bals et les concerts, avec une superficie de 330 mètres carrés. À l’origine, cette salle brillait par sa splendeur, mais en 1777, selon le projet de Yury Felten, elle a été redécorée dans le style classique.

La salle d’audience (En russe : Аудиенц зал) était destinée aux petites réceptions de l’impératrice Elisabeth. Sa conception a été réalisée par Rastrelli. C’est un véritable chef d’œuvre d’architecture.

Au XVIIIe siècle, la Salle de danse était appelée « Salle des Marchands », son espace spacieux de 270 mètres carrés occupait la majeure partie de la moitié ouest du Grand Palais. Les fenêtres étaient disposées sur deux niveaux, des sculptures dorées, des peintures et de nombreux miroirs servaient de décorations. Le parquet est fait de chêne clair et foncé, d’érable et de noyer.

Selon la légende, Elisabetha Petrovna ordonna à Rastrelli de décorer plus magnifiquement la salle : « autant que possible à la dorure … », car ces appartements servaient à recevoir les nobles représentants des marchands, qui, selon l’Impératrice, aimait l’or.

La salle à manger blanche était destinée aux dîners de gala et a été conçue à l’origine par Bartolomeo Rastrelli. De 1774 à 1775, Yuri Felten changea considérablement la salle, en une décoration à l’opposé de ce qui existait. Au lieu des paillettes, des dorures et des miroirs, l’intérieur a été décoré dans des canons stricts du classicisme. Au centre de la salle se trouve une immense table recouverte d’une nappe blanche et servie pour 30 personnes avec un service en faïence créé par le célèbre maître anglais Josiah Wedgwood.

La salle des tableaux est la plus ancienne, elle a été décorée du vivant de Pierre. Elle est ornée de tapisseries de maîtres français et de 16 tableaux d’artistes italiens. C’était à l’époque la plus grande salle où participèrent les artistes Nicola Michetti et Jean-Baptiste Le Blond. Au milieu du XVIIIe siècle, la conception de la salle a été modifiée par Rastrelli.

Le jardin inférieur

Le jardin inférieur qui donne sur le golfe de Finlande est immense. Afin de vous faciliter la lecture, je l’ai découpé en plusieurs articles.

Peterhof disposent de 176 fontaines réparties sur son territoire. Retrouvez notre article sur ce système hydraulique unique au monde avec toutes les principales fontaines ici.

La grande cascade

La grande cascade est la principale fontaine de Peterhof et n’a pas d’égale en volume, en taille, en luxe et en expressivité. Cette prouesse est l’une des plus grandes fontaines au monde. Elle se compose de trois escaliers en cascade et de deux grottes, 75 fontaines et 255 sculptures en bronze, mascarons et bas-reliefs, ainsi que d’autres détails décoratifs.

La fontaine de Samson

Pierre le Grand prévoyait d’établir au pied de la Grande Cascade une fontaine avec une statue d’Héraclès battant l’hydre lénéenne. Malheureusement, ses plans ne se sont pas réalisés. Ce n’est qu’en 1835, sous le règne de l’impératrice Anna Ivanovna, en l’honneur du 25e anniversaire de la victoire sur les Suédois à la bataille de Poltava, que fut installée la fontaine « Samson déchirant la bouche d’un lion ». L’eau projetée en l’air par la bouche des lions atteint les 21 mètres.

Les grottes inférieures et supérieures

Les grottes, derrière les fontaines ont été réalisées en 1716 et sont éclairées par une lumière naturelle. Conformément au plan de Pierre le Grand, les murs de la structure souterraine sont tapissés de tuf et de coquillages, décorés de mascarons. À cette époque, seuls les personnes suffisamment petites et légères pouvaient travailler dans les réseaux de tuyaux pour les réparer. Aujourd’hui, l’entretien est réalisé grâce à des moyens techniques.

Le palais Monplaisir et ses jardins

Selon le plan de Pierre le Grand, le palais de Monplaisir a été conçu comme « une maison confortable pour un homme éclairé ». Il a été construit par les plus grands maîtres de l’époque, et peut donc être considéré comme un modèle d’architecture et d’artisanat du début du XVIIIe siècle. Sa construction et sa décoration témoignent de toutes les nouvelles tendances de l’époque.

Ce palais est une résidence à part entière que nous vous invitons à découvrir dans notre article dédié ici.

Le pavillon de l’Ermitage

Le premier Ermitage russe a été créé à l’ouest du parc de Peterhof, par décret de Pierre Ier. Le mot « ermitage » en français signifie « désert » ou « maison d’ermite ». Aux XVIIe et XVIIIe siècles, l’attrait pour ce type d bâtiment était très répandue parmi les aristocrates européens. Les ermitages étaient construits dans les parties isolées des parcs. Lorsque Pierre Ier a visité la Prusse orientale, il y a vu d’élégants pavillons et a voulu avoir son propre « lieu de solitude » à Peterhof.

Retrouvez plus d’information sur ce pavillon dans notre article dédié ici.

Le palais Marly et son étang

Le palais Marly est situé dans la partie ouest du parc inférieur de Peterhof, près de la limite entre deux étangs. L’étang Marly à l’est et l’étang Sektorial à l’ouest. Le palais de Marly tire son nom de la résidence du roi de France Louis XIV, à Marly-le-Roi, que Pierre le grand a visité en 1717. C’est un bâtiment modeste et élégant, de deux étages, de forme cubique, également conçu par l’architecte Johann Braunstein entre 1721 et 1723.

Ce palais est également une résidence à part entière que nous vous invitons à découvrir dans notre article dédié ici.

Le jardin supérieur

De 1733 à 1739, les architectes Mikhaïl Grigorevni Zemtsov, I. Blank, I. Davydov et le sculpteur Bartolomeo Karlo Rastrelli donnèrent au Jardin supérieur (ou Верхний парк, « Verhni parc » en russe) son caractère exceptionnellement grandiose et solennel.

Le jardin supérieur a été créé pour servir d’entrée principale à la résidence royale. Il s’étend sur une superficie de 15 hectares, devant la façade sud du Grand Palais de Peterhof.

Sur trois côtés, le jardin est entouré d’une clôture érigée par de Francesco Bartolomeo Rastrelli en 1754. La clôture est constituée de 150 piliers de pierre sculptés, décorés de cartouches, avec des masques de lion en relief. De hautes portes forgées, avec deux pylônes massifs, mènent au jardin supérieur.

Il est intéressant de noter que du vivant de Pierre, la fonction cérémonielle du jardin supérieur était combinée à sa fonction domestique. En effet, les potagers délimités géométriquement par des bosquets permettaient de récolter des fruits, des légumes, des baies, des herbes, diverses herbes médicinales. Dans les étangs, on élevait des poissons.

Neptune domine

La fameuse sculpture de Neptune a été achetée dans la ville allemande de Nuremberg par l’empereur Paul Ier. Elle a été réalisée au milieu du XVIIe siècle. Le chef d’œuvre de Nuremberg était au départ destiné à la « Fontaine de la Paix », pour marquer la fin de la guerre entre Nuremberg et la Suède. Cependant, cette fontaine n’a jamais été construite par manque de fonds. Le groupe sculptural a été conservé longtemps dans un entrepôt, jusqu’à ce que l’empereur Paul Ier décide de l’acheter pour Peterhof. Ainsi, le motif principal de la décoration de la résidence a pu être de nouveau souligné : la Russie est une grande puissance maritime.

L’histoire ultérieure de la sculpture Neptune est intéressante. Pendant la guerre, il fut volé par les soldats nazis, puis en 1947, retrouvé en Allemagne et rendu à la Russie. Dans le même temps, on a découvert que deux sculptures du groupe avaient disparu. Dans les années 1960, elles ont été reconstruites et l’ensemble du complexe sculptural a été restauré puis remise en service.

Encore plus de fontaines

Le parterre vert du Jardin supérieur près de la fontaine du Chêne est décoré de statues de marbre créées par le sculpteur Antonio Bonazza en 1757 : la déesse des fleurs Flora, le vent chaud de l’ouest Zephyr.

Le jardin supérieur dispose également de la fontaine des étangs carrés et de la fontaine Mejeumny mais pour les découvrir il faudra lire notre article dédié exclusivement aux fontaines de Peterhof ici.

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Le musée de l’Hermitage se compose de plus de 400 salles réparties dans 4 bâtiments sans compter les annexes que nous avons traité dans notre guide complet sur l’Hermitage ici. Dans cet article, nous allons voir toutes les collections. La taille de celles-ci étant immense, nous avons fait au mieux pour avoir le plus important mis en avant. Encore une fois, si vous visitez l’Hermitage, faites des choix, vous ne pourrez pas tout voir. Nous vous proposons un itinéraire dans notre guide ci-dessus.

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Les bâtiments du complexe muséal de l’Hermitage

Les 4 bâtiments sont tous reliés les uns aux autres. Le billet d’entrée vous donne accès à l’ensemble mais il n’y a qu’une seule entrée générale via le palais d’hiver. Nous allons donc traiter les 4 bâtiments puis toutes les salles dans l’ordre de numérotation proposé par le musée de l’Hermitage.

Le palais d’hiver de l’Hermitage

Ce palais élégant et monumental est un remarquable monument du style baroque dans l’art russe du milieu du XVIIIe siècle. Le palais est un brillant exemple de la synthèse de l’architecture et de l’art plastique décoratif. Toutes les façades sont embellies par une colonnade à deux niveaux. Formant un rythme complexe de verticales, les colonnes s’élancent vers le haut, et ce mouvement embrasse les nombreuses statues et vases sur le toit. L’abondance de la décoration moulurée – corniches et encadrements de fenêtres fantaisistes, mascarons, cartouches, rocailles et divers frontons – crée un jeu d’ombre et de lumière extrêmement riche qui investit l’apparence du bâtiment avec magnificence.

Développant un seul et même motif architectural, Rastrelli a donné à chacune des quatre façades du palais un rythme structurel différent. La façade sud, qui donne sur la place, a une grandeur formelle. Ici, l’architecte a percé le bâtiment de trois arcs pour créer une grande entrée dans la cour et l’a accentuée avec les éléments verticaux des colonnes jumelées. La majestueuse façade nord, qui donne l’impression d’une colonnade sans fin, fait face à la vaste étendue de la Neva. La façade ouest, en face de l’Amirauté, rappelle la composition d’un palais de campagne avec une petite cour. La façade orientale monumentale, avec ses blocs latéraux massifs formant une grande cour d’honneur, est tournée vers la rue Millionnaya, où se trouvaient les demeures de la noblesse.

Pendant 150 ans, le palais a servi de résidence impériale. En novembre 1917, après la révolution d’octobre, il a été déclaré musée. L’exposition placée dans le palais comprend des grandes salles et des chambres, des collections d’antiquités d’Eurasie et d’Orient, ainsi que des collections de peintures, de sculptures et d’œuvres d’art décoratif européennes et orientales.

Le petit Hermitage

Sur ordre de l’impératrice Catherine II, l’architecte Yury Velten égira le pavillon sud du petit Hermitage en 1765. L’apparence de ce bâtiment combine organiquement les caractéristiques du style baroque tardif et du classicisme précoce. Plus tard, en 1767, l’architecte français Jean Baptiste Vallin de la Mothe construit le pavillon nord sur la rive de la Neva en utilisant le style du classicisme précoce. Les deux structures sont reliées au niveau du premier étage par le Jardin suspendu. Cet ensemble architectural a été appelé le « Petit Hermitage », car dans le pavillon nord, Catherine II organisait des fêtes avec des jeux et des spectacles qui étaient connus sous ce nom. Les œuvres d’art étaient alors logées dans les galeries latérales, ce qui a permis de commencer les collections du musée impérial.

Le Grand Hermitage

En 1771, Yuri Velten réussit à intégrer un nouveau bâtiment à côté du Petit Hermitage. Catherine II souhaitait y mettre sa collection d’œuvre d’art et la bibliothèque. Plus grand que le Petit Hermitage, il fut simplement nommé Grand Hermitage. L’austérité et la simplicité du Grand Hermitage ont suivi les canons du classicisme du XVIIIe siècle. Le bâtiment ne comporte aucun élément indiquant l’ordre comme des colonnes ou des pilastres. Cependant, sa structure est entièrement déterminée par les proportions de l’ordre classique. La partie inférieure du bâtiment, massive et rustique, est équilibrée par la partie supérieure, plus légère. Le schéma décoratif de la façade est basé sur la combinaison rythmique de divisions horizontales et d’ouvertures de fenêtres verticales.

En 1792, Giacomo Quarenghi agrandi le Grand Hermitage pour y installer les Loggias de Raphaël, copies du XVIIIe siècle des fresques originales du Vatican, à Rome.

Le nouvel Hermitage

Le nouvel Hermitage a été le premier bâtiment de Russie construit spécialement pour abriter les collections du musée. L’empereur Nicolas Ier a confié cette mission à l’architecte allemand Leo von Klenze, dont les travaux ont largement contribué à l’image des musées en Europe. Les architectes Nikolay Yefimov et Vasily Stasov, chargés de l’exécution du projet, y ont apporté quelques modifications essentielles afin d’adapter la nouvelle construction à l’environnement architectural existant.

Le nouvel Hermitage construit en 1842 se caractérise par l’austérité et la monumentalité de la structure et l’équilibre des volumes architecturaux. L’entrée du musée est accentuée par un magnifique portique soutenu par des figures atlantes taillées dans du granit gris par Alexandre Térébenev. Le bâtiment est également décoré de statues et de bas-reliefs représentant des artistes, des architectes et des sculpteurs célèbres.

Les salles du musée ont été conçues en fonction des collections qui y seront exposées. Par exemple, les salles du premier étage, équipées de lucarnes lumineuses, abritent la galerie de peintures, tandis que les salles du rez-de-chaussée de style classique, abritent les collections d’antiquités et de sculptures.

Premier étage (RDC en français)

Culture préhistorique (Rose, salles 11 à 33, premier étage)

Anciennes reliques de la culture et de l’art d’Eurasie (Salles 11 à 14)

Les reliques anciennes exposées couvrent la période allant du paléolithique au début de l’âge du fer et ont été découvertes sur les territoires du Caucase, de Crimée, de Russie européenne et d’Asie centrale. Parmi les objets les plus anciens, on trouve des outils de travail et des statuettes féminines provenant de campements du paléolithique. Les pétroglyphes découverts dans le district de Prionezhskiy (Carélie) datent de 4 000 à 3 000 ans avant J.-C. Divers matériaux archéologiques décrivent les cultures agricoles de la fin de l’an 4 000 au début de l’an 2 000 avant J.-C. Les objets en bronze découverts lors des travaux de fouille près du village de Koban en Ossétie (an 1 000 avant J.-C.) donnent une image générale de la culture de l’époque.

La culture scythe du VIIe au IIe siècle avant J.-C. (Salles 15 à 17)

L’exposition est consacrée à la culture nomade primitive dite « scythe », qui existait au premier millénaire avant J.-C. dans les steppes d’Eurasie. J.-C. De nombreux objets proviennent des tumulus découverts sur les terres de Crimée, du Kouban et du Dniepr. On peut voir des exemples d’armement, de harnachement de chevaux et d’objets ménagers utilisés par les Scythes. Divers matériaux archéologiques représentent la culture des tribus agricoles scythes de la zone forêt-steppe.

La culture des peuples de la Sibérie du Sud (Violet, Salles 26 à 32)

L’exposition permet au visiteur de découvrir la culture des peuples de Sayano-Altaï, du Transbaykal et de la Sibérie du Sud de l’époque scythe au Moyen Âge (du VIIIe siècle avant J.-C. jusqu’au XIIIe siècle après J.-C.). Les objets trouvés lors des fouilles archéologiques dans la région de l’Altaï et Тuva occupent une place importante. Ils sont complétés par les matériaux relatifs à la culture tagare, qui s’est répandue sur le territoire de Minusinsk. Le matériel consacré aux nomades Huns explore leur vie quotidienne. Les objets culturels des États turquophones, que l’on pouvait trouver sur le territoire de l’Altaï et de la Sibérie du Sud aux VIe et XIIIe siècles, complètent l’exposition. Le tumulus de Pazyryk, situé sur le versant sud de la chaîne Chulishmanskiy dans l’est de l’Altaï, est l’un des monuments archéologiques les plus remarquables de l’époque « scythe ».

La salle 26 présente les objets de grande valeur découverts dans le cimetière du cinquième tumulus (IVe-IIIe siècle avant J.-C.), la dernière des tombes « impériales » de la haute vallée montagneuse de Pazyryk. Dans la chambre funéraire, on a trouvé une cabane en bois de mélèze, un catafalque en bois, un tapis en feutre avec les scènes rituelles et le plus ancien tapis à poils du monde.

L’Europe à l’époque des migrations et au début du Moyen Âge (Salle 33, couloir de Koutouzov)

Ici, seize vitrines présentent des objets archéologiques qui racontent la période de migration des IVe et VIe siècles après J.-C. C’est une époque historique importante et mouvementée qui a constitué une étape de transition entre l’Antiquité et le Haut Moyen Âge (VIe – Xe siècles). Pour de nombreux peuples européens, c’est à cette époque qu’est née leur propre culture, issue d’une synthèse de traditions ethniques « barbares » et de divers éléments de l’héritage gréco-romain. Le développement des premières civilisations médiévales en Europe commence précisément après l’achèvement des processus migratoires turbulents de cette période et peut être considéré comme leur conséquence.

Salles d’or (Jaune, Salles 41 à 45)

Le Salon d’or abrite une remarquable collection d’objets inestimables, allant d’anciens objets en or scythes et grecs à la collection sibérienne de Pierre le Grand. En outre, vous y verrez de splendides objets qui ont été donnés en cadeau à la famille impériale.

La culture et l’art de l’Asie centrale pré-islamique (Salles 46 à 54)

’exposition s’ouvre avec les objets culturels des nomades Saka (1er millénaire avant J.-C.) et les objets d’art des États hellénistiques – Empire Parthien (IIIe siècle avant J.-C. – IIe siècle après J.-C.) et le Royaume Gréco-Bactrien (IIIe – Ier siècle avant J.-C.). La célèbre frise avec des figures de musiciens provient du monastère bouddhiste d’Ayrtam. Les exemples de sculpture et de peinture trouvés à Pendjikent et les peintures murales découvertes à Varaksha familiarisent le visiteur avec la culture de la Sogdiane (Ve – VIIIe siècles après J.-C.).

La collection d’argenterie sogdienne et khorezmienne est de renommée mondiale. Les fouilles de la forteresse d’Abgar (l’actuelle montagne de Mug) ont permis de découvrir des objets appartenant au dernier souverain de la Pendjikent (début du VIIIe siècle).

L’art du Caucase (Orange, salles 55 à 66, premier étage)

La culture du Caucase. L’Antiquité et le Haut Moyen Âge (Salles 55 à 57)

L’exposition s’ouvre sur les découvertes archéologiques (fin du 2e millénaire avant J.-C.) des différentes régions du Caucase du Sud. La salle suivante est consacrée à la culture de l’ancien État d’Urartu (IXe – VIIe siècles avant J.-C.) situé sur le territoire adjacent aux lacs Van, Urmia et Sevan. La majorité des objets datent des VIIIe et VIIe siècles avant J.-C. et proviennent de l’ancienne ville de Teishebaini, où l’expédition archéologique dirigée par B.B. Piotrovsky de 1939 à 1971 a effectué des fouilles sous une colline à Karmir Blur. Les figurines en bronze de créatures fantastiques, qui proviennent de l’ancienne ville de Rusakhinili (aujourd’hui Toprakkale), sont particulièrement intéressantes. Une galerie séparée expose les découvertes archéologiques uniques du cimetière du ravin de Moshchevaya Balka dans le Caucase du Nord. Elle comprend une collection unique de tissus, de pièces de vêtements, d’objets en bois et en cuir, remarquables par leur état de conservation.

L’art du Daghestan médiéval (Salles 58 à 60)

La majorité des objets d’art représentés dans l’exposition sont associés au phénomène culturel unique qui a émergé au Moyen-Âge dans le village de montagne de Kubachi (la partie centrale de la région aujourd’hui habitée par les Dargins) au Daghestan. La collection de reliefs en pierre et de chaudrons en bronze est exposée dans les salles 58-59. Créés à Kubachi, ces objets d’art ont été exécutés dans deux styles traditionnels caractéristiques de cette culture. Au XIXe siècle, les habitants de Kubachi se consacraient à la décoration d’armes et à la fabrication de bijoux, comme en témoignent les objets exposés dans les vitrines de la salle 60.

L’art de l’Arménie et de la Géorgie (Salles 62 à 63A)

L’art de l’Arménie dans la salle 63 est représenté par les monuments d’art du Ier au XIXe siècle. Le plus grand nombre d’objets reflétant la culture de l’Arménie médiévale comprend les œuvres toreutics du royaume arménien de Kilikan des XIIe et XIIIe siècles, des fragments d’ornementation architecturale des XIe au XIVe siècles et un « khachkar », également appelé croix de pierre arménienne. Les exemples de peintures murales médiévales et la collection de manuscrits enluminés occupent une place importante dans l’exposition.

Dans la salle 62 consacrée à la culture et à l’art de Géorgie, connue dans l’Antiquité sous les noms d’Iberia-Kartli et de Colchis, sont exposés les anciens objets d’art trouvés dans le cimetière du village de Bori (IIe – IIIe siècles), les œuvres des orfèvres médiévaux de Géorgie, y compris des cadres d’icônes et une croix de procession du XVe siècle. On peut aussi y voir des sculptures du XIe et XVe siècles, récipients à vin originaux en argent et des armes du XIXe siècle.

L’art de l’armurerie au Moyen-Orient du XVe – XIXe siècle (Salle 65, le hall aux colonnes blanches)

L’exposition présente des armes provenant d’Arabie, de l’Empire ottoman, d’Afrique du Nord et d’Iran, ainsi qu’un certain nombre d’objets créés par des forgerons du Caucase et d’Asie centrale. Une partie importante de la collection d’armures de l’Hermitage a été constituée dans la première moitié du XIXe siècle sur la base de l’arsenal privé de l’empereur Nicolas Ier conservé à Tsarskoïe Selo. Sa constitution dépendait des cadeaux offerts par les souverains, diplomates et chefs militaires étrangers, ainsi que du butin des guerres du Caucase, d’Asie centrale et du Proche-Orient.

L’histoire et la culture de la Horde d’or (Salles 61 et 66)

L’exposition permet au visiteur de découvrir la diversité culturelle de la Horde d’or, l’État qui occupait la vaste étendue des steppes d’Eurasie du XIIIe au XVe siècle. À partir de matériaux provenant de plusieurs collections archéologiques, l’exposition présente des objets en pierres précieuses, qui représentent les principales étapes du développement de la culture des cavaliers du XIIIe au XIVe siècle. Les matériaux archéologiques fournis par les fouilles menées à Fort Gulistan, dans la région de la Moyenne-Volta, donnent une bonne idée de la culture de la Horde d’Or. Les matériaux de la collection Belorechenskaya (Caucase du Nord) et de la collection Solkhatskaya (Crimée orientale) permettent de révéler les contacts et les relations commerciales entre la Crimée orientale et le Caucase du Nord pendant la période de la fin du XIVe au XVe siècle.

L’art dans l’antiquité (moutarde, Salles 100 à 131, premier étage)

La culture de l’Égypte ancienne (Salle 100)

L’exposition présente au visiteur les principales étapes de l’histoire culturelle de l’Égypte ancienne de la fin de l’an 4 000 à 1 000 avant J.-C. Les fragments de reliefs muraux provenant des tombes des nobles des Ve et VIe dynasties remontent à la période de l’Ancien Empire. Les matériaux caractéristiques des pratiques cultuelles de l’Égypte du Moyen Empire, notamment les stèles, les figurines en bois des serviteurs et les statuettes de particuliers, permettent de se faire une idée sur cette période.

La statue représentant le pharaon Amonemhat III de la XIIe dynastie, qui date du XIXe siècle avant J.-C., est un bel exemple du portrait royal officiel. L’art du Nouvel Empire est représenté par la sculpture, les stèles et l’artisanat d’art. L’un des chefs-d’œuvre de la collection, la statue de Cléopâtre VII, dernière reine de la dynastie ptolémaïque, remonte à la domination de la dynastie macédonienne, qui a cessé d’exister en 30 avant J.-C.

L’art de la Rome antique (Salles 101 à 110 et 127 à 129)

La collection d’art romain couvre la période chronologique allant de la République (1er siècle avant J.-C.) à la fin de l’Empire (4e siècle avant J.-C.). Elle comprend des sculptures, des reliefs, des sarcophages en marbre, des autels, des mosaïques et des objets d’artisanat d’art. Parmi les chefs-d’œuvre figurent le portrait de l’empereur Lucius Verus (IIe siècle avant J.-C.), le portrait d’une jeune femme, dite syrienne (IIe siècle avant J.-C.) et deux monuments d’art du IIIe siècle : les portraits des empereurs Balbinus et Philippe l’Arabe.

L’art de la Grèce antique (Salles 111 à 114)

L’art de la période archaïque et du début de la période classique est représenté par les objets de céramique peinte sur verre provenant de différents centres d’artisanat grec, notamment Athènes, Corinthe et les villes d’Ionie. Parmi les objets exposés figurent des œuvres de peintres de vases tels qu’Epictète, Euphronios et Durios. Les vestiges de l’Antiquité trouvés à Chypre (fin du IIIe au 5e siècle avant J.-C.) sont exposés ici. Les monuments grecs originaux, tels que les tombes avec des reliefs datant du Ve siècle avant J.-C., et les copies romaines des œuvres des célèbres sculpteurs de la Grèce antique familiarisent le visiteur avec l’art des périodes du Haut et du Bas-Classique. L’exposition se termine par les œuvres d’origine romaine reproduisant les chefs-d’œuvre de Scopas, Praxitèle, Lysippe et d’autres sculpteurs de la période classique tardive (IVe siècle avant J.-C.).

La culture des anciennes villes de la région nord de la mer Noire (Salles 115 à 117)

L’exposition est basée sur la collection de monuments datant du VIIe siècle avant J.-C. au IIIe siècle après J.-C. découverts à la suite de fouilles archéologiques au nord de la mer Noire. La partie principale de l’exposition intitulée « Les tumulus du Bosphore » est consacrée aux célèbres sépultures du royaume du Bosphore. Elle présente trois sarcophages en bois uniques, les objets trouvés dans les tumulus de Nimfei et de Semibratniy, ainsi que dans les tumulus de Kul-Oba et de Yuz-Oba. Les sarcophages en bois trouvés dans les tombes du Bosphore sont d’origine romaine. Veuillez noter le masque en or du IIIe siècles. Une section distincte illustre les caractéristiques décoratives des habitations antiques au cours de l’ère archaïque, classique et hellénistique.

L’art de l’ère hellénique (Salle 121)

L’exposition est consacrée à l’art hellénistique issu de la campagne d’Alexandre le Grand à la fin du IVe siècle avant J.-C. Les sculptures exposées sont principalement des copies romaines des originaux hellénistiques. Une section séparée est consacrée à l’art plastique classique en terre cuite des IVe et IIIe siècles avant J.-C. Parmi les objets exposés, on trouve la statuette d’Aphrodite jouant avec Éros ainsi que les gracieuses figurines créées dans la ville de Tanagra en Béotie.

La chambre des diamants (Salles 122 à 126)

L’exposition présente des joyaux inestimables et des objets de luxe qui ont appartenu à la famille Romanov et des cadeaux diplomatiques à la cour russe. Vous verrez la célèbre vitrine qui présente deux harnais de chevaux somptueusement décorés de pierres précieuses, ainsi que des décorations exquises créées par Carl Fabergé.

L’art de l’Italie ancienne (Salles 130 à 131)

L’exposition représente l’art de l’Italie pré-romaine de la fin du IXe au IIe siècle avant J.-C. La majorité des objets exposés sont représentés par des céramiques provenant des différentes régions d’Italie. La pièce la plus belle est l’hydrie laquée noire dont les épaules représentent les divinités. Le corps porte une bande avec les figures en relief de gryphons, lions et panthères. Une section distincte est consacrée aux objets culturels étrusques datant du VIIIe au IIe siècle avant J.-C., notamment les céramiques et les bronzes. L’urne cinéraire représentant la figure couchée d’un jeune est un exemple rare de sculpture étrusque en bronze.

Deuxième étage (premier étage en français)

Culture russe (Violet, salles 151 à 187, deuxième étage)

La galerie de portraits des représentants de la dynastie des Romanov (Salles 151 à 153)

De 1840 à 1918, la galerie Romanov a été installée dans le Petit Hermitage. Basée sur le riche héritage iconographique de la dynastie royale Romanov, la collection a été recréée dans l’une des galeries du Palais d’hiver du musée actuel. On y trouve les portraits de tous les couronnés de la dynastie Romanov et des membres de leur famille.

La culture et l’art russes de la première moitié du XVIIIe siècle (Salles 157 à 167)

Cette exposition raconte l’histoire fascinante du développement de la culture russe depuis l’époque de Pierre le Grand jusqu’au règne d’Elizabeth Petrovna.

Une collection unique de souvenirs provenant du bureau de Pierre le Grand permet de se faire une idée à la fois de la culture de l’époque et de la personnalité du tsar. Elle se compose d’outils, d’instruments et de tours provenant de l’atelier de Pierre. Les portraits des personnalités publiques qui se sont distinguées sous le règne de Pierre le Grand et d’Élisabeth méritent une mention spéciale. Une partie considérable des objets exposés représente les œuvres d’art décoratif et appliqué de la première moitié du XVIIIe siècle. On y trouve notamment des meubles, des décorations d’intérieur, des objets d’art en métal, des objets en verre, des émaux, des exemples de mosaïques, etc. Les premiers exemples de porcelaine produits à la Manufacture de Porcelaine Impériale sont exposés, y compris les rares exemples de porcelaine russe du père de la porcelaine artisanale D.I. Vinogradov.

La culture et l’art russes de la seconde moitié du XVIIIe siècle (Salles 168 à 174)

L’exposition se concentre sur le règne de Catherine II et de ses successeurs immédiats. Les peintures exposées sont pour la plupart des portraits, notamment des œuvres de Vladimir Borovikovsky, Dmitry Levitsky, Fyodor Rokotov et d’artistes étrangers tels qu’Alexander Roslin, Johann Baptist von Lampi, Jean-Louis Voille, Angelica Kauffmann et d’autres. L’exposition présente également des objets d’art décoratif et appliqué, tels que des costumes, des meubles, de la porcelaine, de la verrerie, des textiles et des œuvres d’art en métal. Le bureau d’Alexandre II avec sa chambre à coucher, abrite une plaque commémorative et un buste en marbre de l’empereur, qui est mort ici des suites de ses blessures le 1er mars 1881.

La décoration intérieure russe du XIXe – début du XXe siècle (Salles 176 à 187)

Une partie considérable des objets a été utilisée pour la décoration du Palais d’hiver. L’exposition complète des objets, caractéristiques de cette période historique spécifique et extrêmement variés tant dans leurs fonctions que dans leurs techniques respectives, permet de montrer de façon vivante les traits les plus distinctifs de l’art décoratif et appliqué russe. Classée par ordre chronologique, de l’époque d’Alexandre Ier jusqu’au règne de Nicolas II, l’exposition présente différentes tendances stylistiques reflétant l’évolution des intérieurs, allant du style Art nouveau au style Empire.

Chaque partie de l’exposition porte la marque de son époque. Les objets présentés dans l’exposition recréent partiellement le panorama du mode de vie de l’aristocratie, de la noblesse et de la classe moyenne de la société russe. Chaque fonction a reçu sa propre pièce : le salon, le salon de musique, le bureau privé, le boudoir et autres. La salle 178 représente l’intérieur original du palais. Il s’agit de la bibliothèque de Nicolas II, dont les salons privés étaient situés dans cette partie du palais d’hiver.

La place prépondérante dans l’exposition est occupée par le mobilier qui joue un rôle important dans toute décoration intérieure. La riche collection de meubles russes de l’Hermitage permet de montrer l’impressionnante diversité des formes, du design et de la décoration artistique, ainsi que le rôle important des principaux architectes et maîtres de l’art décoratif et appliqué.

Les chambres d’état (Vert clair, salles 155, 156, 188 à 197, 204, 270 à 271 et 304 à 308)

La suite de chambres Nevsky, la chambre Malachite et la rotonde (Salles 155 à 156 et 188 à 192)

S’étendant le long de la Neva, la suite de chambres Nevsky du Palais d’hiver commence à partir du palier de l’escalier Jordan. Elle comprend trois salles d’état : l’Antichambre, la Salle Nicolas et la Salle de concert. Conçu par Giacomo Quarenghi à la fin du XVIIIe siècle, l’intérieur de la suite Nevsky a été gravement endommagé par l’incendie de 1837. Il a été restauré par V.P. Stasov conformément à la tendance architecturale dominante du milieu du XIXe siècle. Au-delà de la salle de concert se trouve la salle Malachite (architecte A.P. Brullov), dont les portes s’ouvrent sur la petite salle à manger et la salle à manger Blackamoor. De cette dernière, on peut se rendre dans la Rotonde (architecte Auguste Montferrand).

La suite des salles de l’État dans le palais d’hiver (Salles 193 à 197, 270 à 271 et 282)

Commençant près de l’escalier du Jourdain, la suite des salles d’état du Palais d’Hiver mène à la salle Saint George (la grande salle du trône) et à la grande église. Les salles, qui ont conservé leur décoration d’origine, offrent un aperçu fascinant des intérieurs de palais du XIXe siècle.

La suite des salles d’Etat du palais d’hiver commence près de l’escalier du Jourdain et mène à la salle Saint-Georges (la grande salle du trône). Adjacente à la salle des maréchaux, on trouve la salle commémorative de Pierre le Grand. De la Salle d’Armes, on peut entrer dans la Galerie de la Guerre créée comme un monument à la gloire militaire de la Russie. Les portes de la partie centrale de la Galerie de la Guerre s’ouvrent sur la Salle Saint-Georges, l’ancien lieu des cérémonies d’accession impériale. Juste après on trouve une petite antichambre, la salle des piquets de grève et la salle Alexandre Ier.

Les chambres privées de l’impératrice Maria Alexandrovna dans le palais d’hiver (Salles 289 et 304 à 308)

Les salons privés de l’impératrice Marie-Alexandrovna, épouse de l’empereur Alexandre II se composent de la salle blanche, le salon doré, le salon vert, le bureau cramoisi, le boudoir et la chambre bleue. La décoration intérieure a été recréée en 1841 par A.P. Briullov. Selon les souhaits de l’impératrice, A.I. Stackenschneider et G.A. Bosse ont rénové les salons privés dans les années 1850.

L’art italien (Vert foncé, salles 207 à 238)

Art de la Renaissance italienne du XIIIe – XVIe siècle (Salles 207 à 216)

L’art de la Renaissance italienne, qui couvre une période allant de sa naissance au XIIIe siècle jusqu’au XVIe siècle, est représenté dans la Grande Suite des chambres du premier étage de l’Ancien Hermitage. L’exposition présente les œuvres des maîtres de diverses écoles italiennes, la première place étant occupée par l’école florentine.

Datant de la seconde moitié du XIIIe siècle, l’une des plus anciennes œuvres de l’exposition est intitulée « Croix avec le Christ crucifié » par Ugolino di Tedice, le maître de Pise. Il convient de mentionner en particulier l’exemple remarquable de l’art du début de la Renaissance italienne – le panneau diptyque droit de petite taille – qui représente la Madone dans une scène de « L’Annonciation », œuvre du grand artiste de la Renaissance italienne Simone Martini (salle 207). L’art florentin du XVe siècle est représenté par les peintures de Fra Beato Angelico, Fra Filippo Lippi, ainsi que par les œuvres des sculpteurs et céramistes de la famille della Robbia (salles 209-210).

L’exposition contient les peintures des principaux artistes italiens des XVe et XVIe siècles, notamment Sandro Botticelli, Filippino Lippi, Pietro Perugino, Andrea del Sarto et Francesco Franchi. Deux tableaux de Léonard de Vinci – « La Madone de Benois » et « La Madone de Litta » – sont considérés à juste titre comme les joyaux de la collection de l’Hermitage. Les tableaux des disciples et des adeptes du grand maître, dont Francesco Melzi, Bernardino Luini et Giampietrino (salle 215), ainsi que les toiles des artistes maniéristes Jacopo Pontormo, Angelo Bronzino et Giulio Romano complètent l’exposition.

L’école d’art vénitienne de la Renaissance italienne (Salles 217 à 223)

La cour-enfilade du premier étage du Grand Hermitage est consacrée à l’école de peinture vénitienne représentée par les œuvres des maîtres des XVe et XVIe siècles Cima da Conegliano, Giorgione et Sebastiano del Pjombo, ainsi que par les portraitistes Palma l’Ancien, Domenico Capriolo et Lorenzo Lotto (salles 217-218). Les peintures de Titien caractérisent les différentes étapes de son œuvre. La plus ancienne, le tableau monumental « La fuite en Égypte », a été réalisée au début du XVIe siècle (salle 217), tandis que les célèbres tableaux de la collection de l’Hermitage – « Danaé », « La Madeleine pénitente » et « Saint-Sébastien » – (salle 221) représentent la période tardive de l’œuvre de Titien. Les tableaux de Paolo Véronèse et de Jacopo Tintoretto illustrent la dernière étape du développement de l’art à la Renaissance (salle 222). L’exposition est complétée par des objets d’art appliqué : verre vénitien, heurtoirs de porte en bronze, tissus et dentelles (salle 223).

Les loggias de Raphaël (Salle 227)

Commandées par l’impératrice Catherine II à la fin des années 1780, les loges de Raphaël sont la copie exacte de la galerie du palais papal au Vatican. Les fresques des loggias ouvertes du Palais papal ont été peintes d’après les croquis de Raphaël. Leurs copies réalisées en Italie par un groupe d’artistes sous la supervision de Christopher Unterberger, ont pris place dans la galerie d’un bâtiment séparé érigé par Giacomo Quarenghi. Les voûtes des Loggias sont décorées de scènes tirées de récits bibliques, les murs sont couverts de peintures avec des motifs « grotesques ».

L’art italien des XVIe – XVIIIe siècles (Salles 229 à 238)

L’exposition d’art italien du XVIe au XVIIIe siècles au premier étage du Nouvel Hermitage occupe les salles dites des Petites et Grandes lucarnes italiennes (salles 237-238), les salles de l’Enfilade de la Cour, « les Cabinets italiens » (salles 230-236) et la salle de la Majolique italienne (salle 229).

Deux peintures anciennes de Raphaël – « La Vierge aux Conestabile » et « La Sainte Famille » – ainsi que l’énorme dessin animé de Giulio Romano intitulé « Le triomphe de Scipion l’Africain » sont exposés dans la salle 229. On y trouve également des objets d’art décoratif et appliqué de la Renaissance, notamment des exemples de majoliques, de cassones et de tapisseries du XVIe siècle. La cour s’ouvre sur la salle des fresques réalisées au XVIe siècle par les artistes de l’école Raphaëlite sur les thèmes des « Métamorphoses » d’Ovide. On y trouve également une petite sculpture de Michelangelo Buonarroti intitulée « Le garçon accroupi », acquise pour la collection impériale sur ordre de Catherine II, ainsi qu’une partie de la collection de sculptures de Farsetti et des œuvres du grand-maître du style baroque Gian Lorenzo Bernini.

L’Académie de Bologne est représentée par les tableaux des frères Carracci, Guido Reni, Guercino et Domenichino (salles 237,231), et une autre division de la collection connue sous le nom de Caravagisme italien (salles 237,232,233) est représentée par « Le joueur de luth » (salle 237), le seul tableau en Russie de Michelangelo Merisi da Caravaggio. La grande salle italienne des lucarnes présente des toiles de grande taille réalisées par des artistes italiens des XVIIe et XVIIIe siècles (salle 238).

Sont exposées ici les peintures dans le genre de la veduta, les œuvres du grand artiste baroque italien Luca Giordano, ainsi que les peintures de Salvator Rosa et Giovanni Maria Crespi. Des toiles décoratives à grande échelle peintes par Tiepolo sur le thème de l’histoire romaine ancienne ont été créées par le maître pour le Palais des Dauphins à Venise. Au centre de la salle se trouve la sculpture intitulée « La mort d’Adonis » de Giuseppe Mazzuola.

La peinture espagnole (Saumon, Salles 239 à 240, deuxième étage)

La collection de peinture espagnole occupe deux salles au premier étage du Nouvel Hermitage : la petite salle de la lucarne espagnole et le Cabinet espagnol (salles 239-240).

L’exposition s’ouvre avec les œuvres des maîtres représentant les différentes écoles d’art du XVe siècle. La peinture espagnole du XVIe siècle est illustrée par les toiles de Luis de Morales et Francisco Ribalta, ainsi que par les maîtres du portrait de cour Alonso Sanchez Coello et Juan Pantoja de la Cruz. L’un des joyaux de la collection de l’Hermitage est « Les Apôtres Pierre et Paul » du Greco. L’art espagnol du XVIIe siècle est associé aux noms de maîtres tels que Jusepe de Ribera, Francisco de Zurbaran et Diego Velazquez. Un grand nombre de tableaux de Bartolomé Esteban Murillo donnent une image générale de l’œuvre du célèbre artiste sévillan. Le « Portrait de l’actrice Antonia Zarate » de Francisco de Goya, daté du début du XIXe siècle, clôt l’exposition de manière chronologique.

La peinture flamande (Bleu, Salles 245 à 247, deuxième étage)

La peinture flamande occupe quatre salles au premier étage du Nouvel Hermitage (salles 245-247). Il s’agit de l’une des plus grandes collections au monde, qui contient les œuvres de Peter Paul Rubens, Anthony van Dyck, Jacob Jordaens et Frans Snyders, les célèbres artistes du XVIIe siècle.

Le XVIIe siècle a marqué l’âge d’or de la peinture flamande. Les tableaux de Peter Paul Rubens (salle 247) constituent le point central de l’exposition. Son œuvre, en tant qu’artiste principal de l’école de peinture flamande, est représentée par différents genres : paysage, portrait, sujets bibliques et mythologiques. Parmi les œuvres les plus remarquables figurent « L’union de la terre et de l’eau », « Persée et Andromède » et « Bacchus ». L’œuvre du célèbre portraitiste flamand Anthony van Dyck est représentée à l’Hermitage par 24 tableaux, dont la plupart sont exposés dans la salle attenante (246). Les peintures grand format de Frans Snyders de la série « Shops », les peintures de scènes de chasse de Paul de Vos et « The Bean King » de Jacob Jordaens donnent un aperçu de la diversité des genres pratiqués par les maîtres flamands du XVIIe siècle (salle 245).

La peinture hollandaise (Bordeau, Salles 248 à 254, deuxième étage)

L’exposition de peinture hollandaise est l’une des plus importantes de la collection de l’Hermitage. Elle occupe six salles au premier étage du nouvel Hermitage (salles 249-253).

Étant la plus grande en superficie, la Salle de la Tente (249) représente la diversité des genres pratiqués dans l’art néerlandais du XVIIe siècle. On y trouve les œuvres des célèbres paysagistes Jan van Goyen et Jacob van Ruisdael, des peintres de genre Jan Steen, Gerard Terborch, Pieter de Hooch, Adriaen et Isaac van Ostade, de l’animalier Paulus Potter et des maîtres de la nature morte Willem Claesz Heda et Willem Kalf. Les portraits de Frans Hals sont également exposés. Une salle séparée présente les œuvres de Rembrandt Harmensz van Rijn (salle 254). L’Hermitage possède la plus grande collection d’œuvres du grand artiste néerlandais, qui est représentée par des peintures sur des sujets bibliques et mythologiques, ainsi que par des portraits.

L’art allemand du XVe au XVIIIe siècle (Bleu clair, Salles 255 à 257, deuxième étage)

La collection d’art allemand de la Renaissance comprend cinq peintures de Lucas Cranach, Ambrosius Holbein et Georg Pencz. Les tableaux de Hans von Aachen (le peintre de la cour de l’empereur Rodolphe II Habsbourg), Johann Schonfeld et Christopher Paudiss donnent un aperçu de la peinture du XVIIe siècle. La collection de peinture allemande du XVIIIe siècle est représentée par les œuvres d’Angelica Kauffman, d’Anton Raphael Mengs et d’Antoine Pesne. La collection de portraits allemands de la seconde moitié du XVIIIe siècle comprend les toiles de Johann Friederich Tischbein et d’Anton Graff. L’exposition présente aussi des œuvres de sculpture et des objets d’art décoratif et appliqué.

L’art des Pays-bas (Rose, Salles 258 à 261, deuxième étage)

L’exposition d’art des Pays-Bas se trouve au premier étage du Petit Hermitage où elle occupe une partie du pavillon sud adjacent (salle 258), une des galeries (salles 261 – 262) et la salle d’angle du bâtiment du Nouvel Hermitage (salle 248).

Loin d’être de grande taille, la collection de peinture néerlandaise contient les œuvres d’artistes remarquables, qui ont atteint le plus haut sommet de leur art national. L’une des premières peintures néerlandaises, qui remonte au début du XVe siècle, est le diptyque « Trinité ». La Vierge à l’enfant près d’une cheminée » de Robert Campin. C’est ici que le visiteur peut voir les peintures des principaux artistes du XVe siècle : « Saint Luc dessinant la Vierge » de Rogier van der Weyden et le triptyque de Hugo van der Goes.

Parmi les joyaux de la collection se trouve le triptyque « La guérison de l’aveugle de Jéricho » de Lucas van Leyden, ainsi que les tableaux de Jan Gossaert, Dirck Jacobsz, Pieter Aertsen, Joachim Patinier et Adriaen Thomas Key. Sont également exposés des sculptures, des tapisseries et des objets d’art appliqué créés par les maîtres néerlandais.

L’Europe occidentale : l’art appliqué du XIe au XVe siècles (Violet foncé, Salle 259)

La collection de monuments d’Europe occidentale d’art appliqué du Moyen Âge est exposée dans la galerie Romanov du Petit Hermitage. Elle présente des objets d’église, notamment des reliquaires, des ostensoirs, des croix de procession, des plaques d’os sculptées et une sculpture en ivoire de la Vierge à l’Enfant. Une place importante dans la collection des maîtres de Limoges est occupée par un cercueil portant des scènes de la vie de Sainte Valérie. Un exemple très rare est le vase Fortuny en céramique du XIVe siècle, exécuté dans le style hispano-mauresque. L’exposition contient également des pièces de mobilier, des tapisseries, des vitraux et des œuvres d’art en métal.

L’art français des XVe – XVIIIe siècles (Bleu foncé, Salles 272 à 281 et 283 à 297, deuxième étage)

L’art de la seconde moitié du XVe au début du XVIIe siècle est représenté par des toiles d’artistes tels que Pierre Dumonstier et Jacques Bellange (salles 272-275), des émaux de Limoges (salle 274), des céramiques produites à Saint Porcheres et la célèbre « poterie rustique », pour laquelle Bernard Palissy était célèbre (salle 273). L’exposition présente au visiteur les œuvres des artistes les plus célèbres du XVIIe siècle, dont Simon Vouet, qui fut le premier peintre du roi Louis XIII, son disciple Eustache Le Sueur, les frères Le Nain, Sébastien Bourdon et d’autres (salles 275 -276). Il y a 12 tableaux de Nicolas Poussin, le principal maître du classicisme dans la peinture française du XVIIe siècle (salle 279). Une salle séparée présente les tableaux du peintre paysagiste Claude Gellee (ou Le Lorrain), le disciple de Nicolas Poussin (salle 280). L’exposition illustrant l’école française de peinture du XVIIIe siècle est remarquable par les œuvres d’Antoine Watteau, François Boucher, Jean Siméon Chardin, Jean-Honoré Fragonard et Hubert Robert (salles 283-288). Les œuvres sculpturales de Maurice Falconet et de Jean-Antoine Houdon se distinguent avant tout.

L’art anglais (Bleu clair, Salles 298 à 301, deuxième étage)

Peintures, objets en argent, porcelaine, faïence de Wedgwood, camées et médailles sont exposés dans les quatre salles de l’Enfilade au premier étage du Palais d’hiver (salles 298-301). Une partie considérable de la collection de peinture anglaise comprend des portraits, dont les plus anciens remontent au XVIe siècle. Le genre de la peinture de portrait de la fin du XVIIe et du XVIIIe siècle est représenté par les œuvres de William Dobson, Godfrey Kneller, George Romney, Henry Raeburn et Thomas Gainsborough. C’est ce dernier qui a créé le « Portrait d’une dame en bleu » (salle 298). Trois œuvres de Joshua Reynolds, dont « L’Hercule infantile étranglant les serpents », commandées par Catherine II, illustrent le travail du maître (salle 300). La peinture du XIXe siècle est représentée par les œuvres des éminents portraitistes Thomas Lawrence, Christina Robertson et George Dawe (salles 300 -301).

Troisième étage (deuxième étage en français)

L’art oriental (rouge, 351 à 397, troisième étage)

La culture et l’art de l’Asie centrale (Salles 359 à 367)

L’exposition donne une image générale de la diversité des cultures des peuples qui ont habité les différentes régions de l’Asie centrale et de la Mongolie depuis les temps anciens jusqu’au Moyen Âge. Parmi les objets exposés, on trouve des peintures murales, des sculptures et des matériaux archéologiques mis au jour lors des travaux de fouille dans les temples-cavernes bouddhistes des oasis de la route de la soie. Les œuvres d’art bouddhiste sont également représentées par les reliques des temples rupestres de Mogao (près de Dunhuang) et par les œuvres d’art de la dynastie Tang, notamment par la peinture et la sculpture bouddhistes de Hara-Hoto, l’un des centres de l’État Tangut du Xia occidental. Ll’Hermitage possède un grand nombre de pièces archéologiques provenant des tumulus de Noin-Ula, le complexe archéologique de la culture nomade des Huns d’Asie centrale (Hsiung-nu) dans le nord de la Mongolie. La collection d’art tibétain, qui suit la tradition des formes tibétaines et mongoles du bouddhisme, comprend des exemples d’art plastique bouddhiste en bronze, de peinture (tangka tibétain) et d’objets rituels.

L’art de l’Inde du 1er au 19ème siècle (Salles 368 à 370)

L’art de l’Inde ancienne et médiévale est représenté par des sculptures bouddhistes, jaïnes et hindoues en pierre, en bronze et en bois. L’exposition de peintures miniatures indiennes fournit une introduction aux différentes écoles de peinture, y compris des exemples d’art des écoles d’Inde occidentale, des Mogols, du Deccan et du Rajputu. Il convient également de noter les feuilles créées dans les écoles musulmanes provinciales. Sont également exposées les miniatures sur ivoire associées à l’école de la Compagnie. La plus belle collection d’armes et d’armement indiens de Russie occupe une place importante dans l’exposition. Parmi celles-ci, on peut voir les haches rituelles pour faire des sacrifices, les épées Kunda pour les batailles impliquant des éléphants, les boucliers d’acier faits de peau de rhinocéros, les canons décorés de peinture décorative, les chakras (disques de combat), ainsi que l’armure complète qui appartenait à un noble guerrier Rajput.

L’art du Japon (Salles 358, 375 et 376)

L’exposition présente des œuvres d’art qui familiarisent le visiteur avec différents aspects de la culture traditionnelle japonaise, notamment des objets d’art bouddhiste des XIVe et XVe siècles, des objets pour la cérémonie du thé, ainsi que des exemples d’armes japonaises. On peut également y voir les estampes ukiyo-e du XVIIIe au XXe siècle qui reflètent la vie quotidienne, la routine et les fêtes des citadins. Des objets en métal, en laque, en ivoire et des œuvres d’art émaillées permettent de se faire une idée des différentes formes d’art appliqué. L’exposition présente 240 netsukes créés les maîtres des écoles de Yedo, Osaka, Kyoto, Nagoya, Ivami et Tsu.

L’art du XIXème et XXème siècle a été déplacé au bâtiment de l’état-major général.

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Le palais de Catherine de Tsarskoïe Selo, dans le village de Pouchkine, est un musée et un complexe de palais et de parcs. Fondé en 1717, sous le règne de Catherine Ier, il a appartenu dans les années qui ont suivi aux impératrices Elizabeth Petrovna et Catherine II. En 1752 le Grand Palais a été reconstruit selon les plans de l’architecte Rastrelli dans un style baroque. C’est cet ensemble architectural qui est aujourd’hui visible sous sa forme restaurée. Le palais est inscrit au patrimoine mondial de l’UNESCO.

Cet article traite uniquement du palais de Catherine avec toutes ses salles. Pour avoir plus d’information sur le complexe de Tsarskoïe Selo avec son parc et le palais d’Alexandre, veuillez consulter les articles correspondant.

Estimation du temps de lecture : 48 minutes

Histoire du palais de Catherine

L’exposition du Palais de Catherine (connu jusqu’en 1910 sous le nom de Grand Palais de Tsarskoe Selo) couvre les 300 ans d’histoire de cet édifice exceptionnel et présente le travail des architectes qui ont participé à sa construction et à sa décoration aux XVIIIe et XIXe siècles, ainsi que les réalisations des restaurateurs qui ont redonné vie au palais après la Seconde Guerre mondiale. Sur les 58 salles détruites pendant les années de guerre, 32 ont été recréées.

En 1717, alors que Saint-Pétersbourg était en cours de création sur les rives de la Neva, l’architecte Johann Friedrich Braunstein a commencé à superviser la construction de la première résidence royale en maçonnerie à Tsarskoïe Selo qui est entrée dans l’histoire comme « les chambres en pierre » de Catherine I. Le bâtiment s’est agrandit pendant le règne de l’impératrice Elizabeth (la fille de Pierre le Grand et de Catherine I). Le 10 mai 1752, l’impératrice Elisabeth signe un décret sur la reconstruction complète de l’ancien bâtiment et le 30 juillet 1756, Bartolomeo Francesco Rastrelli présente déjà sa nouvelle création à sa maîtresse couronnée et aux ambassadeurs étrangers.

Dans les années 1770, la nouvelle maîtresse de la résidence l’impératrice Catherine II, était fascinée par l’art du monde antique et voulait que ses appartements soient finis selon les goûts actuels. Elle confia cette tâche à l’architecte écossais Charles Cameron (1743-1812), spécialiste de l’architecture ancienne qui créa dans l’aile Zubov et dans la partie nord du palais, des intérieurs dotés d’une décoration austère et des finitions particulièrement soignées.

Le dernier ajout aux salles d’État du palais a été l’escalier principal changé en 1860-63 par Ippolito Monighetti (1819-1878) pour un nouveau style « Second Rococo ».

Quoi voir dans le palais de Catherine ?

Le palais de Catherine et son parc sont de loin des incontournables de Saint-Pétersbourg largement pris d’assaut en haute saison. La splendide architecture rococo, l’immense parc et les joyaux que le palais renferme ne laisseront personne insensible. D’ailleurs la chambre d’ambre est considérée comme une énième merveille du monde. Elle fut restaurée à l’identique en 2003 pour un montant estimé à 500 millions de dollars. L’originale aurait été volée par les nazis pendant la guerre et transporté par bateau à travers la mer baltique. Depuis 75 ans, on essaye de localiser l’épave contenant le trésor, en vain.

Le grand hall qui est une salle de réception de plus de 800m² est également une pièce unique à l’image de la galerie des glaces de Versailles. À ne pas manquer !

Comment profiter pleinement de Tsarskoïe Selo ?

Le palais de Catherine est le palais le plus visité de Russie avec celui de Peterhof. Des millions de personnes le visitent chaque année avec une concentration énorme en été, pendant la haute saison. Par conséquent, il n’est pas rare d’avoir 3 heures de file d’attente !

Afin de profiter pleinement du lieu, arrivez tôt voire très tôt avec vos billets déjà achetés en ligne. De cette manière, vous pourrez économiser le temps passé dans la file d’attente et profiter du parc pendant la journée.

Acheter ses billets pour le palais de Catherine

Sur place, l’attente en été est irréaliste. Il est donc fortement conseillé d’essayer d’acheter ses billets en ligne ou via une agence. Par ailleurs, il est important de savoir qu’une fois les billets achetés, vous avez 1 heure pour entrer dans le palais.

En ligne sur le site officiel, vous obtiendrez une contremarque échangeable contre un billet.

Conseil pour ne rien louper

Concernant de la visite du palais de Catherine, les visiteurs sont rassemblés en petits groupes de 15 à 20 personnes accompagnés d’un guide. La visite dure environ 20 minutes ce qui est court. Par conséquent, il est peu probable que vous ayez le temps d’examiner simultanément les intérieurs, d’écouter le guide et de prendre des photos. Il ne vous est cependant pas interdit de vous éloigner de votre groupe.

Trois itinéraires

Compte tenu du très grand nombre de visiteurs au palais de Catherine, les touristes sont conduits par trois itinéraires guidés. Les deux premiers itinéraires incluent la visite du grand hall et de la célèbre chambre d’ambre mais quelques salles diffèrent (voir plan). L’itinéraire n° 3, ne vous permettra pas d’accéder à la chambre d’ambre néanmoins il donne accès à la chapelle et aux appartements.

En conclusion, prévoyez la journée pour profiter pleinement du lieu et ne pas courir. Planifiez cette journée en avance, repérez les lieux via notre carte et faites appel à un guide si vous souhaitez en savoir plus et ne pas vous prendre la tête.

Plan du palais de Catherine

Le palais de Catherine à Tsarskoïe Selo a été gravement endommagé pendant la Seconde Guerre mondiale, les intérieurs ont été pillés et le bâtiment a brûlé. La dernière restauration à grande échelle a été achevée en 2015.

Toutes les pièces du palais de Catherine

Maintenant que vous savez comment bien profiter de ce trésor, découvrons ce qu’il renferme.

L’escalier d’honneur

Sous le règne de Catherine II, l’escalier principal construit dans les années 1750 par Bartolomo Francesco Rastrelli fut supprimé et Charles Cameron à la place construisit un nouvel escalier en acajou au centre du palais. En 1860-63, l’escalier a été reconstruit en marbre et décoré de balustrades sculptées et de vases par l’architecte Ippolito Monighetti.

La cage d’escalier occupe toute la hauteur et la largeur du palais et est éclairée par trois niveaux de fenêtres à l’est et à l’ouest. Suite à la perte d’une partie de la collection pendant la seconde guerre mondiale, les paliers supérieurs de l’escalier ont été ornés de sculptures en marbre restaurées du sommeil et du réveil de Cupidon, qui ont été sculptées par Victor Brodzsky en 1860 sur ordre de l’impératrice Maria Feodorovna, l’épouse d’Alexandre II.

Le plafond de l’escalier était anciennement décoré de trois peintures qui ont été détruites lorsque le toit s’est effondré pendant la guerre. Pour recréer l’apparence de la cage d’escalier, des toiles de Carlo Maratta et Pietro Liberi ont été sélectionnées pour correspondre aux compositions précédentes tant par leur style que par leur taille.

Les halls d’exposition (1 & 2)

Anciennement garde-manger, deux halls du Palais de Catherine situées à proximité du palier de l’escalier principal, sont désormais utilisées à des fins d’exposition.

Le premier hallprésente l’un des éléments décoratifs uniques du milieu du XIXe siècle qui a survécu à la guerre – un fragment de corniche de la Grande Salle du palais.

Lorsqu’une rénovation complète du bâtiment a été effectuée dans les années 1820 à la suite d’un incendie, les plafonds ont été remaniés. La corniche a été recréée dans le style du décor baroque de l’intérieur de Rastrelli qui sera embellit dans les années 60 par Andrei Stakenschneider. La corniche a existé sous cette forme jusqu’en 1941 puis a été enlevée. Les fragments survivants sont maintenant exposés dans la salle d’exposition.

Au centre du hall, vous pouvez voir un modèle unique du Grand Palais de Tsarskoïe Selo qui a été créé en 1744 et qui reflète l’une des étapes importantes de l’histoire de sa construction. En 1743, Savva Tchevakinsky et son assistant Andrei Kvasov réalisent une maquette en bois et des dessins sur papier pour un projet de rénovation du Parlais. Elle a survécu jusqu’à nos jours et nous donne une idée de l’aspect extérieur de l’édifice avant 1748.

Les stands d’information dans la deuxième salle présentent les principales étapes de la construction du palais de Catherine, la décoration de ses intérieurs et la création des parcs et pavillons selon les souhaits des hauts propriétaires de Tsarskoïe Selo au cours des XVIIIe et XIXe siècles.

La grande salle (3)

La Grande Salle ou Galerie Lumineuse, comme elle était appelée au XVIIIe siècle, est la plus grande salle d’état du palais, destinée à accueillir des réceptions et des célébrations officielles.

La salle est illuminée par les reflets des dorures pendant les journées d’été et éclairée de presque 700 bougies le soir. La somptueuse décoration baroque donne l’illusion d’un espace sans limites : l’alternance de grandes fenêtres et de miroirs agrandit visuellement le hall, tandis que l’image au plafond prolonge l’espace vers le haut.

La sculpture et l’ornementation qui recouvrent les murs de la Grande Salle en un seul motif continu ont été réalisées par 130 sculpteurs à partir d’esquisses de Rastrelli faisant apparaitre des figures.

La peinture originale du plafond a été réalisée en 1752-54 à partir d’une esquisse de Giuseppe Valeriani (1708-1762), et comprend trois compositions distinctes : une allégorie de la Russie, une allégorie de la paix et une allégorie de la victoire.

Dans les années 1790, la déformation du plafond a entraîné le déplacement du tableau de Valeriani vers les réserves du palais. Après avoir été remplacée, elle a été redécouverte puis restaurée après la guerre sous sa forme originale grâce à des croquis faits à l’époque.

Les antichambres (4, 5 & 6)

Ces 5 salles étaient situées avant la Grande Salle et étaient destinées à servir de lieux d’attente pour les audiences et les apparitions publiques de l’impératrice. Il n’en reste aujourd’hui que 3.

Les antichambres étaient éclairées par des fenêtres des deux côtés et décorées dans un style baroque avec des toiles peintes et des sculptures de bois doré. Les peintures des plafonds ont des sujets de la mythologie antique : Le triomphe de Bacchus et le mont Olympe, reconstitué à partir d’une photographie après la guerre. La troisième antichambre, connue à l’époque sous le nom de salle de billard, a été achevée d’une manière différente et aborde des colonnes cannelées et des cheminées en marbre. Sa vue impressionnante donne sur les appartements dorés du palais, on l’appelle « l’Enfilade d’or ».

Les travaux de restauration dans les antichambres ont commencé à la fin des années 1990. La peinture et le parquet ont été recréés ; la sculpture sur bois a été restaurée, réapprovisionnée et dorée. Aujourd’hui, les Antichambres ont retrouvé leur splendeur d’antan et ont pris une place de choix parmi les salles d’apparat de l’Enfilade dorée.

Les visiteurs arrivant à Tsarskoïe Selo au milieu du XVIIIe siècle, sous le règne d’Elizabeth Petrovna, se retrouvent d’abord dans les antichambres attenantes à l’escalier principal de l’aile sud du palais de Catherine. Ces salles étaient situées avant la Grande Salle et étaient destinées à servir de lieux d’attente pour les audiences et les apparitions publiques de l’impératrice. La reconstruction plus tard dans le siècle a transformé deux des antichambres en salles Arabesque et Lyonnaise, ne laissant que trois des cinq salles originales.

La salle arabesque (7)

L’Arabesque est l’une des plus belles salles de gala créée par Charles Cameron.

Les chambres ont beaucoup souffert pendant la Seconde Guerre mondiale. Reconstruites pour une école de la marine au début des années 1950, elles ont ensuite accueilli une maison de repos et une école d’art, puis ont retrouvé leur disposition historique après la fin de leur reconstruction en 2005 faite grâce à des photographies.

Cette pièce fait face à la cour principale et le premier bal y a eu lieu le 20 mai 1783, un an avant la fin de sa construction.

Charles Cameron embellit la salle avec des pilastres, des miroirs ovales encadrés, et des panneaux verticaux rectangulaires avec des ornements grotesques peints de style néoclassique, alors appelés arabesques (d’où le nom). Comme il y avait deux niveaux de fenêtres, Cameron a créé une composition à deux niveaux, avec des médaillons peints représentant des figures allégoriques en habits anciens dans le niveau supérieur séparé du niveau inférieur par la large bande de frise dorée. La pièce centrale du mur est une cheminée en marbre blanc italien.

Les peintures du plafond sont basées sur le thème de la louange aux vertus humaines. Les médaillons du plafond placés en cercle représentent de nombreuses allégories tandis que le médaillon central ressemble au mythe bien connu du Jugement de Paris, avec les trois déesses peintes comme des allégories de la beauté, de la modestie et de la patience.

La rénovation de l’Arabesque a été rendue possible grâce aux fragments qui ont survécu, comme les quatre inserts peints du plafond, les sept appliques à trois bougies en bronze, la cheminée en marbre blanc, les deux cadres de miroir ovales, la table console sous le miroir et les fragments d’ornements modelés et sculptés.

La salle Lyons (8)

Créée Charles Cameron, cette salle d’apparat est décorée de lapis-lazuli et tire son nom de son revêtement mural en soie de l’usine de tissage lyonnais Lamy et Giraud, aujourd’hui Manufacture Prelle.

De nouveaux meubles y ont été ajoutés dans la deuxième moitié du XIXe siècle, notamment des miroirs au-dessus des cheminées, flanqués de cupidons en marbre blanc, et des appliques en lapis-lazuli sur les murs. La salle a été remplie de tables, de jardinières, de cache-pots, d’écrans, de caissons et de bureaux ainsi que d’un magnifique lustre pour 84 bougies en lapis-lazuli et en bronze doré, qui a magnifiquement complété l’exquis décor du plafond.

Nous pouvons distinguer sur le mobilier en bronze doré et en lapis-lazuli le monogramme de l’impératrice Marie-Alexandrovna, épouse d’Alexandre II, pour qui ces pièces ont été spécialement commandées en 1856.

Cette pièce a été détruite pendant la Seconde Guerre mondiale et malgré les objets sauvés dont font partie deux tableaux importants : la mort de Raphaël de Felice Schiavoni et La sibylle de Libye de Giovanni Francesco Barbieri, de nombreux ont été pillés, notamment le parquet, retrouvé ensuite à Berlin puis retourné en 47. Après un premier projet en 1983, c’est en 2005 que la salle sera reconstituée permettant la restauration de trois portails en lapis-lazuli encadrant les portes de la salle. EN 2018 est lancé un projet de financement en collaboration avec l’entreprise française ENGIE afin de terminer la restauration des plafonds ornés, des mosaïques de lapis-lazuli et des rideaux de soie lyonnais aux murs.

La reconstruction de la salle Lyons n’est pas encore terminée à ce jour. Le parquet, la cheminée, les miroirs en lapis-lazuli ainsi que les panneaux de trois portes d’entrée incrustés de nacre restent à faire.

La salle à manger du chevalier (9)

La première pièce au-delà du Grand Hall est la salle à manger du Chevalier rendue spacieuse et lumineuse grâce à un système de miroirs et de fausses fenêtres. Son intérieur est typique du baroque, dominé par des ornements sculptés et dorés de fleurs et de coquillages stylisés.

Après que la sculpture ait été argentée lors de la rénovation dans les années 1860, la salle est devenue connue sous le nom de « Silver Dining Room ». Elle a conservé cette apparence jusqu’à la guerre. Lors de la restauration d’après-guerre, la salle a retrouvé la décoration dorée qui lui avait été destinée par l’architecte de la cour de l’impératrice Élisabeth.

La salle à manger du Chevalier est ornée d’un poêle en faïence à plusieurs niveaux avec une peinture au cobalt, des colonnes et des niches. Une peinture de plafond d’Alexandre le Grand et de la famille du roi Darius de Perse a été installée dans la salle à manger au milieu du XIXe siècle. Lorsque le décor de la salle a été recréé après la guerre, un autre tableau a été placé au centre du plafond, une œuvre d’un artiste russe inconnu du milieu du XVIIIe siècle inspirée par l’ancien mythe du dieu-soleil Hélios et d’Eos, la déesse de l’aube.

Sur les tables de la salle à manger du Chevalier, les insignes et les écharpes des ordres de chevalerie russes ornent les célèbres « services de l’ordre ». Ils ont été fabriqués entre 1777 et 1785 dans la manufacture de porcelaine privée créée par Francis Gardner à Verbliki, près de Moscou.

Dans les années 1780, lorsque la maîtresse du palais de Catherine II de l’époque s’était installée dans les nouveaux appartements créés par Charles Cameron, la salle à manger du Chevalier était utilisée pour de petites réunions le soir et pour les occasionnels « bals miniatures ».

La salle à manger blanche (10)

La salle à manger blanche de Rastrelli était autrefois destinée aux grands banquets et aux repas du soir de l’impératrice en petite compagnie. Les murs de cette salle étaient tapissés de damas blanc qui, combiné aux sculptures dorées, donnait à l’intérieur une élégance particulière. Aujourd’hui, les murs sont ornés de natures mortes de Johann Friedrich Grooth et le plafond d’une peinture du Triomphe d’Apollon.

Le mobilier est composé de tables et de chaises consoles dorées, dont certaines sont authentiques, d’autres recréées à l’imitation de prototypes du milieu du XVIIIe siècle. Au centre de la pièce se trouve une table ovale sur laquelle est posé un service en porcelaine de Meissen en Allemagne. La même usine qui a créé les vases à parfum décoratifs qui se trouvaient sur les tables entre les fenêtres. Ils sont connus sous le nom de « boule de neige » en raison des fleurs qui les décorent.

Conformément à la tradition du XVIIIe siècle, la table est recouverte de nappes décorées d’une composition de porcelaine qui ressemble au pavillon du Grand Caprice dans le parc de Tsarskoïe Selo. Cet objet, créé à la fin des années 1760 à la Manufacture impériale de porcelaine (fondée en 1744), témoigne des hautes réalisations techniques de la Russie dans le domaine de la céramique.

Salles des pilastres vert et cramoisi (11 & 12)

Lors de la décoration des salles du Grand Palais de Tsarskoïe Selo (le Palais de Catherine), Rastrelli s’est efforcé de rendre les intérieurs aussi variés que possible. Pour la finition des salles voisines des Pilastres pourpre et vert, l’architecte a utilisé des matériaux originaux pour l’époque : sur les murs tapissés de damas blanc, il a placé des pilastres contenant du verre clair soutenus par une feuille métallique rouge ou verte, d’où le nom des deux salles.

Dans la salle des pilastres pourpres, l’attention des visiteurs est attirée par le poêle dont les carreaux sont décorés de petites scènes mettant en scène des personnages en costume du XVIIIe siècle et par la peinture du plafond de La Clémence d’Alexandre le Grand. Au centre de la pièce, se trouve une table à cartes avec un plateau incrusté de nacre et de figures en ivoire sculpté. La pièce contient également un secrétaire fabriqué par le maître artisan allemand Abraham Roentgen.

Sous Catherine II, la salle des pilastres verts servait de garde-manger. Lors de la restauration de la salle après sa destruction pendant la Seconde Guerre mondiale, il a été décidé de ne pas recréer la cloison et de redonner à la salle l’apparence conçue par Rastrelli. Le plafond de cette salle est aujourd’hui occupé par une composition de l’artiste Valery Lednev reprenant le thème de l’ancien plafond du XVIIIe siècle.

Salle des portraits (13)

La salle des portraits a été utilisée au début pour exposer des représentations formelles des souverains russes. Recrée à partir de photographies après la guerre, les murs sont aujourd’hui tapissés de damas blanche à motifs encadrés de sculptures dorées. Des portraits de Catherine Ier, de l’impératrice Élisabeth ainsi que deux portraits de Natalia Alexéévna (la sœur de Pierre le Grand) et de Catherine II y sont exposés. Le plafond de la salle du portrait est le tableau représentant Mercure et Gloire, peint par Giovanni Scaiario.

Pour donner une impression de la présence de l’impératrice Elizabeth Petrovna, la salle a récemment abrité une sculpture en papier de l’impératrice dans sa tenue de cour officielle pour l’exposition marquant le 300e anniversaire de naissance d’Elizabeth en décembre 2009.

La chambre d’ambre (14)

De la salle du portrait, vous pouvez accéder à la chambre d’ambre, le joyau du palais de Catherine et un spectacle qui a été appelé à juste titre l’une des merveilles du monde.

C’est Frédéric Guillaume Ier qui a offert à l’empereur Pierre le Grand la salle d’ambre. Pierre écrivit à l’époque à l’impératrice Catherine : « Le Roi m’a fait le cadeau élégant d’un yacht finement décoré à Potsdam et de la chambre d’ambre que je désire depuis longtemps ».  

Elle aurait été livrée à Saint-Pétersbourg dans dix-huit caisses et peu après son accession, sa fille, l’impératrice Élisabeth, a trouvé une utilisation au précieux cadeau de Berlin dans le troisième palais d’hiver. La chambre d’ambre assemblée en 1746 commença à servir de cadre à des réceptions officielles, bien que la reconstruction en cours du palais d’hiver ait conduit à le déplacer plus d’une fois d’un endroit à l’autre. En juillet 1755, Elizabeth ordonne à Rastrelli de créer une nouvelle chambre d’ambre dans le grand palais de Tsarskoïe Selo. C’est ainsi que la « huitième merveille du monde » fut fondée.

Là où il n’y avait pas assez d’ambre, des zones des murs ont été recouvertes de toile et peintes à l’imitation de la pierre par l’artiste Ivan Belsky. Ces parties ont été remplacées en 1763 sur demande de l’impératrice Catherine II par des panneaux d’ambre nouvellement fabriqués. La chambre d’ambre avait alors acquis son aspect final.

Le décor ambré était disposé en deux niveaux sur trois murs. Le niveau principal représentait des allégories des sens conçues par Giuseppe Zocchi : La vue, le goût, l’ouïe, le toucher et l’odorat. Les espaces entre les panneaux étaient remplis de hauts pilastres en miroir.

La pièce était en outre ornée de commodes en marqueterie fabriquées en Russie et de porcelaine chinoise ainsi que de l’une des plus importantes collections européennes d’articles en ambre du XVIIe et XVIIIe siècles.

Pendant l’invasion nazie en juin 1941, les panneaux d’ambre n’ont pas pu être évacué à cause de leur fragilité. Ils ont donc été conservés in situ. Mais les unités allemandes les ont retirés et envoyés à Königsberg. En 1944, alors que les Allemands battaient en retraite, les panneaux furent à nouveau démontés et envoyés vers une destination inconnue. À partir de ce moment, la trace de la chambre d’ambre est perdue. Jusqu’à présent, toutes les recherches ont été infructueuses.

En juillet 1979, le Conseil des ministres de la République socialiste fédérale soviétique de Russie a pris la décision de recréer les panneaux d’ambre. Les travaux ont commencé en 1983 et se sont terminés 24 ans plus tard à l’occasion du 300e anniversaire de la fondation de Saint-Pétersbourg, la légendaire chambre d’ambre restaurée a reçu ses premiers visiteurs.

La galerie des tableaux (15)

La galerie des tableaux tire son nom de son décor original et distinctif – des toiles peintes en tapisserie, créées selon les dessins de Rastrelli dans les années 1750. Cette pièce s’étend sur toute la largeur du bâtiment et a une surface au sol d’environ 180 mètres carrés. Au XVIIIe siècle, elle était utilisée pour les réceptions diplomatiques, les repas et les soirées musicales. La collection de peintures exposés fut en majeure partie recueillie par l’artiste Georg Grooth sur ordre de l’impératrice Élisabeth. Toutes les œuvres sont séparées les unes des autres par d’étroits filets dorés, les tableaux se fondent en une seule « tapisserie » colorée.

La peinture du plafond représente le mont Olympe, c’est une copie d’après-guerre de l’œuvre au-dessus de l’escalier du Jourdain dans le palais d’hiver qui a été peinte par Gasparo Diziani.

Cette pièce se distingue de toutes les autres salles d’État grâce à ses portes sculptées en forme de portail. Les ouvertures sont flanquées de cariatides dorées, tandis qu’au centre du dessus-de-porte se trouve une représentation de Minerve allongée sur un miroir apporté par Cupidon.

Pendant la Seconde Guerre mondiale, 114 sur 130 tableaux ont été sauvés par évacuation. Après remplacement des seize tableaux manquants, la galerie des tableaux fut restaurée sur la base de photographies. Elle a pu être présentée aux visiteurs en 1967.

La petite salle à manger blanche (16)

La petite salle à manger blanche était la première pièce des appartements personnels de l’impératrice Élisabeth et, après elle, de Catherine II, qui les a à son tour transmis à son petit-fils préféré, le futur empereur Alexandre Ier.

La salle à manger a été décorée selon les dessins de Rastrelli en 1752-56 : les murs étaient revêtus de damas blanc dans des cadres sculptés et dorés. L’intérieur comprenait également un poêle avec des carreaux « Hamburg », des miroirs dans des cadres sculptés et dorés et un parquet à motifs, éléments traditionnels du décor baroque. Après l’incendie de 1820, la décoration de la salle à manger a été restaurée sous la direction de l’architecte Vasily Stasov. Le plafond moulé et peint fut ajouté dans les années 1850.

Pendant la Seconde Guerre mondiale, cet intérieur a complètement disparu. Aujourd’hui, il a été entièrement restauré. Elle contient en revanche des objets authentiques qui ont été sauvés par l’évacuation : des vues du palais et du parc de Friedrich Hartmann Barisien, trois paysages représentant le parc du palais et une toile montrant la galerie Cameron. On notera également les fauteuils sculptés et dorés fabriqués en Russie au milieu du XVIIIe siècle et un bureau en marqueterie réalisé dans les années 1770. Ce bureau, commandé par Catherine II elle-même, a sa façade décorée et possède une vue directement sur le Kremlin de Moscou.

Salon chinois d’Alexandre Ier (17)

Le salon chinois, créé sur les plans de l’architecte Rastrelli en 1752-56, appartenait aux appartements impériaux privés. Il se distingue des autres pièces de l’Enfilade d’or par la soie qui tapisse les murs et qui est peinte à l’aquarelle à la chinoise. Le reste du décor suivait le style général des salles d’état : une peinture au plafond, des dessus-de-porte sculptés et dorés conçus par le sculpteur Duncker, des miroirs entre les fenêtres, des poêles avec des carreaux « Hamburg » et un parquet à motifs.

Après l’incendie de 1820, le décor original a été recréé par Vassily Stasov sur ordre d’Alexandre Ier : les murs ont été regarnis de soie peinte à neuf, la sculpture sur bois dorée a été restaurée et l’artiste Fiodor Briullov (1793-1869) a réalisé une nouvelle peinture de plafond : Zéphyr et Flore.

Après la Seconde Guerre mondiale en revanche, la soie chinoise perdue a été remplacée par du damas blanc, tandis que la peinture du plafond a été remplacée par une copie de Vénus désarmante de François Boucher. Les nombreux portraits impériaux sauvés ont été réinstallées et de la porcelaine chinoise a été installée sur les tables et commodes. Un des objets uniques dans cette salle est une commode provenant des réserves du palais, incrustée d’ornements métalliques. Selon toute probabilité, ce meuble a été fabriqué à Augsbourg dans les années 1740, bien avant la décoration du Grand Palais.

Le garde-manger (18)

Le garde-manger faisait partie jusqu’en 1761 de la loge de l’impératrice Elisabeth. Au milieu des années 1800, la pièce fut divisée par une cloison de damas blanc, derrière laquelle un garde-manger des domestiques était aménagé lors des dîners.

L’intérieur actuel du garde-manger a été entièrement restauré après les destructions de la guerre. Les murs sont revêtus de tissu blanc dans des cadres sculptés et dorés. Les portes sont ornées de dessus-de-porte dorés avec de fantastiques sculptures baroques. Sur le mur entre les fenêtres se trouve un miroir dans un cadre sculpté doré avec deux chandeliers. Au plafond, se trouve un tableau du célèbre artiste italien Pietro da Cortona (1596-1669).

Le mobilier du garde-manger date du XVIIIe siècle : on y trouve des fauteuils baroques fabriqués par des artisans russes ; une commode en marqueterie française et des tables en forme de haricot fabriquées dans les ateliers de Saint-Pétersbourg. Cette pièce contient également deux natures mortes d’Europe occidentale du XVIIIe siècle et deux compositions d’animaux de l’artiste Johann Friedrich Grooth.

La salle avant l’escalier en fonte (19)

En 1768, ce qui avait été la loge de l’impératrice Élisabeth fut divisé en deux parties, l’une avec deux fenêtres donnant sur le terrain de parade, l’autre avec une seule. Dans les années 1770, la taille de la plus petite pièce fut encore réduite par la construction d’un escalier intérieur en bois. En 1817, l’escalier en bois a été remplacé par un escalier en fonte, après quoi la « Salle avant l’escalier en fonte » a trouvé son nom.

Aujourd’hui, cet intérieur assez petit a été entièrement restauré : les murs sont tapissés de damas blanc dans des cadres sculptés et dorés ; une fausse fenêtre vitrée avec des miroirs est placée en face de la vraie, agrandissant visuellement l’espace.

Antichambre ovale (20)

L’Antichambre ovale fut créée en 1817. Elle a été connue sous différents noms, mais a toujours conservé le statut de pièce de service. Elle reliait l’appartement d’Alexandre Ier aux pièces de la suite principale qui étaient occupées à son époque par sa femme, l’impératrice Élisabeth Alexeïevna.

Cette pièce assez petite n’a pas de fenêtres. Ses murs sont presque entièrement occupés par quatre portes, dont deux à miroir. L’une d’elles mène à l’escalier en colimaçon en fonte qui reliait l’appartement de l’empereur à la pièce du dernier étage occupée par le valet personnel d’Alexandre.

Après l’incendie de 1820, la pièce a été recréée selon le même design.

Son décor est sobre mais éloquent : les murs sont revêtus de faux marbre d’une nuance de jaune pâle ; le plafond est décoré de peintures ornementales en grisaille ; le sol est recouvert d’un parquet à motifs de variétés de bois précieux. La pièce était éclairée par quatre appliques murales en bronze doré et contenait quatre petites chaises fabriquées dans l’atelier d’Heinrich Gambs à Saint-Pétersbourg. Une seule de ces chaises a survécu à la guerre, les lumières et le parquet ont été perdus et le marbre a été gravement endommagé. L’intérieur actuel de l’antichambre ovale est le résultat d’une restauration qui a été achevée en 1974.

Le passage voûté (21 & 22)

Créée en 1817 selon les plans de Stasov, le passage voûté, porte son nom en raison de la forme de son plafond.

Le décor original du passage a été endommagé par l’incendie de 1820 et recréé en 1821-22 par Blokhine et Brandukov. Le mobilier fut restauré Heinrich Gambs.

Actuellement, la salle du Passage contient une armoire de fabrication française, des chaises et des fauteuils fabriqués par des artisans russes ainsi que des candélabres et un vase portant une représentation de la bataille de Brienne.

Les intérieurs du palais de Catherine qui ont été restaurés après la destruction de la Seconde Guerre mondiale sont reliés aux zones non encore restaurées par le Petit Passage. Ce petit intérieur avec une seule fenêtre donnant sur le parc de Catherine fait partie de la salle de réception carélienne perdue d’Alexandre Ier que Vassily Stasov a créée en 1817.

Le petite Passage est constituée d’œuvres d’art appliqué russe et d’Europe occidentale du premier quart du XIXe siècle comprenant : une horloge en bronze doré et patiné de L’Adoration d’Homère, un buste en bronze de Jupiter et des chaises en peuplier produites par l’atelier d’Andrei Tur dans les années 1820.

Au-delà du petit Passage se trouvent les anciens appartements de la mère d’Alexandre Ier, l’impératrice douairière Maria Fiodorovna. Le décor a péri dans un incendie pendant la Seconde Guerre mondiale et n’a pas encore été recréé. Ces pièces sont aujourd’hui utilisées pour exposer des objets de la collection historique du musée.

Bureau d’Alexandre Ier (23)

Le bureau d’Alexandre Ier a été créée pour l’empereur sur le projet de Stasov en 1817.

L’architecture de l’intérieur est soulignée par la simplicité de la décoration. L’entrée en niche semi-circulaire est séparée de l’espace principal de la salle par deux colonnes. Une disposition similaire a été utilisé sur le mur opposé où deux colonnes flanquent la cheminée en marbre. Les murs du bureau sont revêtus de marbre artificiel rose clair.

En 1821-22, Stasov a supervisé la restauration de l’étude après l’incendie. Les tableaux furent restaurés, tandis que de nouveaux meubles furent fabriqués en noyer persan.

Les graves dégâts infligés à la salle pendant la Seconde Guerre mondiale (le marbre et les peintures murales ont beaucoup souffert ; le parquet et presque tous les meubles ont été perdus) ont rendu nécessaires de nouveaux travaux de restauration. Finalement, en 1974, le Bureau d’Alexandre Ier a pu être à nouveau présenté aux visiteurs.

Aujourd’hui sur le bureau de l’empereur sont exposés des objets personnels fabriqués à partir de malachite de l’Oural dans le premier quart du XIXe siècle à la Lapidairerie Peterhof : un service d’écriture, une lampe de table, quelques presse-papiers, des candélabres et des vases décoratifs.

Le passage voûté donne accès à l’étude d’État (ou de marbre) du palais de Catherine qui a été créée pour l’empereur sur le projet de Stasov en 1817 et destinée à d’importants publics officiels.

La salle à manger verte (24)

La salle à manger verte marque le début des appartements privés dans la partie nord du palais remplaçant un jardin suspendu. L’un des murs de cette « salle en plein air » était la façade de l’église du palais et au lieu d’avoir un parquet élaboré, elle avait des parterres de fleurs baroques et son mobilier était constitué de bancs de pierre disposés à l’ombre d’arbres fruitiers. Avec le temps, cependant, le jardin devint une source d’humidité dans le palais et en 1773 on construisit à sa place « l’appartement de Leurs Altesses ». La décoration intérieure des nouvelles pièces fut réalisée en 1779 par Charles Cameron.

Les murs vert pâle de la salle à manger sont ornés de moulures blanches, dont les motifs proviennent de peintures murales d’anciennes villas. Les portes de la salle à manger verte sont décorées d’un ornement qui provient des peintures murales de l’Antiquité romaine. Cameron a aussi placé, au centre du mur nord de la salle, une cheminée en marbre avec des consoles en forme de têtes et de pattes de lions.

Le salon vert a été restauré, après l’incendie de 1820 déclaré dans l’église du palais, pour retrouver son aspect d’origine.

Après le passage de la seconde guerre mondiale, l’intérieur de la salle à manger verte a été refait et est aujourd’hui remeublé. Le service de table aux formes et aux couleurs élégantes qui y est présenté est orné des monogrammes des propriétaires.

Salle des serveurs (25)

Charles Cameron a divisé en deux la salle des serveurs avec une cloison transversale en faisant deux antichambres, dont l’une était dans la pénombre et menait à l’escalier.

L’intérieur de la salle des serveurs a beaucoup souffert lors de l’incendie de 1820, après quoi la décoration a été recréée. La salle est divisée symétriquement par des pilastres en bois peints à l’imitation du marbre et reliés par des arcs en plâtre. Le plafond de la pièce a été laissé blanc, à cause de la perte des prototypes de Cameron.

Dans les années 1840, Stasov supprima la cloison et les deux « antichambres » devinrent une salle lumineuse et spacieuse. Un parquet au motif géométrique a été ajouté et le parquet de l’une des « antichambres » a été réutilisé pour la partie centrale du plancher. A cause de l’incendie de 1863, le hall contient aujourd’hui un parquet créé au milieu des années 1860.

En 1855, un tableau de Pietro Liberi a été installé au centre du plafond de la salle des serveurs mais il a péri pendant la guerre. L’intérieur fut recréé après cela : les deux pilastres survivants ont servi de modèles pour les dix-huit autres, le parquet survivant a été restauré et en 1959, la salle a été ouverte aux visiteurs.

On y trouve aujourd’hui des tables à cartes en marqueterie de la fin du XVIIIe siècle, une commode de fabrication suédoise de la seconde moitié de ce siècle et des chaises en acajou. Les murs sont ornés de peintures : un paysage de montagne de Murillo, une vue de la colline du Palatinat, une chute d’eau à Tivoli et des ruines.

Salon bleu (26)

C’est la pièce la plus grande et la plus élégante que Cameron a créée. Cette salle est caractérisée par la richesse et la variété de son décor : les murs sont tapissés de soie avec des fleurs bleu pâle sur fond blanc et s’élèvent jusqu’à une frise dorée dans laquelle des vases alternent avec des médaillons ovales peints. Les deux cheminées en marbre de Carrare sont décorées de bas-reliefs et de cariatides. Sur le mur ouest, de grands miroirs sont disposés dans des cadres sculptés et dorés, couronnés de médaillons et de consoles dorées. Le parquet à motifs a été fabriqué à partir d’anciennes variétés de bois rose et du palissandre.

Après l’incendie de 1820, cette pièce fut restaurée à l’identique. Seulement, le plafond est resté blanc jusqu’en 1855, date à laquelle un tableau de la Continence de Scipion y a été installé. Après l’incendie de 1863, le plafond endommagé a été replâtré. La soie sur les murs a été remplacée par un nouveau tissu avec le même dessin mais imprimé plutôt que peint.

Après la seconde guerre mondiale qui a laissé la salle détruite, les travaux de restauration ont redonné au Salon bleu son aspect d’origine. La soie imprimée a été réalisée à partir d’un ancien échantillon. Les cheminées en marbre ont été restaurées, tout comme le vieux parquet. Il s’est avéré possible, grâce à un croquis, de recréer la peinture du plafond. La frise sur le mur opposé aux fenêtres contient les 16 médaillons survivants ; les 64 autres ont été recréés.

La pièce est ornée de fauteuils réalisés en 1783 sur des dessins de Cameron, l’un d’entre eux a été sauvé lors de l’évacuation, les autres ont été ramenés de Königsberg en 1947.

L’attention des visiteurs est invariablement attirée par les torchères à 17 bougies en verre bleu avec des éléments en cristal et des figures et par les vases qui portent des paysages architecturaux et des scènes de l’histoire de Psyché.

Salon bleu chinois (27)

Le Salon bleu chinois tire son nom du fait que, pendant presque 150 ans, ses murs ont été tapissés de soie bleue de Chine décorée de paysages et de scènes de genre.

Cet intérieur a été créé en 1783 par Charles Cameron. Il a réussi à combiner des motifs de l’art décoratif chinois avec des éléments d’un intérieur classique. La frise en stuc doré, la peinture du plafond représentant des personnages de la mythologie grecque et romaine, la cheminée en marbre blanc avec des cariatides et une sculpture d’un Cupidon endormi ainsi que la peinture des portes ont toutes été traitées dans le style classique. Mais la soie chinoise bleu clair avec sa peinture et le dessin d’un « parapluie » chinois utilisé dans le parquet apportent une touche orientale à cet intérieur de chambre d’état.

Pendant la Seconde Guerre mondiale, le salon a été détruit : la soie chinoise a été pillée ; le miroir mural, la cheminée en marbre, la peinture du plafond et les médaillons ont tous péri. Aujourd’hui, les murs de la pièce sont tapissés de soie nouvellement fabriquée. Sa reconstruction s’est basée sur un fragment de la soie originale trouvée derrière le cadre du miroir de la cheminée et sur des photographies d’avant-guerre. Les vases en porcelaine chinoise du XVIIIe siècle, préservés par l’évacuation, lui ont été rendus, tout comme les fers à feu et la grille réalisés d’après un dessin de Cameron.

Antichambre de la chorale (28)

L’antichambre de la chorale tient son nom de son emplacement à côté de la galerie du chœur de l’église du palais de Catherine. Cette pièce avait deux fenêtres donnant sur la cour et deux autres donnant sur l’église, mais à la fin du XVIIIe siècle, Cameron a divisé l’antichambre de la chorale en deux : « la salle qui se trouve près de l’église » et « la loge du Grand-Duc Paul ». Les fenêtres du côté de l’église furent alors maçonnées.

En 1844-45, la cloison a été supprimée et a transformé l’antichambre de la chorale en une pièce spacieuse et lumineuse aux murs tapissés, surmontée d’une frise dorée. En 1894, la soie dorée est installée dans l’antichambre de la chorale, avec un motif tissé représentant des faisans et des cygnes, il fut perdu pendant la Seconde Guerre mondiale.

Après la guerre, la décoration de l’antichambre de la chorale a été recréée à partir de dessins du XIXe siècle. La frise moulurée, le plafond et le parquet ont été restaurés ; les murs ont été regarnis de soie dorée avec un motif tissé. Chaque longueur de ce tissu porte le nom de l’artisan serf qui l’a tissé. Nous connaissons ainsi les noms de S. et N. Strelnikov, N. Dyochkova, I. Bely et Vassily Pauk.

La soie des Sapozhnikovs qui a survécu dans les magasins du musée a servi à tapisser un canapé et des fauteuils dorés créés dans les années 1750 d’après des dessins de Rastrelli. Ces exemples uniques de la fabrication de meubles russes ont été conçus spécialement pour les salles du Grand Palais et ont été enlevés dans les premiers jours de la guerre pour être conservés lors de l’évacuation.

La chapelle (29)

La chapelle du palais de Catherine a été utilisée comme église de la cour impériale le 30 juillet 1756 en présence de l’impératrice Elisabeth. Cet événement a été consigné sur une plaque en laiton qui a été trouvée dans le sanctuaire lors de la restauration de l’intérieur de la chapelle après l’incendie de 1820.

La chapelle a été construite entre 1745 et 1748 sous la direction de Rastrelli. Malgré deux incendies, en 1820 et 1863, son intérieur spacieux, avec deux étages de fenêtres et une galerie du chœur, a conservé son aspect d’origine presque intact jusqu’à la Seconde Guerre mondiale. Comme les salles d’apparat du palais, la chapelle étonnait ceux qui la voyaient par la magnificence de son décor : les murs peints en bleu de Prusse mettaient en valeur des colonnes corinthiennes dorées et scintillantes entrelacées de guirlandes sculptées ajourées, des figures d’anges et des détails ornementaux. La chapelle était ornée de 114 icônes dans des cadres sculptés et dorés et de jolies peintures au plafond. La peinture de la Résurrection au plafond a été réalisée à partir d’une esquisse du célèbre artiste italien Giuseppe Valeriani.

Dans les dernières années de sa vie, Catherine écoutait la liturgie depuis la galerie du chœur, tandis que le reste de la famille impériale et la suite des courtisans se trouvaient en bas, dans le corps de la chapelle. Le 6 juillet 1796, le Grand-Duc Nicolas, futur Nicolas Ier, est baptisé dans la chapelle. Les 11 et 12 mars 1826, le cercueil d’Alexandre Ier fut apporté de Taganrog dans le sud où il est mort, il repose encore ici.

La chapelle du palais a été gravement touchée par l’incendie de 1820 : la peinture du plafond a été perdue et une partie des sculptures sur bois a brûlé. Lors de la restauration, les éléments perdus des sculptures sur bois ont été remplacés par du papier mâché doré, tandis que l’artiste Vassily Shebuev a recréé la peinture de la Résurrection au plafond à partir de descriptions écrites et des souvenirs de ceux qui l’avaient connue.

Pillée (sur les 97 icônes existantes, seules trois qui ont été évacuées ont survécu) et partiellement détruite pendant la Seconde Guerre mondiale, la chapelle du palais est aujourd’hui restaurée et accueille des visiteurs depuis le 13 avril 2019.

Chambre de la demoiselle d’honneur (30)

On accède à la chambre de la demoiselle d’honneur par le passage dans laquelle on peut voir des céramiques de la célèbre usine Wedgwood en Angleterre et des gravures teintées britanniques de la seconde moitié du XVIIIe.

Le miroir de cheval en acajou est orné de montures en bronze et de verre églomisé, c’est un verre recouvert d’une feuille d’aluminium portant un motif rayé.

Les murs peints en vert de la chambre de la demoiselle d’honneur mettent en valeur une frise de stuc doré et des portes avec un décor peint ornemental coloré. Le poêle en faïence blanche, créé selon le dessin de Stasov, est décoré d’un bas-relief et d’un vase de style classique. La pièce est meublée de chaises conçues par Charles Cameron et d’un élégant bureau de dame de la fin du XVIIIe siècle avec des incrustations de verre églomisé. Elle contient également des peintures d’artistes flamands, français, italiens et néerlandais des XVIIe et XVIIIe siècles.

Chambre à coucher (31)

Cette pièce avec deux fenêtres, deux portes d’entrée et une alcôve a été créée au début des années 1770 et servait de chambre à coucher à la Grande Duchesse Natalia Alexéïevna. Plus tard, Charles Cameron l’a reconstruite pour la seconde épouse de Paul, la grande duchesse Maria Fiodorovna. L’intérieur qu’il a créé a survécu jusqu’à nos jours avec quelques modifications apportées par l’architecte Vasily Stasov lors des travaux de réparation suite à l’incendie de 1820. Il a alors décoré les murs avec des compositions en relief sur des motifs tirés des peintures murales pompéiennes.

Cet intérieur est rendu original par les fines colonnes de faïence blanche placées le long des murs et dans les profondeurs de la pièce. Les médaillons en plâtre contenant des scènes allégoriques représentant la santé, le bonheur, la prospérité et la suffisance sont l’œuvre d’Ivan Martos. La combinaison du vert clair des murs avec le fond azur des médaillons et des dorures forme un ensemble de couleurs exquises pour la chambre à coucher. Les portes assez petites sont encadrées par des filets dorés et décorées par des panels rectangulaires peints d’arabesques.

Parmi les meubles de la chambre à coucher, il faut souligner une petite table en acier et la grille de feu fabriquée spécialement pour Catherine II, ainsi qu’une table de toilette en marqueterie exquise réalisée dans les années 1770. La pièce contient également une partie d’un ensemble de meubles fabriqués sur commande pour Catherine II, ainsi qu’une petite table en verre provenant du bureau bleu de l’impératrice.

Le futur empereur Nicolas Ier est né dans cette chambre à coucher au cours de l’été 1796.

Salon d’études sur la peinture et la sculpture (32 & 33)

En 1781-83, le « vestiaire de Son Altesse » que Neyelov avait créé pour la Grande-Duchesse Natalia Alexeïevna était divisé par une cloison en bois, conformément au projet de Charles Cameron. La première était destinée à lui servir de lieu de peinture et devint la salle d’étude sur la peinture ; la seconde est devenue la salle d’étude sur la sculpture.

Le ton jaune d’or des murs du cabinet de peinture, ainsi que la décoration des portes, ont été conservés depuis la fin du XVIIIe siècle. La voûte d’arête, les lunettes et la frise ont été peintes à nouveau lors de la restauration après l’incendie de 1820.

Les murs du salon d’étude sur la peinture portent les compositions Printemps et Automne de Pierre Charles Trémolière ainsi que des médaillons de bouquets de fleurs d’un artiste inconnu. Les fauteuils en érable piqué ont été réalisés d’après un dessin de Stasov. Sur la table se trouve une lampe « miracle » faite de bronze et de nacre et offerte par l’impératrice douairière Maria Fiodorovna à son fils, l’empereur Alexandre Ier.

Le salon d’étude sur la sculpture a été décorée par Cameron en 1781-83. Au même moment, l’architecte a relié le Salon bleu et le salon d’étude sur la sculpture par un petit couloir.

Les murs verdâtres sont ornés de bas-reliefs classiques blancs de Martos. Le plafond voûté est décoré de peinture monochrome selon la technique de la grisaille. Les panneaux des portes contiennent des compositions ornementales sculptées avec des incrustations peintes en forme de camées. Sur le bureau se trouve un candélabre en bronze doré réalisé en 1783 d’après un dessin de Cameron. Nous pouvons aussi y trouver une copie d’une Vierge à l’enfant du peintre Parmigianino.

L’escalier Stasov

L’escalier de la chapelle (ou Stasov), a été construit en 1843-46 par l’architecte Vasily Stasov. Il doit son autre nom à son emplacement à côté de la salle qui mène à la chapelle du palais.

Avant la Seconde Guerre mondiale, la visite du palais de Catherine commençait en passant par cette entrée de la chapelle, les visiteurs se retrouvaient directement face à l’escalier.

Ses murs étaient ornés de quatre grandes toiles et deux compositions tirées des stocks de l’Ermitage impérial.

Pendant la Seconde Guerre mondiale, l’escalier de la chapelle a été détruit et les toiles pillées. Les œuvres de Lemaire ont été découvertes à Königsberg en 1947 puis restituées au musée.

Des remplacements pour trois des tableaux disparus ont été obtenus et les restaurateurs ont recréé le quatrième à partir de documents picturaux d’avant-guerre.

Comment se rendre à Tsarskoïe Selo ?

Le village de Pouchkine où se trouve Tsarskoïe Selo est localisé à 25 km au sud de Saint-Pétersbourg. Des trains de banlieue et des taxis à itinéraire fixe circulent entre les points, il ne sera donc pas difficile de s’y rendre par vous-même.

En train

Les trains pour Pouchkine partent de la  gare de Vitebsk à Saint-Pétersbourg. Temps de trajet – 30 minutes. Le billet aller simple coûte environ 50 roubles.

En bus

Vous pouvez quitter Saint-Pétersbourg pour Tsarskoe Selo en minibus et bus qui partent de la station de métro de la ligne bleue :

• de « Moskovskaya »  – minibus n° 187
• de « Kupchino »  – minibus n° K-342
• de st. « Zvezdnaya »  – bus n° 186 et K-342 (fait un arrêt à la station « Kupchino »).

En voiture

Le trajet en voiture prendra environ une heure. Depuis le centre de la capitale du Nord, vous devez suivre la direction de l’aéroport de Pulkovo, le long de la perspective Vitebsky ou de l’autoroute Pulkovskoye.

Il y a des parkings payants et gratuits près du complexe du musée. Un parking payant est situé rue Oranzhereinaya, 1. Il fonctionne 24 heures sur 24 et le coût du service est de 100 RUB par heure, 700 RUB par jour. Un parking gratuit est situé à l’intersection de l’autoroute Kuzminskoye et de la route Sobolevskaya.

Vous pouvez vous rendre à Tsarskoïe Selo en taxi. Le voyage coûtera environ 900 roubles. Le plus simple est d’utiliser l’application Yandex.Taxi.

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Au parc VDNKh (ou VDNH) «Exposition des réalisations de l’économie nationale» (en russe : Выставка Достижений Народного Хозяйства (ВДНХ), vous vous retrouvez dans l’espace, au cœur de la grande époque communiste soviétique dans l’un des espaces publiques les plus populaires de la ville.

Situé au nord-est de Moscou à environ 10km du centre-ville, ce parc des expositions géant (2.5km de long sur 1.5km de large) et permanent abrite de nombreux pavillons au style stalinien, des musées, une patinoire géante en hiver, des fontaines majestueuses ainsi qu’un jardin botanique et des superbes espaces verts où vous pourrez vous cultiver, vous divertir ou simplement vous relaxer.

Unique en son genre, le VDNKh est un parc dont vous vous souviendrez.

Temps de lecture estimé : 19 minutes

Conseils pour visiter le parc VDNKh

Le parc et le complexe des expositions sont tellement grands qu’il faut obligatoirement prioriser votre visite. Voici deux idées :

• Vous commencez par visiter le musée de l’espace après avoir jeté un coup d’œil à la statue de l’ouvrier et la Kolkhozienne (à droite de l’entrée) et l’hôtel Cosmos (derrière vous). Vous prenez ensuite la porte principale et l’allée centrale jusqu’à la place de l’industrie où vous visiterez le pavillon “Cosmos”. De cette manière, vous aurez vu l’essentiel.
• Vous louez des vélos ou des trottinettes électriques à l’entrée. Cela vous permettra de vous déplacer rapidement et d’explorer toutes les allées. Faites une liste des points que vous souhaitez voir et c’est parti !

Nous conseillons d’inclure cette visite dans votre voyage à partir du troisième jour sauf si vous êtes un fan d’espace. 

Plan du parc VDNKh

Cliquez sur la carte pour télécharger le plan en version HD.

Le pavillon principal du VDNH

De nos jours, on peut affirmer que le parc VDNKh a retrouvé toute sa splendeur. Dès que l’on passe l’immense arc d’entrée, la magie opère. Vous vous retrouverez tout d’abord face au pavillon principal no.1, construit dans un style stalinien. La « maison du peuple soviétique » aussi imposante soit elle, est finement décorée sur le thème de l’histoire de l’Union Soviétique.

Les majestueuses fontaines du parc VDNKh

Fontaine de l’amitié des peuples

Derrière ce bâtiment, se trouve l’allée principale avec, en son centre, de nombreuses fontaines toutes plus remarquables les unes que les autres. Notamment celle de « l’amitié des peuples » couronnée par pas moins de 16 statues de jeunes femmes de l’Union Soviétique portant chacune un costume traditionnel des républiques de l’Union et recouverte de feuille d’or.

De chaque côté de cette allée de fontaines, se trouvent les principaux pavillons du parc érigés pour la plupart dans les années 50 en l’honneur des républiques de l’Union. Il faut préciser que chaque pavillon possède un style unique et que les architectures typiques de tous les peuples de l’Union y sont représentées.

Fontaine des fleurs de pierre

Un peu plus loin dans l’allée se trouve la fontaine des fleurs de pierre qui est l’une des quatre fontaines historiques du VDNH. Elle s’inspire des images lumineuses des Contes de l’Oural de P.P. Bazhov et regorge de smalt coloré et de magnifiques détails sculpturaux. Au centre de la fontaine se trouve une grande coupe en forme de fleur fleurie parmi des pierres précieuses. 16 compositions de natures mortes en bronze représentant les dons de la nature de chacune des républiques soviétiques sont placées sur des piédestaux en granit.

Fontaine de l’Oreille d’or

La fontaine de l’Oreille d’or est la troisième plus grande fontaine historique du VDNKh. Elle est située au milieu de l’étang Kamensky n°3 dans le parc paysager de l’exposition. L’Oreille d’or se dresse au-dessus d’une fondation plate, et à ses pieds se trouvent trois cornucopias avec des légumes et des fruits tels que des choux, des melons, des tomates, des pommes, des raisins, etc. Le symbolisme de la fontaine est assez évident : les épis de plantes symbolisent depuis des temps immémoriaux le renouveau, la vie, les récoltes et la fertilité.

Les fontaines sèches

Il y en a deux, une à coté du Moskvarium et une a côté du pavillon No. 31 « Géologie ».

Une fontaine sèche est essentiellement un ensemble de jets qui sort directement du sol. Elle est dite sèche parce qu’elle n’a pas la vasque habituelle des fontaines et qu’il est donc impossible de s’y baigner. Cependant, vous pouvez courir partout, éclabousser les autres et vous amuser dans une fontaine sèche ! Veillez simplement à porter des tongs ou des crocs en caoutchouc, car il est trop facile de glisser et de tomber si vous courez pieds nus.

Un gigantesque espace vert

VDNKh c’est avant tout un immense parc de 136 hectares composé de la partie exposition, mais du parc Ostankino au sud. Toute la partie nord-ouest est le jardin botanique avec de grandes allées ombragées. Les pelouses du parc des expositions représentent 20 000 mètres cubes de sol fertile qui ont permis au célèbre architecte français Michel Péna de créer ici l’un des principaux espaces verts de la capitale.

Pour les plus sportifs d’entre vous, il faut préciser que plusieurs terrains de football, volley-ball, streetball, etc.. sont mis à disposition des visiteurs près du pavillon no. 27. Au même endroit, vous trouverez un EcoTrail qui offre une promenade fascinante à travers la chênaie historique qui faisait partie du domaine des Sheremetev.

Notez aussi qu’en hiver, une gigantesque patinoire est installée au cœur du parc, la plus grande d’Europe.

La place de l’industrie

Au bout de cette allée principale, se trouve la place de l’industrie où sont exposés entre autres un avion Yak-42, une réplique de la fusée Vostok, un avion d’assaut militaire ou encore une réplique de la navette spatiale Bourane dotée d’un simulateur de vol.

À l’intérieur du vaisseau orbital Buran BTS-001 se trouve un musée interactif. Vous pouvez y regarder un film sur cette navette spatiale légendaire et essayer de la faire atterrir au cosmodrome de Baïkonour en temps réel à l’aide du simulateur.

• Ouvert tous les jours sauf le lundi de 11h à 20h.
• Prix d’entrée : 300 RUB

Les pavillons du VDNKh et leur contenu

Comme vous l’avez compris depuis sa création en 1939, le parc VDNKh est composé de nombreux pavillons destinés à abriter diverses expositions. Depuis la renaissance du parc en 2014, un bon nombre d’entre eux ont été restaurés et dévoilent désormais leur nouveau contenu. On y trouve toujours des expositions, mais aussi de nombreuses activités ludiques, créatives, intellectuelles ou sportives, ainsi que des cafés des restaurants ou encore quelques boutiques. De quoi satisfaire un large public.

Les pavillons-musée

Ainsi, dans le pavillon no. 57 « histoire de la Russie », vous trouverez quatre expositions qui racontent l’histoire de la Russie de l’an 862 à nos jours, mais également le musée des jeux d’arcades soviétiques.

• Ouvert du vendredi au dimanche de 11h à 20h
• Prix d’entrée : 500 RUB

Au pavillon no. 58 « agriculture » (anciennement Ukraine) vous trouverez le Centre d’écriture slave « Slovo » qui est un musée et un complexe éducatif pour enfants et adultes, qui n’a pas d’analogues en Russie. Vous y apprendrez comment l’écriture russe évolue, quel rôle elle joue dans la vie des différentes nations et comment elle a interagi avec l’oral au fil des siècles.

• Ouvert tous les jours sauf le lundi de 11h à 21h.
• 300 RUB le billet d’entrée. Remises et billet famille possible sous condition.

Dans le pavillon no. 36 « transformation des produits agricoles » (anciennement « gestion de l’eau ») vous y trouverez le Musée du Cinéma avec ses trois salles de cinéma, des espaces d’exposition permanente et des expositions thématiques.

Les pavillons emblématiques de l’URSS

Le pavillon no. 14 « Azerbaïdjan » a été construit en 1939 et restauré complètement en 2019. Il abrite le centre de commerce et d’exposition de l’Azerbaïdjan. Le centre fonctionne comme une mission culturelle et commerciale de l’Azerbaïdjan en Russie, promouvant la coopération entre les deux pays.

La boutique du pavillon no. 10 « Moldavie » propose des vêtements de créateurs locaux. Il y a également un restaurant traditionnel moldave et une exposition de bijoux moldaves.

Dans le pavillon no. 68 « Arménie » il y a un restaurant traditionnel arménien ainsi qu’une boutique où l’on trouve des produits typiques de ce pays.

Le pavillon no. 66 « Ouzbékistan » et le pavillon no. 11 « Kazakhstan » est en cours de restauration.

Les pavillons ludiques

A côté du pavillon no. 61 (en rénovation) se trouve une gigantesque et splendide maquette de la capitale.

Le pavillon no. 84 « Maison de la Culture » a été construit en 1954, son auditorium de 360 ​​places fait partie intégrante du programme éducatif du parc.

Dans le pavillon no. 9 « Jeunes techniciens » on retrouve le Théâtre des contes de fée où le décor et les accessoires sont combinés avec de la 3D rendant chaque le spectacle interactif et la performance unique.

Le pavillon du livre no. 516 est un club de lecture ouvert à tous. Ici, vous pourrez vous détendre en lisant, participer à des discussions et à des projets éducatifs, partager des idées autour d’une tasse de café et obtenir de nouveaux livres.

Vous trouverez au pavillon no. 2 « éducation », une innovante et fabuleuse exposition dédiée à la robotique où vous converserez avec des robots qui pourront même dessiner votre portait. Au pavillon no. 317, vous ne trouverez pas moins de 18 salles de travail où des artistes contemporains du monde entier sont invités à travailler et exposer.

Les pavillons gastronomique

Au pavillon no. 442, vous trouverez le réputé café « ciel de Moscou » qui propose une cuisine savoureuse inspirée des anciennes républiques de l’Union Soviétique.

A côté du pavillon historique no. 44 « élevage des lapins » se trouve la « City farm », une ferme éducative qui héberge vaches, chèvres, oies, poules, lapins etc. Cette ferme est accompagnée de jardins et de véritables potagers. Toute l’année, des conférences, ateliers et présentations sur le thème des plantes et des animaux y sont dispensés.

Entendez bien que tous ces exemples ne représentent qu’un bref échantillon de ce que vous pourrez trouver au VDNKh.

Le Pavillon No. 32 dit « Cosmos »

Le pavillon no. 34 « cosmos » initialement dédié à la mécanique en 1939 puis à l’espace en 1967, abrite depuis 2018 le plus grand musée spatial de toute la Russie. Ce superbe pavillon fraîchement restauré de 15 000 m² est coiffé d’un magnifique toit de verre.

À l’intérieur, vous y trouverez une étonnante collection de plus de 120 échantillons uniques liés à l’espace qui n’ont jamais été exposés. Une cinquantaine d’entre eux ont même été spécialement fabriqués pour cette exposition. Celle-ci vous plongera rapidement dans le monde passionnant de la conquête de l’espace, depuis la mise en orbite de « Sputnik », le premier satellite de l’histoire de l’humanité, jusqu’à nos jours.

On se retrouve au beau milieu de dizaines de reproductions de satellites, costumes de cosmonaute, réacteurs, fusées ou encore navettes spatiales dont l’immense station « Mir » reproduite à taille réelle. Toutes ces maquettes ou objets/éléments originaux sont accompagnés de tablettes tactiles et interactives (en russe et en anglais) qui fournissent des informations très complètes et rendent la visite agréablement ludique.

Mais ce n’est pas tout ! On trouve aussi dans ce musée un cinéma 5D et quelques jeux interactifs comme par exemple des cabines 4D dotées d’écrans et joysticks où l’on peut s’amuser à effectuer une mission sur la lune. Enfin, une exposition très détaillée sur notre système solaire se tient à l’étage du musée. La visite du pavillon « cosmos » conviendra aux plus petits comme aux plus grands, tout le monde y trouvera son intérêt.

Moskvarium

L’un des joyaux du parc, le Moskvarium, n’est autre que le plus grand centre d’océanographie et de biologie marine de tout le pays. 12000 espèces y sont répertoriées, des plus petites aux plus imposantes. Vous y trouverez par exemple les très attachants phoques de Sibérie, des raies géantes, des crocodiles, et même une baleine beluga.

En vous promenant dans un tunnel en verre vous verrez passer au-dessus de vos têtes d’énormes espèces de requins et des centaines de poissons aux couleurs vives et variées. De nombreux spectacles autour des dauphins, otaries ou lions de mer sont également organisés. La visite de cet aquarium unique est vivement recommandée.

Musée des conquérants de l’espace au VDNH

À l’entrée du parc VDNH se trouve le monument des conquérants de l’espace avec à sa base le musée de l’espace. Ce musée plus petit que le pavillon « cosmos » est dédié à l’exploration spatiale et plus particulièrement au programme spatial soviétique et russe. Vous y trouverez entre-autres les chiennes Belka et Strelka, le combinaison spatiale de Gagarine, Vostok-1 et Sputnik 1.

Notre partenaire Tsar Visit vous propose de visiter ce musée avec un guide et de faire une balade dans le parc VDNKh. Bénéficiez d’une remise avec notre code promo ci-dessous.

La patinoire la plus grande d’Europe au VDNKh

La patinoire géante du VDNH est ouverte qu’en hiver. Elle se divise en trois zones. L’allée des amoureux autour de la fontaine de l’Amitié des Peuples, une aire de jeux séparée pour les plus jeunes de 3 à 8 ans et un grand espace de glace pour tous les vacanciers. La zone est couverte de glace artificielle sur plus de 20.000 mètres carrés.

La statue de L’Ouvrier et la Kolkhozienne

Cette statue, réel symbole du « réalisme socialiste » soviétique, se trouve à l’est de l’entrée du parc. Avec ses 25 mètres de haut elle est visible de très loin. Son auteur, l’artiste russe Vera Moukhina l’a réalisée en 1937 pour l’Exposition universelle de Paris la même année.

En 2017, le pavillon est devenu l’un des sites du VDNKh. Des expositions, ainsi que des conférences, des ateliers, des séminaires, des projections de films et d’autres événements du programme éducatif se déroule ici.

Un peu d’histoire sur le parc VDNKh

Conception de l’exposition

En 1927, la décision est prise de collectiviser l’agriculture en URSS. Cette collectivisation mise en place des 1930 fait malheureusement rapidement connaître au peuple une famine sans précédent. Dans le but de rassurer celui-ci et prouver l’efficacité et le succès de cette collectivisation, le gouvernement décide en 1935 de créer une grande exposition agricole à l’occasion du 20e anniversaire du pouvoir soviétique en 1937.

Il était alors prévu que cette exposition prendrait place pendant 100 jours et qu’elle se tiendrait dans des pavillons temporaires en bois érigés spécialement pour l’occasion. L’endroit choisi se situe alors à la frontière Nord-Est de Moscou (à l’époque la ville n’était pas aussi grande que maintenant).

Cependant les travaux n’avancèrent pas assez vite ce qui obligea à reconduire deux fois l’ouverture. Parallèlement, il fut finalement décidé que l’exposition se tiendrait pendant 5 ans, les pavillons déjà mis en place durent donc être modifiés et consolidés. Il convient également de préciser que certains pavillons, comme celui de l’Ukraine ou celui de Moscou, furent démolis et reconstruits, car ils ne plaisaient pas à Nikita Khrouchtchev venu inspecter les travaux.

Sur ce chantier gargantuesque, se sont tenues de nombreuses prouesses techniques d’ingénierie, parfois même très risquées, comme soulever une statue en béton de 70 tonnes sur une tour en bois en 50 mètres de haut.

Inauguration du VDNH

Le 1^er août 1939 l’exposition universelle de l’agriculture fut enfin inaugurée. En ce jour, 10 000 personnes dont les plus grands dirigeants de l’Union Soviétique ont pu découvrir cette ville d’exposition unique au monde composée de 52 pavillons et 200 bâtiments répartis sur pas moins de 136 hectares.

Les 85 premiers jours, l’exposition est visitée par plus de 3,5 millions de personnes; on peut dire que son ouverture est un triomphe national. L’effet escompté est au rendez-vous.

Nous avons devant nous une exposition rappelant, avec ses 52 pavillons, la ville des « mille et une nuits ». Chaque peuple de l’URSS a reçu sa place spécifique à l’exposition. Le résultat est une image qui, malgré le fait qu’elle ne couvre que les peuples de l’union soviétique, donne une idée plus profonde de l’humanité que les expositions mondiales que j’ai vues jusqu’à présent ! 

écrivain danois Andersen-Neksö

Le premier juillet 1941, l’exposition est fermée, les animaux sont exportés et la plupart des pavillons sont réaffectés à des fins militaires. Par exemple, on a assemblé jusqu’à 60 motos par jour dans les ateliers de technique et production de l’exposition agricole.

Les anciens pavillons

A l’ouverture de l’exposition la plupart des bâtiments étaient en bois. Même si certain ont été reconstruit en pierre, ils n’ont pas tous survecu.

Le pavillon de l’arctique inauguré en 1939 était dédié à l’exploration du grand nord. A son sommet, on pouvait voir un avion d’exploration taille reelle.

A l’époque, un pavillon entier était dédié à la crème glacé et au lait. Il a été construit sous la forme d’une montagne de glace avec des terrasses et une statue d’ours polaire au sommet.

Réouverture du VDNKh après la guerre

Après la guerre, la décision est prise de relancer l’exposition agricole le 25 octobre 1948. Les travaux initialement estimés à deux années en ont finalement nécessité six.

La réouverture n’a donc eu lieu qu’en 1954. De plus, à la mort de Staline en 1953, de nombreux projets pro-staliniens dont une statue de 30 mètres à son effigie, ont été abandonnés.

A la réouverture, un bon nombre de changements ont été opérés. Beaucoup de pavillons ont été rénovés ou reconstruits dans un style plus moderne et trois magnifiques fontaines dont celle de « l’amitié des peuples » ont pris place dans l’allée centrale. L’entrée principale devient l’entrée nord et une nouvelle entrée colossale à cinq arches est construite.

En prévision de la venue du vice-président américain Richard Nixon à Moscou en 1959, le conseil des ministres de l’URSS décide d’associer à l’exposition agricole une exposition de l’industrie en créant une seule et même exposition appelée « Exposition des réalisations de l’économie de l’URSS ».

Les pavillons jusqu’alors organisés par région ont dû être transformés de toute urgence en pavillons industriels. Ainsi, le pavillon de la Biélorussie est devenu celui du « génie électrique », celui de la Lituanie est devenu « chimie » celui du Kazakhstan est devenu « métallurgie » celui de l’Arménie est devenu « santé » etc. Tout cela n’a finalement pas suffit à impressionner Richard Nixon qui écrit dans un télégramme secret adressé à Eisenhower « rien d’exceptionnel ».

Les années suivantes quelques nouveaux pavillons sont apparus comme le pavillon « bien de consommation » ou encore le pavillon « industrie chimique ».

Des années 70 à nos jours

Dans les années 70, des milliers d’expositions se succèdent dans les nouveaux pavillons et le VDNH reçoit même un prix d’État. On y organise notamment la première foire internationale du livre de l’URSS ainsi que le premier spectacle multi écran de l’union soviétique.

Cependant, l’économie de l’URSS se dégrade et en 1988 le VDNKh perd le financement de l’état. La décision est alors prise de louer les pavillons à des particuliers, la plupart d’entre eux sont donc transformé en entrepôts, points de vente de biens de consommation ou carrément abandonnés.

En cette période catastrophique, certains pavillons négligés sont même détruits par des incendies, comme le pavillon « formation professionnelle » en 1993, le pavillon « chasse et élevage » en 2005 ou encore le pavillon « vétérinaire » en 2011.

Fort heureusement, dès 2014, la renaissance du parc commença et des travaux d’urgence sont entamés pour donner au VDNH l’aspect fabuleux qu’on lui connait aujourd’hui.

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La Russie reste une terre de mystère du nord au sud, d’ouest en est. Situés dans le nord-ouest de la Russie, à 160 km du cercle polaire et à 885 km au nord de Saint-Pétersbourg, les îles Solovki (En russe : Соловецкие острова) constituent un archipel unique de Carélie composé de six grandes îles et d’une multitude d’îlots habités depuis plus de 4000 ans.

Solovki possède un climat subarctique sans saison sèche, la température moyenne est de 3.4°C. Le meilleur moment de l’année pour visiter l’archipel et profiter de la nature demeure l’été, où les températures de saison atteignent les 20 degrés.

La superficie totale des îles est de 647 mètres carrés pour une population d’un peu plus de 900 habitants. En 1974 les îles sont devenues une réserve naturelle protégée, et depuis 1992 l’ensemble historico-culturel de l’archipel est classé au patrimoine mondial de l’UNESCO.

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Nature et climat de l’archipel des Solovki

Le glacier a joué un rôle important dans la formation du relief de l’archipel des Solovki, qui a développé son propre microclimat. Les îles sont entourées par la plus salée des mers intérieures de la Russie, la mer Blanche, dans les terres, il y a 639 lacs d’eau douce.

La majeure partie du territoire est recouverte de forêts. Plus de 500 types de plantes y poussent : cerises, cynorrhodons, cèdres, érables, noisetiers, viornes, sorbiers. Des plantations d’algues poussent dans la bande côtière comme le varech, le fucus ou l’anfeltia.

Dans la mer il y a du hareng, du navaga, de la morue, de la plie, du poisson-chat et du pinagor. Dans les lacs vivent perche, gardon, brochet, lotte, truite, collerette. La faune des îles est constituée principalement de campagnols, d’écureuils, de lièvres, de renards et de rennes. Quant aux animaux marins, on trouve le béluga, le lièvre de mer et le phoque du Groenland. Les mouettes sont le symbole de l’île, elles habitent l’ensemble de l’archipel et sont considérés comme les messagers du printemps.

Avant la christianisation des îles Solovki

Dans la culture primitive et séculaire de la Russie du nord, les îles Solovki ont une importance particulière. Depuis la nuit des temps, ces îles sont considérées comme sacrées, à l’image des mystérieux labyrinthes de pierres situés au centre des temples paiens. Les premiers habitants sont apparus sur les terres de ces îles dès l’antiquité, au premier et second millénaire avant JC.

Les peuples Lapons, réalisaient leurs rites religieux sur ces vastes terres inhabitées. Le terme « Lapon » désigne en réalité les Samis, peuple autochtone d’une zone allant de la Suède à la péninsule de Kola au nord-ouest de la Russie, plus connue sous le nom de Laponie. A l’origine, les Samis étaient des pêcheurs et des cueilleurs, et entretenaient un lien très fort avec la nature. Ils enteraient les membres de leurs tribus sur les îles, repliant des monticules rocheux sur les restes.

Au moyen-âge, des sépulcres lapons du 12e et du 15e siècles datant d’avant la christianisation de l’archipel furent retrouvés. Ces vestiges soulignent la spécificité de leur culture durant la période médiévale préchrétienne et nous aident à comprendre les différentes étapes de l’histoire de l’archipel.

Le monastère Solovetski : le centre de l’orthodoxie du nord de la Russie

Apparition des premiers moines

Les premiers moines sont apparus sur Solovki au début du XVe pour s’y installer et vivre en ermites. Le mot « moine » vient du latin « monachus », du grec « monachos » qui signifie « homme solitaire », dérivé de « monos » qui veut dire « seul ». Ce terme est en général employé pour une personne de sexe masculin qui mène une vie monastique dans un monastère.

L’île Solovki semblait être le lieu approprié pour en faire le centre spirituel de la région du Pomore, région qui s’étend sur toute la mer blanche. Depuis leur arrivée sur l’île, les moines ont fait de cette terre un lieu habitable. L’artiste Mikhail Nesterov, peintre majeur du courant religieux en Russie du début du XX^ème siècle a travaillé sur Solovki. Il a peint le monastère dans un tableau intitulé « Solovki » juste avant la révolution de 1917. Le peintre est arrivé sur les bords de la mer Blanche en 1901 pour mieux s’approcher du monde de l’ancienne Russie. Le nord attirait le peintre, il y recherchait une autre forme de beauté, plus spirituelle. C’est pourquoi les héros des tableaux du cycle Solovki représentent des anciens et des religieuses locales. Son tableau est présenté au musée de l’Ermitage à Saint-Pétersbourg.

Architecture et histoire du monastère Solovetski

Les premiers fondateurs du monastère sont les saints Sabbat et Germain arrivés en bateau à voile sur la grande île des Solovki en 1429. Ils y plantèrent une croix et se construisirent des cellules en bois. Après la mort de Sabbat, Germain a été rejoint par le novice Zossime, qui est considéré avec eux comme l’un des fondateurs de ce lieu saint.

Le monastère Solovetski fut fondé en 1436, il est situé sur la rive de la baie de la Prospérité, sur la grande île de Solovet, île principale de l’archipel. L’ensemble architectural est entouré de murs massifs hauts de 8 à 11 mètres, épais de 4 à 6 mètres, percés de 7 portes et renforcés de 8 tours bâties entre 1584 et 1594 par l’architecte Trifon. Au centre de cette forteresse oblongue se trouve le Kremlin. Le mot « Kremlin » est d’origine russe, il désigne le centre fortifié des villes russes anciennes. Le tsar Ivan le Terrible ordonna la construction d’une épaisse muraille, la forteresse servit d’avant-poste militaire important et de point de défense de la partie occidentale de la mer Blanche. Au centre du monastère, se trouve un magnifique ensemble de bâtiments religieux, dont un immense réfectoire voûté, la Cathédrale de la Dormition, la Cathédrale de la Transfiguration, et d’autres églises.

L’évolution du monastère entre le XVIe et le XXe siècle

L’un des événements les plus marquants de l’histoire du monastère a lieu au XVIIe siècle, lors du schisme de l’Église orthodoxe qui survint en 1666. Le monastère Solovki défendait farouchement la foi orthodoxe, s’opposant à la réforme de 1650 de Nikon de Moscou, patriarche de l’Église orthodoxe russe. Nikon souhaitait la suprématie du spirituel sur le pouvoir politique et voulait réformer en profondeur l’Église russe. Cependant, les réformes de l’Eglise furent très mal acceptées, c’est pourquoi, entre le XVIe et le début du XXe siècle, le monastère Solovetski a été un lieu d’exil pour les opposants au régime autocratique de Russie, comme pour ceux qui s’opposaient à la religion orthodoxe officielle. 

À partir du XVIe siècle, le monastère de Solovki devient un centre économique important. Du XVIe au XVIIIe siècle, ses domaines s’étendaient jusqu’au lac Onega, situé dans la république de Carélie. Le monastère faisait bouillir du sel, et devint le plus grand fournisseur de sel sur le marché intérieur. L’exploitation du mica, des perles, du minerai de fer et la pêche des poissons faisaient également partie de ses activités économiques. Grâce au monastère un centre et un moteur d’activités diverses sont apparus dans la région environnante de la mer Blanche.

Après la sécularisation des terres monastiques en 1764, le développement de l’économie monastique sur les îles, (où il y avait jusqu’à 40 industries différentes) a atteint un très haut degré d’amélioration. La terre était riche et pouvait produire des légumes et nourrir les animaux. Il y a eu jusqu’à 800 moines qui relièrent les lacs entre eux par des tuyaux de bois et qui amenèrent l’eau jusqu’au monastère. Avant sa fermeture en 1920, le monastère était considéré comme l’un des plus vénérés de Russie.

L’archipel Solovki, mémoire du premier goulag

Le monastère Solovetski a joué un rôle religieux, économique et militaire majeur dans l’histoire de sa formation et de son rayonnement national. Mais il a aussi été utilisé à d’autres fins, notamment par les tsars russes qui en firent un lieu d’emprisonnement pour les criminels. Sur Solovki on peut voir la prison du monastère qui se compose de plusieurs cellules sous les murs du Kremlin, où il est impossible de se tenir debout. Les premiers prisonniers sont apparus sous Ivan le Terrible, puis, la prison a été fermée en 1883. Plus tard Solovki fut utilisée comme camp de travail forcé.

L’horreur du goulag

C’est dans ces paysages magnifiques que fut établi l’un des pires goulags. Le monastère s’apprête à vivre sa période la plus sombre dans les années 1920, où les prémices du goulag se font sentir sous la domination bolchevik. Il est réquisitionné pour devenir le premier camp de travail forcé de l’histoire soviétique. Les moines seront parmi les premiers détenus, entre 1923 et 1939 plus de 60 000 personnes furent déportées aux Solovki : ouvriers, paysans, nobles, membres du clergé, officiers et soldats des Armées blanches, cosaques… La plupart d’entre eux périrent de mauvais traitements ou de tortures.

Le camp est appelé SLON, acronyme russe qui signifie « Direction des camps du nord à destination spéciale » (СЛОН veut dire en russe « éléphant »). Avec la prise en main du pouvoir par Staline en 1927, le régime du camp se durcit. De nombreuses tentatives ont été faites pour s’en échapper, mais l’emplacement du camp, les conditions difficiles du Nord et l’eau froide sont devenus les gardiens naturels des prisonniers. 

Plus de 50 ans pour ressusciter

À partir de 1939, le camp est fermé, il est remplacé par une école de matelots destinée à former de jeunes marins. Dans les années 90, le monastère ouvre de nouveau, il rassemble des moines qui participent à sa rénovation. Aujourd’hui l’archipel attire des touristes venus de Russie et du monde entier.

La beauté et la solennité des îles Solovki, perle noire du grand nord russe inspirent aux voyageurs français des images hyperboliques exprimées dans une prose romantique.  Je conseillerai en préalable de lire L’archipel des Solovki de Zakhar Prilepine pour appréhender cette île avec un sentiment russe.

Quoi voir de plus aux îles Solovki en Carélie ?

Plan de l’archipel des Solovki

Un skite est un ermitage, dans lequel un groupe d’ermites vit en retrait sous l’autorité d’un monastère principal.

La colline de Sekirnaya et les îles Muksalma

Le skite de l’ascension fut fondé au XIXe siècle sur la colline de Sekirnaya sur l’île principale. Un peu plus tard, un bâtiment en bois de deux étages a été construit pour la résidence des frères et des pèlerins, ainsi qu’un bain, une étable et un puits. Une caractéristique intéressante de l’église est le phare installé en 1862 au-dessus de son dôme.

Conformément à la volonté du moine Zosima de ne pas garder d’animaux fertiles sur l’île principale Bolchoï Solovetski, le monastère a commencé à utiliser l’île voisine de Bolchoï Muksalma pour l’élevage et la production laitière. On y construit le skite de Saint-Serge.

L’île Anzer

Le skite de la Sainte-Trinité d’Anzersky fut utilisé pendant longtemps par les saliers et les pécheurs.

Le moine Jacob d’Anzersk fonda au XVIIe siècle le skite du calvaire de la crucifixion. Il est composé de l’église de la Crucifixion du Christ (1827-1830) et de l’église en bois de la résurrection du Christ au cimetière (1715).

Les îles Zayatski

Le skite de Saint-André a été fondé au XVIe siècle par Hegumen Philip (le futur métropolite de Moscou ) sur l’île Bolchoï Zayatsky. Il est composé d’une petite église en bois, d’une cave en boulder, d’une cuisine et d’une chambre en pierre. Le petit port permettait d’aller chasser les animaux marins.

Les labyrinthes de pierre n’ont pas de but connu. L’hypothèse principale est qu’ils ont peut-être symbolisé la frontière entre le monde des vivants et le monde des esprit.

Réserver un séjour en Carélie

Comment aller sur les îles Solovki ?

Personne ne parlera anglais et tout sera en russe, c’est pour cela que nous vous invitons à nous faire confiance pour organiser votre voyage. Si malgré nos conseils, vous décidez de tenter l’aventure seul sans guide voici 3 options pour vous y rendre.

En bateau

Le plus simple est de vous rendre à Kem en train. Puis vous rendre au port du village de Rapotcheostrovok (en russe : Рабочеостровск) en taxi (comptez 400 RUB). Achetez vos billets de train sur le site de la RZD ici.

La traversée est possible du 1er juin au 20 septembre et vous prendra 2 heures. Il y a 2 bateaux par jour et le billet coûte 1500 RUB. Départ à 8h et 12h30 pour un retour respectivement à 19h et 16h. Accrochez vous car ça va bouger.

En avion

Deux compagnies font la liaison en 50 minutes tous les jours sauf mardi et jeudi de Arkhangelsk à Solovki. Il s’agit de 2AOAO et SmartAvia. Comptez 6000 RUB pour un aller simple.

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Peterhof abrite 176 fontaines. Chaque jour, à 11 heures du matin, plusieurs milliers de touristes se rendent dans le Jardin inférieur afin de voir la mise en route des fontaines. Cela nécessite le travail de 12 personnes. Dans cet article, nous allons traiter les fontaines à voir en priorité par secteur. Pour plus de détail sur Peterhof et le grand palais vous pouvez lire notre article ici.

Le système de fontaines à l’italienne

L’idée de construire ce palais a hanté Pierre le Grand depuis sa visite diplomatique à Versailles. Les fontaines du jardin de Versailles reposaient sur un système de pompes, qui ne pouvait fonctionner sans intervention humaine. Il fallait pomper régulièrement. C’est pourquoi Pierre le Grand utilisa le système italien à gravitation. Cela permit à toutes les grandes fontaines cascades, de fonctionner toutes seules.

En explorant le terrain, Pierre le Grand trouva la source d’eau minérale Rupshenski. Le dénivelé important du terrain permet à l’eau de descendre la pente. Le courant commence 22km en amont du Grand Palais. Et il existe tout un réseau de rivières naturelles, déviées dans un canal qui aliment 18 réservoirs. Grâce à un système de barrage, l’eau est acheminée dans des tuyaux directement dans les fontaines. La totalité du réseau de tuyaux mesure 40km.

L’ingénieur hydraulique Vassili Tovolkov réalisa le rêve de Pierre le Grand et les fontaines commencèrent à fonctionner en 1721. Ces fontaines projettent 1000 litres d’eau par seconde. En un jour, elles envoient près de 30 millions de litres. C’est suffisant pour remplir 12 piscines olympiques. Jusqu’à ce jour, les fontaines n’ont jamais été asséchées. Pierre le grand aimait particulièrement l’eau, et ce système était un rêve d’enfant auquel il a donné vie.

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La grande cascade

La grande cascade est la principale fontaine de Peterhof et n’a pas d’égale en volume, en taille, en luxe et en expressivité. Cette prouesse est l’une des plus grandes fontaines au monde. Elle se compose de trois escaliers en cascade et de deux grottes, 75 fontaines et 255 sculptures en bronze, mascarons et bas-reliefs, ainsi que d’autres détails décoratifs.

Dans la partie centrale de la Grande Cascade, où se situe la (Grande) Grotte Inférieure, il y a la Fontaine « Panier », dont 28 jets inclinés sont entrelacés comme les tiges d’un panier de fleurs. À droite et à gauche se trouvent deux escaliers en cascade à sept marches, des bas-reliefs dorés ainsi que des sculptures alternant avec des vases sont utilisés comme décorations. Au-dessus de la grotte inférieure se trouve la (petite) grotte supérieure avec une terrasse clôturée d’une balustrade en marbre décorée de vases. Au creux de la clôture, des sculptures de tritons trompettes ont été installées.

La Grande Cascade est reliée à la mer par le canal maritime, large de 12 mètres. Le long de celle-ci, 22 fontaines sont installées sur les pelouses. Sous Pierre le Grand, des navires légers pouvaient conduire les invités au Grand Palais.

La fontaine Samson

Pierre le Grand prévoyait d’établir au pied de la Grande Cascade une fontaine avec une statue d’Héraclès battant l’hydre lénéenne. Malheureusement, ses plans ne se sont pas réalisés. Ce n’est qu’en 1835, sous le règne de l’impératrice Anna Ivanovna, en l’honneur du 25e anniversaire de la victoire sur les Suédois à la bataille de Poltava, que fut installée la fontaine « Samson déchirant la bouche d’un lion ». L’eau projetée en l’air par la bouche des lions atteint les 21 mètres.

Durand la seconde guerre mondiale en septembre 1941, les Allemands débutèrent le siège de 900 jours de Leningrad (Saint-Pétersbourg). Les autorités emmenèrent tous les objets de valeur du palais à la cathédrale Saint Isaac. Les sculptures de la cascade furent enterrées dans le parc par les Russes, pour les protéger du pillage. Mais le Samson, qui pèse 3,5 tonnes, était trop lourd à déplacer.

Quand les Allemands prirent une photo, en 1943, le Samson était toujours présent. Lorsque les troupes russes libérèrent Peterhof, le Samson avait disparu. Quand Peterhof fut saisi par les nazis, il fut presque entièrement démoli. Les occupants démantelèrent les statues de bronze restantes et les bas-reliefs de la cascade, près de 10000 arbres du parc furent abattus. Des tranchées et des canaux prirent la place des fontaines.

Durant la restauration des palais et du parc, beaucoup de personnes furent tuées par des mines qui n’avaient pas explosé. Avant la révolution de 1917, le père de la famille Lavrentiev fut engagé par l’empereur Nicolas II, pour restaurer le système de fontaine. Son fils, Pavel, suivi les pas de son père. La première étape de reconstruction débuta en août 1946. Il n’y avait plus que deux fontaines italiennes, et il ne restait que le piédestal de la statue de Samson. Les Lavrentiev furent également présents durant l’excavation des statues. Celles-ci, cachées par les Russes, furent alors remises en place, mais le Samson ne fut jamais retrouvé. Vasily Simonov en fit un nouveau, ce dernier traversa la ville pour être replacé pour la 47e ouverture des fontaines. Cette statue est un symbole fort de l’histoire de la Russie.

Beaucoup des statues, qui sont visibles aujourd’hui, sont des répliques. Les originales en marbre sont stockées à l’abri du vandalisme de certains touristes. Elles représentent des personnages de la mythologie grecque.

Du côté du jardin inférieur

Devant le Grand Palais en allant vers la mer, une fois passé la Grande Cascade, et la fontaine de Samson, on peut s’arrêter devant les fontaines à cuves, puis les colonnades Voronikhinsky et enfin s’égayer devant la Fontaine « favorite » qui plaira beaucoup aux enfants. Vous êtes dans le jardin inférieur (En russe : Нижний парк).

Fontaines de cuvette

Au centre des parterres géométriques du parc inférieur, vous découvrirez les fontaines à cuve (ou cuvette, en russe : Фонтаны Чаши). Les fontaines jumelées à cuves se trouvent parmi les parterres de fleurs, de part et d’autre de la fontaine de Samson. Dans des bassins ronds de 25 mètres de diamètre, sont installées des cuvettes en marbre de 17 tonnes. De puissants jets de fontaines, s’élevant dans les airs font écho au jet de la Grande Cascade. La fontaine orientale a été surnommée française en l’honneur de l’artisan français Paul Sualem, qui a réalisé des travaux hydrauliques. La fontaine occidentale a été montée par les frères italiens Baratini, c’est pourquoi elle est appelée italienne.

Colonnades Voronikhinsky

Des deux côtés du canal maritime, fermant la place devant la Grande Cascade, se trouvent d’élégants pavillons en marbre blanc avec des dômes et des vases dorés étincelants, les fameuses colonnades Voronikhinsky (en russe : Воронихинские колоннады). L’eau jaillit du haut des dômes à une hauteur de neuf mètres. Elle s’écoule sur les dômes passant par une ouverture semi-circulaire, recouvre ensuite les grandes fenêtres semi-circulaires des pavillons d’un large rideau transparent, et descend enfin dans des bassins semi-circulaires en marbre. Des jets d’eau s’élèvent au-dessus de trois vases dorés, placés sur le toit de la colonnade.

Sur la base en granit reposent des escaliers en granit avec des figures de lions couchés sur les côtés, sculptées dans le même matériau. Les escaliers mènent aux galeries, décorées de huit colonnes jumelées. Les corniches et balustrades en marbre blanc, les colonnes en marbre gris sont en harmonie avec la plinthe et les escaliers en granit rose.

Fontaine préférée

Si vous passez devant la colonnade de Voronikhinet que vous entendez soudain des canards et des chiens aboyer, c’est que vous arrivez à la fontaine Favoritka, « Favorite » (ou préférée, en russe : Фаворитный фонтан) ! Créée à partir de l’idée d’une fable de Jean de Lafontaine, elle suscite toujours des émotions très positives chez les touristes, en particulier les enfants. L’élément décoratif de la fontaine est représenté par les figures de canards et de caniches qui les poursuivent. Le mouvement de ses personnages donne l’impression qu’ils sont vivants.

Fontaine Baleine

Dans la partie ouest du parc inférieur, sur la pente entre la Cascade du Lion et le Grand Palais, se trouve le lac de sable. Il a été fouillé en 1724 pour construire une nouvelle cascade de granit, mais les travaux n’ont pas été achevés. A cette époque, le nom « étang de sable » lui a été donné. L’étang fut embelli en 1738 puis été approfondi et ses rives nettoyées en 1740. Une énorme sculpture en bois fut placée en son centre. Elle représentait une baleine projetant de l’eau par la tête. Elle était entourée de taureaux en plomb qui ont été remplacés par des dauphins.

Au milieu du XIXe siècle, la fontaine Baleine (en russe : Фонтан Китовый) a été démantelée, et elle n’a été reconstruite qu’en 1963 lors de la restauration d’après-guerre. Malgré le fait que sa décoration sculpturale ait été modifiée, le nom original de la fontaine « Baleine » a été conservé jusqu’à aujourd’hui.

Fontaine Nymphe et Danaïde

Au pied de la Grande Cascade du parc inférieur, les bassins des fontaines Nymphe et Danaïde (En russe : Фонтаны Нимфа и Данаида) sont décorés d’ornements et de masques de lion. Ils s’élèvent au-dessus de bancs semi-circulaires en marbre sur des piédestaux. Les fontaines sont un exemple parfait de fontaines du milieu du XIXe siècle, où l’eau est utilisée comme décoration pour révéler l’intrigue contenue dans les sculptures : la déesse des sources Nymphe et Danaïde, est condamnée pour le meurtre de son mari à remplir éternellement le tonneau sans fond avec de l’eau. La composition a été créée en 1854-1856 par l’architecte Andrey Shtakenshneider. Les accoudoirs courbés forment les pattes du lion dans le style pompéien. Au-dessus du banc occidental, se trouve la sculpture de la déesse de la rivière Nymphe, tenant un coquillage dans les mains. Au-dessus du banc oriental se trouve la sculpture de Danaïde avec une cruche.

Du côté du palais Marly

Le palais de Marly a été construit en même temps que les étangs de Marly, qui contenaient à l’origine des poissons amenés des rives de la Volga, puis on commença à élever des carpes, du caviar et des truites, destinés à la table royale.

La montagne d’or

Près du palais se trouve la cascade de la Montagne d’Or (en russe : Каскад Золотая гора), créée à l’image d’une fontaine des palais des souverains français. Le groupe sculptural, situé le long des marches descendant dans l’étang, représente les héros de la tragédie grecque antique. Grâce à la finition à la feuille d’or, vous aurez la sensation d’être en face d’un ruisseau doré. La cascade mesure 14 mètres.

La cascade aux lions

La Cascade aux lions (En russe : Львиный каскад) se distingue des autres fontaines de Peterhof par sa sobriété et sa concision, sa retenue et son absence de détails dorés. La cascade du lion tire son nom des statues installées à côté de la colonnade, et elle s’appelait à l’origine « l’Hermitage », car elle est située sur l’allée menant du palais Marly au pavillon de l’Hermitage. La cascade du lion a été construite dans le style du classicisme tardif par l’architecte Andrei Shtackensteiner.

Cette cascade est un bassin qui mesure 30 mètres sur 18,5 mètres. Sur une base de granit, sont alignées 14 colonnes de granit gris foncé Serdobol, dont la hauteur est de huit mètres. Entre les deux se trouvent 12 vases en marbre de Carrare blanc comme neige avec des fontaines, dont l’eau est projetée vers le haut. Au centre, sur un de dalles de granit, se tient une sculpture de Nymphe Aganip, une cruche inclinée sur l’épaule, dont l’eau tombe sur un pied en granit. La statue de la Nymphe a été créée par le sculpteur Feodor Tolstoï.

Sur les côtés de la colonnade se trouvent deux sculptures en bronze de lions, dont les bouches ouvertes crachent de l’eau.

Les fontaines Ménagernié

Les fontaines Ménagernié (En russe : Менажерные) tiennent leur nom du mot français « menager », qui signifie « sauver » et « protéger ». Le secret de leur économie réside dans la visibilité d’un grand volume d’eau, bien qu’en fait, sa consommation soit très peu élevée. L’idée d’une conception inhabituelle de canons à eau appartient à Pierre le Grand. Les fontaines d’entraînement sont situées dans les stalles de la cascade de Marlin, symétriquement par rapport à l’allée menant au palais Marly. Le principe de leur appareil, proposé par Pierre le Grand, a permis de créer une puissante colonne d’eau d’un diamètre de 30 centimètres, qui semble pleine, bien qu’en fait elle soit creuse.

Selon le dessin créé par l’empereur, des buses spéciales en cuivre à double paroi de différents diamètres ont été coulées pour les conduites d’eau. L’eau pénètre sous pression entre les murs et a atteint une hauteur de 15 mètres, formant une colonne d’eau creuse.

Dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, pour plus d’effet, les colonnes d’eau soulevaient des sphères creuses en cuivre qui, lorsque la pression diminuait et l’eau s’arrêtait, les sphères tombaient dans le panier. Il est intéressant que Pierre le Grand ait proposé d’utiliser l’eau des fontaines Ménagernié pour les quatre canons à eau identiques, le Triton avec cloche à eau.

Les sculptures en bronze doré du garçon triton à cloche, est placée dans le bassin ornant l’allée menant au palais Marly.

Du côté du palais Monplaisir

En face de la façade sud du palais, qui mesure près de 73 mètres de long, se trouve le jardin Monplaisir avec ses parterres aux motifs lumineux. Tout comme le plan du bâtiment, Pierre le Grand a lui-même créé une esquisse du jardin et du système de fontaines. D’après ses croquis, le projet a été réalisé par l’architecte Nicola Michetti, la création des fontaines a été dirigée par le maître fontainier Paul Sual.

Fontaines Cloche

La place centrale dans la composition est occupée par la fontaine « cloche », sur les côtés de laquelle se trouvent quatre fontaines Cloche avec des sculptures à égale distance. À l’origine, les statues au-dessus des fontaines étaient en plomb. En 1817, elles ont été remplacées par des statues en bronze, dont les modèles ont été réalisés par le célèbre sculpteur Ivan Martos. Les sculptures dorées de Psyché et Bacchus, Satire avec une chèvre et Apollon sont montées sur des piédestaux en forme de vases et de colonnes. L’eau de la fontaine sort sous la sculpture et coule le long d’un mince voile en forme de cloche de verre. Pendant la Seconde guerre mondiale, les statues ont été cachées et ont ainsi pu être sauvées.

Fontaines à blagues

Sur les allées latérales du jardin se trouvent des bancs, aux allures totalement inoffensives. Mais méfiez-vous ! Il s’agit en réalité des Fontaines à blagues (En russe : Фонтаны-шутихи Скамейки), créées d’après l’idée de Pierre le Grand en 1723. Cela vaut la peine de se promener dans le parc, pour voir les visiteurs marcher sur des rochers blancs à côté du banc, alors qu’un jet d’eau jailli par surprise.

Fontaine soleil

La fontaine soleil (en russe : Фонтан Солнце) occupe un territoire important, son bassin d’eau a une superficie de 30 par 70 mètres. Au centre se trouve un piédestal en forme de cylindre, sur lequel une colonne de bronze tourne à 3,5 mètres de haut. À son sommet, on apperçoit des disques dorés, à partir desquels des ruisseaux d’eau, semblables aux rayons du soleil, se dispersent dans toutes les directions. Il y a 80 rayons au total, et sous le soleil, au bord du piédestal, se trouvent seize dauphins, dont la bouche crache des jets d’eau. La création de la fontaine du soleil remonte à 1717, lorsque les architectes Alexander Leblon et Johann Braunstein ont construit un bassin dans cette partie du parc inférieur de Peterhof. Des enclos contenaient des oiseaux et des animaux exotiques pour la chasse royale. Des cygnes, des canards et des oies nageaient dans la piscine, et d’immenses esturgeons apportés de la Volga et destinés à la table impériale y étaient également conservés.

Fontaine Pyramide

La Fontaine Pyramide (en russe : Фонтан Пирамида) est située à quelques pas du Palais Monplaisir sur une allée de tilleuls. La fontaine, créée à l’image de l’obélisque trièdre de Versailles, est un symbole de la victoire de la Russie dans la guerre du Nord. La pyramide de huit mètres est considérée comme la plus généreuse en eau. Elle envoie jusqu’à 100 litres par seconde, projetés par 525 tuyaux et retombant dans un bassin à trois niveaux. La fontaine a été ouverte dans les années 1720, et après près d’un demi-siècle, elle a été complétée par une clôture et des bordures en marbre, ce qui lui a donné un aspect solennel.

Fontaines Adam et Eve

Adam et Eve (en russe : Фонтаны Адам и Ева) sont des ​​fontaines jumelles, conservées dans leur forme originale. Elles sont situées sur l’allée reliant le grand palais au palais de Monplaisir et qui traverse le canal maritime a première fontaine a été ouverte du vivant de Pierre Ier. Les canons à eau sont de conception absolument identique. Des figures en marbre, copies du Palais des Doges de Venise, sont placées sur des socles au centre de bassins octogonaux. La hauteur des jets atteint les 7 mètres.

Fontaines Romaines

Dans le parc inférieur Peterhof, on trouve miracles d’architecture : les Fontaines Romaines (en russe : Фонтаны Римские), de plus de 10 mètres de haut. Elles ont été construites en 1739 sur un projet d’Ivan Blank et Nikolai Davidov. Ils ont emprunté l’idée aux fontaines de la cathédrale Saint-Pierre de Rome. Les fontaines étaient construites en bois et revêtues de bassin en plomb. En 1763, sous la direction Francesco Bartolomeo Rastrelli, les fontaines romaines ont été déplacées dans le parc et reconstruites. Les parties en bois des fontaines ont été recouvertes par du marbre. Plus tard, leur pied a été remplacé par de la brique et du granit, toujours avec un revêtement en marbre. Les fontaines romaines de Peterhof sont l’élément principal de la Cascade orientale et s’étendent de la colline de l’échiquier à la terrasse de la Monplaisir.

Fontaine à blague « Chêne »

La fontaine à blague « Chêne » (En russe : Фонтан-шутиха « Дубок ») a été créée en 1735 sur le modèle du sculpteur Bartolomeo Rastrelli. Elle a été installée par le maître F.A. Strelnikov à l’endroit actuel – dans l’une des bosquets jouxtant l’allée Monplaisir, sur le côté ouest. La fontaine, auparavant recouverte d’or, a ensuite était refaite pour se fondre dans le paysage. Un tronc d’arbre creux de six mètres de haut, dont l’extérieur est recouvert de plomb imitant l’écorce, est rempli d’eau depuis la racine jusqu’au sommet et à l’extrémité de chaque branche, d’où jaillissent des jets. Autour du « Chêne », il y a de grandes fontaines « tulipes » et deux bancs en bois à côté. Derrière le dossier, se cachent 41 tubes, d’où jaillissent soudainement des jets qui déversent de l’eau sur les visiteurs de passage.

Fontaine à blague « Sapin de Noël »

Le bouffon à chevrons (en russe : Фонтан-шутиха « Елочки ») est un groupe de trois petites fontaines en forme d’arbres métalliques à proximité de l’orangerie. La fontaine originale a été construite en 1784 par les artisans I. Keiser et F. A. Strelnikov. Constitués de tubes reliés entre eux formant un tronc avec des branches, le tout recouvert d’aiguilles de pin en métal. A première vue, ils peuvent être pris pour de vrais sapins, mais attention, une fois que l’on s’en approche les branches projettent de minces filets d’eau ! Détruit pendant la guerre, le « Sapin de Noël » a été recréé en 1958 par une équipe spécialisée.

Fontaine de l’Orangerie

En face du musée de la famille Benois se trouve la Fontaine de l’orangerie. Elle raconte la lutte de la Russie pour l’accès à la mer Baltique : la première grande victoire de la marine russe sur la flotte suédoise à la bataille de Gangut le 27 juillet 1714. Au centre de la composition se trouve une sculpture de Triton, combattant le monstre marin, représenté comme un crocodile avec une queue de poisson. Un jet d’eau de huit mètres de haut sort de sa bouche. Quatre tortues s’enfuient dans des directions différentes. Leurs bouches crachent de l’eau.

Triton représente la flotte russe, qui a réussi à remporter une victoire importante sur l’escadron suédois. La création de cette fontaine n’avait pas seulement une valeur décorative, mais s’expliquait aussi par des besoins économiques, puisque l’eau en était prélevée pour arroser les arbres, les arbustes et les fleurs du parc inférieur.

Fontaine Parapluie

La fontaine parapluie (en russe : Фонтан-шутиха « Зонтик ») a été créée en 1796 par l’architecte Brower sous l’influence des pavillons « chinois » de Tsarskoïe Selo. La fontaine a la forme d’un parapluie : un poteau massif supporte un large parapluie vert vif complété par une fleur en bois sculptée. Le poteau est entouré de fauteuils aux accoudoirs sculptés. Dès que les visiteurs sont rassemblés sous ce parapluie, les cent soixante-quatre tubes cachés derrière de gracieux festons sculptés, projettent un dense rideau d’eau.

Du côté du jardin supérieur

L’espace du Jardin supérieur est décoré de statues de plomb avec des dorures, d’un magnifique cadran solaire et, bien sûr, des fontaines construites vers 1730 : « Neptune », « Chêne », « Mejeumny ».

Fontane Chêne

La plus proche du Grand Palais, sur l’axe central du parc, est la fontaine « Chêne » (en russe : Фонтан Дубовый). Malgré le nom, vous n’y verrez plus le chêne. À l’origine, un arbre de cuivre avec des feuilles de cuivre et de fer était placé au milieu du bassin, d’où sortait l’eau. La fontaine comporte des sculptures en plomb de tritons et de dauphins. Depuis le chêne a été remplacé par une autre sculpture. Sur un piédestal en forme d’étoile de mer on trouve l’« Amour de marbre », œuvre du sculpteur D. Rossi. L’Amour est entouré de six dauphins en bronze, qui éjectent de fins jets d’eau. Il convient de noter que la conception de toutes les fontaines est soumise à un seul principe : la statue placée au centre est entourée d’une couronne de jets en forme d’arc, qui jaillissent de la bouche ouverte des dauphins.

Fontaine de Neptune

Au cœur du Jardin supérieur, se trouve la Fontaine de Neptune (en russe : Фонтан Нептун), jadis ornée du Char de Neptune, qui a ensuite été remplacée par une sculpture du Dieu des Mers, installée à la fin du XVIIIe siècle. Neptune est entourée de figures de nymphes, de dauphins et d’Hippocampes. À côté de la cascade de Neptune, pour remplacer le plomb abîmé par l’hiver, la cascade a été décorée d’une figure d’Apollon en bronze, coulée selon le modèle de l’original antique.

Fontaine Mejeumny

La fontaine Mejeumny (en russe : Фонтан Межеумный) avec son bassin rond, située juste à l’entrée du Jardin supérieur, est intéressante. Le nom « Mejeumny », qui signifie « indéfini », a été donné en raison de plusieurs changements dans la composition de la fontaine. Aujourd’hui, c’est une statue représentant un dragon et plusieurs dauphins. Dans la version originale, il s’agissait d’une statue d’Andromède. Les figures sculpturales, « Printemps » et « Eté », décorent le complexe de fontaines des bassins carrés.

Le labyrinthe

Le labyrinthe, créé au XVIIIe siècle sur ordre de Pierre le Grand, est situé dans la partie orientale du jardin inférieur. En plan, il s’agit d’une zone rectangulaire avec un carré ovale au centre. Huit allées, qui divergent du centre, sont traversées par un chemin circulaire, formant ainsi un espace vide. Tous les chemins du labyrinthe sont encadrés par des treillis de tilleuls touffus qui poussent le long de grilles en bois. Des pommiers sont plantés dans les bosquets et il y a de petites plates-formes avec des niches pour les bancs.

Au centre du labyrinthe, il y a un bassin avec une fontaine. Bien que la fontaine ait été représentée dans le plan original de Jean-Baptiste Leblon, elle n’apparaît qu’au milieu du XVIIIe siècle lorsqu’un nouveau plan de décoration du Labyrinthe est créé par Rastrelli. L’architecte, sans changer la taille et la disposition, a proposé de décorer le bassin avec des sculptures, des dauphins, des bas-reliefs, des consoles et des vases. Toutefois, le projet du Rastrelli n’a pas été entièrement mis en œuvre, car il a nécessité des investissements importants.

Perdu au début du XXe siècle, le labyrinthe a été recréé sur la base de recherches archéologiques et de documents d’archives conservés.

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