Le théâtre Mariinsky ou Mariinski (En russe : Мариинский театр), connu aussi comme théâtre Kirov avant 1992, est une célèbre salle de spectacle de Saint-Pétersbourg. Si le Mariinsky est également une compagnie prestigieuse produisant opéras et concerts, c’est avant tout son corps de ballet et ses productions chorégraphiques qui ont contribué à le rendre mondialement célèbre.

Histoire d’un lieu mythique – Le Théâtre Mariinsky

L’histoire du théâtre Mariinsky débute en 1783, lorsque s’ouvre le 5 octobre sur la place du Carrousel le théâtre Bolchoï (à ne pas confondre avec le théâtre Bolchoï de Moscou). Dans la nuit du 1er janvier 1811, le théâtre subit un terrible incendie et rouvre ses portes en 1818.

Au fil du temps, les représentations de la compagnie sont transférées au théâtre Alexandrinsky et au théâtre dit “du cirque”, situé en face du Bolchoï. Le théâtre-cirque brûle à son tour en 1859. À sa place, débute la construction d’un nouveau théâtre, le Mariinsky. Le nom de celui-ci est un hommage à Marie Alexandrovna, femme de l’empereur Alexandre II.

Construit par Alberto Cavos dans un style “Renaissance baroque”, le théâtre fut inauguré le 2 octobre 1860 par une représentation de l’opéra de Mikhail Glinka, Une vie pour le tsar.

La salle a été construite sur la base du cirque préexistant. L’architecte a transformé la piste en parterre, modifié en profondeur les gradins et loges existantes, et supprimé une partie de ceux-ci pour construire une scène. Elle a de ce fait une forme très originale, qui conserve toutefois l’allure générale d’une salle à l’Italienne “en U”. Sa largeur inhabituelle – unique au monde au moment de sa construction – a profondément révolutionné les formats d’occupation scénique usités jusqu’alors par les chorégraphes.

Un temple de la dance

C’est particulièrement autour de son corps de ballet que le Mariinsky bâtit sa réputation, notamment sous l’impulsion de Marius Petipa. Nommé directeur de la danse en 1869, il y créa plusieurs dizaines de chorégraphies, dont beaucoup sont encore dansées aujourd’hui.

La fin du XIXe siècle marque l’âge d’or de la compagnie, qui invente le ballet « à la russe », caractérisé par l’aspect spectaculaire et la durée des ballets. Le Mariinsky est alors la référence mondiale de la danse.

L’orientation très moderniste prise par Michel Fokine, directeur du théâtre au début du XXe siècle, donnera naissance aux fameux Ballets russes, nom utilisé par la troupe du Mariinski lors de ses premières tournées.

Ces tournées, organisées par Serge Diaghilev, présentent au monde entier les talents du Mariinski de l’époque. Le triomphe des Ballets russes donne des idées d’indépendance aux vedettes de la troupe, qui quittent le corps de ballet officiel, tel Nijinsky qui fondera sa propre compagnie privée à Londres.

Le Mariinsky, du XXe siècle à aujourd’hui

Après la révolution de 1917, le théâtre acquiert le statut d’auto-organisation. En 1920, il est renommé Théâtre académique d’État de l’opéra et du ballet, et en 1935, Théâtre Kirov, suite à l’assassinat de Sergueï Kirov, chef communiste de Léningrad. Le nom originel est restauré en 1992.

Vers le début des années 1930, le Mariinsky est à l’ombre du théâtre Bolchoï de Moscou, plus apprécié des autorités communistes. Tout au long du XXe siècle, le Mariinski perd de son aura et a du mal à retenir les élèves qu’il forme, tels Rudolf Noureïev, Natalia Makarova, ou Mikhail Barychnikov. Certains rejoignent le Bolchoï, d’autres émigrent vers l’ouest.

Le nouvel essor du Mariinski commence à la fin des années 1980. Depuis la fin du régime communiste, le Mariinsky cherche à se moderniser rapidement pour conserver son rang et empêcher la fuite de ses vedettes.

Le directeur actuel, Valery Guerguiev, chef d’orchestre mondialement connu, se bat pour rétablir le Mariinsky parmi les meilleures scènes du monde. Il est notamment à l’origine du célèbre festival des Nuits Blanches de Saint-Pétersbourg.

Sur le plan architectural, la dernière décennie a vu la construction de deux salles supplémentaires, Mariinsky 2 (le nouveau théâtre) et Mariinski 3 (dédiée aux concerts symphoniques).

Prokofiev,Tchaïkovski, Petipa, Rimski-Korsakov, Balanchine, Musorgsky,…

Le théâtre Mariinsky résonne de noms prestigieux et se positionne comme l’une des meilleures scènes au monde. L’expérience d’un ballet ou d’un opéra au Mariinsky sera sans conteste un souvenir impérissable au cours d’un séjour pétersbourgeois.

Réservez vos places en avance

Pour réserver vos places dans l’une des trois salles, il vous suffit de vous rendre sur le site officiel. Vous pouvez trouver la programmation ici. Attention, site uniquement en anglais et en russe. La scène historique est indiquée en « vert » et appelée « Mariinsky Theatre ».

Au même titre que le Bolchoï de Moscou, le théâtre est très souvent plein donc n’hésitez pas à vous y prendre en avance.

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Peterhof (En russe : Петергоф) est souvent comparé à Versailles, mais cette immense résidence impériale ne se situe pas en France, mais bien en Russie sur la mer Baltique. C’est le musée le plus visité de Russie, environ 4,2 millions de touristes le visitent chaque année. Cet article est la base du guide complet sur Peterhof.

Temps de lecture estimé : 16 minutes

Horaires de Peterhof

Le Grand Palais ouvre ses portes à 10h30 pour les fermer à 19h00. Les horaires sont prolongés de deux heures le samedi. Le palais est fermé le lundi. Pour y accéder, vous passez par le jardin supérieur si vous venez par la voie terrestre ou par le jardin inférieur si vous venez par la voie maritime. Ces deux jardins ouvrent à 9h et ferment à 20h pour vous laisser le temps de sortir à la fermeture du grand palais. Respectivement, la fermeture se fait une heure plus tard le samedi.

Les palais fonctionnent en hiver et les jardins sont ouverts pour le transit des visiteurs. Tous les autres points d’intérêt y compris les fontaines sont fermées hors saison.

La saison débute généralement mi-Avril pour se terminer mi-Octobre.

Achat des billets d’entrée à Peterhof

Concernant les billets d’entrée, ils peuvent s’acheter en ligne sur le site officiel ou directement sur place. Nous vous conseillons d’arriver avant l’ouverture et de passer aux bornes électroniques pour avoir le minimum de queue à faire. En saison, l’attente peut être très longue.

Réservez votre excursion avec un guide francophone

Via Alexandre de Russie

Je peux vous reserver une excursion privée ou en groupe à la journée avec un guide francophone. Les tarifs sont dégressifs en fonction du nombre de personne. Ils vont de 397€ par personne seule, 444€ pour un couple à 101€ par personne dans un groupe. Le prix inclut les transferts, le guide francophone, les entrées des musées et le repas du midi.

Via Tsar Visit

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Avec Viator

Ci-dessous, j’ai sélectionné pour vous 3 options sur la plateforme Viator. Une excursion en groupe très bien notée, une excursion privée et les billets coupe-file.

Comment se rendre à Peterhof ?

En bateau express – hydroglisseur

Le moyen le plus sympa et le plus rapide reste le bateau express plus précisément l’hydroglisseur appelé le « Météore ». La traversée se fait en 30 minutes et vous avez un hydroglisseur toutes les 15 minutes à partir de 10h du matin en saison (du 15 avril au 15 octobre). Vous pouvez prendre ce bateau derrière l’Ermitage et il vous amènera directement au débarcadère du jardin inférieur. Deux sociétés s’occupent des traversées (Peterhof Express & Neva Travel).

L’avantage de cette option est la rapidité, mais elle a un coût de 1600 RUB aller-retour (simple 800 RUB). Par ailleurs, il vous faudra obligatoirement prendre un billet pour le jardin inférieur car vous allez le traverser à pied.

En taxi

En moins d’une heure vous pouvez rejoindre Peterhof en taxi pour environ 2000 RUB (voiture pour 4 personnes + chauffeur). C’est une option facile à gérer avec l’application Yandex taxi ou autre.

En bus ou en train

Cette option vous prendra 1h30, soit 40 minutes pour rejoindre le métro Avtovo (ligne 1, rouge) plus 50 minutes de bus (No. 200 ou No. 210). L’avantage est le prix minime de 80 RUB (40+40) par personne.

La dernière option serait de prendre le train de banlieue mais je ne préfère pas vous embarquer dans une expédition commando pendant vos vacances.

Plan de Peterhof

Un point d’histoire

Peterhof signifie « la cour de Pierre » en Allemand. Au début du XVIIIe siècle, l’empereur engagea les meilleurs architectes, sculpteurs et ingénieurs, comme Francesco Bartolomeo Rastrelli, Nicola Michetti et Jean-Baptiste Leblond. Malgré la mort de Pierre le Grand, la construction continua, sous la gouvernance de ses successeurs. L’immense terrain pourrait accueillir jusqu’à 500 terrains de Football. Le système d’irrigation unique constitue également une belle promenade pour les visiteurs.

Le Grand Palais à Peterhof

Le Grand Palais, avec la grande cascade située devant sa façade, est l’attraction principale de Peterhof et la caractéristique architecturale dominante de tout le complexe. Du XVIIe au XIXe siècle, le Grand Palais était la résidence des tsars russes, où se déroulaient des événements importants, des célébrations, des réceptions, des bals et des mascarades.

Aujourd’hui, le Grand Palais est un musée d’histoire et d’art unique, dont la collection comprend environ 3500 pièces avec des peintures, de la porcelaine, des tissus, des meubles uniques, ainsi que des objets personnels ayant appartenus aux souverains russes.

Architecture du grand palais

Le majestueux bâtiment se divise en plusieurs parties, dont la plus grande est la partie centrale à trois étages, reliée à de petites galeries d’un étage avec des ailes à deux étages. Dans la partie orientale se trouve le bâtiment de l’église et dans la partie occidentale le bâtiment « Sous les armoiries ».

La façade nord, qui fait face à la mer et à la grande cascade, longe le bord de la terrasse du parc et s’étend sur 268 mètres. Sur le côté sud, le Grand Palais est construit sous la forme d’une large lettre « P », formée par sa partie centrale et deux bâtiments de trois étages attenants.

Les façades du bâtiment, peintes en jaune vif, sont décorées avec sobriété, sans superflu. La décoration utilise des éléments typiques de l’architecture baroque : cartouches luxuriants sur les ouvertures des fenêtres, bas-reliefs dans les pignons et motifs de balcon forgés, blanc rustique et pilastres. Le bâtiment monumental compte environ 30 pièces.

L’entrée pour les invités a été aménagée dans la partie ouest du bâtiment, où se trouve l’escalier de parade, créé par Rastrelli en 1751. Des statues dorées, des bouquets sculptés, des cariatides et des cartouches rococos, ornent l’escalier de parade.

En passant par les salles d’entrée, vous pouvez entrer dans la salle de réception Bleue, qui servait de secrétariat avec un journal de bord quotidien, où tous les événements de la vie du palais étaient enregistrés. Les portes ouest mènent au Corps d’Armes. Les invités peuvent ensuite descendre les escaliers de devant pour se rendre à l’enfilade des salles de cérémonie officielles.

Les salles de cérémonie

La salle Chesmen (En russe : Чесменский зал) est une salle d’attente située devant la salle du trône, où les fonctionnaires attendaient le début de la réception. La décoration principale de la salle est constituée de peintures de l’artiste allemand Hackert représentant les épisodes les plus dramatiques de la bataille de Chesmen, au cours de laquelle la flotte russe dirigée par le comte Alexei Orlov a vaincu la flotte turque.

La salle du trône (en russe : тронный зал) est la salle la plus spacieuse conçue pour les réceptions, les bals et les concerts, avec une superficie de 330 mètres carrés. À l’origine, cette salle brillait par sa splendeur, mais en 1777, selon le projet de Yury Felten, elle a été redécorée dans le style classique.

La salle d’audience (En russe : Аудиенц зал) était destinée aux petites réceptions de l’impératrice Elisabeth. Sa conception a été réalisée par Rastrelli. C’est un véritable chef d’œuvre d’architecture.

Au XVIIIe siècle, la Salle de danse était appelée « Salle des Marchands », son espace spacieux de 270 mètres carrés occupait la majeure partie de la moitié ouest du Grand Palais. Les fenêtres étaient disposées sur deux niveaux, des sculptures dorées, des peintures et de nombreux miroirs servaient de décorations. Le parquet est fait de chêne clair et foncé, d’érable et de noyer.

Selon la légende, Elisabetha Petrovna ordonna à Rastrelli de décorer plus magnifiquement la salle : « autant que possible à la dorure … », car ces appartements servaient à recevoir les nobles représentants des marchands, qui, selon l’Impératrice, aimait l’or.

La salle à manger blanche était destinée aux dîners de gala et a été conçue à l’origine par Bartolomeo Rastrelli. De 1774 à 1775, Yuri Felten changea considérablement la salle, en une décoration à l’opposé de ce qui existait. Au lieu des paillettes, des dorures et des miroirs, l’intérieur a été décoré dans des canons stricts du classicisme. Au centre de la salle se trouve une immense table recouverte d’une nappe blanche et servie pour 30 personnes avec un service en faïence créé par le célèbre maître anglais Josiah Wedgwood.

La salle des tableaux est la plus ancienne, elle a été décorée du vivant de Pierre. Elle est ornée de tapisseries de maîtres français et de 16 tableaux d’artistes italiens. C’était à l’époque la plus grande salle où participèrent les artistes Nicola Michetti et Jean-Baptiste Le Blond. Au milieu du XVIIIe siècle, la conception de la salle a été modifiée par Rastrelli.

Le jardin inférieur

Le jardin inférieur qui donne sur le golfe de Finlande est immense. Afin de vous faciliter la lecture, je l’ai découpé en plusieurs articles.

Peterhof disposent de 176 fontaines réparties sur son territoire. Retrouvez notre article sur ce système hydraulique unique au monde avec toutes les principales fontaines ici.

La grande cascade

La grande cascade est la principale fontaine de Peterhof et n’a pas d’égale en volume, en taille, en luxe et en expressivité. Cette prouesse est l’une des plus grandes fontaines au monde. Elle se compose de trois escaliers en cascade et de deux grottes, 75 fontaines et 255 sculptures en bronze, mascarons et bas-reliefs, ainsi que d’autres détails décoratifs.

La fontaine de Samson

Pierre le Grand prévoyait d’établir au pied de la Grande Cascade une fontaine avec une statue d’Héraclès battant l’hydre lénéenne. Malheureusement, ses plans ne se sont pas réalisés. Ce n’est qu’en 1835, sous le règne de l’impératrice Anna Ivanovna, en l’honneur du 25e anniversaire de la victoire sur les Suédois à la bataille de Poltava, que fut installée la fontaine « Samson déchirant la bouche d’un lion ». L’eau projetée en l’air par la bouche des lions atteint les 21 mètres.

Les grottes inférieures et supérieures

Les grottes, derrière les fontaines ont été réalisées en 1716 et sont éclairées par une lumière naturelle. Conformément au plan de Pierre le Grand, les murs de la structure souterraine sont tapissés de tuf et de coquillages, décorés de mascarons. À cette époque, seuls les personnes suffisamment petites et légères pouvaient travailler dans les réseaux de tuyaux pour les réparer. Aujourd’hui, l’entretien est réalisé grâce à des moyens techniques.

Le palais Monplaisir et ses jardins

Selon le plan de Pierre le Grand, le palais de Monplaisir a été conçu comme « une maison confortable pour un homme éclairé ». Il a été construit par les plus grands maîtres de l’époque, et peut donc être considéré comme un modèle d’architecture et d’artisanat du début du XVIIIe siècle. Sa construction et sa décoration témoignent de toutes les nouvelles tendances de l’époque.

Ce palais est une résidence à part entière que nous vous invitons à découvrir dans notre article dédié ici.

Le pavillon de l’Ermitage

Le premier Ermitage russe a été créé à l’ouest du parc de Peterhof, par décret de Pierre Ier. Le mot « ermitage » en français signifie « désert » ou « maison d’ermite ». Aux XVIIe et XVIIIe siècles, l’attrait pour ce type d bâtiment était très répandue parmi les aristocrates européens. Les ermitages étaient construits dans les parties isolées des parcs. Lorsque Pierre Ier a visité la Prusse orientale, il y a vu d’élégants pavillons et a voulu avoir son propre « lieu de solitude » à Peterhof.

Retrouvez plus d’information sur ce pavillon dans notre article dédié ici.

Le palais Marly et son étang

Le palais Marly est situé dans la partie ouest du parc inférieur de Peterhof, près de la limite entre deux étangs. L’étang Marly à l’est et l’étang Sektorial à l’ouest. Le palais de Marly tire son nom de la résidence du roi de France Louis XIV, à Marly-le-Roi, que Pierre le grand a visité en 1717. C’est un bâtiment modeste et élégant, de deux étages, de forme cubique, également conçu par l’architecte Johann Braunstein entre 1721 et 1723.

Ce palais est également une résidence à part entière que nous vous invitons à découvrir dans notre article dédié ici.

Le jardin supérieur

De 1733 à 1739, les architectes Mikhaïl Grigorevni Zemtsov, I. Blank, I. Davydov et le sculpteur Bartolomeo Karlo Rastrelli donnèrent au Jardin supérieur (ou Верхний парк, « Verhni parc » en russe) son caractère exceptionnellement grandiose et solennel.

Le jardin supérieur a été créé pour servir d’entrée principale à la résidence royale. Il s’étend sur une superficie de 15 hectares, devant la façade sud du Grand Palais de Peterhof.

Sur trois côtés, le jardin est entouré d’une clôture érigée par de Francesco Bartolomeo Rastrelli en 1754. La clôture est constituée de 150 piliers de pierre sculptés, décorés de cartouches, avec des masques de lion en relief. De hautes portes forgées, avec deux pylônes massifs, mènent au jardin supérieur.

Il est intéressant de noter que du vivant de Pierre, la fonction cérémonielle du jardin supérieur était combinée à sa fonction domestique. En effet, les potagers délimités géométriquement par des bosquets permettaient de récolter des fruits, des légumes, des baies, des herbes, diverses herbes médicinales. Dans les étangs, on élevait des poissons.

Neptune domine

La fameuse sculpture de Neptune a été achetée dans la ville allemande de Nuremberg par l’empereur Paul Ier. Elle a été réalisée au milieu du XVIIe siècle. Le chef d’œuvre de Nuremberg était au départ destiné à la « Fontaine de la Paix », pour marquer la fin de la guerre entre Nuremberg et la Suède. Cependant, cette fontaine n’a jamais été construite par manque de fonds. Le groupe sculptural a été conservé longtemps dans un entrepôt, jusqu’à ce que l’empereur Paul Ier décide de l’acheter pour Peterhof. Ainsi, le motif principal de la décoration de la résidence a pu être de nouveau souligné : la Russie est une grande puissance maritime.

L’histoire ultérieure de la sculpture Neptune est intéressante. Pendant la guerre, il fut volé par les soldats nazis, puis en 1947, retrouvé en Allemagne et rendu à la Russie. Dans le même temps, on a découvert que deux sculptures du groupe avaient disparu. Dans les années 1960, elles ont été reconstruites et l’ensemble du complexe sculptural a été restauré puis remise en service.

Encore plus de fontaines

Le parterre vert du Jardin supérieur près de la fontaine du Chêne est décoré de statues de marbre créées par le sculpteur Antonio Bonazza en 1757 : la déesse des fleurs Flora, le vent chaud de l’ouest Zephyr.

Le jardin supérieur dispose également de la fontaine des étangs carrés et de la fontaine Mejeumny mais pour les découvrir il faudra lire notre article dédié exclusivement aux fontaines de Peterhof ici.

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Le musée de l’Ermitage est mondialement connu pour ses collections impressionnantes. C’est clairement le plus grand musée au monde ! Pour le visiter efficacement vous devez bien vous organiser. Impossible de tout voir d’un coup et surtout, cela ne sert à rien. Mieux, il faut savoir quoi voir et quand les voir. Ici, je vous donne les clés d’une visite réussie. Ci-dessous, vous retrouverez les informations de base sur ce complexe muséal et vous pourrez aller dans le détail des collections ici.

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L’Ermitage en quelques chiffres

Fondé en 1764, c’est aujourd’hui le plus grand musée du monde en objets exposés. On considère ses collections à plus de 60 000 pièces exposées dans 1057 salles sur 66.000 m². Sans pour autant oublier près de 3.000.000 d’objets qui sont conservés dans les réserves. Les collections retracent presque toutes les époques et une très large géographie. C’est aussi une des plus grandes collections au monde de peintures avec plus de 16 000 toiles sans compter les 13.000 sculptures.

Parmi les œuvres exposées, figurent des peintures de maîtres hollandais et français comme Rembrandt, Rubens, Matisse ou Gauguin. On y trouve également deux toiles de Léonard de Vinci ainsi que trente et une peintures de Pablo Picasso. Le musée emploie 2 500 personnes et utilise l’aide de nombreux stagiaires gérés par le service des volontaires du musée de l’Ermitage.

Mais que cachent ces chiffres destinés à épater le public venu du monde entier ?

La palais d’hiver

Ce palais élégant et monumental est de style baroque du milieu du XVIIIe siècle. C’est un brillant exemple de la synthèse de l’architecture et de l’art plastique décoratif. Toutes les façades sont embellies par une colonnade à deux niveaux formant un rythme complexe de verticales. Les colonnes s’élancent vers le haut jusqu’à embrasser les nombreuses statues et vases sur le toit. L’abondance de la décoration moulurée – corniches et encadrements de fenêtres fantaisistes, mascarons, cartouches, rocailles et divers frontons – crée un jeu d’ombre et de lumière extrêmement riche qui investit l’apparence du bâtiment avec magnificence.

Retrouvez notre mega article avec toutes les collections de l’Ermitage ici.

Le petit ermitage

Dans l’ensemble architectural de l’Ermitage, le Petit Ermitage est un lien entre le magnifique bâtiment baroque du Palais d’Hiver et les splendides constructions de l’époque du classicisme – le Grand Ermitage et le Nouvel Ermitage. Ce bâtiment regroupe les collections dédiées à l’art médiéval européen et à l’art hollandais.

Le grand ermitage

En 1771, un nouveau bâtiment à côté du Petit Ermitage a été construit par ordre de l’impératrice Catherine II sur les berges de la Neva. Plus grand que le Petit Ermitage, il fut nommé le Grand Ermitage et était censé abriter les collections du palais et la bibliothèque. Yuri Velten, l’architecte, a réussi à intégrer le nouveau bâtiment dans le complexe existant du palais.

Retrouvez notre mega articles avec toutes les collections de l’Ermitage ici.

Le nouvel ermitage

Le nouvel Ermitage a été le premier bâtiment de Russie construit spécialement pour abriter les collections du musée. L’empereur Nicolas Ier a invité l’architecte allemand Leo von Klenze, dont les travaux ont largement contribué à l’image de l’architecture des musées en Europe, à venir en Russie pour construire l’Ermitage impérial. Le nouvel Ermitage construit en 1842-1851 dans le style de l’Historicisme se caractérise par l’austérité et la monumentalité de la structure et l’équilibre des volumes architecturaux.

Le bâtiment de l’état-major général

Construit en 1820, il révèle une rigueur architecturale caractéristique du classicisme. Le bâtiment de l’état-major (En russe : Главный штаб) occupe un vaste espace allant de la perspective Nevsky au coude de la rivière Moika.

L’accent principal dans la composition de la façade est mis sur la magnifique arche qui symbolise le triomphe de la Russie. Au sommet, le char triomphal tiré par six chevaux est accompagné de statues de guerriers. L’œuvre a été réalisé par Vassily Demuth-Malinovsky et Stepan Pimenov en suivant les plans de Rossi. L’expressivité particulière du bâtiment résulte de la combinaison entre la façade neutre et la partie centrale monumentale.

Le rez-de-chaussée se présente sous la forme d’un socle ou d’une base rustique tandis que les fenêtres du premier étage sont entourées de cadres et de rebords décoratifs. La partie supérieure du mur est mise en valeur par une corniche en stuc.

Exposition de peinture française des XIXe et XXe siècles

Chronologiquement, cette section commence par les œuvres d’artistes de la fin du XVIIIe et du début du XIXe siècle dont les contributions à l’histoire de l’art varient énormément. On y retrouve Lethière, Lefebre, Caraffe, C. Vernet, Girodet, P. Chauvin, des artistes très populaires de l’Empire comme Guérin, ou F. Gérard.

Les maîtres les plus célèbres sont aussi représenté : David par son superbe Sappho et Phaon (1809), Gros par son Napoléon sur le pont d’Arcole (vers 1797), Ingres par le Portrait du comte Guriev (1821), Delacroix, le plus brillant des artistes romantiques français, par deux toiles : Selle d’un cheval marocain (1855) et Chasse au lion au Maroc (1854).

La collection de l’Ermitage donne un bon aperçu de l’école de Barbizon. Ce groupe d’artistes s’est installé dans le village de Barbizon près de Paris. Théodore Rousseau, Dupre, Carot, Daubigny et d’autres, allaient avoir une influence majeure sur le développement de la peinture de paysage française. L’un des points capitaux du musée est la collection de tableaux de la fin du XIXe et du début du XXe siècle, qui comprend plus de 250 œuvres.

Les dépendances

Le palais d’hiver de Pierre le Grand

Le palais d’hiver de Pierre le Grand est un bâtiment unique du début du XVIIIe siècle. La résidence officielle de Pierre Ier était située sur le territoire aujourd’hui occupé par le théâtre de l’Ermitage. Dans la partie du palais qui a été préservée, il y a une exposition commémorative consacrée à Pierre le Grand et à son époque. Dans ses pièces, on retrouve une décoration recréée en utilisant des objets authentiques ayant appartenu à l’empereur.

Le théâtre de l’Ermitage

Le théâtre de l’Ermitage est l’un des plus anciens de Saint-Pétersbourg et de Russie. Il fut construit sur ordre de Catherine la Grande en 1783 sur le site de l’ancien Palais d’hiver de Pierre le Grand.

L’auditorium du théâtre a été construit de manière à ressembler à celui de l’Antiquité : des rangées de sièges semi-circulaires s’élèvent de la scène de l’amphithéâtre. Les murs et les colonnades sont décorés de marbre artificiel coloré. Les sculptures d’Apollon et des neuf muses sont situées dans des alcôves et sous celles-ci se trouvent des bas-reliefs avec des portraits de musiciens et de poètes célèbres.

La première saison du théâtre de l’Ermitage s’est ouverte avant l’achèvement des travaux, le 16 novembre 1785, avec une représentation de l’opéra « Le meunier qui était un magicien, un tricheur et un marieur » (musique Мikhail Sokolovsky). 

Sous Alexandre Ier, des bals masqués y étaient souvent organisés. Pendant trois ans, de 1823 à 1826, le théâtre a été utilisé comme terrain de parade militaire.

Un chapitre intéressant de la vie du théâtre est associé à la fin du XIXe siècle. En 1894, des travaux de restauration ont été réalisés sous la supervision de l’architecte Kvasov. En 1902, l’architecte Léon Benois a achevé le foyer du théâtre dans le style rococo. Des artistes tels que Chaliapin, Sobinov, Kshesinskaya, Pavlova, et Vaganova ont joué dans ce théâtre. 

Les événements dramatiques de 1917 ne pouvaient que se refléter dans la vie du théâtre. Devenu l’Université ouvrière Lunacharsky, on continua d’organiser divers concerts, ballets et opéras avant sa fermeture en 1935.

Pendant de nombreuses années, le lieu a été utilisé pour des conférences. Dans les années 1980, la restauration complète lui donna un nouveau souffle. Mais ce n’est qu’en 1991, que le théâtre de l’Ermitage ouvra ses portes au public. Aujourd’hui, il est l’une des scènes les plus populaires de Saint-Pétersbourg.

Le palais Menshikov

Le Palais Menshikov, situé sur le quai de l’université de l’île Vassilyevsky, a été construit sur l’ordre du premier gouverneur de Saint-Pétersbourg et proche associé de Pierre Ier, Alexandre Menshikov.

La construction de cette première structure monumentale en pierre de la ville a commencé en 1710, selon les plans architecturaux établis par Giovanni Mario Fontana. Les travaux se sont poursuivis sous la direction de Johann Gottfried Schaedel de 1712 à 1721. La décoration architecturale du palais est caractéristique du début du XVIIIe siècle. La partie centrale du bâtiment est couronnée d’un grenier, tandis que les saillies latérales ont des frontons courbés. L’ensemble du bâtiment se termine par un haut toit en croupe. Les murs clairs et bicolores du bâtiment, les pilastres avec des chapiteaux en pierre sculptée qui décorent chaque étage et les encadrements de fenêtres simples donnent à la façade un aspect élégant et sont typiques de l’architecture baroque à l’époque de Pierre le Grand.

En savoir plus dans notre article dédié ici.

Quelques bons conseils

Essayez d’éviter la haute saison de Mai à Septembre ou privilégiez le début et la fin de la saison, car il y a énormément de monde. Le musée étant fermé le lundi, vous pouvez imaginer l’affluence le mardi donc privilégiez également les autres jours de la semaine. De la même manière, si vous savez ce que vous voulez voir, calculez votre temps et essayez d’y aller en fin de journée quand il y a moins de monde. Dernier point, le musée est gratuit le 3e jeudi de chaque mois. L’optimum est donc le mercredi ou le vendredi en fin de journée et jusqu’à la fermeture tardive.

Itinéraire des points d’intérêt principaux

Sincèrement, ne rêvez pas, vous ne pourrez pas tout voir. Rien que les 4 bâtiments principaux sont composés de 400 salles. A raison d’une petite seconde par œuvre il vous faudrait 42 jours et il vous restera encore les annexes. Par conséquent, il faut prioriser votre visite. L’exemple d’itinéraire ci-dessous se concentre sur l’essentiel. J’ai fait l’expérience. En marchant rapidement et en ne m’attardant que quelques secondes sur les œuvres majeurs, il m’a fallu 3 heures. Prévoyez donc au minimum une demi-journée voire la journée pour en profiter un minimum. 

Je vous conseille vivement de lire ma description des collections dans le chapitre suivant afin de sélectionner ce qui vous intéresse le plus.

Commencez par le Palais d’hiver

Foulez les marches du mythique escalier du Jourdain, qu’empruntaient les tsars lors des réceptions officielles. S’offre ensuite à vous une enfilade de salles d’apparat. Elle débute avec la petite salle du trône, aussi appelée la « salle Pierre-le-grand » construite en hommage au tsar créateur de l’empire. Non loin, la « galerie militaire de 1812 » impressionne par ses 332 portraits des glorieux généraux qui ont participé à la campagne de Russie. Juxtaposée, la grande salle du trône, ou « salle Saint-Georges » est un des symboles du palais. Construite sous Catherine II, elle sera entièrement détruite par l’incendie de 1837, et reconstruite dans le style que nous connaissons aujourd’hui sous Nicolas Ier. C’est ici que les plus grandes cérémonies avaient lieu. En 1906, c’est là que fut instaurée la 1ere douma, conséquence directe de la révolution de 1905. La grande chapelle parachève l’enfilade, son décor baroque donne une idée de ce qu’était le palais au XVIIIe.

Derrière, dans les anciens appartements privés, se tient une partie de l’impressionnante collection d’art Français du XVe au XIXe siècle. Parmi le florilège de chefs d’œuvres : Poussin, Watteau, Delacroix, Renoir… Vous y trouverez aussi quelques œuvres de Fragonard, qui s’approprie avec délicatesse des scènes d’intimité galantes, comme dans l’œuvre « le baiser à la dérobée » (salle 288), thème que Catherine II affectionnait particulièrement.

Vous pouvez ensuite vous laisser baigner dans l’art anglais sur 3 salles, en ne manquant pas le « portrait de la dame en bleu » de Gainsborough (salle 298) mais aussi découvrir les appartements créés pour Alexandre II. Parmi les salles, le boudoir est d’une remarquable minutie, avec des murs entièrement tapissés d’un tissu provenant de France.

Continuez vers le Petit ermitage

En pénétrant dans la salle du pavillon, vous ne pourrez manquer « l’horloge du paon », acquise par Catherine II pour le musée. Ce n’est ni plus ni moins que la plus grande horloge automatique au monde. D’une grande finesse et toujours en état de marche, elle n’est cependant remontée que pour de rares occasions.

Pour les plus courageux, dirigez-vous vers le grand et le nouvel ermitage

La collection de peintures italiennes occupe tout le grand ermitage ainsi qu’une partie du nouvel ermitage. Parmi les immanquables, la salle Léonard de Vinci, qui expose des œuvres majeures du maître de la Renaissance, dont « La madone Lita ». Plus loin, se dresse une reproduction presque surréaliste des célèbres loges de Raphaël situées au Vatican

Le 1er étage s’achève sur les collections de peintures flamandes et hollandaises. Ainsi, vous trouverez respectivement des œuvres des peintres baroques les plus fameux, comme Rubens et bien sûr l’illustre Rembrandt et son tableau « le retour de l’enfant prodigue ». La salle des chevaliers mérite également un instant pour s’attarder sur les détails de tenues de guerres ou officielles d’époque.

Pour une prochaine visite

Rez-de-chaussée

Le rez-de-chaussée remonte quelques milliers d’années en arrière pour vous proposer différentes collections d’art Grec, Romain ou Égyptien. S’il vous reste encore de l’énergie, terminer votre visite par les collections du trésor, qui sera un fabuleux point final à cette visite pleine de grandeur historique et culturelle.

2e étage

Vous pourrez vous réserver le dernier étage pour étoffer une prochaine visite. A noter que la collection des peintures impressionnistes Français a été transférée dans le bâtiment de l’État-Major, qui sera l’occasion d’une autre très belle visite.

Réservez votre excursion à l’Ermitage

Via Alexandre de Russie

Je peux vous reserver une excursion privée ou en groupe de 4h dans l’Ermitage avec un guide francophone. Les tarifs sont dégressifs en fonction du nombre de personne. Ils vont de 15€ par personne dans un grand groupe à 37€ par personne pour un couple.

Via Tsar Visit

Si vous souhaitez réserver d’un guide expérimenté francophone avec vos billets, vous pouvez vous rendre sur le site de notre partenaire Tsar Visit et bénéficier de 5% de remise avec le code : ALEXANDRE5

Avec Viator

Ci-dessous, j’ai sélectionné pour vous 3 options sur la plateforme Viator. Une excursion en groupe très bien notée, une excursion privée et les billets coupe-file.

Histoire de l’Ermitage de Saint-Pétersbourg

La construction sous Pierre-le-grand

Tout débute à la naissance de Saint-Pétersbourg. En 1703, Pierre-le-grand décide d’« ouvrir une fenêtre sur l’Europe » en sortant de terre cette nouvelle ville qu’il désire « occidentale ». Situé sur les rives de la Neva, il fait construire la résidence impériale qui n’est alors qu’une bâtisse en bois, mais rapidement le bâtiment sera reconstruit en pierre et dans un style baroque.

Le palais d’hiver de Pierre Ier jouxte aujourd’hui le nouvel Ermitage et semble bien sommaire à côté de l’ampleur que va prendre l’édifice. Toutefois, cette collection aujourd’hui sans égal, débute dès le XVIIIe siècle lorsque Pierre-le-Grand commence à acquérir ses premiers tableaux.

Durant le règne d’Anne, une de ses nièces, le palais d’hiver sera délaissé pour un autre à côté, il sera assimilé, ainsi que d’autres bâtiments, au palais d’hiver de Pierre-le Grand. L’ensemble impérial commence à s’agrandir.

C’est la fille du Tsar, l’impératrice Élizabeth, qui commandera à l’architecte italien Bartolomeo Rastrelli, la construction du somptueux édifice que l’on connait aujourd’hui comme étant le palais d’hiver. De 1754 à 1762, le palais prend une dimension colossale, et se pare notamment du mythique « escalier du Jourdain ».

Transformation sous Catherine II

En 1762, après avoir provoqué son destin en accédant au trône, Catherine II, fait ajouter deux nouvelles ailes au palais d’hiver : Le Petit Ermitage puis le Viel Ermitage. C’est dans ces nouveaux bâtiments que sera accueillie son immense collection d’œuvres. Ainsi débute l’histoire du musée de l’Ermitage à proprement dit.

C’est notamment à Catherine II, que le site doit cette collection vertigineuse. Suivant ses bons goûts et des conseils avisés, elle fera l’acquisition non seulement de plusieurs milliers de peintures, mais également de camées, ainsi que de livres issus des bibliothèques de Diderot et de Voltaire.

Son petit-fils, Alexandre Ier, marchera dans ses pas et étendra cette prestigieuse collection. Il fera l’acquisition en particulier, de la collection de la première femme de Napoléon Ier, l’impératrice Joséphine, qui permettra de faire rentrer dans le musée ses plus beaux chefs-d’œuvre.

Il faudra attendre le règne du tsar Nicolas Ier pour voir s’ériger en 1839, le « nouvel Ermitage » qui aboutit ainsi sur ce fabuleux complexe qu’est aujourd’hui le musée. Cet agrandissement structurel allait de pair avec l’accumulation des collections impériales, toujours plus grandiose.

L’ermitage après la révolution

Pendant près de 200 ans, le palais d’hiver abritât le pouvoir dynastique des Romanov, mais fut également témoin historique de sa fin tragique.

En octobre 1917, la prise du palais d’hiver ouvre un nouveau chapitre dans l’histoire de la Russie. Les pages qui suivirent furent bien sombres pour le bâtiment.

Le musée sera par deux fois dépossédé de ses collections, pour les protéger des deux guerres mondiales. Guerres qu’il traversera courageusement, subissant de nombreux bombardements, notamment durant l’interminable siège de Leningrad.

Il souffrira également des ventes à l’étranger de ses peintures et objets d’art appliqués au début des années 30, par le gouvernement soviétique.

En octobre 1945, les collections du musée purent de nouveau intégrer l’édifice, et l’Ermitage rouvrit peu après ses portes au public, bien que ses travaux de restauration soient loin d’être achevée.

L’ermitage au XXème siècle

Si l’urbanisme du musée s’étale sur plusieurs siècles, son style architectural intérieur n’est pas en reste. Bien que sa façade soit, dans l’ensemble, issue d’un style baroque, il est aujourd’hui impossible de définir clairement le style intérieur de l’Ermitage. L’exubérance et le grandiose se succèdent respectivement entre le baroque sous Pierre-le-grand, et Élisabeth, puis le classicisme de Catherine II, avant un retour du style antique avec le néo-classicisme durant le règne de Nicolas Ier.

Si les styles répondent aux époques et aux goûts des souverains, un incident majeur modifiera l’apparence du Palais au milieu du XIXe siècle. En 1837, un incendie dévaste pendant 3 jours tout le 1er et le 2e étages, détruisant ainsi les travaux des anciens architectes. Seul l’escalier du Jourdain, véritable prouesse et démesure architecturale sera reconstruit à l’identique.

A l’image de son histoire, le musée de l’Ermitage est une véritable fresque historique, une mosaïque de style issue des fragments de l’histoire russe.

Reportages sur l’Ermitage

• Chaîne: Art
• Titre de l’épisode : Le musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg
• Date de diffusion : Du 12/12/2021 au 12/01/2022
• Durée : 52 minutes
• Réalisateur : Margy Kinmonth

Bien plus qu’un musée national, le labyrinthique Ermitage incarne l’âme de la Russie. Créé en 1764 sous l’impulsion de Catherine II, « impératrice et autocrate de toutes les Russies », il abrite aujourd’hui 3,6 millions d’œuvres et emploie plus de conservateurs que n’importe quelle institution culturelle au monde. Ses fonds sont d’une richesse inouïe : le musée possède aussi bien des Rembrandt que de l’art russe, des objets préhistoriques, la collection personnelle de pierres précieuses de Catherine II, un chef-d’œuvre de Michel-Ange, des œuvres majeures de Matisse et quantité d’autres joyaux.

Visite privée

Tourné en 2014, à l’occasion du 250e anniversaire du musée, ce documentaire embarque les téléspectateurs dans un voyage passionnant qui retrace l’histoire tumultueuse de l’Ermitage, du palais impérial à sa reconversion en musée national. Son directeur a exceptionnellement accepté d’ouvrir les portes du musée aux caméras et de les y guider. Sont montrés à l’écran pour la première fois des collections spéciales et des lieux auxquels le public n’a, d’ordinaire, jamais accès. La réalisatrice Margy Kinmonth raconte l’histoire du lieu et de ses collections, grâce aux images d’archives – dont la fameuse reconstitution par Eisenstein de l’invasion du palais par la foule lors de la révolution de 1917 – et aux témoignages pleins de vivacité des conservateurs du musée, actuel ou anciens. Une promenade parmi les trésors les plus précieux, les plus anciens et les plus rares de la Russie.

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Après un mois de mai pas « ouf » du tout, on espère avoir de belles journées du côté de la baltique pour profiter des plus belles plages de Saint-Pétersbourg. Les météorologues promettent qu’il fera chaud et sec, il faut que ça soit le cas… Voici donc où se détendre sur la plage de sable avec des amis et profiter de l’air frais en ces belles journées ensoleillées.

La plage du beau lac

Le lac est situé dans une zone pittoresque au nord de Zelenogorsk. La plage est propre, sablonneuse et ombragée par une forêt de pins. Des écrivains, des poètes, des artistes et de nombreux personnages historiques s’y reposaient et s’y inspiraient.

• Où ? Lac Krasqvitsa
• Equipement ? Aucun, rien que la nature
• Comment s’y rendre ? prendre un bus ou un train de la gare de Finlande à Zelenogorsk, puis prendre un bus Zelenogorsk – Ilyichevo.

Plage Dubkovskiy

Cette plage est très populaire parmi les habitants de la ville sur la Neva, tout d’abord parce qu’elle est très facile d’accès. En outre, la plage est bien entretenue et reste parfaite pour des vacances en famille (une aire de jeux pour les enfants). Même si la baignade n’est pas toujours autorisée, la plage dispose toujours de son propre poste de secours et de tours qui dépassent de l’eau. Si vous venez en voiture, vous pouvez vous garer dans le parking voisin. La plage dispose également de toilettes et d’un terrain de volley-ball (bien que parfois le filet ne soit pas présent, il est donc préférable d’apporter le sien). Et, bien sûr, par une journée ensoleillée, profitez des vues pittoresques, du sable chaud, de la légère brise marine et du ciel clair.

• Où ? Plage Dubkovskiy
• Equipement ? Café, air de jeux, beach-volley
• Comment s’y rendre ? de la gare de Finlyandsky à la gare de Sestroretsk. Plus loin, en direction de la plage – environ 10-15 minutes de marche.

Laskoviy

Une plage bien entretenue sur les rives du golfe de Finlande. Vous pourrez vous y détendre en compagnie, prendre un bain de soleil et jouer au beach-volley au son du ressac et du bruissement des feuilles. Il convient également de prêter attention à une composition sculpturale inhabituelle, mais très efficace, qui se dresse au-dessus de la « ruelle » centrale – un monument aux mouettes. Il est peut-être difficile de s’en rendre compte de près, mais une fois que vous vous serez éloigné, vous obtiendrez une image charmante : des dizaines de mouettes en pierre planant silencieusement au-dessus de la baie.

Comment s’y rendre : prendre un train de la gare de Finlande à Solnechnoye ou les bus 400 ou 305.

• Où ? Plage Laskoviy
• Equipement ? Cafés, beach-volley
• Comment s’y rendre ? prendre un train de la gare de Finlande à Solnechnoye ou les bus 400 ou 305.

La plage du lac Koltushi

Vous y trouverez presque tout ce dont vous avez besoin pour passer des vacances confortables à la campagne. La plage dispose de vestiaires, de filets de volley-ball, de grilles de barbecue, de tentes, de bateaux et de catamarans à louer. Sur la côte se trouve un restaurant confortable proposant une cuisine russe et européenne.

• Où ? Lac Koltushi
• Equipement ? la total
• Comment s’y rendre ? depuis la gare ferroviaire de Ladozhskiy – par la navette K-429, K-453, K-531, K-532, K-533.

Carrière de Kurlej

La rivière Oredezh prend sa source dans un petit lac d’eau de source. L’argile cambrienne teinte l’eau d’une délicate couleur azur. Le simple fait de regarder la beauté locale vous coupe le souffle. Il est difficile de venir ici : il n’y a pas de transports publics, on ne peut venir qu’en voiture. Cependant, les rives du lac sont presque désertes et très paisibles grâce à cette circonstance.

Comment s’y rendre : en voiture, prendre un virage à droite de Vyra vers Volosovo et un autre à droite après le pont sur Oredezh.

• Où ? Lieu secret dévoilé ici
• Equipement ? Transats
• Comment s’y rendre ? en voiture, prendre un virage à droite de Vyra vers Volosovo et un autre à droite après le pont sur Oredezh.

Plage des officiers

Petit et romantique. Elle semble conçue non pas pour le bain mais pour la méditation.

• Où ? Офицерский пляж
• Equipement ? Location de bateau
• Comment s’y rendre ? de la gare de Finlande à la station la plus proche, Tarhovka.

Plage de la ville de Kronshtadt

Sur la plage municipale du district de Kronshtadt, des douches, des cabines de change, des parasols et des chaises longues ont été installés, et un point de location de vélos aquatiques a été ouvert. En outre, un accès sécurisé à l’eau a été fourni et le sable a été renouvelé. L’amélioration a été réalisée en seulement deux semaines à l’initiative des habitants de Cronstadt. En juin, ils ont proposé de faire de la plage locale la meilleure plage du périphérique de Saint-Pétersbourg. L’initiative a été soutenue par le chef du district de Kronshtadt, Oleg Dovganyuk. Les habitants et les visiteurs de Kronstadt disposent donc désormais de possibilités supplémentaires pour les activités de plein air, a déclaré l’administration locale.

Et pour ceux qui ne veulent pas voyager loin, nous avons choisi des plages dans la ville, où vous pourrez vous rendre après le travail, si le temps le permet.

• Où ? Kronshtadt
• Equipement ? Beach-volley, transats, cafés, sports nautiques, air de jeux

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Le mercure monte à Saint-Pétersbourg depuis une semaine et vous avez envie de passer chaque journée ensoleillée à l’extérieur pour profiter du court été nordique. Un plaisir particulier est de manger un morceau ou de boire un verre ou deux sur une terrasse de rue. Alexandre de Russie en a regroupé de toutes sortes : cours, espaces publics, toits et rues tranquilles.

Futura

L’une des terrasses les plus gaies du côté de Petrograd. Il fait bon venir au Futura à l’ouverture pour manger un pain au caramel, boire un café ou pour un brunch, qui est servi ici jusqu’à 17h. En parallèle, vous pourrez jouer au ping-pong, acheter des tartines dans une boulangerie locale ou encore des plantes vivantes en pots. Enfin, après 18h00, place aux dîners inventifs : tartare à l’ail des ours et topinambours, bavette aux pleurotes et topinambours au four.

L’année dernière, Futura a lancé son propre bar à côté où vous pouvez boire du vin et manger des collations simples le soir. Des sets de DJ sont également organisés, par beau temps directement dans la rue.

• Où ? наб. р. Карповки, 5, корп. 36
• Combien ? €
• Cuisine ? Mixte

Branch garage

La Branch Garage de l’équipe Gypsies & Jews Family, composée d’Alexander Boltyan, Boris Kiselyuk et Ivan Tkachenko, a été lancée l’année dernière, mais personne n’a eu le temps d’apprécier la magnifique cour de graffitis près du club Griboyedov. Les réparations ne se sont terminées qu’en automne. Mais cette année 2022, l’institution sera évidemment l’un des lieux les plus populaires du district de Ligovsky. La cuisine locale Tex-Mex – c’est-à-dire les hits américano-mexicains tels que les hamburgers, les tacos, les burritos et le chili con carne – conviendront parfaitement à l’atmosphère d’un restaurant brutal, ayant le style d’un atelier de réparation automobile ou d’un simple café dans une station balnéaire pas trop à la mode.

• Où ? ул. Печатника Григорьева, 12
• Combien ? €€
• Cuisine ? Tex-Mex

Camorra & Utopist

Le microscopique terrasse berlinoise dans la cour du puits de l’allée Kovensky, est partagé par la pizzeria Camorra et le bar à vin Utopist. Les établissements cohabitent, donc personne ne verra d’inconvénient à ce que l’une des tables simples accueille en même temps une pizza et une bière de l’équipe AF Brew et vin orange des voisins. À propos, un autre résident notable de la cour est le minuscule Out Cinema, spécialisé dans les classiques du cinéma d’art et d’essai et du cinéma mondial.

• Où ? Ковенский пер., 14
• Combien ? €€
• Cuisine ? Italienne

Mr. Pinky

Ce restaurant semi-secret situé sur Angliyskiy Prospekt a tout pour plaire : un salon de coiffure, un salon avec cheminée et une salle de danse avec un DJ. Il y a également une terrasse d’été décorée de manière spectaculaire avec des figurines de canards, des abat-jour en paille, des crânes et des bouddhas. D’ailleurs, dans le mois qui a suivi l’ouverture, le menu et la liste des cocktails de Mr. Pinky se sont considérablement améliorés.

• Où ? Английский пр-т., 60
• Combien ? €€€
• Cuisine ? Internationale

Dead Poets Rooftop

Le restaurant Dawns/Sunsets, situé sur le toit du centre Bertgold, a récemment changé de nom et de format. C’est maintenant un bar à cocktails avec un intérieur élégant, une terrasse panoramique et une gigantesque liste de cocktails de six pages. Le menu est également impressionnant : outre les en-cas traditionnels comme le carpaccio de bœuf ou une sélection d’antipasti italiens, on trouve des burgers, du risotto et des cuisses de canard confites.

• Où ? Гражданская ул., 13–15
• Combien ? €€
• Cuisine ? Internationale

Nebo i Vino

L’une des meilleures terrasses démocratiques de la ville se trouve sur le toit du manoir Palma, sur la ruelle Pirogov. La vue panoramique sur la cathédrale St Isaac, en sirotant du vin et en mangeant une excellente pizza à la pâte fine et croustillante, est formidable en hiver (dans des serres spéciales), mais en été – en plein air – elle l’est doublement.

• Où ? пер. Пирогова, 18
• Combien? €€
• Cuisine ? Européene

La vue

Le gigantesque complexe de restaurants situé au dernier étage de l’hôtel Saint-Pétersbourg sur le quai Pirogovskaya offre peut-être la meilleure vue panoramique sur la Neva, le Palais d’hiver, le croiseur Aurora et le Sauveur sur le Sang versé. Le menu, comme il est d’usage dans les hôtels, est vaste et polyvalent : il y a une grande section de crudités – des huîtres au tartare et au tataki – et des spécialités pour les entreprises, ainsi que des pâtes, des risottos et des steaks.

• Où ? Khokhlovsky pereulok 7-9c1, Moscou
• Combien? €€€
• Cuisine ? Internationale

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Tsarskoïe Selo est un musée d’État situé dans la ville de Pouchkine au sud de Saint-Pétersbourg. C’est ici qu’ont vécu de nombreux tsars de Russie. L’ensemble du palais et du parc occupe une superficie de plus de 300 hectares et se compose de trois parcs – Aleksandrovsky, Ekaterininsky et Babolovsky, dans lequel se trouvent les palais du même nom et divers pavillons avec dépendances.

Cet article est un guide qui vous présente l’intégralité des choses à voir à Tsarskoïe Selo. La quantité d’information est tellement énorme que nous avons rédigé des articles spécifiques pour les lieux qui ont le plus d’importance.

Estimation du temps de lecture : 47 minutes

Réservez votre excursion avec un guide francophone

Via Alexandre de Russie

Je peux vous reserver une excursion privée à la journée avec un guide francophone pour visiter Tsarskoïe Selon et Pavlosk. Les tarifs sont dégressifs en fonction du nombre de personne. Ils vont de 397€ par personne seule, 374€ pour un couple à 83€ par personne dans un groupe. Le prix inclut les transferts, le guide francophone, les entrées des musées et le repas du midi.

Via Tsar Visit

Si vous souhaitez réserver d’un guide expérimenté francophone avec vos billets, vous pouvez vous rendre sur le site de notre partenaire Tsar Visit et bénéficier de 5% de remise avec le code : ALEXANDRE5

Avec Viator

Ci-dessous, j’ai sélectionné pour vous 3 options sur la plateforme Viator. La première est une journée en mini-groupe à Pouchkine incluant le parc et le palais de Catherine. Il faudra compter 100€ par personne. La seconde est une excursion privé d’une demi-journée tout compris pour 105€ par personne. Enfin, la troisième c’est simplement les billets coupe-file pour 32€ par personne.

Quelques mots sur Tsarskoïe Selo

La construction de la résidence de campagne du tsar a commencé dans la première moitié du XVIIIe siècle. Plus tard, elle fut appelée Tsarskoïe Selo signifiant le village du Tsar. Vous pourrez y trouver un grand nombre de monuments et de sculptures créés par les plus grands architectes, sculpteurs et artistes des XVIIIe et XXe siècles qui ont concrétisé les souhaits les plus irréalistes des tsars.

Depuis trois siècles, Tsarskoïe Selo est la principale résidence d’été des empereurs. Pendant un certain temps, il y avait le lycée Tsarskoselsky, où Pouchkine lui-même a étudié. Après la révolution, l’ensemble du parc et du palais fut transformé en musée, et ses bâtiments furent donnés à des institutions éducatives. À l’occasion du centenaire de la mort de Pouchkine, la ville a été rebaptisée Pouchkine.

Quoi voir à Tsarskoïe Selo ?

Tsarskoïe Selo se compose de 3 grands parcs :

• Aleksandrovskiy
• Ekaterinskiy
• Babolovskiy

Pour faire simple, le parc Aleksandrovskiy contient le palais d’Alexandre Ier construit par sa grand-mère Catherine II. Ce premier complexe, comprenant déjà de très nombreuses choses à voir, jouxte le parc Ekaterinskiy. Dans ces deux parcs, vous trouverez de nombreux pavillons avec des expositions, des étangs, des jardins et des grottes. Enfin, au sud se trouve le parc Babolovskiy qui n’est autre que l’ancienne forêt de chasse.

Quoi qu’il en soit, il est impensable de tout voir en une journée. L’attraction principale, le palais de Catherine, vous prendra au moins 3 heures. Ensuite, nous vous conseillons de prendre le temps de vous promener dans les jardins de Catherine pour voir au moins les somptueux pavillons. Si vous avez le courage, la force et le temps, vous pouvez choisir de visiter une exposition dans l’un des pavillons. Dites-vous qu’avec cette journée déjà extrêmement chargée vous n’aurez même pas fait 50 % du domaine. Par conséquent, nous vous suggérons de réserver une seconde journée pour faire le palais et le parc d’Alexandre.

Parc et palais d’Alexandre

Catherine II décida d’offrir pour le mariage de son petit-fils, le grand-duc Alexandre Pavlovitch (futur empereur Alexandre Ier) un somptueux palais à côté du sien. Il fut achevé dans les dernières années de règne de l’impératrice.

Actuellement, le palais est en rénovation. La réouverture est prévue en 2021.

En plus du palais, vous avez un parc paysager avec sa tour blanche, son arsenal et sa ferme. Toujours dans le parc, derrière le palais de Catherine, vous trouverez le nouveau jardin. Ce somptueux jardin à la française est composé d’étangs, de parterres et de superbes ponts. Petit détour à ne pas rater lors de votre visite.

Nous avons regroupé l’ensemble des informations sur ce parc et palais dans un article dédié ici.

Plan du parc Ekaterinskiy à Tsarskoïe Selo

Cette carte en russe et en anglais est la plus complète disponible en ligne. Autrement, vous pouvez voir le plan interactif du site officiel.

Palais de Catherine à Tsarskoïe selo

Ce palais du XVIIIe siècle de style baroque est le joyau architectural de la dynastie des Romanov. Construit sous Elisabeth Ière, il fut très largement utilisé par Catherine II qui l’aménagea selon ses goûts. Il passa ensuite de main en main jusqu’à Nicolas II, le dernier Tsar de Russie.

Nous vous présentons toutes les salles de cet édifice dans notre article dédié ici.

Les termes de Cameron

Les bains froids

Charles Cameron, architecte écossais, aménagea toute l’aile ouest du palais de Catherine, y compris le Pavillon de Bain Froid. Il a terminé la maquette du pavillon en 1780 et au printemps de la même année, la construction a commencé. Son étage inférieur contenait une salle de bain, une salle de bain chaude et un bain de vapeur russe. L’étage supérieur se composait de six salles richement aménagées pour la détente et les divertissements, qui furent connues sous le nom de « Chambres d’Agate ».

L’étage inférieur est séparé du second par une corniche et est recouvert de blocs massifs de calcaire créant ainsi l’illusion d’une grande ancienneté, d’une « véritable antiquité » de l’édifice. Le deuxième étage, en revanche, est clair et lumineux. La façade principale sud-ouest du Bain froid s’ouvre sur une terrasse soutenue par des voûtes reposant sur des piliers massifs en briques qui sert de base au Jardin suspendu. On y trouvait plusieurs salles :

• La spacieuse salle voûtée, éclairée par une grande fenêtre semi-circulaire, contenait autrefois une baignoire pour se baigner dans l’eau chaude.
• La salle de bain avec ses deux fenêtres semi-circulaires et ses quatre portes, couverte par une double voûte en croisée d’ogives. Devant être richement décorée, Cameron ne conserva qu’une partie de son concept original. Cette salle contenait un bassin de baignade circulaire d’un volume de 13 mètres cubes, entouré d’une balustrade en bois. Pendant la Seconde Guerre mondiale, la salle de bains a servi d’écurie. La piscine a été détruite ; de nombreuses portes ont été démolies et le sol a été complètement rasé. Des travaux de restauration ont été effectués dans la salle en 1949 et 1990.
• Le salon non plus n’a pas reçu la finition décorative que Cameron souhaitait. Ses murs et son plafond en forme de dôme n’ont été que légèrement plâtrés et peints ; des colonnes de marbre naturel blanc ont été ajoutés dans les coins et quatre médaillons en bas-relief de scènes mythologiques ont été placés sur les anses de la voûte.
• Le hall d’entrée, voûté en croix, n’avait pas de décoration artistique à cause de sa fonction de service. Depuis celui-ci, vous pouvez accéder à l’escalier et monter à l’étage supérieur du pavillon.
• Les deux étages du pavillon sont reliés par un escalier en colimaçon conçu par Cameron et situé dans l’angle sud du bâtiment. Les niches des pans de mur de l’escalier contenaient quatre statues de marbre qui ont été enlevées en 1798 sur ordre de l’empereur Paul Ier. Le plafond de la cage d’escalier est en forme de dôme. Voulant réduire les coûts de construction, les marches furent construites en « pierre sauvage » sur demande de l’impératrice Catherine remplaçant le marbre russe prévu dans les plans par Cameron.

Le rez-de-chaussée du pavillon abrite actuellement l’exposition « Les chambres d’agate : La voie du réveil », consacrée à l’histoire et à la restauration des chambres d’agate.

Le traitement architectural des façades du bain froid, et de l’ensemble du complexe, repose sur une décoration contrastée des étages. L’étage inférieur est séparé du second par une corniche. Il est recouvert de blocs massifs de calcaire de Pudost à larges pores qui semblent avoir été érodés par le vent et la pluie, créant ainsi l’illusion d’une grande ancienneté. Le deuxième étage, en revanche, est clair et lumineux : des niches peintes, couleur terre cuite, se détachent sur le jaune clair des murs. Des médaillons en bas-relief moulés en rond, avec des sujets mythologiques, sont placés le long du haut des murs. Le mur nord-est, plus long, est percé de fenêtres semi-circulaires. Les niches entre les fenêtres contiennent des figures sculpturales de personnages mythologiques.

Les chambres d’agate

Cameron a porté une attention particulière aux chambres d’État situées à l’étage supérieur du Bain froid : les intérieurs des chambres Agate sont décorés de marbre, de peinture, de parquets à motifs, de jaspe coloré de l’Oural et de l’Altaï que les artisans russes du XVIIIe siècle ont travaillé avec une maîtrise exceptionnelle.

Des gisements de minéraux semi-précieux ont été découverts dans l’Oural dès le XVIe siècle. Pierre le Grand a montré un grand intérêt pour l’utilisation de ces « pierres de couleur » pour la finition des intérieurs de palais et a jeté les bases d’une industrie de taille de pierre en Russie.

En 1765, sur ordre de Catherine II, une expédition dirigée par Yakov Dannenberg fut envoyée dans l’Oural, où elle découvrit de nouveaux gisements de jaspe, d’agate, de cornaline et d’autres minéraux.

Au printemps 1783, Cameron prépara un plan pour la décoration de l’étage supérieur en jaspe. Conformément à ce projet, douze centimètres de maçonnerie furent détachés des murs de ces petites pièces ; ils furent ensuite recouverts de dalles de calcaire et recouverts de jaspe selon la technique de la « mosaïque russe ». La principale difficulté était le travail de finition – le meulage et le polissage de la pierre colorée de manière à faire ressortir ses couleurs vives et ses riches tons. Les polisseurs devaient donner un éclat de miroir à environ 200 m² de murs, d’architraves et de corniches.

Pendant la Seconde Guerre mondiale et l’occupation nazie, le marbre et le jaspe des murs et des portes des chambres d’agate ont beaucoup souffert. Une partie considérable des ornements en bronze des murs de toutes les salles a été détruite. De nombreuses sculptures en marbre ont disparu sans laisser de traces, tout comme six vases en jaspe, neuf bas-reliefs en bronze provenant des murs du Cabinet d’Agate et des médaillons en bronze provenant des bases des torchères de la Grande Salle. Pourtant, malgré les pertes importantes, le décor du XVIIIe siècle des chambres d’Agate a pour l’essentiel survécu et incarne une tradition unique, sans équivalent dans l’histoire de l’art mondial.

Les chambres d’agate ont été restaurées en 2010 grâce aux dons des Chemins de fer russes et de la Fondation caritative TransSoyouz.

La gallerie Cameron

La galerie que l’impératrice Catherine II est conçue comme un lieu de promenade et de conversations philosophiques. Cette réalisation de Cameron est située sur la pente d’une colline à la limite entre la zone régulière et la zone paysagère du parc de Catherine.

Les murs de l’étage inférieur de la galerie servent de base à la colonnade du dessus, qui se compose de 44 colonnes blanches cannelées avec des chapiteaux ioniques. Charles Cameron a quelque peu augmenté les écarts traditionnels, donnant à la colonnade une légèreté et une grâce particulière. Les grandes fenêtres de la salle vitrée dans la partie centrale de l’étage supérieur la rendent totalement transparente. La juxtaposition de la puissante arcade de l’étage inférieur et de la légère colonnade de l’étage supérieur incarne l’idée philosophique de l’éternel contraste de l’existence.

L’architecte a répété à plusieurs reprises le motif d’un portique à quatre colonnes : aux deux entrées principales, sur les côtés est et ouest. Elles soutiennent les frontons de la colonnade, tandis que sur les côtés nord et sud allongés, elles reviennent comme éléments décoratifs. La frise et la corniche qui entourent la galerie sont d’un style classique : la frise est ornée de couronnes exquises, la corniche de masques de lion.

Pour terminer l’étage inférieur de la galerie, Cameron a utilisé la même pierre que pour le pavillon du bain froid, la rampe et le jardin suspendu. Ce matériau, extrait par le village de Pudost, à 30 kilomètres de Tsarskoïe Selo, avait une couleur et un aspect « vieilli » qui rappelaient la maçonnerie des anciens édifices.

Cameron a embelli ses contreforts avec deux statues colossales, d’Hercule et de Flore, coulées en bronze.

La construction de la galerie commence en 1784 et sera finalement achevée en 1787. Sa partie supérieure reste à ce jour comme elle l’était il y a deux siècles. Seules les salles de l’étage inférieur, utilisées comme logement pour les dames de compagnie et les demoiselles d’honneur, ont été reconstruites et abritent aujourd’hui des expositions temporaires. La colonnade servait en quelque sorte de belvédère, offrant de superbes vues sur le Grand étang et le parc paysager.

Le jardin suspendu

La terrasse de la galerie Cameron, l’aile Zubov où Catherine II avait ses appartements privés, et les chambres d’Agate du pavillon des bains froids sont reliés par le jardin suspendu.

Avant l’aménagement du jardin, les voûtes soutenant la terrasse étaient recouvertes de feuilles de plomb pour les protéger de l’humidité, puis recouvertes d’une couche de terre dans laquelle les plantes pouvaient s’épanouir. Les côtés ouverts du jardin suspendu étaient à l’origine délimités par une balustrade en dolomite provenant de l’île baltique d’Ösel (aujourd’hui Saaremaa en Estonie). Au début du XIXe siècle, elle était délabrée et a été remplacée par une balustrade en bois peinte en blanc.

N’étant situé à l’origine que devant le deuxième étage du pavillon du bain froid en 1787, le jardin suspendu a été agrandi cinq ans plus tard, lors de la conception et de la construction de la rampe en pente douce sur souhait de l’impératrice. Cela nécessita l’érection de six autres piliers et voûtes entre l’aile du palais et la galerie Cameron.

Dans sa première décennie, la rampe, richement décorée de sculptures, était connue comme « l’Escalier des Dieux ». Mais les statues de bronze ne sont pas restées longtemps sur place et ont été retirées en 1799. Elles ont ensuite été remplacées en 1826 par des « autels classiques » en fonte incorporant des bols à fleurs. À la toute fin de celle-ci, jusqu’en 1941, se trouvaient deux colossaux vases en bronze qui ont disparu pendant l’occupation.

La construction de la rampe s’est achevée en avril 1794, supervisée par Ilya Neyelov, l’assistant permanent de Charles Cameron.

Parc régulier de Tsarskoïe Selo

Les sulptures du parc

Depuis plus de deux siècles, la partie régulière du parc de Tsarskoïe selo est ornée de statues et de bustes en marbre créés par les sculpteurs vénitiens du début du XVIIIe siècle – Giovanni Bonazza, Pietro Baratta, Alvise Tagliapietra, Bartolomeo Modolo, Giuseppe Zeminiani, Giovanni Zorzoni et Antonio Tarsia.

Les statues de personnages mythologiques et d’allégories ont été commandées par Pierre le Grand pour glorifier les victoires de la Russie et pour instruire et éduquer ses sujets. Elles ont acquis un rôle purement décoratif dans le jardin de sa fille, l’impératrice Élisabeth. Elles sont visibles depuis les entrées principales, dans le jardin du palais de Catherine ainsi que le long de l’allée principale du vieux jardin.

Sous Catherine II, les statues placées sur la galerie Cameron, le portique des salles Agate, la rampe et dans le jardin suspendu étaient des copies des œuvres antiques les plus remarquables. Parmi les personnages mythologiques, les généraux, poètes, philosophes et empereurs romains de l’Antiquité, Catherine a placé deux portraits de ses propres contemporains, leur accordant ainsi un honneur particulier.

Il convient de mentionner les pertes de la Seconde Guerre mondiale : des statues colossales en bronze de Niobé et de sa fille, une Ariane endormie du Jardin des Fleurs, un buste de l’empereur Titus ainsi qu’une statue de Catherine II en forme de Cérès.

Le bania supérieur

Le pavillon des bains supérieurs a été conçu dans un style classique. Bien que les façades du pavillon soient presque dépourvues d’embellissements décoratifs, il crée une impression de prolongement grâce à sa projection sur l’étang. Il est couronné d’un parapet à balustrade.

Le pavillon du bain supérieur est particulièrement attrayant lorsqu’on le regarde depuis l’allée centrale du vieux jardin (le parc régulier). La façade du pavillon est fortement mise en valeur par le contraste du feuillage à l’arrière.

Jusqu’au milieu du XIXe siècle, les bains supérieurs ont conservé leur fonction d’origine. Ils comprennent six pièces : un hall d’entrée, un vestiaire, un bain, un bain de vapeur, une chaufferie et une salle centrale octogonale pour la détente. Le plafond et les murs de la salle centrale ont été peints à partir de gravures. Les bains supérieurs ont été détruits pendant la guerre puis restaurés en 1952. La peinture du plafond et les deux compositions de la porte d’entrée de la salle principale représentent comme auparavant des scènes de l’ancien mythe de Phaethon, le fils du dieu Soleil. Il est actuellement utilisé pour des expositions temporaires.

Le bania inférieur

Ce pavillon, situé à l’écart des allées du parc et destiné à l’usage des membres de la cour, a été construit sur les plans de l’architecte Ilya Neyelov en 1778. Sa façade est à moitié cachée des promeneurs dans le jardin par des arbres et des arbustes.

Le pavillon comprend dix pièces regroupées autour d’un hall central avec une grande baignoire ronde. L’eau était chauffée dans deux chaufferies à entrées séparées et acheminée par des tuyaux vers le hammam et les salles de bains.

La disposition du pavillon est inhabituelle. Il a deux façades identiques opposées : l’une tournée vers le palais et l’autre non. Les murs de la salle centrale sont beaucoup plus hauts que ceux des salles latérales et forment un tambour vitré soutenant le dôme qui couronne le bâtiment. Le tambour et les murs de la façade comportent tous deux des fenêtres rondes placées en hauteur.

Le décor intérieur n’a pas survécu mais nous savons que d’après les documents d’archives, certaines des chambres étaient ornées de peintures décoratives sur les murs et le plafond. Les salles de détente et les vestiaires étaient chauffés par des cheminées en marbre et le bain circulaire était entouré d’une balustrade. Les façades du pavillon ont peu souffert pendant la Seconde Guerre mondiale et ont été restaurées en 1944. En juillet 2011, pour la première fois depuis 1917, après un long travail de restauration, les intérieurs du pavillon des bains inférieurs ont finalement ouvert au public avec l’exposition « Bain de la cour au 21e siècle ».

L’Hermitage

Des pavillons comme celui-ci étaient destinés à permettre au propriétaire du domaine de se reposer et de dîner en compagnie de quelques privilégiés. Afin d’éviter la présence inhibitrice des domestiques, ces pavillons étaient situés dans la zone « sauvage » du parc et étaient généralement équipés de mécanismes permettant de lever et d’abaisser les tables.

Le pavillon de l’Hermitage dans le parc de Catherine à Tsarskoïe Selo a été conçu par Mikhail Zemtsov. La pose des fondations a commencé au printemps 1744 et s’est achevée à l’automne de la même année. Cependant, en 1749 les façades du pavillon ont été reconstruites selon un nouveau projet conçu par Rastrelli. Deux ans plus tard, conformément à son concept, sont installés 68 chapiteaux sur les colonnes de l’Hermitage et 28 autres sur les pilastres.

L’architecte inclut également la sculpture dans la décoration extérieure du pavillon : huit statues se dressent sur les piédestaux de la balustrade tandis que quatre autres couronnent les toits des cabinets. Le dôme central était surmonté d’un groupe sculptural représentant le viol de Proserpine. Le bâtiment était en outre orné de seize statues placées sur des piédestaux ornés de rocailles et étaient toutes différentes. Les statues de la Gloire sur les grands frontons supportaient une magnifique cartouche contenant le monogramme de l’impératrice.

En 1753, les stucs sont recouverts de dorures et les façades sont peintes : les colonnes et architraves blanches, les moulures et sculptures dorées sont mises en valeur par la couleur bleu-vert des murs. Le toit, vert à l’origine, fut peint en blanc en 1755 et les statues et guirlandes qui l’ornaient brillaient d’or. La décoration des façades de l’Hermitage a été achevée en même temps que la décoration intérieure, en 1748.

Placé sur une terrasse pavée de dalles de marbre noir et blanc, le pavillon était entouré d’un fossé avec deux petits ponts. Le fossé était bordé par une balustrade qui était également décorée de statues et de vases. Selon les mots de Christian Hirschfeld, expert en théorie de la conception des parcs, « la mystérieuse obscurité d’un endroit, la profonde solitude et le silence solennel, les magnifiques caractéristiques de la nature ne manqueront pas d’investir l’esprit d’un certain sentiment et de l’obliger à une sérieuse réflexion ». Le fossé n’a cependant jamais été rempli d’eau, et fut comblé en 1777 sur ordre de Catherine II, alors nouvelle maîtresse de la résidence.

Le pavillon de l’Ermitage de Tsarskoïe selo n’a pas été changé depuis le milieu du XVIIIe siècle. Sa décoration intérieure nous est parvenue pratiquement intacte. Le hall central rectangulaire est relié par quatre galeries qui mènent en diagonale de celui-ci à quatre « cabinets ». Grâce aux larges fenêtres qui servaient également de portes d’accès aux balcons, la pièce est baignée de lumière.

Entre les fenêtres, Rastrelli a placé des miroirs dans des cadres sculptés et dorés qui se confondent avec le pourtour des dessus-de-porte peints. Le hall contient des tables à manger avec des treuils, comme à l’origine. Le sujet de la peinture du plafond de Giuseppe Valeriani illustre bien la fonction de la salle : Jupiter et Junon invitent les célestes à une table dressée et servie avec une vaisselle luxueuse. Valeriani s’est également inspiré de la mythologie et a repris les sujets des Métamorphoses d’Ovide pour peindre les panneaux au-dessus des miroirs de la salle centrale. Les peintures des plafonds des galeries ont été peintes par Antonio Peresinotti. Leurs sujets faisaient écho aux bas-reliefs des façades de l’Ermitage et représentaient des cupidons aux attributs allégoriques des saisons.

Les cuisines de l’Hermitage

La cuisine de l’Ermitage a été construite selon les plans de Vassily Neyelov. Au XVIIIe siècle, cette structure avait deux fonctions, servant non seulement de cuisine, mais aussi de porte d’entrée au parc de Catherine. C’est pourquoi le pavillon est assez souvent appelé « Porte rouge ».

Le bâtiment rectangulaire culmine dans une tour ronde à deux étages. Dans la conception des façades, Neyelov a utilisé le motif des niches semi-circulaires dans lesquelles il a placé des vases décoratifs. Le bâtiment tire son caractère « gothique » du parapet crénelé, des merlons rectangulaires et triangulaires qui couronnent les étages inférieur et supérieur de la tour, ainsi que des pyramides surmontées de boules placées sur les angles. À l’imitation des édifices gothiques d’Angleterre, les murs de la cuisine de l’Ermitage ont été laissés sans enduit, tandis que les joints entre les briques, les détails moulés, les niches et les panneaux des façades ont été blanchis à la chaux.

Aujourd’hui restauré, le pavillon abrite la billetterie du parc de Catherine ainsi que le restaurant et le café de l’Hermitage.

La grotte

Le projet de construction du pavillon de la grotte sur la rive du Grand Étang a été élaboré par l’architecte Rastrelli. La plupart des travaux de construction ont été réalisés en 1755 sous l’impératrice Elisabeth, mais ils ont été achevés dans les années 1760 sous Catherine II.

Tant le plan au sol que le traitement des volumes sont typiques de l’architecture baroque, les façades, également. Elles sont décorées de colonnes minutieusement groupées supportant des frontons brisés. Au-dessus de la partie centrale du pavillon s’élève une coupole avec quatre fenêtres lucarnes. De nombreux détails soulignent le lien du pavillon avec l’élément aquatique mais le projet de Rastrelli de décorer l’intérieur de la Grotte avec des coquillages et du tuf n’a pas été réalisé.

En 1771, un nouveau projet de décoration intérieure du pavillon est élaboré par l’architecte Antonio Rinaldi, il a survécu jusqu’à nos jours. À cette époque, conformément aux souhaits de Catherine II, des sculptures anciennes et des vases en pierre de couleur y ont été installés, ainsi que la statue de Voltaire par Houdon qui est aujourd’hui exposée au Musée national de l’Ermitage. Le débarcadère devant la Grotte a été reconstruit en 1830 et 1872. Pendant la Seconde Guerre mondiale, il a presque entièrement été détruit avant d’être reconstruit en granit en 1971 selon un nouveau design. Ce pavillon avait été glorifié par le poète russe G. Derjavin au XVIIIe siècle. Il est actuellement utilisé comme lieu d’exposition temporaire.

Parc paysager de Tsarskoïe Selo

L’amirauté

Cet ensemble de trois pavillons, longtemps connu sous le nom d’Amirauté, a été érigé sur les plans de l’architecte Vassily Neyelov au bord du Grand étang dans le parc de Catherine à la place d’un hangar à bateaux en bois qui lui a donné son nom. L’ensemble a été construit au cours de l’été 1773 et les pièces intérieures ont été décorées en 1774. Un orchestre y jouait pendant les promenades en bateau de Catherine II sur le lac.

Les tours du bloc central contiennent des escaliers menant à un grand hall lumineux au deuxième étage. Les murs sont ornés de gravures anglaises. Le pavillon central est relié à deux blocs par une balustrade, ils sont appelés « Maison des oiseaux » ou « Aviaries ». Diverses espèces d’oiseaux aquatiques (canards et cygnes) y étaient autrefois élevées, ainsi que des faisans et des paons. Au XVIIIe siècle, il y avait de petits jardins et deux étangs ronds. Le complexe architectural de l’Amirauté comprenait également la Maison des Marins, située à droite de l’une des Maisons des oiseaux. C’était le lieu d’habitation des rameurs qui, au XVIIIe siècle, faisaient des excursions en bateau et transportaient les gens sur l’île dans le grand étang.

Au XIXe siècle, il contenait une collection de bateaux à rames de différents pays du monde, dont les barges de Catherine II et le kayik turc de Nicolas Ier, qui a péri pendant la Seconde Guerre mondiale. Actuellement, le bloc central du complexe de l’Amirauté est utilisé pour des expositions temporaires, tandis que le centre d’information des visiteurs du musée et des restaurants sont ouverts dans les Maisons des oiseaux.

Le pavillon de l’île

Le pavillon de l’île est, comme son nom l’indique, situé sur une île du Grand étang. Il a été construit dans les années 1740, à l’époque d’Elizabeth et décoré d’après des dessins de Rastrelli. En 1794, il a été reconstruit par Giacomo Quarenghi, mais quelques décennies plus tard, en 1817, d’autres travaux ont été effectués dans la salle par Vassily Stasov. Au XVIIIe et au début du XIXe siècle, ce pavillon, destiné à être une salle de concert et un lieu de repos pour les plaisanciers, était également utilisé occasionnellement pour les déjeuners de la cour. La petite cuisine construite à côté a été supprimée au début du XXe siècle. En 1911, à l’occasion de l’exposition du 200e anniversaire organisée à Tsarskoïe Selo, un restaurant a été ouvert dans le hall et l’île a été reliée à la rive par un ponton.

En 1996, la traversée historique en ferry, reliant l’île au parc de Tsarskoïe selo, a été rétablie. Le pavillon de l’île a été restauré en 2008 et il est maintenant utilisé pour des expositions temporaires et des concerts de musique classique.

Colonne de Chesme

La colonne de Chesme a été érigée en 1774 dans le parc paysager par Antonio Rinaldi pour célébrer la victoire à la bataille de Chesme. En effet, le 26 juin, les Russes sous le commandement du contre-amiral Samuel Greig ont mis le feu à toute la flotte turque. Elle célèbre aussi les deux victoires de Chios et Mytilène en juin et novembre 1770 lors desquelles les forces navales russe ont coulés de nombreux navires turques et pris l’île de Mytilène.

La colonne dorique taillée dans trois morceaux de marbre blanc et rose d’Olonets est décorée de rostra (proues de navires) et couronnée par un aigle piétinant un croissant de lune. Des bas-reliefs en bronze représentant les batailles maritimes se trouvent à son pied, tandis qu’une plaque de marbre fixée au côté sud du piédestal raconte l’histoire des victoires. Le monument se dresse directement hors de l’eau. Cette colonne de Chesme a été glorifiée par Alexandre Pouchkine dans ses Souvenirs à Tsarskoïe Selo. Elle a été considérablement endommagée pendant la Seconde Guerre mondiale, les bas-reliefs en bronze d’origine ont été perdus. Ils seront recréés en 1994-96, puis installés en juin 1996, à l’occasion du 300e anniversaire de la marine russe.

Le pont de marbre

Près du Grand étang, se trouve le pont de marbre, également connu sous le nom de galerie de marbre de Sibérie. Le pont enjambe l’étroit cours d’eau qui relie le Grand étang à plusieurs autres creusés. Il y avait ici un archipel de sept îlots artificiels sur lesquels des cygnes vivaient dans de petites maisons qui ont été peintes d’après des dessins de Rinaldi. Ces îles et ces étangs portent encore aujourd’hui le nom de « Cygne ».

Au début des années 1770 on procéda à la taille des colonnes, des chapiteaux, des piédestaux, des balustres et d’autres éléments en marbre blanc et bleu-gris. Les panneaux destinés à faire face aux culées du pont ont été réalisés en granit gris-rose. Les fondations du pont de marbre ont été posées en 1773 puis il a été assemblé sur place en 1774. Le pont de marbre se présente sous la forme d’une colonnade posée sur une base de granit à laquelle on accède par des volées de marches à chaque extrémité. La partie supérieure est constituée de deux pavillons à base carrée qui sont reliés par une colonnade. Les espaces entre leurs piédestaux sont remplis de balustrades. Du pont, on a une vue splendide sur les bains turcs, la pyramide et la cascade rouge.

Les bains turques

Le pavillon « Bain turc » a été érigé sur un petit promontoire dans la partie sud-ouest du Grand Bassin entre 1850 et 1852, c’est ainsi la dernière structure à avoir été construite dans le parc.

Ce pavillon, conçu comme une sorte de mémorial à la guerre russo-turque de 1828, a été dessiné par l’architecte Ippolito Monighetti, qui a pris comme modèle une mosquée turque. Le dôme de l’édifice était décoré d’ornements en relief, tandis que le haut minaret était couronné d’une flèche et d’un croissant.

Ses salles intérieures ont été achevées dans le style « Moresque ». Dans sa décoration, du marbre blanc provenant des bains d’une sultane turque ramenée pendant la guerre de Roumanie a été utilisé pour les détails en relief. La partie inférieure des murs du vestiaire est recouverte d’une mosaïque colorée, tandis que la partie supérieure est décorée de moulures et de peintures ornementales. Un arc en plein cintre reliait la salle de lavage à la salle centrale en forme de coupole particulièrement somptueuse. Son principal ornement était un bassin en marbre blanc avec une fontaine peinte et dorée. La salle contenait des panneaux de marbre sculptés de versets qui avaient été apportés de Turquie.

Pendant la Seconde Guerre mondiale, les bains turcs ont été endommagés par des tirs d’obus. Les façades du bâtiment ont été reconstruites en 1953. Une restauration plus approfondie, a été faite en 2006 avec le soutien financier du budget fédéral. Le pavillon rénové offre des décors inoubliables et un mobilier composé d’objets de la collection du musée.

La pyramide

La pyramide est l’un des premiers pavillons du parc de Tsarskoïe Selo. Il a été construit en 1770 sur les plans de Vassily Neyelov puis démantelée dès 1774 et enfin reconstruite en 1782 par Charles Cameron. Sa surface est verte et recouverte de mousse ce qui lui donne l’aspect d’un ancien mausolée. La Pyramide a été délibérément placée à l’écart du chemin principal, afin que les promeneurs bercés par le calme du parc ombragé puissent l’apercevoir à l’improviste.

La Pyramide est faite de briques et recouverte de granit taillé. Un côté est percé par l’entrée. Quatre colonnes taillées dans le marbre gris de l’Oural se dressaient autrefois sur des piédestaux aux angles. La salle à l’intérieur du pavillon est couverte par une voûte hémisphérique avec une ouverture au centre.

Derrière la Pyramide, en face de l’entrée, trois des chiens préférés de Catherine II ont été enterrés : Tom Anderson, Zemira et Duchesse. Les tombes étaient autrefois marquées par des pierres de marbre blanc avec des épitaphes gravées, mais celles-ci n’ont pas survécu.

La cascade rouge

Les étangs supérieurs, qui ont été creusés dans la zone paysagère du parc de Catherine au début des années 1770, étaient reliés au grand étang, mais l’eau qui coulait librement sur la pente de la colline en direction du lac a commencé à creuser un profond ravin et, afin d’empêcher les nouveaux étangs de s’assécher, il a été décidé de créer un système de déversoirs sur le cours d’eau.

L’un des deux déversoirs est la Cascade rouge qui prend la forme d’un petit barrage flanqué de deux tours « de style gothique » effilées. Les murs en briques rouges des petites tours étaient agrémentés de niches en forme de lancette avec des architraves blanches qui se détachent nettement sur la brique environnante. Les étroites « flèches » à l’intérieur des niches et les parapets crénelés donnent à la cascade l’apparence d’une sorte de structure fortifiée.

Les portes d’entrée de Tsarskoïe Selo

La porte gothique

Non loin du complexe de l’Amirauté, le sol commence à s’élever jusqu’à la colline artificielle près de la ruine de la tour. C’est là que se trouve la Porte gothique qui a été coulée à Ekaterinbourg en 1777 sur le dessin de Yury Velten et d’inspiration anglaise.

Les travaux d’installation de la porte ont commencé en 1779 et l’année d’après, vingt-cinq tonnes de fonte ont été livrées à Tsarskoïe Selo. Au cours de l’été de cette année-là, la porte fut assemblée et mise en place.

Les piédestaux hexagonaux des portes sont ornés de panneaux d’ornement gothique. De grands piliers sont reliés par un arc « gothique » et des figures sculpturales en fonte placées entre les piliers complètent la décoration de la porte. C’est un exemple remarquable de fonte d’icônes russes du XVIIIe siècle.

La porte Orlov

La porte d’Orlov ou Gatchina a été érigée entre 1777 et 1782 à la limite du parc de Tsarskoïe Selo, au début de la route de Gatchina, l’ancien domaine du comte Grigory Orlov, commandant en chef de l’artillerie russe. Catherine II a honoré de son vivant l’un de ses favoris avec ce monument pour célébrer son succès dans la direction de la lutte contre une épidémie de peste qui a frappé Moscou en 1771.

Le côté de la porte qui fait face à Gatchina porte une inscription tirée de l’allocution du poète Vassili Maïkov au général : « Moscou a été délivrée du malheur par Orlov. » Une autre inscription du côté du parc donne un compte-rendu plus complet de cet événement. Œuvre d’Antonio Rinaldi cette porte se présente sous la forme d’un arc de triomphe à une seule travée. Rinaldi a utilisé des éléments empruntés à l’architecture romaine antique : des colonnes et des pilastres sur piédestal placés sur les côtés de l’arc élevé. Le marbre rose de Tivdia des colonnes et des panneaux est bien mis en valeur par le marbre gris qui a été utilisé pour faire face à la partie principale de l’édifice.

En 1781, il a été décidé d’ajouter des portails fonctionnels à l’arche, mais il a fallu attendre encore six ans avant que des feuilles de fer forgé soient produites à l’usine d’armes de Sestroretsk.

En 1789, le prince Gregory Potemkin passa par cette porte, apportant des nouvelles de la victoire sur les troupes turques en Moldavie.

La tour en ruine

Parmi l’ensemble des édifices consacrés aux guerres russo-turques à Tsarskoïe Selo, une place importante est occupée par la monumentale et efficace Ruine de la Tour dans le Parc Catherine.

Construite en 1771 sur les plans de l’architecte Yury Velten, sa création est une sorte de symbole de l’effondrement de l’Empire ottoman et en même temps la première structure néo-gothique dans un parc russe. De l’extérieur, la tour ressemble à une colonne dorique qui s’est enfoncée dans le sol. Elle est surmontée d’une grande plate-forme carrée supportant un pavillon rond dont les murs sont percés d’arcs en lancette.

Les murs de brique qui jouxtent la tour sont en partie cachés dans la colline artificielle. Le mur qui fait face au parc est perforé par un arc en plein cintre. La clé de voûte gigantesque de cet arc porte l’inscription : « Cette pierre a été placée en 1768 en mémoire de la guerre déclarée à la Russie par les Turcs. » L’arc sert d’entrée à un étroit corridor sur le côté droit duquel commence une rampe en spirale qui donne accès à la plate-forme supérieure. De là-haut, à une hauteur de 21 mètres, on a une vue splendide sur le parc paysager.

La surface du plâtre a été vieillie artificiellement avec des fissures imitant l’usure naturelle. De ce fait, la tour ressemblait aux ruines d’un ouvrage de fortification, dont l’intérêt était particulièrement fort dans la seconde moitié du XVIIIe siècle : les architectes de l’époque appréciaient la beauté des ruines pittoresques de la Grèce et de Rome et leur aspect mélancolique.

Les chênes qui ont été plantés dans les années 1780 entre la ruine de la tour et la porte d’Orlov ont presque tous été abattus pendant la Seconde Guerre mondiale. Aujourd’hui, les pentes de la colline sont cachées par le feuillage brillant des jeunes arbres. La ruine de la tour est presque immédiatement devenue l’une des curiosités les plus populaires des parcs de Tsarskoïe Selo et elle a été représentée par des artistes à de nombreuses reprises.

La terrace de granite

Pendant trois décennies au XVIIIe siècle, le site actuel de la Terrasse de Granite a été occupé par des tobogans avec des pentes qui pouvaient être glissées en hiver et en été. Le pavillon central de cette « installation » de divertissement a été construit d’après les plans de Bartolomeo Francesco Rastrelli.

Entre 1792 et 1795, les toboggans ont été démantelés et l’architecte Charles Cameron a entrepris la construction d’une grande galerie de 32 colonnes en pierre de Pudost à sa place mais elle fut également démolie. Au début des années 1800, il a été décidé d’utiliser la grande plate-forme laissée sur le site de la colline pour la construction d’une grande terrasse en granit. Celle-ci a été conçue en 1809 par l’architecte Luigi Rusca.

La terrasse en granit est orientée vers le Grand étang et des escaliers descendent de chaque côté. Les murs sont décorés de puissantes colonnes doriques sans base qui soutiennent les piliers de la balustrade en granit gris qui font un contraste avec les chapiteaux roses. Les murs, également en granit rose, sont brisés par des niches peu profondes encadrées par des architraves de blocs de pierre grise.

Rusca avait l’intention de décorer la terrasse avec deux statues de marbre, mais son idée n’a pas été mise en œuvre. Au lieu de cela, dans les années 1850, des copies galvanoplastiques de sculptures anciennes ont été installées sur les piliers de la balustrade. Les sculptures ont survécu et s’y trouvent encore aujourd’hui. En 1801, en même temps que la construction de la terrasse, Rusca a créé la Grande scène de débarquement en granit sur le Grand étang : une plate-forme d’une architecture simple avec des marches, quatre bornes rondes en granit et des balustrades. Dans les années 1850, le débarcadère a également été décoré avec des statues en galvanoplastique. Le lutteur Borghese et le lanceur de disque est toujours visible aujourd’hui.

La jeune fille au pichet

La fontaine de Tsarskoïe Selo connue sous le nom de la jeune fille au pichet, occupe une place particulière parmi les sculptures du parc de l’ancienne résidence impériale : c’est la seule sculpture qui a été créée spécialement pour le parc de Catherine.

En 1808, sur les instructions de l’empereur Alexandre Ier, le jardinier John Bush et l’architecte Luigi Rusca ont supervisé les travaux d’amélioration de l’ancienne colline de la côte. La pente entre la terrasse de granit et le grand étang fut transformée en une série de chemins verts. Les eaux d’une source locale avaient été détournées pour en faire une fontaine.

La statue a été créée par l’éminent sculpteur Pavel Sokolov sur le thème de la fable de La Fontaine « La Servante » et coulée en bronze dans l’atelier de l’Académie impériale des arts. Un jet d’eau de source s’écoule de la cruche brisée qui repose à ses pieds pour se recueillir dans le bassin attenant. À l’origine, ce bassin se présentait sous la forme d’une grotte dans laquelle on entrait par des marches en pierre de Pudost. La grotte n’a existé que jusqu’au milieu du XIXe siècle.

Alexandre Pouchkine a glorifié la fontaine dans son poème La statue du Tsarskoïe Selo.

Au début de la guerre, avant que les unités allemandes n’atteignent la ville de Pouchkine, la statue fut enterrée. C’est pour cette raison que la statue n’a pas été endommagée. Aujourd’hui, l’original en bronze de « La jeune fille au pichet » est conservé dans les réserves du musée. Une copie, coulée en 1990, a été installée dans le parc.

La salle de concert

Dans les années 1780, l’architecte Giacomo Quarenghi a construit dans le parc de Tsarskoïe Selo une salle de concert qu’il a décrite comme « une salle de musique avec deux cabinets et un temple en plein air dédié à la déesse Cérès ». À l’origine appelé « temple de l’amitié », Catherine II demanda qu’il soit appelé « salle de musique ou de concert » à partir de 1788.

La façade donnant sur l’étang est ornée d’un portique à quatre colonnes. De l’autre côté, la façade est traitée comme une rotonde à dix colonnes recouvertes d’un dôme bas. Les murs de la rotonde sont décorés de cinq bas-reliefs sur des sujets mythologiques créés par le sculpteur Mikhail Kozlovsky. Le relief central représente l’histoire d’Orphée ; les autres présentent des figures féminines allégoriques avec des attributs des arts et des instruments de musique.

La construction du pavillon a duré sept ans. Contrairement au traitement simple de l’extérieur, les pièces intérieures sont décorées de manière riche et variée. Elles ont été finies conformément aux canons du classicisme strict. Les murs de la grande salle sont revêtus de marbre artificiel décorés de pilastres corinthiens, de médaillons sculptés et de panneaux peints. La peinture décorative du plafond utilise des panneaux rectangulaires avec des représentations mythologiques. Le sol en mosaïque noir et blanche représentant un épisode du mythe de l’enlèvement d’Europe par Zeus date de la fin du deuxième siècle et fut apporté de Rome en 1784. Dans ses coins, se trouvent des images de monstres marins avec des queues de poisson. La composition est encadrée par une frise de fleurs de lotus stylisées.

Conformément à la conception de l’architecte, vingt-huit bustes en marbre, avaient été placés sur des piédestaux dans la grande salle. Ils ont été perdus pendant la guerre. Le décor des cabinets de la salle de concert reprend également des motifs anciens : l’un d’eux contient des allégories de l’architecture, de la peinture, de la sculpture et de la science ; l’autre des scènes d’offrandes. Les sols des deux salles sont en plaques de marbre avec des incrustations de mosaïque romaine datant du tournant du premier siècle après J.-C.

La cuisine en ruine

La ruine de la cuisine, située à côté de la salle de concert dans le parc de Catherine, a été créée par Giacomo Quarenghi dans les années 1780 et compte parmi les plus belles œuvres de l’architecte. Son entrée prend la forme d’une niche avec une porte placée à l’arrière. Les zones courbes de la façade entre les projections sont ornées de colonnes.

Lors de la création de la ruine de la cuisine, Quarenghi a réutilisé des fragments d’anciens édifices authentiques qu’il avait à sa disposition. Dans la partie supérieure des murs et dans les espaces entre les colonnes, il a placé six bas-reliefs qui ont été délibérément endommagés pour leur donner une apparence ancienne. De véritables sculptures anciennes ont été placées dans les niches. Les bâtisseurs ont imité un édifice en ruine de l’Antiquité avec une habileté exceptionnelle : par endroits, des briques délabrées ont été mises à nu ; la corniche et le plâtre des murs sont couverts de fissures. Selon les mots d’Igor Grabar, Quarenghi a construit « une ruine d’une authenticité si charmante et si convaincante qu’il est difficile de croire à sa fausseté ».

Le hall de soirée

Près du jardin privé dans le parc de Tsarskoïe Selo se trouve le hall de soirée. Ce pavillon dont la construction a commencé en 1796 sur un projet de Piotr Neyelov, n’a été achevé qu’une décennie et demie plus tard. Il se compose d’un hall rectangulaire et de deux petits cabinets. Rusca a embelli la partie centrale de la façade principale avec un portique à quatre colonnes ioniques, tout en plaçant des cariatides sur des piédestaux bas de chaque côté des fenêtres. À la suite de ces modifications, le pavillon a perdu l’aspect original prévu par Neyelov, qui avait proposé de décorer les façades « de palmes avec des troncs faits de rondins recouverts de tôle et de couronnes ». Rusca a repris les caractéristiques du classicisme tardif avec de grandes surfaces de mur lisse animées par la sculpture.

Les murs intérieurs de la grande salle ont été recouverts de marbre artificiel qui a péri pendant la Seconde Guerre mondiale. L’artiste décoratif Fiodor Shcherbakov a orné la partie supérieure des murs d’une frise peinte représentant des cerfs et des cupidons dans des chars à l’intérieur d’un parc. La peinture polychrome du plafond, partiellement conservée, a été restaurée après la guerre.

Le pavillon d’été chinois

Ce pavillon plutôt exotique connu sous le nom de « Maison d’été chinoise » est situé sur la rive d’un étang à la limite entre le parc de Tsarskoïe Selo et le nouveau jardin du parc d’Alexandre. Sur son toit est fixée une girouette en forme de bannière chinoise qui grince bruyamment lorsqu’elle tourne avec le vent. Il a été conçu par l’architecte Yury Velten de 1778 à 1786. Placé sur une étroite bande de terrain entre deux étangs, le pavillon a une forme allongée. Sa salle centrale ovale en forme de coupole est attenante à deux salles presque carrées de plus petite taille. Il possède deux entrées sur les côtés.

Le traitement du volume central est particulièrement élaboré : il est couvert d’un toit « chinois » et d’une tourelle sur piliers métalliques surmontée d’une girouette. Au-dessus des pièces latérales on trouve des terrasses ouvertes dont les toits sont soutenus par quatre piliers également coiffés de girouettes. Le toit est décoré de figures de dragons tordus, peints et dorés de couleurs vives. La peinture des murs extérieurs du pavillon imite le marbre coloré. Au début du XXe siècle, la « Maison d’été grinçante » avait perdu sa peinture et un grand nombre de ses détails décoratifs. La restauration effectuée en 1954 a redonné aux façades leur aspect fantaisiste et coloré d’antan. À l’heure actuelle, le pavillon est de nouveau lumineux et coloré après les récents travaux de restauration.

L’obelisque de Kagul

L’obélisque de Kagul ou Rumiantsev se trouve dans le parc de Tsarskoïe Selo, près de la façade sud de l’aile Zubov du palais de Catherine. Il a été érigé en 1771 pour marquer la victoire russe sur les Turcs, comme en témoigne l’inscription sur le piédestal : « En mémoire de la victoire remportée sur la rivière Kagul en Moldavie le 21 juillet 1770.

La décoration de l’obélisque de Kagul ne comporte aucun attribut militaire. La beauté de ses lignes, les proportions raffinées et le marbre russe gris foncé et rouge savamment sélectionné lui confèrent une apparence impressionnante et austère.

L’obélisque est mentionné dans le roman La fille d’un capitaine d’Alexandre Pouchkine.

Les expositions de Tsarskoïe Selo ?

Le village de Pouchkine où se trouve Tsarskoïe Selo est localisé à 25 km au sud de Saint-Pétersbourg. Des trains de banlieue et des taxis à itinéraire fixe circulent entre les points, il ne sera donc pas difficile de s’y rendre par vous-même.

Les Romanov

Installée dans une rangée de six chambres adjacentes à la suite des salles de cérémonie, l’exposition Les Romanov à Tsarskoïe Selo présente chronologiquement les documents concernant les propriétaires couronnés de la résidence : de l’impératrice Elizabeth Petrovna au dernier des Romanov. Leurs caractères personnels, leurs goûts et leurs intérêts, reflétés dans des portraits formels, du mobilier, des bronzes, de la porcelaine et d’autres objets des collections du musée, racontent l’histoire de leur vie de plus de 150 ans dans la résidence.

Écuries de la Cour à Tsarskoïe Selo

L’exposition se trouve dans un bâtiment historique des anciennes « Écuries de service », construites en 1824 selon le projet des architectes Stasov et Shustov. Conformément à sa vocation, le bâtiment a un plan en forme de fer-à-cheval.

L’exposition présente une collection de 25 voitures impériales d’artisans russes et ouest-européens des XVIIIe et XIXe siècles. La plupart d’entre eux sont des carrosses qui étaient utilisés lors des cérémonies officielles à la Cour russe. L’exposition présente également des voitures de plaisance, des voitures de ville, des voitures d’enfants et des traîneaux.

Toutes les pièces exposées permettent de retracer l’histoire de la fabrication des carrosses depuis deux siècles.

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Le palais Menchikov à Saint-Pétersbourg est situé sur le quai Universitetskaya de la Neva. Situé juste en face de l’Amirauté, il est l’un des bâtiments les plus représentatifs du XVIIIe siècle. Son style reflète l’ambiance et l’esprit avec lesquels Pierre Ier a projeté de construire une ville majestueuse sur la Neva.

Temps de lecture estimé : 9 minutes

Histoire du palais Menchikov

Sous Pierre Ier

L’empereur Pierre Ier, qui lui-même n’appréciait pas particulièrement le luxe et le confort offrit à son ami, le premier gouverneur de Saint-Pétersbourg, Alexander Danilovich Menshikov, une résidence sur l’île Vassilievski. Ici de 1710 à 1714, les architectes étrangers Giovanni Fontana et Gottfried Schedel réalisèrent un somptueux palais. En 1714, la plupart des travaux de construction sont terminés, mais la décoration intérieure se poursuit jusqu’en 1727.

A l’époque, le manoir du Prince s’étendait sur toute l’île Vassilievski de Bolshaya à Malaya Neva. Sur son territoire il y avait des bains, une brasserie d’hydromel, une boulangerie et une forge. Le tsar Pierre Ier appela ce palais la Maison des ambassadeurs et y passa presque toutes les fêtes et dîners solennels.

La particularité de ce bâtiment est qu’il était utilisé à la fois comme bureau, et comme logement. En 1721, le palais Menchikov devint le haut-lieux de la vie culturelle. On y présentait de précieuses collections de peintures, de sculptures et de livres. Lors de ces magnifiques réceptions et villégiatures la décoration intérieure était toujours somptueuse. En face de l’entrée principale côté Neva, il y avait une jetée où de petits navires s’amarraient.

La chute de Menchikov

En 1727, le gouverneur Menchikov fut démis de ses fonctions pour haute trahison et détournement de fonds puis exilé à Berezov, en Sibérie. Peu de temps après le palais brûla. Le célèbre parc contenant serre, parterres de fleurs, fontaines et statues fut abandonné. Tous les biens du prince furent saisis.

Le bâtiment sera transféré au premier corps de cadets en 1731 et reconstruit par l’architecte Domenico Trezzini pour les besoins de l’école. Suvorov, Zadunaisky et d’autres personnalités célèbres y ont étudié. En 1880, le bâtiment devint le musée du premier corps de cadets.

Le palais de nos jours

À l’époque soviétique, le palais abritait l’école militaro-politique. La première restauration scientifique du bâtiment a eu lieu à la fin du XIXe siècle. Mais le véritable renouveau du palais a commencé en 1966 sous la direction de Alexandre Gessen. Il porta une attention particulière dans les intérieurs du palais : une étude avec revêtement mural en noyer, une magnifique suite de salles d’apparat, la Grande Chambre avec des treillis du XVIIe siècle et des objets d’art décoratif et appliqué.

Les travaux réguliers sur la chaussée ont considérablement baissé le niveau du haut porche. La couleur du bâtiment est passée du rouge foncé au jaune ocre. Grâce au formidable travail des restaurateurs, le bâtiment a finalement retrouvé sa forme originale. En 1981, le palais Menchikov a été transféré au musée de l’Ermitage. Il est depuis ouvert aux visiteurs.

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Je vous propose de découvrir le palais Menchikov avec un guide francophone dans une excursion d’1h30. Comptez 76€ par personne ou 104€ avec transport aller-retour.

Chaque étage comportait des pilastres, la partie centrale était surmontée d’un attique sculpté, les retours de corps étaient ceints de couronnes princières, les détails de la façade resplendissaient sous la dorure, un escalier d’honneur descendait vers la Neva. Ce palais de style baroque fut certainement le plus élégant de son temps. Cette demeure, réputée pour la splendeur de ses intérieurs, a été le premier édifice en pierre à Saint-Pétersbourg. C’est ici qu’avaient lieu les réceptions d’ambassadeurs étrangers et les assemblées solennelles, car par ses dimensions et sa richesse, il surclassait largement les appartements du tsar. Construit en 1710-1711, il reste le meilleur exemple du style de vie de l’aristocratie à Saint-Pétersbourg au début du XVIIIe siècle et, étant fréquenté par le tsar et sa famille, il révèle également le fonctionnement de la Cour. La construction du palais Menchikov fut dirigée par l’architecte allemand Gottfried Schädel qui s’inspira des résidences aristocratiques occidentales de la fin du XVIIe siècle. Politiquement habile, le gouverneur général sut se rallier à cette mode européenne qui était non seulement permise mais encouragée par son protecteur, Pierre le Grand. La décoration des salles du palais, aux murs clairs et aux grandes ouvertures, illustre l’apparition de ces nouvelles normes de confort. Le mélange des styles européens montre aussi que le propriétaire avait voyagé. Des carrelages hollandais recouvraient des pièces entières à la manière française, transformant certaines suites en « boîtes de porcelaine ». Les miroirs – jusque-là interdits par la religion orthodoxe – étaient omniprésents. « La chambre du gouverneur de Saint-Pétersbourg » était aménagée pour qu’il puisse y recevoir d’importants émissaires, comme dans les palais royaux français. Un petit orchestre jouait du haut d’une tribune annonçant l’arrivée du maître des lieux en bateau ou celle de visiteurs importants. Lors des grandes réceptions, les repas pouvaient se prolonger du déjeuner jusqu’au soir, et des armées de serviteurs changeaient les tables et les nappes plusieurs fois au cours de la journée. Le prince Menchikov organisait souvent par ailleurs des réceptions officielles chez lui, donnant ainsi au tsar l’occasion de se tenir au courant des intrigues de la Cour. Le domaine de Menchikov comportait aussi une chapelle, des bâtiments domestiques, des moulins à vent ; derrière le palais s’étendait un jardin à la française, le tout atteignant les limites opposées de l’île Vassilevski, jardin autrefois « donné » par Pierre le Grand à son fidèle compagnon.

Extrait du « Dictionnaire amoureux de Saint-Pétersbourg » par Vladimir Fedorovski

Apparence extérieur du palais

Le palais est un exemple frappant du baroque pétrinien. La façade principale du bâtiment est effectivement soulignée par des pilastres avec des chapiteaux en pierre se terminant par un haut grenier. La porte d’entrée est accentuée d’un portique de colonnes en bois, imitant habilement la pierre ou le marbre. Au-dessus du portique se trouve une loggia pour l’orchestre, qui accueille d’année en année les invités arrivant le long de la Neva. Après la construction d’ailes latérales à deux étages et l’aménagement du jardin, le bâtiment pris la forme d’un quadrilatère.

Décoration intérieure du palais Menchikov

Malgré l’emprunte européenne, l’intérieur du palais Menchikov conserve des détails russes. Son agencement même témoigne de l’observance intuitive et de la remise en question des traditions russes par les maîtres. Les restaurateurs ont sagement décidé de ne pas altérer les finitions historiques qui se sont superposées les unes sur les autres. Les éléments artistiques archaïques semblent subordonner le bâtiment aux lois russes d’origine.

Sous-sol et premier étage

La voûte en briques du sous-sol se referme sur les locaux de service, tandis qu’à l’époque de Menchikov, l’immense collection de vins se trouvait ici. Les vins et la bière servis sur la table à chaque repas étaient conservés dans neuf caves, séparément russes et étrangères. Il y avait aussi des caves à légumes. Au sous-sol, on peut voir les structures porteuses d’un des premiers bâtiments en pierre de la cité marécageuse.

Un étage au-dessus, il y avait trois cuisines. Ici, des plats cuisinés étaient chauffés et décorés. La « Povarna » expose une collection de vaisselle en argile, bois et métaux et une dalle de brique reconstruite – une nouveauté à l’époque de Pierre.

Intérieurs carrelés

Le palais Menchikov fut l’un des premiers à Saint-Pétersbourg à « intégrer » la mode des intérieurs carrelés apparue en France. Les carreaux de céramique peints en blanc et bleu donnent le ton à la partie orientale du palais, où les enfants se trouvaient. Le prince ordonna l’achat de tuiles hollandaises pour un montant de 50 000 pièces pour la « décoration des chambres ». La production nationale a également résolu le problème du carrelage. En effet dès 1719, des artistes russes formés en Hollande ont commencé à travailler dans la briqueterie de Strelna.

Aujourd’hui, un total de 27810 carreaux ornent les murs de quatre pièces : le calme de Varvarin, le cabinet du couloir, la chambre de Menchikov et la pré-chambre (hall d’entrée).

Agencement intérieur

Le palais a été construit dans le style clair et cérémonial du début du baroque, sous Pierre le Grand. C’était le premier bâtiment en pierre de cette taille dans la capitale du Nord.

L’entrée principale du palais Menchikov mène à la grande salle, où les statues antiques étaient conservées. Beaucoup d’entre elles ont ensuite été installées dans le jardin d’été.

Le corps de garde jouxte la grande salle du côté est. Cette salle servait à la garde d’honneur, attendant l’accueil de militaires de haut rang, invités ici.

Sur le côté ouest, une salle appelée « grande chambre » jouxte le couloir. Avant la fin des travaux, de grandes réceptions se tenait ici. La salle était richement décorée de tapisseries et tapis italiens du XVIIe siècle.

L’escalier en chêne mène aux chambres princières.

Dans la Grande Salle, les célèbres assemblées de Pierre Ier ont eu lieu, des dates importantes y ont été célébrées, des victoires militaires, également.

La suite orientale est constituée d’un bureau pour les secrétaires de service et les secrétaires en chef. Là étaient rédigés des documents commerciaux. En outre, les pièces sont carrelées. Nous voyons donc ici des intérieurs uniques, qui n’ont aucun équivalent en Europe, car les carreaux hollandais blancs recouvrent les murs et les plafonds de plusieurs de ces pièces.

À cette époque, en Hollande même, seuls les inserts et les panneaux étaient recouverts de tels carreaux. La place principale de la suite orientale appartient au hall d’entrée. Menchikov l’utilisait comme salle de réception, salle à manger et bureau.

Nous pouvons découvrir une horloge et une table ovale, ainsi qu’un portrait de Menchikov, l’un des rares portraits du prince encore existant.

Le bureau est couvert d’un plafond pittoresque présentant des sujets militaires. L’image du guerrier victorieux nous rappelle celle de Pierre Ier.

Dans le vestibule central, trône une figure du dieu solaire Apollon du IIe siècle après JC, probablement amenée de Grèce, ainsi que d’autres statues antiques.

Vous pouvez voir des objets rares d’art appliqué, des armes, des instruments astronomiques et une collection de peintures.

Le cabinet en noyer

Le cabinet en noyer est incroyable. Décoré avec des essences rares de bois, et des applications de bronze et d’écaille de tortue, il servait de bureau de cérémonie pour recevoir dignement les invités particulièrement importants. Le prince adorait jouer aux échecs, ce qui explique la présence d’une table unique en son genre, avec des pièces d’ambre. Pierre Ier adorait s’asseoir dans un fauteuil et jouer ici.

Les reliques du musée comprennent un portrait de l’empereur, ainsi qu’un miroir dans un cadre d’ambre, offert à Pierre, par le roi de Prusse en 1709.

Aujourd’hui, le palais Menchikov à Saint-Pétersbourg est une branche de l’Ermitage. Il nous présente l’histoire de la culture russe dans le premier tiers du XVIIIe siècle, l’atmosphère de l’époque de Pierre Ier.

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La cathédrale Notre-Dame de Kazan (en russe: Казанский кафедральный собор) a été construite à Saint-Pétersbourg en 1811. Elle est devenue un véritable décor de la perspective Nevski et, pendant près d’un demi-siècle, la plus grande église de Saint-Pétersbourg.

Histoire de la cathédrale Notre-Dame de Kazan

De chapelle à cathédrale

En 1710, une chapelle est construite sur la perspective Nevski. Puis, remplacée par une église en bois nommée Notre-Dame de Kazan. En 1727, en raison de sa vétusté, l’église est fermée et les icônes sont transférées à la cathédrale de la Trinité, située à côté de la forteresse Pierre et Paul.

La construction d’un nouvel édifice en pierre est établie par décret de l’impératrice Anna Ioannovna. Néanmoins, sa construction ne débute qu’en septembre 1733. Cette église fut construite selon les plans de Mikhaïl Zemtsov. On la nomma « L’Église de la Nativité de la Vierge Marie ». Elle était de style baroque, avec un clocher au-dessus de l’entrée et un dôme en bois. Quatre ans après sa construction, l’église a été consacrée en présence de l’impératrice. L’icône de Kazan de la Mère de Dieu y était exposée.

À la fin du XVIIIe siècle, le Tsar Paul Ier ordonne la démolition de l’église, dégradée par le temps, et la construction d’une grande cathédrale. Son principal souhait était que le nouvel édifice ressemble à la basilique Saint-Pierre de Rome…

Une nouvelle cathédrale

L’Empereur Paul Ier organisa un concours de projets pour construire la cathédrale Notre-Dame-de-Kazan. Ainsi, l’Italien Pietro Gonzago, l’Anglais Charles Cameron et le Français Jean-François Thomas de Thomon présentèrent chacun leur projet. Le tsar avait déjà approuvé le projet de Cameron, mais le comte Stroganov lui recommanda celui du jeune architecte russe Andreï Voronikhine qui n’avait pas participé au concours. Les plans de ce dernier plurent à l’empereur et Voronikhine fut nommé architecte principal.

Néanmoins, le projet ne fut pas entièrement mis en œuvre car sa réalisation nécessitait des fonds trop importants. La cathédrale devint malgré tout l’un des plus beaux monuments de la perspective Nevski, une des principales rues de la ville. La première pierre est posée en présence de l’empereur Alexandre Ier en 1801. Pendant la construction, l’architecte Voronikhine a vécu sur le chantier, contrôlant ainsi chaque étape. Dix ans ont été nécessaires pour bâtir le monument.

La cathédrale de Kazan est la création la plus importante du jeune architecte. En septembre 1811, le métropolite, c’est-à-dire l’archevêque Ambroise consacra la cathédrale de Kazan. Un an après sa construction, elle est devenue un symbole des victoires militaires russes. En effet, la guerre patriotique de 1812 marque la victoire russe contre les troupes de Napoléon lors de la campagne de Russie. Des objets comme les bannières militaires françaises, des étendards, les clés des villes et forteresses conquises ainsi que le bâton du maréchal napoléonien Louis-Nicolas Davout y étaient exposés.

En 1912, la plupart des trophées ont été envoyés au Musée Historique d’Etat à Moscou. Le maréchal Koutouzov, autre symbole de la guerre patriotique, repose dans cette cathédrale. Alexandre Ier a ordonné d’enterrer le corps du maréchal décédé à Bunzlau en juin 1813 dans la crypte construite de l’aile nord. Jusqu’à la fin de 1829, les travaux de décoration intérieure se poursuivent. C’est dans cette cathédrale que les membres de la famille impériale prirent la tradition de se marier et on y célébra le tricentenaire de la dynastie des Romanov. Au XIXe siècle, la cathédrale abritait une école pour les adultes, et durant la Première Guerre mondiale, on y collectait nourriture et vêtements pour le front.

L’époque soviétique

La cathédrale a été gravement endommagée lors de la saisie des objets de valeur de l’église en 1922. Environ 2 tonnes d’argent ont été récupérées et des objets uniques ont été fondus. En 1929, les bolchéviques ferment la cathédrale et en 1932 elle devient une annexe de l’Académie des sciences. En lieu et place de la croix sur la coupole une sphère dorée surmontée d’une flèche est posée. On installe alors dans l’édifice le Musée de l’histoire des religions et de l’athéisme.

Son exposition permanente retraçait l’histoire de l’apparition et du développement du christianisme, de l’islam et des religions orientales. Même les reliques de Saint Alexandre Nevski, Saint Zosime et d’autres saints sacrés conservées dans la cathédrale ont été déplacées. Ce n’est qu’en 1991 que les reliques sont réintégrées dans la cathédrale. Puis, le 30 avril 1994, une croix est à nouveau érigée sur le dôme et la consécration complète de la cathédrale a lieu le 29 mars 1998.

Enfin, en l’an 2000, elle est finalement rendue à l’Église orthodoxe russe et reçoit à nouveau le statut de cathédrale. À l’occasion du 300e anniversaire de Saint-Pétersbourg, en 2003, les maîtres de l’usine baltique ont fabriqué la plus grande cloche de la cathédrale, pesant quatre tonnes et faisant plus de deux mètres de haut. Elle accueille régulièrement des services religieux avec la participation des plus hautes personnalités du clergé orthodoxe. Chaque année, le 12 septembre, des processions religieuses sont organisées en l’honneur du prince, le saint patron de la ville, Alexandre Nevksi.

À la découverte de Notre-Dame de Kazan

La longueur de la cathédrale d’est en ouest est de 72,5 mètres et du nord au sud de 57 mètres. Elle possède un dôme couronné d’une croix, située à 71,6 mètres au-dessus du sol.

Architecture de pierre pour une colonnade gigantesque

Peu avant son assassinat, le tsar Paul Ier a voulu une cathédrale semblable à Saint-Pierre de Rome. La cathédrale de Kazan est de style Empire, sous la forme d’une basilique romane classique avec une coupole à sa croisée. La cathédrale Notre-Dame de Kazan est parfois appelée « musée de la pierre naturelle russe ». La pierre utilisée est du tuf calcaire extrait de la région de Gatchina. Elle ressemble au travertin italien à partir duquel a été construite la Basilique Saint-Pierre. Le tuf, avec sa structure poreuse, est facile à travailler. Il a été employé pour le revêtement extérieur des murs de la cathédrale ainsi que pour sculpter les chapiteaux et les frises.

L’architecte Voronikhine dessina une immense et grandiose colonnade, inspirée de la basilique romaine. 96 colonnes de 13 mètres de haut forment un demi-cercle devant la façade nord. Ces belles ailes s’étirent sur 111 mètres en direction de la perspective Nevski tout en entourant un jardin peuplé de statues. Deux d’entre elles représentent le maréchal Koutouzov et son compagnon d’armes le prince Mikhaïl Barclay de Tolly (aux origines normandes)

Les portes d’entrée en bronze sur le côté nord sont une copie des « Portes du paradis » du Baptistère Saint-Jean de Florence.

Quatre sculptures en bronze sont visibles sur la façade nord du temple : le prince Vladimir, André le Premier appelé, Jean le Baptiste et Alexandre Nevksi.

Le dôme, haut d’environ 80 mètres, a été le premier construit en fonte et supporte une croix. Les nombreuses fenêtres du dôme permettent à la lumière de pénétrer dans la cathédrale.

L’intérieur de marbre et granit

L’intérieur de la cathédrale est sombre et de style orthodoxe traditionnel. Voronikhine a utilisé pour les ornements du marbre de Carélie, du porphyre (roche volcanique) et du jaspe (quartz). L’intérieur de la cathédrale ne compte pas moins de 56 colonnes de granit rose finlandais surmontées de chapiteaux corinthiens dorés. 

Le sol du temple est recouvert de mosaïques de marbre multicolore et de quartzite.

Trois nefs divisent la cathédrale. La nef centrale est la plus vaste et elle est couverte d’une voûte semi-cylindrique. 

Quatre chapelles sont situées sur les côtés. Dans la principale, se trouve l’icône miraculeuse de Kazan. Elle serait apparue à Ivan le Terrible après le siège de la ville de Kazan par les Tatars en 1579. Sa légende raconte également qu’en 1612, elle aida les Moscovites à repousser les Polonais. L’icône a été transportée à Saint-Pétersbourg en 1710. Néanmoins, l’originale a été volée en 1904 et a sûrement été détruite. C’est une copie qui la remplace actuellement. Elle est une des icônes les plus vénérées en Russie et on y voit souvent une file de fidèles venir l’embrasser. La chapelle du nord-est dédiée aux Saints Antoine et Théodose. Le culte de la chapelle sud-est voué à la « Nativité de la Bienheureuse Vierge Marie » et au Saint martyr Hermogène.

À l’entrée sur la droite, se trouve le tombeau du maréchal Koutouzov. Héros de la guerre patriotique de 1812, il rappelle aux visiteurs les liens entre l’Histoire et la religion orthodoxe.

On trouve les clés des villes prises par les Russes lors des guerres napoléoniennes : Lubeck, Nancy…, ainsi que des drapeaux et des étendards pris à l’ennemi.

Le tombeau de Saint Alexandre Nevski est un incontournable de la cathédrale, ainsi que les reliques Saint Zosime et d’autres saints.

De nombreuses peintures ornent les murs de la cathédrale. On peut les voir dans l’iconostase, sur les murs et les pylônes – piliers du dôme. 

Une œuvre remarquable est le retable « La prise de la Mère de Dieu au ciel » de Karl Bryullov.

Le style de la cathédrale reflète le désir de Paul Ier d’unir orthodoxie et catholicisme dans un grand christianisme ainsi que sa fascination pour l’Ordre des chevaliers de Malte dont il était membre.

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La cathédrale Saint-Isaac (en russe: Исаакиевский собор) est le plus grand édifice orthodoxe de Saint-Pétersbourg. Elle possède un dôme qui dépasse les 100 mètres ce qui en fait une des cathédrales les plus hautes du monde.

Histoire de la cathédrale Saint-Isaac

La cathédrale a été consacrée au nom de Saint Isaac de Dalmatie par le tsar Pierre Ier. Elle fut le quatrième édifice construit à Saint-Pétersbourg afin de commémorer l’anniversaire de Pierre Ier. 

La première cathédrale

Cette première cathédrale a été construite en bois. Bâtie sans exubérance, elle comportait un étage, un clocher et un petit dôme. En 1706, débute sa construction et l’année suivante en 1707, elle est consacrée. Malgré la simplicité de son architecture et la sobriété de sa décoration, c’est dans cet édifice que le tsar Pierre Ier et Ekaterina Alekseevna se marient le 1^er mars 1712.

Néanmoins, quelques années plus tard, il apparut nécessaire de construire une nouvelle cathédrale. En effet, cette première église a cessé de répondre aux besoins de Saint-Pétersbourg en plein développement. Elle était désormais trop petite. Par conséquent, il a été décidé de construire la deuxième cathédrale cette fois plus près de la Neva.

La seconde cathédrale

Le 6 août 1717, Pierre Ier posa la première pierre de la nouvelle cathédrale Saint-Isaac de Dalmatie. Elle allait désormais être située à seulement 20 mètres de la Neva et sa construction prit dix ans. Pour la première fois en Russie, un édifice, de style baroque et en pierre a été construit comme les cathédrales occidentales : avec un plan en forme de croix.

La cathédrale comportait trois nefs, un dôme octogonal, un clocher d’un peu moins de trente mètres surmonté d’une flèche et de cloches. Sa construction ressemblait à la cathédrale de Pierre et Paul qui a été bâtie à la même époque. En raison de la proximité de la Neva, l’eau a endommagé les fondations. Des fissures sont alors apparues dans ses murs et ses voûtes, et dès 1763, le bâtiment a dû être détruit.

La troisième Cathédrale

Ce troisième édifice a été construit plus loin du fleuve au lieu actuel de la dernière cathédrale. Les travaux débutent en 1768 et se terminent 34 ans plus tard. Sous le règne de Catherine II, il est décidé de la construction d’une cathédrale baroque majestueuse et richement décorée. Ainsi, les murs ont été revêtus de marbre et il était prévu la construction d’un très grand clocher, de cinq dômes.

Malheureusement, quand Catherine II décéda en 1796, les travaux n’étaient arrivés qu’au niveau de la corniche. Il restait à construire les parties les plus élevées, et le clocher magnifique choisi par l’impératrice. Le nouveau tsar, Paul Ier décida de terminer au plus vite les travaux. Mais il dut revoir les plans, car les finances publiques ne lui permettaient plus de respecter les volontés de l’impératrice. Ainsi, la taille de la partie supérieure a été réduite et construite en brique (au-dessus des parties en marbre !).

La construction des dômes a été abandonnée et la taille du clocher a été réduite. Achevée en 1802, cette troisième cathédrale n’avait rien d’harmonieux. Elle était d’ailleurs moquée par les habitants qui comparaient les deux règnes en associant Catherine au marbre et Paul à la brique.

La cathédrale actuelle

L’architecture de la troisième cathédrale ne correspondait pas aux nécessités d’apparence de richesse et de cérémonie du centre de Saint-Pétersbourg. Ainsi entre 1809 et 1813, des concours sont lancés pour la reconstruction de Saint-Isaac. Le tsar Alexandre Ier souhaitait conserver la plus grande partie du projet décidé par Catherine II. C’est le projet de l’architecte français Auguste Montferrand qui a été retenu.

Quarante ans de travaux, de 1818 à 1858 ont été nécessaires pour construire ce joyau d’architecture. Le 30 mai 1858, la cathédrale Saint-Isaac est consacrée par le métropolite, c’est à dire l’archevêque Grégoire Novgorodqui de Saint Pétersbourg. L’empereur Alexandre II et la famille impériale ont participé à cette messe.

Après la révolution d’octobre 1917, le temple a été ravagé : environ 45 kg d’or et plus de 2 tonnes d’argent en ont été retirés. En 1928, les messes ont cessé d’y être célébrées et c’est ici que l’une des premières cathédrales bravant la politique anti-religieuse du pays a été ouverte.

Pendant la Seconde Guerre mondiale, les caves du temple servaient de lieu de conservation pour les œuvres d’art en provenance de tous les palais et musées. Pour le masquer, le dôme a été repeint en gris. Malgré tout, ce fut insuffisant et aujourd’hui encore des traces de bombardements sont visibles. Selon certains récits, les Allemands auraient utilisé le dôme uniquement comme un point de repère au sol, sans tirer directement dessus. Pendant le siège de Leningrad, elle fut endommagée et sa rénovation dura de 1945 à 1963. Depuis la chute de l’URSS, des offices y sont à nouveau célébrés.

La monumentalité de la cathédrale actuelle est soulignée par sa construction carrée. 43 types de roches minérales différents ont été utilisés dont 500kg de lapis-lazuli et 16 tonnes de malachite. Le sous-sol est recouvert de granit et les murs recouverts de blocs de marbre gris d’une épaisseur d’environ 40 à 50 cm. La cathédrale Saint-Isaac est encadrée de quatre côtés par de puissants portiques à huit colonnes décorés de statues et de bas-reliefs. Un dôme doré avec 100 kg d’or pur s’élève au-dessus de l’imposante cathédrale, entouré de colonnes de granit.

À la découverte de Saint-Isaac

Elle est la troisième plus grande cathédrale du continent européen, après la basilique Saint-Pierre de Rome et la cathédrale Saint-Paul de Londres. D’un point de vue architectural, la cathédrale Saint-Isaac est le dernier édifice de style classique. En outre, d’autres styles y cohabitent : le néo-Renaissance, le style byzantin et l’éclectisme. Les dimensions de la cathédrale sont impressionnantes : hauteur 101,5 m, longueur 111,28 m, largeur 97,6 m.

À l’extérieur, on peut admirer :

L’entrée principale est située sur le côté ouest, le portique côté est lui est fermé.

Les quatre façades de la cathédrale, de style Empire, sont recouvertes de marbre gris, et sont assez semblables. En effet, sur chacune d’elles, on peut admirer des portiques à colonnes de granit rose (dont les deux les plus importants comptent 16 colonnes, les deux autres 8 colonnes). Au total 48 colonnes, surmontent des bas-reliefs sculptés représentant les apôtres, sur les frontons.

Plus de 350 sculptures décorent l’extérieur du bâtiment avec comme thème principal la Passion du Christ. 

Quatre clochers carrés surmontés de dômes dorés sont situés de part et d’autre des frontons est et ouest.

La coupole est surmontée par des colonnes de granit rose et une balustrade ornée de vingt-quatre statues d’anges. Plus de 100kg de feuilles d’or, rendent le dôme étincelant.

À l’intérieur, on peut admirer :

La cathédrale Saint-Isaac est parfois appelée le musée de la pierre de couleur. Les murs intérieurs sont recouverts de marbre blanc avec des panneaux de marbre vert et jaune, de jaspe et de porphyre. Le dôme principal a été peint de l’intérieur par Karl Bryullov, Vasily Shebuev, Fyodor Bruni et Ivan Vitali. De nombreux autres artistes et sculpteurs célèbres ont également travaillé à l’intérieur du temple.

Saint-Isaac est construite suivant un plan en croix. Conçue dans l’esprit de la Renaissance italienne, la coupole est ornée de douze anges cariatides et de peintures avec notamment les apôtres. 

Les panneaux des portes.  Ceux de la porte nord ont pour sujet des épisodes de la vie de Saint Isaac de Dalmatie et de Saint Nicolas de Lycie. Sur la porte sud, sont représentés des événements de l’histoire russe. Les ornements de la porte ouest sont consacrés aux Saints Pierre et Paul.

Le sol est recouvert de dalles de marbre gris clair et gris foncé, ainsi que de marbre rose et rouge cerise. 

Les murs sont revêtus non seulement de marbre blanc italien, mais aussi de colonnes et de pilastres en marbre rose clair et rouge cerise. Des marbres de couleurs variées vert, jaune, rouge vif avec des inclusions blanches ont été également utilisés. 

Trois autels attirent les regards du visiteur : le principal est dédié à Isaac de Dalmatie, celui de gauche à la martyre Sainte Catherine d’Alexandrie, le droit à Alexandre Nevsky héros national russe et saint de l’Eglise orthodoxe.

Le vitrail, d’inspiration catholique, de la Résurrection du Christ d’une hauteur de 9,5 mètres est situé au centre d’un retable orné d’icônes orthodoxes.

Une collection unique de plus de 150 peintures monumentales de la première moitié du XIXe siècle peut y être admirée.

La plus riche collection de peintures religieuses et historiques russes de 1840-1850 y est conservée.

Plus de 350 œuvres créées par des sculpteurs russes représentent un ensemble unique du XIXe siècle.

62 mosaïques d’une superficie totale de plus de 500 mètres carrés ornent les murs. Les travaux de ces mosaïques ont commencé en 1851 et se sont poursuivis jusqu’en 1914.

Le buste de l’architecte Auguste Montferrand trône au centre.

De 1931 à 1986, la cathédrale a abrité le plus lourd pendule de Foucault du monde. Ce dispositif expérimental a été conçu pour mettre en évidence la rotation de la Terre. Il était accroché où se trouve maintenant la colombe symbolisant le Saint-Esprit.

La colonnade : On peut monter en haut du Dôme pour avoir un panorama sur la ville de Saint-Pétersbourg. Pour le gravir, on doit franchir 2 escaliers en colimaçon de 200 marches. 

Le meilleur point d’observation de Saint-Pétersbourg

Si vous hésitez encore à visiter ce colosse de pierre, oubliez toutes vos appréhensions et laissez-vous tenter par la colonnade de la cathédrale Saint-Isaac. D’une hauteur de 43 mètres, elle offre une vue imprenable sur la Neva et tout le centre historique de la ville. Vous ne regretterez pas d’avoir monté les 562 marches de l’escalier en colimaçon.

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Le musée de l’Hermitage se compose de plus de 400 salles réparties dans 4 bâtiments sans compter les annexes que nous avons traité dans notre guide complet sur l’Hermitage ici. Dans cet article, nous allons voir toutes les collections. La taille de celles-ci étant immense, nous avons fait au mieux pour avoir le plus important mis en avant. Encore une fois, si vous visitez l’Hermitage, faites des choix, vous ne pourrez pas tout voir. Nous vous proposons un itinéraire dans notre guide ci-dessus.

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Les bâtiments du complexe muséal de l’Hermitage

Les 4 bâtiments sont tous reliés les uns aux autres. Le billet d’entrée vous donne accès à l’ensemble mais il n’y a qu’une seule entrée générale via le palais d’hiver. Nous allons donc traiter les 4 bâtiments puis toutes les salles dans l’ordre de numérotation proposé par le musée de l’Hermitage.

Le palais d’hiver de l’Hermitage

Ce palais élégant et monumental est un remarquable monument du style baroque dans l’art russe du milieu du XVIIIe siècle. Le palais est un brillant exemple de la synthèse de l’architecture et de l’art plastique décoratif. Toutes les façades sont embellies par une colonnade à deux niveaux. Formant un rythme complexe de verticales, les colonnes s’élancent vers le haut, et ce mouvement embrasse les nombreuses statues et vases sur le toit. L’abondance de la décoration moulurée – corniches et encadrements de fenêtres fantaisistes, mascarons, cartouches, rocailles et divers frontons – crée un jeu d’ombre et de lumière extrêmement riche qui investit l’apparence du bâtiment avec magnificence.

Développant un seul et même motif architectural, Rastrelli a donné à chacune des quatre façades du palais un rythme structurel différent. La façade sud, qui donne sur la place, a une grandeur formelle. Ici, l’architecte a percé le bâtiment de trois arcs pour créer une grande entrée dans la cour et l’a accentuée avec les éléments verticaux des colonnes jumelées. La majestueuse façade nord, qui donne l’impression d’une colonnade sans fin, fait face à la vaste étendue de la Neva. La façade ouest, en face de l’Amirauté, rappelle la composition d’un palais de campagne avec une petite cour. La façade orientale monumentale, avec ses blocs latéraux massifs formant une grande cour d’honneur, est tournée vers la rue Millionnaya, où se trouvaient les demeures de la noblesse.

Pendant 150 ans, le palais a servi de résidence impériale. En novembre 1917, après la révolution d’octobre, il a été déclaré musée. L’exposition placée dans le palais comprend des grandes salles et des chambres, des collections d’antiquités d’Eurasie et d’Orient, ainsi que des collections de peintures, de sculptures et d’œuvres d’art décoratif européennes et orientales.

Le petit Hermitage

Sur ordre de l’impératrice Catherine II, l’architecte Yury Velten égira le pavillon sud du petit Hermitage en 1765. L’apparence de ce bâtiment combine organiquement les caractéristiques du style baroque tardif et du classicisme précoce. Plus tard, en 1767, l’architecte français Jean Baptiste Vallin de la Mothe construit le pavillon nord sur la rive de la Neva en utilisant le style du classicisme précoce. Les deux structures sont reliées au niveau du premier étage par le Jardin suspendu. Cet ensemble architectural a été appelé le « Petit Hermitage », car dans le pavillon nord, Catherine II organisait des fêtes avec des jeux et des spectacles qui étaient connus sous ce nom. Les œuvres d’art étaient alors logées dans les galeries latérales, ce qui a permis de commencer les collections du musée impérial.

Le Grand Hermitage

En 1771, Yuri Velten réussit à intégrer un nouveau bâtiment à côté du Petit Hermitage. Catherine II souhaitait y mettre sa collection d’œuvre d’art et la bibliothèque. Plus grand que le Petit Hermitage, il fut simplement nommé Grand Hermitage. L’austérité et la simplicité du Grand Hermitage ont suivi les canons du classicisme du XVIIIe siècle. Le bâtiment ne comporte aucun élément indiquant l’ordre comme des colonnes ou des pilastres. Cependant, sa structure est entièrement déterminée par les proportions de l’ordre classique. La partie inférieure du bâtiment, massive et rustique, est équilibrée par la partie supérieure, plus légère. Le schéma décoratif de la façade est basé sur la combinaison rythmique de divisions horizontales et d’ouvertures de fenêtres verticales.

En 1792, Giacomo Quarenghi agrandi le Grand Hermitage pour y installer les Loggias de Raphaël, copies du XVIIIe siècle des fresques originales du Vatican, à Rome.

Le nouvel Hermitage

Le nouvel Hermitage a été le premier bâtiment de Russie construit spécialement pour abriter les collections du musée. L’empereur Nicolas Ier a confié cette mission à l’architecte allemand Leo von Klenze, dont les travaux ont largement contribué à l’image des musées en Europe. Les architectes Nikolay Yefimov et Vasily Stasov, chargés de l’exécution du projet, y ont apporté quelques modifications essentielles afin d’adapter la nouvelle construction à l’environnement architectural existant.

Le nouvel Hermitage construit en 1842 se caractérise par l’austérité et la monumentalité de la structure et l’équilibre des volumes architecturaux. L’entrée du musée est accentuée par un magnifique portique soutenu par des figures atlantes taillées dans du granit gris par Alexandre Térébenev. Le bâtiment est également décoré de statues et de bas-reliefs représentant des artistes, des architectes et des sculpteurs célèbres.

Les salles du musée ont été conçues en fonction des collections qui y seront exposées. Par exemple, les salles du premier étage, équipées de lucarnes lumineuses, abritent la galerie de peintures, tandis que les salles du rez-de-chaussée de style classique, abritent les collections d’antiquités et de sculptures.

Premier étage (RDC en français)

Culture préhistorique (Rose, salles 11 à 33, premier étage)

Anciennes reliques de la culture et de l’art d’Eurasie (Salles 11 à 14)

Les reliques anciennes exposées couvrent la période allant du paléolithique au début de l’âge du fer et ont été découvertes sur les territoires du Caucase, de Crimée, de Russie européenne et d’Asie centrale. Parmi les objets les plus anciens, on trouve des outils de travail et des statuettes féminines provenant de campements du paléolithique. Les pétroglyphes découverts dans le district de Prionezhskiy (Carélie) datent de 4 000 à 3 000 ans avant J.-C. Divers matériaux archéologiques décrivent les cultures agricoles de la fin de l’an 4 000 au début de l’an 2 000 avant J.-C. Les objets en bronze découverts lors des travaux de fouille près du village de Koban en Ossétie (an 1 000 avant J.-C.) donnent une image générale de la culture de l’époque.

La culture scythe du VIIe au IIe siècle avant J.-C. (Salles 15 à 17)

L’exposition est consacrée à la culture nomade primitive dite « scythe », qui existait au premier millénaire avant J.-C. dans les steppes d’Eurasie. J.-C. De nombreux objets proviennent des tumulus découverts sur les terres de Crimée, du Kouban et du Dniepr. On peut voir des exemples d’armement, de harnachement de chevaux et d’objets ménagers utilisés par les Scythes. Divers matériaux archéologiques représentent la culture des tribus agricoles scythes de la zone forêt-steppe.

La culture des peuples de la Sibérie du Sud (Violet, Salles 26 à 32)

L’exposition permet au visiteur de découvrir la culture des peuples de Sayano-Altaï, du Transbaykal et de la Sibérie du Sud de l’époque scythe au Moyen Âge (du VIIIe siècle avant J.-C. jusqu’au XIIIe siècle après J.-C.). Les objets trouvés lors des fouilles archéologiques dans la région de l’Altaï et Тuva occupent une place importante. Ils sont complétés par les matériaux relatifs à la culture tagare, qui s’est répandue sur le territoire de Minusinsk. Le matériel consacré aux nomades Huns explore leur vie quotidienne. Les objets culturels des États turquophones, que l’on pouvait trouver sur le territoire de l’Altaï et de la Sibérie du Sud aux VIe et XIIIe siècles, complètent l’exposition. Le tumulus de Pazyryk, situé sur le versant sud de la chaîne Chulishmanskiy dans l’est de l’Altaï, est l’un des monuments archéologiques les plus remarquables de l’époque « scythe ».

La salle 26 présente les objets de grande valeur découverts dans le cimetière du cinquième tumulus (IVe-IIIe siècle avant J.-C.), la dernière des tombes « impériales » de la haute vallée montagneuse de Pazyryk. Dans la chambre funéraire, on a trouvé une cabane en bois de mélèze, un catafalque en bois, un tapis en feutre avec les scènes rituelles et le plus ancien tapis à poils du monde.

L’Europe à l’époque des migrations et au début du Moyen Âge (Salle 33, couloir de Koutouzov)

Ici, seize vitrines présentent des objets archéologiques qui racontent la période de migration des IVe et VIe siècles après J.-C. C’est une époque historique importante et mouvementée qui a constitué une étape de transition entre l’Antiquité et le Haut Moyen Âge (VIe – Xe siècles). Pour de nombreux peuples européens, c’est à cette époque qu’est née leur propre culture, issue d’une synthèse de traditions ethniques « barbares » et de divers éléments de l’héritage gréco-romain. Le développement des premières civilisations médiévales en Europe commence précisément après l’achèvement des processus migratoires turbulents de cette période et peut être considéré comme leur conséquence.

Salles d’or (Jaune, Salles 41 à 45)

Le Salon d’or abrite une remarquable collection d’objets inestimables, allant d’anciens objets en or scythes et grecs à la collection sibérienne de Pierre le Grand. En outre, vous y verrez de splendides objets qui ont été donnés en cadeau à la famille impériale.

La culture et l’art de l’Asie centrale pré-islamique (Salles 46 à 54)

’exposition s’ouvre avec les objets culturels des nomades Saka (1er millénaire avant J.-C.) et les objets d’art des États hellénistiques – Empire Parthien (IIIe siècle avant J.-C. – IIe siècle après J.-C.) et le Royaume Gréco-Bactrien (IIIe – Ier siècle avant J.-C.). La célèbre frise avec des figures de musiciens provient du monastère bouddhiste d’Ayrtam. Les exemples de sculpture et de peinture trouvés à Pendjikent et les peintures murales découvertes à Varaksha familiarisent le visiteur avec la culture de la Sogdiane (Ve – VIIIe siècles après J.-C.).

La collection d’argenterie sogdienne et khorezmienne est de renommée mondiale. Les fouilles de la forteresse d’Abgar (l’actuelle montagne de Mug) ont permis de découvrir des objets appartenant au dernier souverain de la Pendjikent (début du VIIIe siècle).

L’art du Caucase (Orange, salles 55 à 66, premier étage)

La culture du Caucase. L’Antiquité et le Haut Moyen Âge (Salles 55 à 57)

L’exposition s’ouvre sur les découvertes archéologiques (fin du 2e millénaire avant J.-C.) des différentes régions du Caucase du Sud. La salle suivante est consacrée à la culture de l’ancien État d’Urartu (IXe – VIIe siècles avant J.-C.) situé sur le territoire adjacent aux lacs Van, Urmia et Sevan. La majorité des objets datent des VIIIe et VIIe siècles avant J.-C. et proviennent de l’ancienne ville de Teishebaini, où l’expédition archéologique dirigée par B.B. Piotrovsky de 1939 à 1971 a effectué des fouilles sous une colline à Karmir Blur. Les figurines en bronze de créatures fantastiques, qui proviennent de l’ancienne ville de Rusakhinili (aujourd’hui Toprakkale), sont particulièrement intéressantes. Une galerie séparée expose les découvertes archéologiques uniques du cimetière du ravin de Moshchevaya Balka dans le Caucase du Nord. Elle comprend une collection unique de tissus, de pièces de vêtements, d’objets en bois et en cuir, remarquables par leur état de conservation.

L’art du Daghestan médiéval (Salles 58 à 60)

La majorité des objets d’art représentés dans l’exposition sont associés au phénomène culturel unique qui a émergé au Moyen-Âge dans le village de montagne de Kubachi (la partie centrale de la région aujourd’hui habitée par les Dargins) au Daghestan. La collection de reliefs en pierre et de chaudrons en bronze est exposée dans les salles 58-59. Créés à Kubachi, ces objets d’art ont été exécutés dans deux styles traditionnels caractéristiques de cette culture. Au XIXe siècle, les habitants de Kubachi se consacraient à la décoration d’armes et à la fabrication de bijoux, comme en témoignent les objets exposés dans les vitrines de la salle 60.

L’art de l’Arménie et de la Géorgie (Salles 62 à 63A)

L’art de l’Arménie dans la salle 63 est représenté par les monuments d’art du Ier au XIXe siècle. Le plus grand nombre d’objets reflétant la culture de l’Arménie médiévale comprend les œuvres toreutics du royaume arménien de Kilikan des XIIe et XIIIe siècles, des fragments d’ornementation architecturale des XIe au XIVe siècles et un « khachkar », également appelé croix de pierre arménienne. Les exemples de peintures murales médiévales et la collection de manuscrits enluminés occupent une place importante dans l’exposition.

Dans la salle 62 consacrée à la culture et à l’art de Géorgie, connue dans l’Antiquité sous les noms d’Iberia-Kartli et de Colchis, sont exposés les anciens objets d’art trouvés dans le cimetière du village de Bori (IIe – IIIe siècles), les œuvres des orfèvres médiévaux de Géorgie, y compris des cadres d’icônes et une croix de procession du XVe siècle. On peut aussi y voir des sculptures du XIe et XVe siècles, récipients à vin originaux en argent et des armes du XIXe siècle.

L’art de l’armurerie au Moyen-Orient du XVe – XIXe siècle (Salle 65, le hall aux colonnes blanches)

L’exposition présente des armes provenant d’Arabie, de l’Empire ottoman, d’Afrique du Nord et d’Iran, ainsi qu’un certain nombre d’objets créés par des forgerons du Caucase et d’Asie centrale. Une partie importante de la collection d’armures de l’Hermitage a été constituée dans la première moitié du XIXe siècle sur la base de l’arsenal privé de l’empereur Nicolas Ier conservé à Tsarskoïe Selo. Sa constitution dépendait des cadeaux offerts par les souverains, diplomates et chefs militaires étrangers, ainsi que du butin des guerres du Caucase, d’Asie centrale et du Proche-Orient.

L’histoire et la culture de la Horde d’or (Salles 61 et 66)

L’exposition permet au visiteur de découvrir la diversité culturelle de la Horde d’or, l’État qui occupait la vaste étendue des steppes d’Eurasie du XIIIe au XVe siècle. À partir de matériaux provenant de plusieurs collections archéologiques, l’exposition présente des objets en pierres précieuses, qui représentent les principales étapes du développement de la culture des cavaliers du XIIIe au XIVe siècle. Les matériaux archéologiques fournis par les fouilles menées à Fort Gulistan, dans la région de la Moyenne-Volta, donnent une bonne idée de la culture de la Horde d’Or. Les matériaux de la collection Belorechenskaya (Caucase du Nord) et de la collection Solkhatskaya (Crimée orientale) permettent de révéler les contacts et les relations commerciales entre la Crimée orientale et le Caucase du Nord pendant la période de la fin du XIVe au XVe siècle.

L’art dans l’antiquité (moutarde, Salles 100 à 131, premier étage)

La culture de l’Égypte ancienne (Salle 100)

L’exposition présente au visiteur les principales étapes de l’histoire culturelle de l’Égypte ancienne de la fin de l’an 4 000 à 1 000 avant J.-C. Les fragments de reliefs muraux provenant des tombes des nobles des Ve et VIe dynasties remontent à la période de l’Ancien Empire. Les matériaux caractéristiques des pratiques cultuelles de l’Égypte du Moyen Empire, notamment les stèles, les figurines en bois des serviteurs et les statuettes de particuliers, permettent de se faire une idée sur cette période.

La statue représentant le pharaon Amonemhat III de la XIIe dynastie, qui date du XIXe siècle avant J.-C., est un bel exemple du portrait royal officiel. L’art du Nouvel Empire est représenté par la sculpture, les stèles et l’artisanat d’art. L’un des chefs-d’œuvre de la collection, la statue de Cléopâtre VII, dernière reine de la dynastie ptolémaïque, remonte à la domination de la dynastie macédonienne, qui a cessé d’exister en 30 avant J.-C.

L’art de la Rome antique (Salles 101 à 110 et 127 à 129)

La collection d’art romain couvre la période chronologique allant de la République (1er siècle avant J.-C.) à la fin de l’Empire (4e siècle avant J.-C.). Elle comprend des sculptures, des reliefs, des sarcophages en marbre, des autels, des mosaïques et des objets d’artisanat d’art. Parmi les chefs-d’œuvre figurent le portrait de l’empereur Lucius Verus (IIe siècle avant J.-C.), le portrait d’une jeune femme, dite syrienne (IIe siècle avant J.-C.) et deux monuments d’art du IIIe siècle : les portraits des empereurs Balbinus et Philippe l’Arabe.

L’art de la Grèce antique (Salles 111 à 114)

L’art de la période archaïque et du début de la période classique est représenté par les objets de céramique peinte sur verre provenant de différents centres d’artisanat grec, notamment Athènes, Corinthe et les villes d’Ionie. Parmi les objets exposés figurent des œuvres de peintres de vases tels qu’Epictète, Euphronios et Durios. Les vestiges de l’Antiquité trouvés à Chypre (fin du IIIe au 5e siècle avant J.-C.) sont exposés ici. Les monuments grecs originaux, tels que les tombes avec des reliefs datant du Ve siècle avant J.-C., et les copies romaines des œuvres des célèbres sculpteurs de la Grèce antique familiarisent le visiteur avec l’art des périodes du Haut et du Bas-Classique. L’exposition se termine par les œuvres d’origine romaine reproduisant les chefs-d’œuvre de Scopas, Praxitèle, Lysippe et d’autres sculpteurs de la période classique tardive (IVe siècle avant J.-C.).

La culture des anciennes villes de la région nord de la mer Noire (Salles 115 à 117)

L’exposition est basée sur la collection de monuments datant du VIIe siècle avant J.-C. au IIIe siècle après J.-C. découverts à la suite de fouilles archéologiques au nord de la mer Noire. La partie principale de l’exposition intitulée « Les tumulus du Bosphore » est consacrée aux célèbres sépultures du royaume du Bosphore. Elle présente trois sarcophages en bois uniques, les objets trouvés dans les tumulus de Nimfei et de Semibratniy, ainsi que dans les tumulus de Kul-Oba et de Yuz-Oba. Les sarcophages en bois trouvés dans les tombes du Bosphore sont d’origine romaine. Veuillez noter le masque en or du IIIe siècles. Une section distincte illustre les caractéristiques décoratives des habitations antiques au cours de l’ère archaïque, classique et hellénistique.

L’art de l’ère hellénique (Salle 121)

L’exposition est consacrée à l’art hellénistique issu de la campagne d’Alexandre le Grand à la fin du IVe siècle avant J.-C. Les sculptures exposées sont principalement des copies romaines des originaux hellénistiques. Une section séparée est consacrée à l’art plastique classique en terre cuite des IVe et IIIe siècles avant J.-C. Parmi les objets exposés, on trouve la statuette d’Aphrodite jouant avec Éros ainsi que les gracieuses figurines créées dans la ville de Tanagra en Béotie.

La chambre des diamants (Salles 122 à 126)

L’exposition présente des joyaux inestimables et des objets de luxe qui ont appartenu à la famille Romanov et des cadeaux diplomatiques à la cour russe. Vous verrez la célèbre vitrine qui présente deux harnais de chevaux somptueusement décorés de pierres précieuses, ainsi que des décorations exquises créées par Carl Fabergé.

L’art de l’Italie ancienne (Salles 130 à 131)

L’exposition représente l’art de l’Italie pré-romaine de la fin du IXe au IIe siècle avant J.-C. La majorité des objets exposés sont représentés par des céramiques provenant des différentes régions d’Italie. La pièce la plus belle est l’hydrie laquée noire dont les épaules représentent les divinités. Le corps porte une bande avec les figures en relief de gryphons, lions et panthères. Une section distincte est consacrée aux objets culturels étrusques datant du VIIIe au IIe siècle avant J.-C., notamment les céramiques et les bronzes. L’urne cinéraire représentant la figure couchée d’un jeune est un exemple rare de sculpture étrusque en bronze.

Deuxième étage (premier étage en français)

Culture russe (Violet, salles 151 à 187, deuxième étage)

La galerie de portraits des représentants de la dynastie des Romanov (Salles 151 à 153)

De 1840 à 1918, la galerie Romanov a été installée dans le Petit Hermitage. Basée sur le riche héritage iconographique de la dynastie royale Romanov, la collection a été recréée dans l’une des galeries du Palais d’hiver du musée actuel. On y trouve les portraits de tous les couronnés de la dynastie Romanov et des membres de leur famille.

La culture et l’art russes de la première moitié du XVIIIe siècle (Salles 157 à 167)

Cette exposition raconte l’histoire fascinante du développement de la culture russe depuis l’époque de Pierre le Grand jusqu’au règne d’Elizabeth Petrovna.

Une collection unique de souvenirs provenant du bureau de Pierre le Grand permet de se faire une idée à la fois de la culture de l’époque et de la personnalité du tsar. Elle se compose d’outils, d’instruments et de tours provenant de l’atelier de Pierre. Les portraits des personnalités publiques qui se sont distinguées sous le règne de Pierre le Grand et d’Élisabeth méritent une mention spéciale. Une partie considérable des objets exposés représente les œuvres d’art décoratif et appliqué de la première moitié du XVIIIe siècle. On y trouve notamment des meubles, des décorations d’intérieur, des objets d’art en métal, des objets en verre, des émaux, des exemples de mosaïques, etc. Les premiers exemples de porcelaine produits à la Manufacture de Porcelaine Impériale sont exposés, y compris les rares exemples de porcelaine russe du père de la porcelaine artisanale D.I. Vinogradov.

La culture et l’art russes de la seconde moitié du XVIIIe siècle (Salles 168 à 174)

L’exposition se concentre sur le règne de Catherine II et de ses successeurs immédiats. Les peintures exposées sont pour la plupart des portraits, notamment des œuvres de Vladimir Borovikovsky, Dmitry Levitsky, Fyodor Rokotov et d’artistes étrangers tels qu’Alexander Roslin, Johann Baptist von Lampi, Jean-Louis Voille, Angelica Kauffmann et d’autres. L’exposition présente également des objets d’art décoratif et appliqué, tels que des costumes, des meubles, de la porcelaine, de la verrerie, des textiles et des œuvres d’art en métal. Le bureau d’Alexandre II avec sa chambre à coucher, abrite une plaque commémorative et un buste en marbre de l’empereur, qui est mort ici des suites de ses blessures le 1er mars 1881.

La décoration intérieure russe du XIXe – début du XXe siècle (Salles 176 à 187)

Une partie considérable des objets a été utilisée pour la décoration du Palais d’hiver. L’exposition complète des objets, caractéristiques de cette période historique spécifique et extrêmement variés tant dans leurs fonctions que dans leurs techniques respectives, permet de montrer de façon vivante les traits les plus distinctifs de l’art décoratif et appliqué russe. Classée par ordre chronologique, de l’époque d’Alexandre Ier jusqu’au règne de Nicolas II, l’exposition présente différentes tendances stylistiques reflétant l’évolution des intérieurs, allant du style Art nouveau au style Empire.

Chaque partie de l’exposition porte la marque de son époque. Les objets présentés dans l’exposition recréent partiellement le panorama du mode de vie de l’aristocratie, de la noblesse et de la classe moyenne de la société russe. Chaque fonction a reçu sa propre pièce : le salon, le salon de musique, le bureau privé, le boudoir et autres. La salle 178 représente l’intérieur original du palais. Il s’agit de la bibliothèque de Nicolas II, dont les salons privés étaient situés dans cette partie du palais d’hiver.

La place prépondérante dans l’exposition est occupée par le mobilier qui joue un rôle important dans toute décoration intérieure. La riche collection de meubles russes de l’Hermitage permet de montrer l’impressionnante diversité des formes, du design et de la décoration artistique, ainsi que le rôle important des principaux architectes et maîtres de l’art décoratif et appliqué.

Les chambres d’état (Vert clair, salles 155, 156, 188 à 197, 204, 270 à 271 et 304 à 308)

La suite de chambres Nevsky, la chambre Malachite et la rotonde (Salles 155 à 156 et 188 à 192)

S’étendant le long de la Neva, la suite de chambres Nevsky du Palais d’hiver commence à partir du palier de l’escalier Jordan. Elle comprend trois salles d’état : l’Antichambre, la Salle Nicolas et la Salle de concert. Conçu par Giacomo Quarenghi à la fin du XVIIIe siècle, l’intérieur de la suite Nevsky a été gravement endommagé par l’incendie de 1837. Il a été restauré par V.P. Stasov conformément à la tendance architecturale dominante du milieu du XIXe siècle. Au-delà de la salle de concert se trouve la salle Malachite (architecte A.P. Brullov), dont les portes s’ouvrent sur la petite salle à manger et la salle à manger Blackamoor. De cette dernière, on peut se rendre dans la Rotonde (architecte Auguste Montferrand).

La suite des salles de l’État dans le palais d’hiver (Salles 193 à 197, 270 à 271 et 282)

Commençant près de l’escalier du Jourdain, la suite des salles d’état du Palais d’Hiver mène à la salle Saint George (la grande salle du trône) et à la grande église. Les salles, qui ont conservé leur décoration d’origine, offrent un aperçu fascinant des intérieurs de palais du XIXe siècle.

La suite des salles d’Etat du palais d’hiver commence près de l’escalier du Jourdain et mène à la salle Saint-Georges (la grande salle du trône). Adjacente à la salle des maréchaux, on trouve la salle commémorative de Pierre le Grand. De la Salle d’Armes, on peut entrer dans la Galerie de la Guerre créée comme un monument à la gloire militaire de la Russie. Les portes de la partie centrale de la Galerie de la Guerre s’ouvrent sur la Salle Saint-Georges, l’ancien lieu des cérémonies d’accession impériale. Juste après on trouve une petite antichambre, la salle des piquets de grève et la salle Alexandre Ier.

Les chambres privées de l’impératrice Maria Alexandrovna dans le palais d’hiver (Salles 289 et 304 à 308)

Les salons privés de l’impératrice Marie-Alexandrovna, épouse de l’empereur Alexandre II se composent de la salle blanche, le salon doré, le salon vert, le bureau cramoisi, le boudoir et la chambre bleue. La décoration intérieure a été recréée en 1841 par A.P. Briullov. Selon les souhaits de l’impératrice, A.I. Stackenschneider et G.A. Bosse ont rénové les salons privés dans les années 1850.

L’art italien (Vert foncé, salles 207 à 238)

Art de la Renaissance italienne du XIIIe – XVIe siècle (Salles 207 à 216)

L’art de la Renaissance italienne, qui couvre une période allant de sa naissance au XIIIe siècle jusqu’au XVIe siècle, est représenté dans la Grande Suite des chambres du premier étage de l’Ancien Hermitage. L’exposition présente les œuvres des maîtres de diverses écoles italiennes, la première place étant occupée par l’école florentine.

Datant de la seconde moitié du XIIIe siècle, l’une des plus anciennes œuvres de l’exposition est intitulée « Croix avec le Christ crucifié » par Ugolino di Tedice, le maître de Pise. Il convient de mentionner en particulier l’exemple remarquable de l’art du début de la Renaissance italienne – le panneau diptyque droit de petite taille – qui représente la Madone dans une scène de « L’Annonciation », œuvre du grand artiste de la Renaissance italienne Simone Martini (salle 207). L’art florentin du XVe siècle est représenté par les peintures de Fra Beato Angelico, Fra Filippo Lippi, ainsi que par les œuvres des sculpteurs et céramistes de la famille della Robbia (salles 209-210).

L’exposition contient les peintures des principaux artistes italiens des XVe et XVIe siècles, notamment Sandro Botticelli, Filippino Lippi, Pietro Perugino, Andrea del Sarto et Francesco Franchi. Deux tableaux de Léonard de Vinci – « La Madone de Benois » et « La Madone de Litta » – sont considérés à juste titre comme les joyaux de la collection de l’Hermitage. Les tableaux des disciples et des adeptes du grand maître, dont Francesco Melzi, Bernardino Luini et Giampietrino (salle 215), ainsi que les toiles des artistes maniéristes Jacopo Pontormo, Angelo Bronzino et Giulio Romano complètent l’exposition.

L’école d’art vénitienne de la Renaissance italienne (Salles 217 à 223)

La cour-enfilade du premier étage du Grand Hermitage est consacrée à l’école de peinture vénitienne représentée par les œuvres des maîtres des XVe et XVIe siècles Cima da Conegliano, Giorgione et Sebastiano del Pjombo, ainsi que par les portraitistes Palma l’Ancien, Domenico Capriolo et Lorenzo Lotto (salles 217-218). Les peintures de Titien caractérisent les différentes étapes de son œuvre. La plus ancienne, le tableau monumental « La fuite en Égypte », a été réalisée au début du XVIe siècle (salle 217), tandis que les célèbres tableaux de la collection de l’Hermitage – « Danaé », « La Madeleine pénitente » et « Saint-Sébastien » – (salle 221) représentent la période tardive de l’œuvre de Titien. Les tableaux de Paolo Véronèse et de Jacopo Tintoretto illustrent la dernière étape du développement de l’art à la Renaissance (salle 222). L’exposition est complétée par des objets d’art appliqué : verre vénitien, heurtoirs de porte en bronze, tissus et dentelles (salle 223).

Les loggias de Raphaël (Salle 227)

Commandées par l’impératrice Catherine II à la fin des années 1780, les loges de Raphaël sont la copie exacte de la galerie du palais papal au Vatican. Les fresques des loggias ouvertes du Palais papal ont été peintes d’après les croquis de Raphaël. Leurs copies réalisées en Italie par un groupe d’artistes sous la supervision de Christopher Unterberger, ont pris place dans la galerie d’un bâtiment séparé érigé par Giacomo Quarenghi. Les voûtes des Loggias sont décorées de scènes tirées de récits bibliques, les murs sont couverts de peintures avec des motifs « grotesques ».

L’art italien des XVIe – XVIIIe siècles (Salles 229 à 238)

L’exposition d’art italien du XVIe au XVIIIe siècles au premier étage du Nouvel Hermitage occupe les salles dites des Petites et Grandes lucarnes italiennes (salles 237-238), les salles de l’Enfilade de la Cour, « les Cabinets italiens » (salles 230-236) et la salle de la Majolique italienne (salle 229).

Deux peintures anciennes de Raphaël – « La Vierge aux Conestabile » et « La Sainte Famille » – ainsi que l’énorme dessin animé de Giulio Romano intitulé « Le triomphe de Scipion l’Africain » sont exposés dans la salle 229. On y trouve également des objets d’art décoratif et appliqué de la Renaissance, notamment des exemples de majoliques, de cassones et de tapisseries du XVIe siècle. La cour s’ouvre sur la salle des fresques réalisées au XVIe siècle par les artistes de l’école Raphaëlite sur les thèmes des « Métamorphoses » d’Ovide. On y trouve également une petite sculpture de Michelangelo Buonarroti intitulée « Le garçon accroupi », acquise pour la collection impériale sur ordre de Catherine II, ainsi qu’une partie de la collection de sculptures de Farsetti et des œuvres du grand-maître du style baroque Gian Lorenzo Bernini.

L’Académie de Bologne est représentée par les tableaux des frères Carracci, Guido Reni, Guercino et Domenichino (salles 237,231), et une autre division de la collection connue sous le nom de Caravagisme italien (salles 237,232,233) est représentée par « Le joueur de luth » (salle 237), le seul tableau en Russie de Michelangelo Merisi da Caravaggio. La grande salle italienne des lucarnes présente des toiles de grande taille réalisées par des artistes italiens des XVIIe et XVIIIe siècles (salle 238).

Sont exposées ici les peintures dans le genre de la veduta, les œuvres du grand artiste baroque italien Luca Giordano, ainsi que les peintures de Salvator Rosa et Giovanni Maria Crespi. Des toiles décoratives à grande échelle peintes par Tiepolo sur le thème de l’histoire romaine ancienne ont été créées par le maître pour le Palais des Dauphins à Venise. Au centre de la salle se trouve la sculpture intitulée « La mort d’Adonis » de Giuseppe Mazzuola.

La peinture espagnole (Saumon, Salles 239 à 240, deuxième étage)

La collection de peinture espagnole occupe deux salles au premier étage du Nouvel Hermitage : la petite salle de la lucarne espagnole et le Cabinet espagnol (salles 239-240).

L’exposition s’ouvre avec les œuvres des maîtres représentant les différentes écoles d’art du XVe siècle. La peinture espagnole du XVIe siècle est illustrée par les toiles de Luis de Morales et Francisco Ribalta, ainsi que par les maîtres du portrait de cour Alonso Sanchez Coello et Juan Pantoja de la Cruz. L’un des joyaux de la collection de l’Hermitage est « Les Apôtres Pierre et Paul » du Greco. L’art espagnol du XVIIe siècle est associé aux noms de maîtres tels que Jusepe de Ribera, Francisco de Zurbaran et Diego Velazquez. Un grand nombre de tableaux de Bartolomé Esteban Murillo donnent une image générale de l’œuvre du célèbre artiste sévillan. Le « Portrait de l’actrice Antonia Zarate » de Francisco de Goya, daté du début du XIXe siècle, clôt l’exposition de manière chronologique.

La peinture flamande (Bleu, Salles 245 à 247, deuxième étage)

La peinture flamande occupe quatre salles au premier étage du Nouvel Hermitage (salles 245-247). Il s’agit de l’une des plus grandes collections au monde, qui contient les œuvres de Peter Paul Rubens, Anthony van Dyck, Jacob Jordaens et Frans Snyders, les célèbres artistes du XVIIe siècle.

Le XVIIe siècle a marqué l’âge d’or de la peinture flamande. Les tableaux de Peter Paul Rubens (salle 247) constituent le point central de l’exposition. Son œuvre, en tant qu’artiste principal de l’école de peinture flamande, est représentée par différents genres : paysage, portrait, sujets bibliques et mythologiques. Parmi les œuvres les plus remarquables figurent « L’union de la terre et de l’eau », « Persée et Andromède » et « Bacchus ». L’œuvre du célèbre portraitiste flamand Anthony van Dyck est représentée à l’Hermitage par 24 tableaux, dont la plupart sont exposés dans la salle attenante (246). Les peintures grand format de Frans Snyders de la série « Shops », les peintures de scènes de chasse de Paul de Vos et « The Bean King » de Jacob Jordaens donnent un aperçu de la diversité des genres pratiqués par les maîtres flamands du XVIIe siècle (salle 245).

La peinture hollandaise (Bordeau, Salles 248 à 254, deuxième étage)

L’exposition de peinture hollandaise est l’une des plus importantes de la collection de l’Hermitage. Elle occupe six salles au premier étage du nouvel Hermitage (salles 249-253).

Étant la plus grande en superficie, la Salle de la Tente (249) représente la diversité des genres pratiqués dans l’art néerlandais du XVIIe siècle. On y trouve les œuvres des célèbres paysagistes Jan van Goyen et Jacob van Ruisdael, des peintres de genre Jan Steen, Gerard Terborch, Pieter de Hooch, Adriaen et Isaac van Ostade, de l’animalier Paulus Potter et des maîtres de la nature morte Willem Claesz Heda et Willem Kalf. Les portraits de Frans Hals sont également exposés. Une salle séparée présente les œuvres de Rembrandt Harmensz van Rijn (salle 254). L’Hermitage possède la plus grande collection d’œuvres du grand artiste néerlandais, qui est représentée par des peintures sur des sujets bibliques et mythologiques, ainsi que par des portraits.

L’art allemand du XVe au XVIIIe siècle (Bleu clair, Salles 255 à 257, deuxième étage)

La collection d’art allemand de la Renaissance comprend cinq peintures de Lucas Cranach, Ambrosius Holbein et Georg Pencz. Les tableaux de Hans von Aachen (le peintre de la cour de l’empereur Rodolphe II Habsbourg), Johann Schonfeld et Christopher Paudiss donnent un aperçu de la peinture du XVIIe siècle. La collection de peinture allemande du XVIIIe siècle est représentée par les œuvres d’Angelica Kauffman, d’Anton Raphael Mengs et d’Antoine Pesne. La collection de portraits allemands de la seconde moitié du XVIIIe siècle comprend les toiles de Johann Friederich Tischbein et d’Anton Graff. L’exposition présente aussi des œuvres de sculpture et des objets d’art décoratif et appliqué.

L’art des Pays-bas (Rose, Salles 258 à 261, deuxième étage)

L’exposition d’art des Pays-Bas se trouve au premier étage du Petit Hermitage où elle occupe une partie du pavillon sud adjacent (salle 258), une des galeries (salles 261 – 262) et la salle d’angle du bâtiment du Nouvel Hermitage (salle 248).

Loin d’être de grande taille, la collection de peinture néerlandaise contient les œuvres d’artistes remarquables, qui ont atteint le plus haut sommet de leur art national. L’une des premières peintures néerlandaises, qui remonte au début du XVe siècle, est le diptyque « Trinité ». La Vierge à l’enfant près d’une cheminée » de Robert Campin. C’est ici que le visiteur peut voir les peintures des principaux artistes du XVe siècle : « Saint Luc dessinant la Vierge » de Rogier van der Weyden et le triptyque de Hugo van der Goes.

Parmi les joyaux de la collection se trouve le triptyque « La guérison de l’aveugle de Jéricho » de Lucas van Leyden, ainsi que les tableaux de Jan Gossaert, Dirck Jacobsz, Pieter Aertsen, Joachim Patinier et Adriaen Thomas Key. Sont également exposés des sculptures, des tapisseries et des objets d’art appliqué créés par les maîtres néerlandais.

L’Europe occidentale : l’art appliqué du XIe au XVe siècles (Violet foncé, Salle 259)

La collection de monuments d’Europe occidentale d’art appliqué du Moyen Âge est exposée dans la galerie Romanov du Petit Hermitage. Elle présente des objets d’église, notamment des reliquaires, des ostensoirs, des croix de procession, des plaques d’os sculptées et une sculpture en ivoire de la Vierge à l’Enfant. Une place importante dans la collection des maîtres de Limoges est occupée par un cercueil portant des scènes de la vie de Sainte Valérie. Un exemple très rare est le vase Fortuny en céramique du XIVe siècle, exécuté dans le style hispano-mauresque. L’exposition contient également des pièces de mobilier, des tapisseries, des vitraux et des œuvres d’art en métal.

L’art français des XVe – XVIIIe siècles (Bleu foncé, Salles 272 à 281 et 283 à 297, deuxième étage)

L’art de la seconde moitié du XVe au début du XVIIe siècle est représenté par des toiles d’artistes tels que Pierre Dumonstier et Jacques Bellange (salles 272-275), des émaux de Limoges (salle 274), des céramiques produites à Saint Porcheres et la célèbre « poterie rustique », pour laquelle Bernard Palissy était célèbre (salle 273). L’exposition présente au visiteur les œuvres des artistes les plus célèbres du XVIIe siècle, dont Simon Vouet, qui fut le premier peintre du roi Louis XIII, son disciple Eustache Le Sueur, les frères Le Nain, Sébastien Bourdon et d’autres (salles 275 -276). Il y a 12 tableaux de Nicolas Poussin, le principal maître du classicisme dans la peinture française du XVIIe siècle (salle 279). Une salle séparée présente les tableaux du peintre paysagiste Claude Gellee (ou Le Lorrain), le disciple de Nicolas Poussin (salle 280). L’exposition illustrant l’école française de peinture du XVIIIe siècle est remarquable par les œuvres d’Antoine Watteau, François Boucher, Jean Siméon Chardin, Jean-Honoré Fragonard et Hubert Robert (salles 283-288). Les œuvres sculpturales de Maurice Falconet et de Jean-Antoine Houdon se distinguent avant tout.

L’art anglais (Bleu clair, Salles 298 à 301, deuxième étage)

Peintures, objets en argent, porcelaine, faïence de Wedgwood, camées et médailles sont exposés dans les quatre salles de l’Enfilade au premier étage du Palais d’hiver (salles 298-301). Une partie considérable de la collection de peinture anglaise comprend des portraits, dont les plus anciens remontent au XVIe siècle. Le genre de la peinture de portrait de la fin du XVIIe et du XVIIIe siècle est représenté par les œuvres de William Dobson, Godfrey Kneller, George Romney, Henry Raeburn et Thomas Gainsborough. C’est ce dernier qui a créé le « Portrait d’une dame en bleu » (salle 298). Trois œuvres de Joshua Reynolds, dont « L’Hercule infantile étranglant les serpents », commandées par Catherine II, illustrent le travail du maître (salle 300). La peinture du XIXe siècle est représentée par les œuvres des éminents portraitistes Thomas Lawrence, Christina Robertson et George Dawe (salles 300 -301).

Troisième étage (deuxième étage en français)

L’art oriental (rouge, 351 à 397, troisième étage)

La culture et l’art de l’Asie centrale (Salles 359 à 367)

L’exposition donne une image générale de la diversité des cultures des peuples qui ont habité les différentes régions de l’Asie centrale et de la Mongolie depuis les temps anciens jusqu’au Moyen Âge. Parmi les objets exposés, on trouve des peintures murales, des sculptures et des matériaux archéologiques mis au jour lors des travaux de fouille dans les temples-cavernes bouddhistes des oasis de la route de la soie. Les œuvres d’art bouddhiste sont également représentées par les reliques des temples rupestres de Mogao (près de Dunhuang) et par les œuvres d’art de la dynastie Tang, notamment par la peinture et la sculpture bouddhistes de Hara-Hoto, l’un des centres de l’État Tangut du Xia occidental. Ll’Hermitage possède un grand nombre de pièces archéologiques provenant des tumulus de Noin-Ula, le complexe archéologique de la culture nomade des Huns d’Asie centrale (Hsiung-nu) dans le nord de la Mongolie. La collection d’art tibétain, qui suit la tradition des formes tibétaines et mongoles du bouddhisme, comprend des exemples d’art plastique bouddhiste en bronze, de peinture (tangka tibétain) et d’objets rituels.

L’art de l’Inde du 1er au 19ème siècle (Salles 368 à 370)

L’art de l’Inde ancienne et médiévale est représenté par des sculptures bouddhistes, jaïnes et hindoues en pierre, en bronze et en bois. L’exposition de peintures miniatures indiennes fournit une introduction aux différentes écoles de peinture, y compris des exemples d’art des écoles d’Inde occidentale, des Mogols, du Deccan et du Rajputu. Il convient également de noter les feuilles créées dans les écoles musulmanes provinciales. Sont également exposées les miniatures sur ivoire associées à l’école de la Compagnie. La plus belle collection d’armes et d’armement indiens de Russie occupe une place importante dans l’exposition. Parmi celles-ci, on peut voir les haches rituelles pour faire des sacrifices, les épées Kunda pour les batailles impliquant des éléphants, les boucliers d’acier faits de peau de rhinocéros, les canons décorés de peinture décorative, les chakras (disques de combat), ainsi que l’armure complète qui appartenait à un noble guerrier Rajput.

L’art du Japon (Salles 358, 375 et 376)

L’exposition présente des œuvres d’art qui familiarisent le visiteur avec différents aspects de la culture traditionnelle japonaise, notamment des objets d’art bouddhiste des XIVe et XVe siècles, des objets pour la cérémonie du thé, ainsi que des exemples d’armes japonaises. On peut également y voir les estampes ukiyo-e du XVIIIe au XXe siècle qui reflètent la vie quotidienne, la routine et les fêtes des citadins. Des objets en métal, en laque, en ivoire et des œuvres d’art émaillées permettent de se faire une idée des différentes formes d’art appliqué. L’exposition présente 240 netsukes créés les maîtres des écoles de Yedo, Osaka, Kyoto, Nagoya, Ivami et Tsu.

L’art du XIXème et XXème siècle a été déplacé au bâtiment de l’état-major général.

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