Le théâtre Mariinsky ou Mariinski (En russe : Мариинский театр), connu aussi comme théâtre Kirov avant 1992, est une célèbre salle de spectacle de Saint-Pétersbourg. Si le Mariinsky est également une compagnie prestigieuse produisant opéras et concerts, c’est avant tout son corps de ballet et ses productions chorégraphiques qui ont contribué à le rendre mondialement célèbre.

Histoire d’un lieu mythique – Le Théâtre Mariinsky

L’histoire du théâtre Mariinsky débute en 1783, lorsque s’ouvre le 5 octobre sur la place du Carrousel le théâtre Bolchoï (à ne pas confondre avec le théâtre Bolchoï de Moscou). Dans la nuit du 1er janvier 1811, le théâtre subit un terrible incendie et rouvre ses portes en 1818.

Au fil du temps, les représentations de la compagnie sont transférées au théâtre Alexandrinsky et au théâtre dit “du cirque”, situé en face du Bolchoï. Le théâtre-cirque brûle à son tour en 1859. À sa place, débute la construction d’un nouveau théâtre, le Mariinsky. Le nom de celui-ci est un hommage à Marie Alexandrovna, femme de l’empereur Alexandre II.

Construit par Alberto Cavos dans un style “Renaissance baroque”, le théâtre fut inauguré le 2 octobre 1860 par une représentation de l’opéra de Mikhail Glinka, Une vie pour le tsar.

La salle a été construite sur la base du cirque préexistant. L’architecte a transformé la piste en parterre, modifié en profondeur les gradins et loges existantes, et supprimé une partie de ceux-ci pour construire une scène. Elle a de ce fait une forme très originale, qui conserve toutefois l’allure générale d’une salle à l’Italienne “en U”. Sa largeur inhabituelle – unique au monde au moment de sa construction – a profondément révolutionné les formats d’occupation scénique usités jusqu’alors par les chorégraphes.

Un temple de la dance

C’est particulièrement autour de son corps de ballet que le Mariinsky bâtit sa réputation, notamment sous l’impulsion de Marius Petipa. Nommé directeur de la danse en 1869, il y créa plusieurs dizaines de chorégraphies, dont beaucoup sont encore dansées aujourd’hui.

La fin du XIXe siècle marque l’âge d’or de la compagnie, qui invente le ballet « à la russe », caractérisé par l’aspect spectaculaire et la durée des ballets. Le Mariinsky est alors la référence mondiale de la danse.

L’orientation très moderniste prise par Michel Fokine, directeur du théâtre au début du XXe siècle, donnera naissance aux fameux Ballets russes, nom utilisé par la troupe du Mariinski lors de ses premières tournées.

Ces tournées, organisées par Serge Diaghilev, présentent au monde entier les talents du Mariinski de l’époque. Le triomphe des Ballets russes donne des idées d’indépendance aux vedettes de la troupe, qui quittent le corps de ballet officiel, tel Nijinsky qui fondera sa propre compagnie privée à Londres.

Le Mariinsky, du XXe siècle à aujourd’hui

Après la révolution de 1917, le théâtre acquiert le statut d’auto-organisation. En 1920, il est renommé Théâtre académique d’État de l’opéra et du ballet, et en 1935, Théâtre Kirov, suite à l’assassinat de Sergueï Kirov, chef communiste de Léningrad. Le nom originel est restauré en 1992.

Vers le début des années 1930, le Mariinsky est à l’ombre du théâtre Bolchoï de Moscou, plus apprécié des autorités communistes. Tout au long du XXe siècle, le Mariinski perd de son aura et a du mal à retenir les élèves qu’il forme, tels Rudolf Noureïev, Natalia Makarova, ou Mikhail Barychnikov. Certains rejoignent le Bolchoï, d’autres émigrent vers l’ouest.

Le nouvel essor du Mariinski commence à la fin des années 1980. Depuis la fin du régime communiste, le Mariinsky cherche à se moderniser rapidement pour conserver son rang et empêcher la fuite de ses vedettes.

Le directeur actuel, Valery Guerguiev, chef d’orchestre mondialement connu, se bat pour rétablir le Mariinsky parmi les meilleures scènes du monde. Il est notamment à l’origine du célèbre festival des Nuits Blanches de Saint-Pétersbourg.

Sur le plan architectural, la dernière décennie a vu la construction de deux salles supplémentaires, Mariinsky 2 (le nouveau théâtre) et Mariinski 3 (dédiée aux concerts symphoniques).

Prokofiev,Tchaïkovski, Petipa, Rimski-Korsakov, Balanchine, Musorgsky,…

Le théâtre Mariinsky résonne de noms prestigieux et se positionne comme l’une des meilleures scènes au monde. L’expérience d’un ballet ou d’un opéra au Mariinsky sera sans conteste un souvenir impérissable au cours d’un séjour pétersbourgeois.

Réservez vos places en avance

Pour réserver vos places dans l’une des trois salles, il vous suffit de vous rendre sur le site officiel. Vous pouvez trouver la programmation ici. Attention, site uniquement en anglais et en russe. La scène historique est indiquée en « vert » et appelée « Mariinsky Theatre ».

Au même titre que le Bolchoï de Moscou, le théâtre est très souvent plein donc n’hésitez pas à vous y prendre en avance.

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La location à court terme de trottinettes électriques est particulièrement appréciée des jeunes d’aujourd’hui. Elle permet de se rendre rapidement à un endroit précis de la ville. Le système fonctionne à la fois en lien avec les stations de location et de manière instantanée, c’est-à-dire via une application mobile. Je vous propose dans cet article 3 des meilleures applications de location de trottinette électrique en 2022. Tout ce que vous avez à faire est de choisir le bon.

Comment louer une trottinette ?

Pour prendre une trottinette électrique, il faut commencer par installer l’application correspondante. Indiquez votre numéro de téléphone russe et votre carte bancaire russe. Une petite transaction de quelques roubles validera votre compte automatiquement. Il faut au minimum 500 RUB sur la carte car un dépot de ce montant sera ponctionné et rendu en fin de parcours.

Ensuite, vous pouvez soit la sélectionner dans l’application (et la faire biper pour éviter toute confusion), soit simplement pointer votre appareil photo sur le code QR situé sur son guidon.

Selectionnez avec ou sans assurance et commencez la course. N’oubliez pas d’enlever le cadenas en l’ouvrant via l’application. Voilà c’est fait en 30 secondes une fois que tout est en place.

Comment rendre une trottinette ?

Une fois que vous avez terminé votre balade, vous devez déposer la trottinette dans un parking adapté que vous pouvez trouver sur l’application. Il vous suffit alors de terminer la course en validant par une photo que la trottinette est bien attachée. La somme est débitée de votre CB. Vous retrouverez toutes vos balades avec la carte, le prix total, la durée, le nombre de kilomètres et plein d’autres statistiques dans l’historique.

Les services de location de trottinette

Whoosh

Whoosh est un service de location de trottinettes électriques 24h/24h via une application mobile conviviale, explicite et rapide. Pour utiliser ce service, il suffit d’installer l’application sur son smartphone et de s’inscrire. Le scooter ne peut être utilisé que par des adultes âgés de plus de 18 ans. Une seule personne peut conduire le scooter.

L’assurance est valable pour la durée du voyage, de sorte que l’utilisateur ne doit pas être responsable des réclamations d’assurance. Le service propose des trottinettes répondant à différentes exigences.

Vous pouvez choisir entre des modèles de différentes capacités : S, M ou L. L’application est conçue de manière à ce que l’utilisateur n’ait aucune question à se poser et que les trajets soient sûrs et passionnants.

Whoosh c’est 26 millions de trajet en 2021 dont voici quelques statistiques.

Spécifications techniques

• Prix de location : 3-8 roubles par minute avec 50 roubles pour démarrer la course
• Assurance : 35 roubles
• Nombre de trottinettes possibles : jusqu’à 3
• Xiaomi PRO et Ninebot Max Plus.
• L’abonnement coûte 199 roubles pour 7 jours et 499 roubles pour 30 jours.

Caractéristiques distinctives

• Inscription rapide dans l’application, en quelques clics seulement
• Les trottinettes peuvent atteindre des vitesses allant jusqu’à 25 km/heure
• Pour les déplacements de nuit, il y a une torche lumineuse
• Une charge suffit pour couvrir une distance de 30 km
• La trottinette électrique n’a pas besoin de se recharger
• Support technique médiocre.
• Application en russe uniquement

Yandex Go

Ayant débuté à l’été 2021 à Khamovniki (en fait, près des bureaux de Yandex), il s’est étendu à l’ensemble de Moscou et à deux grandes villes supplémentaires (Saint-Pétersbourg, Krasnodar).

Le principal avantage du service de location de Yandex est qu’il n’est pas nécessaire de télécharger une application distincte. La location de trottinette est caché dans l’application Yandex Go, dans l’onglet « Samokat ». Oui, bien sûr, il y a de nombreux opposants aux « applications pour tout faire en même temps », mais dans ce cas, c’est vraiment pratique – pas besoin de s’enregistrer une fois de plus, de saisir les détails de la carte, etc. Il suffit de trouver une trottinette sur la carte, de s’en approcher, de pointer son smartphone sur le code QR, de choisir un tarif et c’est parti.

On trove beaucoup de trottinettes électriques à Moscou – je ne peux pas dire si c’est plus ou moins que Whoosh ou Urent, mais c’est certainement un nombre comparable. Il y en a dans tous les districts de Moscou. Vous devez les prendre et les laisser dans des zones de stationnement spéciales, tout comme Whoosh et Urent.

Pour les abonnés de Yandex.Plus, il existe des options supplémentaires : démarrage gratuit, pause gratuite sur le trajet (sans cela, vous pouvez laisser le scooter « en pause », mais au prix habituel de 6 roubles par minute), 10% de cashback avec des points.

L’application fournit également une assurance pour le voyage : à cette fin, les utilisateurs acceptent l’offre et approuvent un accord spécial. La flotte du service comprend des scooters Ninebot Max Plus, avec une charge unique suffisante pour 5 heures de voyage et une vitesse maximale de 20 km/h. En outre, Yandex Go dispose d’une équipe de techniciens pour s’assurer que les véhicules sont en bon état de marche.

Spécifications techniques

• Flotte : 4000
• Tarif : 6 roubles par minute
• Prix de la location : 50 roubles

Caractéristiques distinctives

• Contrôle minutieux de la propreté des scooters électriques ;
• Nouveaux modèles de scooters électriques avec une vitesse maximale de 20 km/h ;
• Disponibilité du cashback pour les abonnés de Yandex.Plus.
• Application en FRANÇAIS !

Urent

Le fondateur de la société est l’entrepreneur Andrei Kolesnik. Ce service a fait l’objet d’un investissement de 1,2 milliard de roubles pour être disponible non seulement à Moscou, mais aussi à Saint-Pétersbourg, à Sotchi et dans 48 autres villes.

Une des caractéristiques du service est le coût variable de la location d’un scooter : dans certains endroits, vous pouvez rouler à peu de frais pendant une période calme, alors que dans le centre de Moscou, le soir, vous devez payer deux fois plus pour une location à la minute. Il existe également quelques tarifs supplémentaires – pour les locations à l’heure et un « pass » quotidien. Vous pouvez même emprunter une trottinette jusqu’à épuisement de sa batterie. Le coût fluctue également. Il existe un abonnement Plus qui rend le début de la location gratuit, actuellement au prix de 149 roubles par mois. De plus, grâce à l’intégration avec MTS, cet abonnement vous coûtera moins cher si vous souscrivez à la formule MTS Premium.

Urent dispose d’une flotte d’environ 40 000 trottinettes électriques.

Spécifications techniques

• Prix de la location : dépend du niveau actuel de la batterie, etc.
• Période libre : 90 secondes
• Nombre de trottinettes en même temps : jusqu’à 5
• Durée maximale de location : 12 heures
• Dépôt : jusqu’à 400 roubles

Caractéristiques distinctives

• Ninebot atteint une vitesse de 25 km/h et parcourt jusqu’à 30 km avec une seule charg
• Vous pouvez louer jusqu’à 5 scooters électriques par compte
• Durée maximale de la location : 12 heures
• Inscription rapide
• Pas le meilleur support technique
• Ninebot Max Plus, Citybird T2.

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Le musée de l’Ermitage est mondialement connu pour ses collections impressionnantes. C’est clairement le plus grand musée au monde ! Pour le visiter efficacement vous devez bien vous organiser. Impossible de tout voir d’un coup et surtout, cela ne sert à rien. Mieux, il faut savoir quoi voir et quand les voir. Ici, je vous donne les clés d’une visite réussie. Ci-dessous, vous retrouverez les informations de base sur ce complexe muséal et vous pourrez aller dans le détail des collections ici.

Estimation du temps de lecture : 21 minutes

L’Ermitage en quelques chiffres

Fondé en 1764, c’est aujourd’hui le plus grand musée du monde en objets exposés. On considère ses collections à plus de 60 000 pièces exposées dans 1057 salles sur 66.000 m². Sans pour autant oublier près de 3.000.000 d’objets qui sont conservés dans les réserves. Les collections retracent presque toutes les époques et une très large géographie. C’est aussi une des plus grandes collections au monde de peintures avec plus de 16 000 toiles sans compter les 13.000 sculptures.

Parmi les œuvres exposées, figurent des peintures de maîtres hollandais et français comme Rembrandt, Rubens, Matisse ou Gauguin. On y trouve également deux toiles de Léonard de Vinci ainsi que trente et une peintures de Pablo Picasso. Le musée emploie 2 500 personnes et utilise l’aide de nombreux stagiaires gérés par le service des volontaires du musée de l’Ermitage.

Mais que cachent ces chiffres destinés à épater le public venu du monde entier ?

La palais d’hiver

Ce palais élégant et monumental est de style baroque du milieu du XVIIIe siècle. C’est un brillant exemple de la synthèse de l’architecture et de l’art plastique décoratif. Toutes les façades sont embellies par une colonnade à deux niveaux formant un rythme complexe de verticales. Les colonnes s’élancent vers le haut jusqu’à embrasser les nombreuses statues et vases sur le toit. L’abondance de la décoration moulurée – corniches et encadrements de fenêtres fantaisistes, mascarons, cartouches, rocailles et divers frontons – crée un jeu d’ombre et de lumière extrêmement riche qui investit l’apparence du bâtiment avec magnificence.

Retrouvez notre mega article avec toutes les collections de l’Ermitage ici.

Le petit ermitage

Dans l’ensemble architectural de l’Ermitage, le Petit Ermitage est un lien entre le magnifique bâtiment baroque du Palais d’Hiver et les splendides constructions de l’époque du classicisme – le Grand Ermitage et le Nouvel Ermitage. Ce bâtiment regroupe les collections dédiées à l’art médiéval européen et à l’art hollandais.

Le grand ermitage

En 1771, un nouveau bâtiment à côté du Petit Ermitage a été construit par ordre de l’impératrice Catherine II sur les berges de la Neva. Plus grand que le Petit Ermitage, il fut nommé le Grand Ermitage et était censé abriter les collections du palais et la bibliothèque. Yuri Velten, l’architecte, a réussi à intégrer le nouveau bâtiment dans le complexe existant du palais.

Retrouvez notre mega articles avec toutes les collections de l’Ermitage ici.

Le nouvel ermitage

Le nouvel Ermitage a été le premier bâtiment de Russie construit spécialement pour abriter les collections du musée. L’empereur Nicolas Ier a invité l’architecte allemand Leo von Klenze, dont les travaux ont largement contribué à l’image de l’architecture des musées en Europe, à venir en Russie pour construire l’Ermitage impérial. Le nouvel Ermitage construit en 1842-1851 dans le style de l’Historicisme se caractérise par l’austérité et la monumentalité de la structure et l’équilibre des volumes architecturaux.

Le bâtiment de l’état-major général

Construit en 1820, il révèle une rigueur architecturale caractéristique du classicisme. Le bâtiment de l’état-major (En russe : Главный штаб) occupe un vaste espace allant de la perspective Nevsky au coude de la rivière Moika.

L’accent principal dans la composition de la façade est mis sur la magnifique arche qui symbolise le triomphe de la Russie. Au sommet, le char triomphal tiré par six chevaux est accompagné de statues de guerriers. L’œuvre a été réalisé par Vassily Demuth-Malinovsky et Stepan Pimenov en suivant les plans de Rossi. L’expressivité particulière du bâtiment résulte de la combinaison entre la façade neutre et la partie centrale monumentale.

Le rez-de-chaussée se présente sous la forme d’un socle ou d’une base rustique tandis que les fenêtres du premier étage sont entourées de cadres et de rebords décoratifs. La partie supérieure du mur est mise en valeur par une corniche en stuc.

Exposition de peinture française des XIXe et XXe siècles

Chronologiquement, cette section commence par les œuvres d’artistes de la fin du XVIIIe et du début du XIXe siècle dont les contributions à l’histoire de l’art varient énormément. On y retrouve Lethière, Lefebre, Caraffe, C. Vernet, Girodet, P. Chauvin, des artistes très populaires de l’Empire comme Guérin, ou F. Gérard.

Les maîtres les plus célèbres sont aussi représenté : David par son superbe Sappho et Phaon (1809), Gros par son Napoléon sur le pont d’Arcole (vers 1797), Ingres par le Portrait du comte Guriev (1821), Delacroix, le plus brillant des artistes romantiques français, par deux toiles : Selle d’un cheval marocain (1855) et Chasse au lion au Maroc (1854).

La collection de l’Ermitage donne un bon aperçu de l’école de Barbizon. Ce groupe d’artistes s’est installé dans le village de Barbizon près de Paris. Théodore Rousseau, Dupre, Carot, Daubigny et d’autres, allaient avoir une influence majeure sur le développement de la peinture de paysage française. L’un des points capitaux du musée est la collection de tableaux de la fin du XIXe et du début du XXe siècle, qui comprend plus de 250 œuvres.

Les dépendances

Le palais d’hiver de Pierre le Grand

Le palais d’hiver de Pierre le Grand est un bâtiment unique du début du XVIIIe siècle. La résidence officielle de Pierre Ier était située sur le territoire aujourd’hui occupé par le théâtre de l’Ermitage. Dans la partie du palais qui a été préservée, il y a une exposition commémorative consacrée à Pierre le Grand et à son époque. Dans ses pièces, on retrouve une décoration recréée en utilisant des objets authentiques ayant appartenu à l’empereur.

Le théâtre de l’Ermitage

Le théâtre de l’Ermitage est l’un des plus anciens de Saint-Pétersbourg et de Russie. Il fut construit sur ordre de Catherine la Grande en 1783 sur le site de l’ancien Palais d’hiver de Pierre le Grand.

L’auditorium du théâtre a été construit de manière à ressembler à celui de l’Antiquité : des rangées de sièges semi-circulaires s’élèvent de la scène de l’amphithéâtre. Les murs et les colonnades sont décorés de marbre artificiel coloré. Les sculptures d’Apollon et des neuf muses sont situées dans des alcôves et sous celles-ci se trouvent des bas-reliefs avec des portraits de musiciens et de poètes célèbres.

La première saison du théâtre de l’Ermitage s’est ouverte avant l’achèvement des travaux, le 16 novembre 1785, avec une représentation de l’opéra « Le meunier qui était un magicien, un tricheur et un marieur » (musique Мikhail Sokolovsky). 

Sous Alexandre Ier, des bals masqués y étaient souvent organisés. Pendant trois ans, de 1823 à 1826, le théâtre a été utilisé comme terrain de parade militaire.

Un chapitre intéressant de la vie du théâtre est associé à la fin du XIXe siècle. En 1894, des travaux de restauration ont été réalisés sous la supervision de l’architecte Kvasov. En 1902, l’architecte Léon Benois a achevé le foyer du théâtre dans le style rococo. Des artistes tels que Chaliapin, Sobinov, Kshesinskaya, Pavlova, et Vaganova ont joué dans ce théâtre. 

Les événements dramatiques de 1917 ne pouvaient que se refléter dans la vie du théâtre. Devenu l’Université ouvrière Lunacharsky, on continua d’organiser divers concerts, ballets et opéras avant sa fermeture en 1935.

Pendant de nombreuses années, le lieu a été utilisé pour des conférences. Dans les années 1980, la restauration complète lui donna un nouveau souffle. Mais ce n’est qu’en 1991, que le théâtre de l’Ermitage ouvra ses portes au public. Aujourd’hui, il est l’une des scènes les plus populaires de Saint-Pétersbourg.

Le palais Menshikov

Le Palais Menshikov, situé sur le quai de l’université de l’île Vassilyevsky, a été construit sur l’ordre du premier gouverneur de Saint-Pétersbourg et proche associé de Pierre Ier, Alexandre Menshikov.

La construction de cette première structure monumentale en pierre de la ville a commencé en 1710, selon les plans architecturaux établis par Giovanni Mario Fontana. Les travaux se sont poursuivis sous la direction de Johann Gottfried Schaedel de 1712 à 1721. La décoration architecturale du palais est caractéristique du début du XVIIIe siècle. La partie centrale du bâtiment est couronnée d’un grenier, tandis que les saillies latérales ont des frontons courbés. L’ensemble du bâtiment se termine par un haut toit en croupe. Les murs clairs et bicolores du bâtiment, les pilastres avec des chapiteaux en pierre sculptée qui décorent chaque étage et les encadrements de fenêtres simples donnent à la façade un aspect élégant et sont typiques de l’architecture baroque à l’époque de Pierre le Grand.

En savoir plus dans notre article dédié ici.

Quelques bons conseils

Essayez d’éviter la haute saison de Mai à Septembre ou privilégiez le début et la fin de la saison, car il y a énormément de monde. Le musée étant fermé le lundi, vous pouvez imaginer l’affluence le mardi donc privilégiez également les autres jours de la semaine. De la même manière, si vous savez ce que vous voulez voir, calculez votre temps et essayez d’y aller en fin de journée quand il y a moins de monde. Dernier point, le musée est gratuit le 3e jeudi de chaque mois. L’optimum est donc le mercredi ou le vendredi en fin de journée et jusqu’à la fermeture tardive.

Itinéraire des points d’intérêt principaux

Sincèrement, ne rêvez pas, vous ne pourrez pas tout voir. Rien que les 4 bâtiments principaux sont composés de 400 salles. A raison d’une petite seconde par œuvre il vous faudrait 42 jours et il vous restera encore les annexes. Par conséquent, il faut prioriser votre visite. L’exemple d’itinéraire ci-dessous se concentre sur l’essentiel. J’ai fait l’expérience. En marchant rapidement et en ne m’attardant que quelques secondes sur les œuvres majeurs, il m’a fallu 3 heures. Prévoyez donc au minimum une demi-journée voire la journée pour en profiter un minimum. 

Je vous conseille vivement de lire ma description des collections dans le chapitre suivant afin de sélectionner ce qui vous intéresse le plus.

Commencez par le Palais d’hiver

Foulez les marches du mythique escalier du Jourdain, qu’empruntaient les tsars lors des réceptions officielles. S’offre ensuite à vous une enfilade de salles d’apparat. Elle débute avec la petite salle du trône, aussi appelée la « salle Pierre-le-grand » construite en hommage au tsar créateur de l’empire. Non loin, la « galerie militaire de 1812 » impressionne par ses 332 portraits des glorieux généraux qui ont participé à la campagne de Russie. Juxtaposée, la grande salle du trône, ou « salle Saint-Georges » est un des symboles du palais. Construite sous Catherine II, elle sera entièrement détruite par l’incendie de 1837, et reconstruite dans le style que nous connaissons aujourd’hui sous Nicolas Ier. C’est ici que les plus grandes cérémonies avaient lieu. En 1906, c’est là que fut instaurée la 1ere douma, conséquence directe de la révolution de 1905. La grande chapelle parachève l’enfilade, son décor baroque donne une idée de ce qu’était le palais au XVIIIe.

Derrière, dans les anciens appartements privés, se tient une partie de l’impressionnante collection d’art Français du XVe au XIXe siècle. Parmi le florilège de chefs d’œuvres : Poussin, Watteau, Delacroix, Renoir… Vous y trouverez aussi quelques œuvres de Fragonard, qui s’approprie avec délicatesse des scènes d’intimité galantes, comme dans l’œuvre « le baiser à la dérobée » (salle 288), thème que Catherine II affectionnait particulièrement.

Vous pouvez ensuite vous laisser baigner dans l’art anglais sur 3 salles, en ne manquant pas le « portrait de la dame en bleu » de Gainsborough (salle 298) mais aussi découvrir les appartements créés pour Alexandre II. Parmi les salles, le boudoir est d’une remarquable minutie, avec des murs entièrement tapissés d’un tissu provenant de France.

Continuez vers le Petit ermitage

En pénétrant dans la salle du pavillon, vous ne pourrez manquer « l’horloge du paon », acquise par Catherine II pour le musée. Ce n’est ni plus ni moins que la plus grande horloge automatique au monde. D’une grande finesse et toujours en état de marche, elle n’est cependant remontée que pour de rares occasions.

Pour les plus courageux, dirigez-vous vers le grand et le nouvel ermitage

La collection de peintures italiennes occupe tout le grand ermitage ainsi qu’une partie du nouvel ermitage. Parmi les immanquables, la salle Léonard de Vinci, qui expose des œuvres majeures du maître de la Renaissance, dont « La madone Lita ». Plus loin, se dresse une reproduction presque surréaliste des célèbres loges de Raphaël situées au Vatican

Le 1er étage s’achève sur les collections de peintures flamandes et hollandaises. Ainsi, vous trouverez respectivement des œuvres des peintres baroques les plus fameux, comme Rubens et bien sûr l’illustre Rembrandt et son tableau « le retour de l’enfant prodigue ». La salle des chevaliers mérite également un instant pour s’attarder sur les détails de tenues de guerres ou officielles d’époque.

Pour une prochaine visite

Rez-de-chaussée

Le rez-de-chaussée remonte quelques milliers d’années en arrière pour vous proposer différentes collections d’art Grec, Romain ou Égyptien. S’il vous reste encore de l’énergie, terminer votre visite par les collections du trésor, qui sera un fabuleux point final à cette visite pleine de grandeur historique et culturelle.

2e étage

Vous pourrez vous réserver le dernier étage pour étoffer une prochaine visite. A noter que la collection des peintures impressionnistes Français a été transférée dans le bâtiment de l’État-Major, qui sera l’occasion d’une autre très belle visite.

Réservez votre excursion à l’Ermitage

Via Alexandre de Russie

Je peux vous reserver une excursion privée ou en groupe de 4h dans l’Ermitage avec un guide francophone. Les tarifs sont dégressifs en fonction du nombre de personne. Ils vont de 15€ par personne dans un grand groupe à 37€ par personne pour un couple.

Via Tsar Visit

Si vous souhaitez réserver d’un guide expérimenté francophone avec vos billets, vous pouvez vous rendre sur le site de notre partenaire Tsar Visit et bénéficier de 5% de remise avec le code : ALEXANDRE5

Avec Viator

Ci-dessous, j’ai sélectionné pour vous 3 options sur la plateforme Viator. Une excursion en groupe très bien notée, une excursion privée et les billets coupe-file.

Histoire de l’Ermitage de Saint-Pétersbourg

La construction sous Pierre-le-grand

Tout débute à la naissance de Saint-Pétersbourg. En 1703, Pierre-le-grand décide d’« ouvrir une fenêtre sur l’Europe » en sortant de terre cette nouvelle ville qu’il désire « occidentale ». Situé sur les rives de la Neva, il fait construire la résidence impériale qui n’est alors qu’une bâtisse en bois, mais rapidement le bâtiment sera reconstruit en pierre et dans un style baroque.

Le palais d’hiver de Pierre Ier jouxte aujourd’hui le nouvel Ermitage et semble bien sommaire à côté de l’ampleur que va prendre l’édifice. Toutefois, cette collection aujourd’hui sans égal, débute dès le XVIIIe siècle lorsque Pierre-le-Grand commence à acquérir ses premiers tableaux.

Durant le règne d’Anne, une de ses nièces, le palais d’hiver sera délaissé pour un autre à côté, il sera assimilé, ainsi que d’autres bâtiments, au palais d’hiver de Pierre-le Grand. L’ensemble impérial commence à s’agrandir.

C’est la fille du Tsar, l’impératrice Élizabeth, qui commandera à l’architecte italien Bartolomeo Rastrelli, la construction du somptueux édifice que l’on connait aujourd’hui comme étant le palais d’hiver. De 1754 à 1762, le palais prend une dimension colossale, et se pare notamment du mythique « escalier du Jourdain ».

Transformation sous Catherine II

En 1762, après avoir provoqué son destin en accédant au trône, Catherine II, fait ajouter deux nouvelles ailes au palais d’hiver : Le Petit Ermitage puis le Viel Ermitage. C’est dans ces nouveaux bâtiments que sera accueillie son immense collection d’œuvres. Ainsi débute l’histoire du musée de l’Ermitage à proprement dit.

C’est notamment à Catherine II, que le site doit cette collection vertigineuse. Suivant ses bons goûts et des conseils avisés, elle fera l’acquisition non seulement de plusieurs milliers de peintures, mais également de camées, ainsi que de livres issus des bibliothèques de Diderot et de Voltaire.

Son petit-fils, Alexandre Ier, marchera dans ses pas et étendra cette prestigieuse collection. Il fera l’acquisition en particulier, de la collection de la première femme de Napoléon Ier, l’impératrice Joséphine, qui permettra de faire rentrer dans le musée ses plus beaux chefs-d’œuvre.

Il faudra attendre le règne du tsar Nicolas Ier pour voir s’ériger en 1839, le « nouvel Ermitage » qui aboutit ainsi sur ce fabuleux complexe qu’est aujourd’hui le musée. Cet agrandissement structurel allait de pair avec l’accumulation des collections impériales, toujours plus grandiose.

L’ermitage après la révolution

Pendant près de 200 ans, le palais d’hiver abritât le pouvoir dynastique des Romanov, mais fut également témoin historique de sa fin tragique.

En octobre 1917, la prise du palais d’hiver ouvre un nouveau chapitre dans l’histoire de la Russie. Les pages qui suivirent furent bien sombres pour le bâtiment.

Le musée sera par deux fois dépossédé de ses collections, pour les protéger des deux guerres mondiales. Guerres qu’il traversera courageusement, subissant de nombreux bombardements, notamment durant l’interminable siège de Leningrad.

Il souffrira également des ventes à l’étranger de ses peintures et objets d’art appliqués au début des années 30, par le gouvernement soviétique.

En octobre 1945, les collections du musée purent de nouveau intégrer l’édifice, et l’Ermitage rouvrit peu après ses portes au public, bien que ses travaux de restauration soient loin d’être achevée.

L’ermitage au XXème siècle

Si l’urbanisme du musée s’étale sur plusieurs siècles, son style architectural intérieur n’est pas en reste. Bien que sa façade soit, dans l’ensemble, issue d’un style baroque, il est aujourd’hui impossible de définir clairement le style intérieur de l’Ermitage. L’exubérance et le grandiose se succèdent respectivement entre le baroque sous Pierre-le-grand, et Élisabeth, puis le classicisme de Catherine II, avant un retour du style antique avec le néo-classicisme durant le règne de Nicolas Ier.

Si les styles répondent aux époques et aux goûts des souverains, un incident majeur modifiera l’apparence du Palais au milieu du XIXe siècle. En 1837, un incendie dévaste pendant 3 jours tout le 1er et le 2e étages, détruisant ainsi les travaux des anciens architectes. Seul l’escalier du Jourdain, véritable prouesse et démesure architecturale sera reconstruit à l’identique.

A l’image de son histoire, le musée de l’Ermitage est une véritable fresque historique, une mosaïque de style issue des fragments de l’histoire russe.

Reportages sur l’Ermitage

• Chaîne: Art
• Titre de l’épisode : Le musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg
• Date de diffusion : Du 12/12/2021 au 12/01/2022
• Durée : 52 minutes
• Réalisateur : Margy Kinmonth

Bien plus qu’un musée national, le labyrinthique Ermitage incarne l’âme de la Russie. Créé en 1764 sous l’impulsion de Catherine II, « impératrice et autocrate de toutes les Russies », il abrite aujourd’hui 3,6 millions d’œuvres et emploie plus de conservateurs que n’importe quelle institution culturelle au monde. Ses fonds sont d’une richesse inouïe : le musée possède aussi bien des Rembrandt que de l’art russe, des objets préhistoriques, la collection personnelle de pierres précieuses de Catherine II, un chef-d’œuvre de Michel-Ange, des œuvres majeures de Matisse et quantité d’autres joyaux.

Visite privée

Tourné en 2014, à l’occasion du 250e anniversaire du musée, ce documentaire embarque les téléspectateurs dans un voyage passionnant qui retrace l’histoire tumultueuse de l’Ermitage, du palais impérial à sa reconversion en musée national. Son directeur a exceptionnellement accepté d’ouvrir les portes du musée aux caméras et de les y guider. Sont montrés à l’écran pour la première fois des collections spéciales et des lieux auxquels le public n’a, d’ordinaire, jamais accès. La réalisatrice Margy Kinmonth raconte l’histoire du lieu et de ses collections, grâce aux images d’archives – dont la fameuse reconstitution par Eisenstein de l’invasion du palais par la foule lors de la révolution de 1917 – et aux témoignages pleins de vivacité des conservateurs du musée, actuel ou anciens. Une promenade parmi les trésors les plus précieux, les plus anciens et les plus rares de la Russie.

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Le mercure monte à Saint-Pétersbourg depuis une semaine et vous avez envie de passer chaque journée ensoleillée à l’extérieur pour profiter du court été nordique. Un plaisir particulier est de manger un morceau ou de boire un verre ou deux sur une terrasse de rue. Alexandre de Russie en a regroupé de toutes sortes : cours, espaces publics, toits et rues tranquilles.

Futura

L’une des terrasses les plus gaies du côté de Petrograd. Il fait bon venir au Futura à l’ouverture pour manger un pain au caramel, boire un café ou pour un brunch, qui est servi ici jusqu’à 17h. En parallèle, vous pourrez jouer au ping-pong, acheter des tartines dans une boulangerie locale ou encore des plantes vivantes en pots. Enfin, après 18h00, place aux dîners inventifs : tartare à l’ail des ours et topinambours, bavette aux pleurotes et topinambours au four.

L’année dernière, Futura a lancé son propre bar à côté où vous pouvez boire du vin et manger des collations simples le soir. Des sets de DJ sont également organisés, par beau temps directement dans la rue.

• Où ? наб. р. Карповки, 5, корп. 36
• Combien ? €
• Cuisine ? Mixte

Branch garage

La Branch Garage de l’équipe Gypsies & Jews Family, composée d’Alexander Boltyan, Boris Kiselyuk et Ivan Tkachenko, a été lancée l’année dernière, mais personne n’a eu le temps d’apprécier la magnifique cour de graffitis près du club Griboyedov. Les réparations ne se sont terminées qu’en automne. Mais cette année 2022, l’institution sera évidemment l’un des lieux les plus populaires du district de Ligovsky. La cuisine locale Tex-Mex – c’est-à-dire les hits américano-mexicains tels que les hamburgers, les tacos, les burritos et le chili con carne – conviendront parfaitement à l’atmosphère d’un restaurant brutal, ayant le style d’un atelier de réparation automobile ou d’un simple café dans une station balnéaire pas trop à la mode.

• Où ? ул. Печатника Григорьева, 12
• Combien ? €€
• Cuisine ? Tex-Mex

Camorra & Utopist

Le microscopique terrasse berlinoise dans la cour du puits de l’allée Kovensky, est partagé par la pizzeria Camorra et le bar à vin Utopist. Les établissements cohabitent, donc personne ne verra d’inconvénient à ce que l’une des tables simples accueille en même temps une pizza et une bière de l’équipe AF Brew et vin orange des voisins. À propos, un autre résident notable de la cour est le minuscule Out Cinema, spécialisé dans les classiques du cinéma d’art et d’essai et du cinéma mondial.

• Où ? Ковенский пер., 14
• Combien ? €€
• Cuisine ? Italienne

Mr. Pinky

Ce restaurant semi-secret situé sur Angliyskiy Prospekt a tout pour plaire : un salon de coiffure, un salon avec cheminée et une salle de danse avec un DJ. Il y a également une terrasse d’été décorée de manière spectaculaire avec des figurines de canards, des abat-jour en paille, des crânes et des bouddhas. D’ailleurs, dans le mois qui a suivi l’ouverture, le menu et la liste des cocktails de Mr. Pinky se sont considérablement améliorés.

• Où ? Английский пр-т., 60
• Combien ? €€€
• Cuisine ? Internationale

Dead Poets Rooftop

Le restaurant Dawns/Sunsets, situé sur le toit du centre Bertgold, a récemment changé de nom et de format. C’est maintenant un bar à cocktails avec un intérieur élégant, une terrasse panoramique et une gigantesque liste de cocktails de six pages. Le menu est également impressionnant : outre les en-cas traditionnels comme le carpaccio de bœuf ou une sélection d’antipasti italiens, on trouve des burgers, du risotto et des cuisses de canard confites.

• Où ? Гражданская ул., 13–15
• Combien ? €€
• Cuisine ? Internationale

Nebo i Vino

L’une des meilleures terrasses démocratiques de la ville se trouve sur le toit du manoir Palma, sur la ruelle Pirogov. La vue panoramique sur la cathédrale St Isaac, en sirotant du vin et en mangeant une excellente pizza à la pâte fine et croustillante, est formidable en hiver (dans des serres spéciales), mais en été – en plein air – elle l’est doublement.

• Où ? пер. Пирогова, 18
• Combien? €€
• Cuisine ? Européene

La vue

Le gigantesque complexe de restaurants situé au dernier étage de l’hôtel Saint-Pétersbourg sur le quai Pirogovskaya offre peut-être la meilleure vue panoramique sur la Neva, le Palais d’hiver, le croiseur Aurora et le Sauveur sur le Sang versé. Le menu, comme il est d’usage dans les hôtels, est vaste et polyvalent : il y a une grande section de crudités – des huîtres au tartare et au tataki – et des spécialités pour les entreprises, ainsi que des pâtes, des risottos et des steaks.

• Où ? Khokhlovsky pereulok 7-9c1, Moscou
• Combien? €€€
• Cuisine ? Internationale

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La cathédrale Notre-Dame de Kazan (en russe: Казанский кафедральный собор) a été construite à Saint-Pétersbourg en 1811. Elle est devenue un véritable décor de la perspective Nevski et, pendant près d’un demi-siècle, la plus grande église de Saint-Pétersbourg.

Histoire de la cathédrale Notre-Dame de Kazan

De chapelle à cathédrale

En 1710, une chapelle est construite sur la perspective Nevski. Puis, remplacée par une église en bois nommée Notre-Dame de Kazan. En 1727, en raison de sa vétusté, l’église est fermée et les icônes sont transférées à la cathédrale de la Trinité, située à côté de la forteresse Pierre et Paul.

La construction d’un nouvel édifice en pierre est établie par décret de l’impératrice Anna Ioannovna. Néanmoins, sa construction ne débute qu’en septembre 1733. Cette église fut construite selon les plans de Mikhaïl Zemtsov. On la nomma « L’Église de la Nativité de la Vierge Marie ». Elle était de style baroque, avec un clocher au-dessus de l’entrée et un dôme en bois. Quatre ans après sa construction, l’église a été consacrée en présence de l’impératrice. L’icône de Kazan de la Mère de Dieu y était exposée.

À la fin du XVIIIe siècle, le Tsar Paul Ier ordonne la démolition de l’église, dégradée par le temps, et la construction d’une grande cathédrale. Son principal souhait était que le nouvel édifice ressemble à la basilique Saint-Pierre de Rome…

Une nouvelle cathédrale

L’Empereur Paul Ier organisa un concours de projets pour construire la cathédrale Notre-Dame-de-Kazan. Ainsi, l’Italien Pietro Gonzago, l’Anglais Charles Cameron et le Français Jean-François Thomas de Thomon présentèrent chacun leur projet. Le tsar avait déjà approuvé le projet de Cameron, mais le comte Stroganov lui recommanda celui du jeune architecte russe Andreï Voronikhine qui n’avait pas participé au concours. Les plans de ce dernier plurent à l’empereur et Voronikhine fut nommé architecte principal.

Néanmoins, le projet ne fut pas entièrement mis en œuvre car sa réalisation nécessitait des fonds trop importants. La cathédrale devint malgré tout l’un des plus beaux monuments de la perspective Nevski, une des principales rues de la ville. La première pierre est posée en présence de l’empereur Alexandre Ier en 1801. Pendant la construction, l’architecte Voronikhine a vécu sur le chantier, contrôlant ainsi chaque étape. Dix ans ont été nécessaires pour bâtir le monument.

La cathédrale de Kazan est la création la plus importante du jeune architecte. En septembre 1811, le métropolite, c’est-à-dire l’archevêque Ambroise consacra la cathédrale de Kazan. Un an après sa construction, elle est devenue un symbole des victoires militaires russes. En effet, la guerre patriotique de 1812 marque la victoire russe contre les troupes de Napoléon lors de la campagne de Russie. Des objets comme les bannières militaires françaises, des étendards, les clés des villes et forteresses conquises ainsi que le bâton du maréchal napoléonien Louis-Nicolas Davout y étaient exposés.

En 1912, la plupart des trophées ont été envoyés au Musée Historique d’Etat à Moscou. Le maréchal Koutouzov, autre symbole de la guerre patriotique, repose dans cette cathédrale. Alexandre Ier a ordonné d’enterrer le corps du maréchal décédé à Bunzlau en juin 1813 dans la crypte construite de l’aile nord. Jusqu’à la fin de 1829, les travaux de décoration intérieure se poursuivent. C’est dans cette cathédrale que les membres de la famille impériale prirent la tradition de se marier et on y célébra le tricentenaire de la dynastie des Romanov. Au XIXe siècle, la cathédrale abritait une école pour les adultes, et durant la Première Guerre mondiale, on y collectait nourriture et vêtements pour le front.

L’époque soviétique

La cathédrale a été gravement endommagée lors de la saisie des objets de valeur de l’église en 1922. Environ 2 tonnes d’argent ont été récupérées et des objets uniques ont été fondus. En 1929, les bolchéviques ferment la cathédrale et en 1932 elle devient une annexe de l’Académie des sciences. En lieu et place de la croix sur la coupole une sphère dorée surmontée d’une flèche est posée. On installe alors dans l’édifice le Musée de l’histoire des religions et de l’athéisme.

Son exposition permanente retraçait l’histoire de l’apparition et du développement du christianisme, de l’islam et des religions orientales. Même les reliques de Saint Alexandre Nevski, Saint Zosime et d’autres saints sacrés conservées dans la cathédrale ont été déplacées. Ce n’est qu’en 1991 que les reliques sont réintégrées dans la cathédrale. Puis, le 30 avril 1994, une croix est à nouveau érigée sur le dôme et la consécration complète de la cathédrale a lieu le 29 mars 1998.

Enfin, en l’an 2000, elle est finalement rendue à l’Église orthodoxe russe et reçoit à nouveau le statut de cathédrale. À l’occasion du 300e anniversaire de Saint-Pétersbourg, en 2003, les maîtres de l’usine baltique ont fabriqué la plus grande cloche de la cathédrale, pesant quatre tonnes et faisant plus de deux mètres de haut. Elle accueille régulièrement des services religieux avec la participation des plus hautes personnalités du clergé orthodoxe. Chaque année, le 12 septembre, des processions religieuses sont organisées en l’honneur du prince, le saint patron de la ville, Alexandre Nevksi.

À la découverte de Notre-Dame de Kazan

La longueur de la cathédrale d’est en ouest est de 72,5 mètres et du nord au sud de 57 mètres. Elle possède un dôme couronné d’une croix, située à 71,6 mètres au-dessus du sol.

Architecture de pierre pour une colonnade gigantesque

Peu avant son assassinat, le tsar Paul Ier a voulu une cathédrale semblable à Saint-Pierre de Rome. La cathédrale de Kazan est de style Empire, sous la forme d’une basilique romane classique avec une coupole à sa croisée. La cathédrale Notre-Dame de Kazan est parfois appelée « musée de la pierre naturelle russe ». La pierre utilisée est du tuf calcaire extrait de la région de Gatchina. Elle ressemble au travertin italien à partir duquel a été construite la Basilique Saint-Pierre. Le tuf, avec sa structure poreuse, est facile à travailler. Il a été employé pour le revêtement extérieur des murs de la cathédrale ainsi que pour sculpter les chapiteaux et les frises.

L’architecte Voronikhine dessina une immense et grandiose colonnade, inspirée de la basilique romaine. 96 colonnes de 13 mètres de haut forment un demi-cercle devant la façade nord. Ces belles ailes s’étirent sur 111 mètres en direction de la perspective Nevski tout en entourant un jardin peuplé de statues. Deux d’entre elles représentent le maréchal Koutouzov et son compagnon d’armes le prince Mikhaïl Barclay de Tolly (aux origines normandes)

Les portes d’entrée en bronze sur le côté nord sont une copie des « Portes du paradis » du Baptistère Saint-Jean de Florence.

Quatre sculptures en bronze sont visibles sur la façade nord du temple : le prince Vladimir, André le Premier appelé, Jean le Baptiste et Alexandre Nevksi.

Le dôme, haut d’environ 80 mètres, a été le premier construit en fonte et supporte une croix. Les nombreuses fenêtres du dôme permettent à la lumière de pénétrer dans la cathédrale.

L’intérieur de marbre et granit

L’intérieur de la cathédrale est sombre et de style orthodoxe traditionnel. Voronikhine a utilisé pour les ornements du marbre de Carélie, du porphyre (roche volcanique) et du jaspe (quartz). L’intérieur de la cathédrale ne compte pas moins de 56 colonnes de granit rose finlandais surmontées de chapiteaux corinthiens dorés. 

Le sol du temple est recouvert de mosaïques de marbre multicolore et de quartzite.

Trois nefs divisent la cathédrale. La nef centrale est la plus vaste et elle est couverte d’une voûte semi-cylindrique. 

Quatre chapelles sont situées sur les côtés. Dans la principale, se trouve l’icône miraculeuse de Kazan. Elle serait apparue à Ivan le Terrible après le siège de la ville de Kazan par les Tatars en 1579. Sa légende raconte également qu’en 1612, elle aida les Moscovites à repousser les Polonais. L’icône a été transportée à Saint-Pétersbourg en 1710. Néanmoins, l’originale a été volée en 1904 et a sûrement été détruite. C’est une copie qui la remplace actuellement. Elle est une des icônes les plus vénérées en Russie et on y voit souvent une file de fidèles venir l’embrasser. La chapelle du nord-est dédiée aux Saints Antoine et Théodose. Le culte de la chapelle sud-est voué à la « Nativité de la Bienheureuse Vierge Marie » et au Saint martyr Hermogène.

À l’entrée sur la droite, se trouve le tombeau du maréchal Koutouzov. Héros de la guerre patriotique de 1812, il rappelle aux visiteurs les liens entre l’Histoire et la religion orthodoxe.

On trouve les clés des villes prises par les Russes lors des guerres napoléoniennes : Lubeck, Nancy…, ainsi que des drapeaux et des étendards pris à l’ennemi.

Le tombeau de Saint Alexandre Nevski est un incontournable de la cathédrale, ainsi que les reliques Saint Zosime et d’autres saints.

De nombreuses peintures ornent les murs de la cathédrale. On peut les voir dans l’iconostase, sur les murs et les pylônes – piliers du dôme. 

Une œuvre remarquable est le retable « La prise de la Mère de Dieu au ciel » de Karl Bryullov.

Le style de la cathédrale reflète le désir de Paul Ier d’unir orthodoxie et catholicisme dans un grand christianisme ainsi que sa fascination pour l’Ordre des chevaliers de Malte dont il était membre.

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La cathédrale Saint-Isaac (en russe: Исаакиевский собор) est le plus grand édifice orthodoxe de Saint-Pétersbourg. Elle possède un dôme qui dépasse les 100 mètres ce qui en fait une des cathédrales les plus hautes du monde.

Histoire de la cathédrale Saint-Isaac

La cathédrale a été consacrée au nom de Saint Isaac de Dalmatie par le tsar Pierre Ier. Elle fut le quatrième édifice construit à Saint-Pétersbourg afin de commémorer l’anniversaire de Pierre Ier. 

La première cathédrale

Cette première cathédrale a été construite en bois. Bâtie sans exubérance, elle comportait un étage, un clocher et un petit dôme. En 1706, débute sa construction et l’année suivante en 1707, elle est consacrée. Malgré la simplicité de son architecture et la sobriété de sa décoration, c’est dans cet édifice que le tsar Pierre Ier et Ekaterina Alekseevna se marient le 1^er mars 1712.

Néanmoins, quelques années plus tard, il apparut nécessaire de construire une nouvelle cathédrale. En effet, cette première église a cessé de répondre aux besoins de Saint-Pétersbourg en plein développement. Elle était désormais trop petite. Par conséquent, il a été décidé de construire la deuxième cathédrale cette fois plus près de la Neva.

La seconde cathédrale

Le 6 août 1717, Pierre Ier posa la première pierre de la nouvelle cathédrale Saint-Isaac de Dalmatie. Elle allait désormais être située à seulement 20 mètres de la Neva et sa construction prit dix ans. Pour la première fois en Russie, un édifice, de style baroque et en pierre a été construit comme les cathédrales occidentales : avec un plan en forme de croix.

La cathédrale comportait trois nefs, un dôme octogonal, un clocher d’un peu moins de trente mètres surmonté d’une flèche et de cloches. Sa construction ressemblait à la cathédrale de Pierre et Paul qui a été bâtie à la même époque. En raison de la proximité de la Neva, l’eau a endommagé les fondations. Des fissures sont alors apparues dans ses murs et ses voûtes, et dès 1763, le bâtiment a dû être détruit.

La troisième Cathédrale

Ce troisième édifice a été construit plus loin du fleuve au lieu actuel de la dernière cathédrale. Les travaux débutent en 1768 et se terminent 34 ans plus tard. Sous le règne de Catherine II, il est décidé de la construction d’une cathédrale baroque majestueuse et richement décorée. Ainsi, les murs ont été revêtus de marbre et il était prévu la construction d’un très grand clocher, de cinq dômes.

Malheureusement, quand Catherine II décéda en 1796, les travaux n’étaient arrivés qu’au niveau de la corniche. Il restait à construire les parties les plus élevées, et le clocher magnifique choisi par l’impératrice. Le nouveau tsar, Paul Ier décida de terminer au plus vite les travaux. Mais il dut revoir les plans, car les finances publiques ne lui permettaient plus de respecter les volontés de l’impératrice. Ainsi, la taille de la partie supérieure a été réduite et construite en brique (au-dessus des parties en marbre !).

La construction des dômes a été abandonnée et la taille du clocher a été réduite. Achevée en 1802, cette troisième cathédrale n’avait rien d’harmonieux. Elle était d’ailleurs moquée par les habitants qui comparaient les deux règnes en associant Catherine au marbre et Paul à la brique.

La cathédrale actuelle

L’architecture de la troisième cathédrale ne correspondait pas aux nécessités d’apparence de richesse et de cérémonie du centre de Saint-Pétersbourg. Ainsi entre 1809 et 1813, des concours sont lancés pour la reconstruction de Saint-Isaac. Le tsar Alexandre Ier souhaitait conserver la plus grande partie du projet décidé par Catherine II. C’est le projet de l’architecte français Auguste Montferrand qui a été retenu.

Quarante ans de travaux, de 1818 à 1858 ont été nécessaires pour construire ce joyau d’architecture. Le 30 mai 1858, la cathédrale Saint-Isaac est consacrée par le métropolite, c’est à dire l’archevêque Grégoire Novgorodqui de Saint Pétersbourg. L’empereur Alexandre II et la famille impériale ont participé à cette messe.

Après la révolution d’octobre 1917, le temple a été ravagé : environ 45 kg d’or et plus de 2 tonnes d’argent en ont été retirés. En 1928, les messes ont cessé d’y être célébrées et c’est ici que l’une des premières cathédrales bravant la politique anti-religieuse du pays a été ouverte.

Pendant la Seconde Guerre mondiale, les caves du temple servaient de lieu de conservation pour les œuvres d’art en provenance de tous les palais et musées. Pour le masquer, le dôme a été repeint en gris. Malgré tout, ce fut insuffisant et aujourd’hui encore des traces de bombardements sont visibles. Selon certains récits, les Allemands auraient utilisé le dôme uniquement comme un point de repère au sol, sans tirer directement dessus. Pendant le siège de Leningrad, elle fut endommagée et sa rénovation dura de 1945 à 1963. Depuis la chute de l’URSS, des offices y sont à nouveau célébrés.

La monumentalité de la cathédrale actuelle est soulignée par sa construction carrée. 43 types de roches minérales différents ont été utilisés dont 500kg de lapis-lazuli et 16 tonnes de malachite. Le sous-sol est recouvert de granit et les murs recouverts de blocs de marbre gris d’une épaisseur d’environ 40 à 50 cm. La cathédrale Saint-Isaac est encadrée de quatre côtés par de puissants portiques à huit colonnes décorés de statues et de bas-reliefs. Un dôme doré avec 100 kg d’or pur s’élève au-dessus de l’imposante cathédrale, entouré de colonnes de granit.

À la découverte de Saint-Isaac

Elle est la troisième plus grande cathédrale du continent européen, après la basilique Saint-Pierre de Rome et la cathédrale Saint-Paul de Londres. D’un point de vue architectural, la cathédrale Saint-Isaac est le dernier édifice de style classique. En outre, d’autres styles y cohabitent : le néo-Renaissance, le style byzantin et l’éclectisme. Les dimensions de la cathédrale sont impressionnantes : hauteur 101,5 m, longueur 111,28 m, largeur 97,6 m.

À l’extérieur, on peut admirer :

L’entrée principale est située sur le côté ouest, le portique côté est lui est fermé.

Les quatre façades de la cathédrale, de style Empire, sont recouvertes de marbre gris, et sont assez semblables. En effet, sur chacune d’elles, on peut admirer des portiques à colonnes de granit rose (dont les deux les plus importants comptent 16 colonnes, les deux autres 8 colonnes). Au total 48 colonnes, surmontent des bas-reliefs sculptés représentant les apôtres, sur les frontons.

Plus de 350 sculptures décorent l’extérieur du bâtiment avec comme thème principal la Passion du Christ. 

Quatre clochers carrés surmontés de dômes dorés sont situés de part et d’autre des frontons est et ouest.

La coupole est surmontée par des colonnes de granit rose et une balustrade ornée de vingt-quatre statues d’anges. Plus de 100kg de feuilles d’or, rendent le dôme étincelant.

À l’intérieur, on peut admirer :

La cathédrale Saint-Isaac est parfois appelée le musée de la pierre de couleur. Les murs intérieurs sont recouverts de marbre blanc avec des panneaux de marbre vert et jaune, de jaspe et de porphyre. Le dôme principal a été peint de l’intérieur par Karl Bryullov, Vasily Shebuev, Fyodor Bruni et Ivan Vitali. De nombreux autres artistes et sculpteurs célèbres ont également travaillé à l’intérieur du temple.

Saint-Isaac est construite suivant un plan en croix. Conçue dans l’esprit de la Renaissance italienne, la coupole est ornée de douze anges cariatides et de peintures avec notamment les apôtres. 

Les panneaux des portes.  Ceux de la porte nord ont pour sujet des épisodes de la vie de Saint Isaac de Dalmatie et de Saint Nicolas de Lycie. Sur la porte sud, sont représentés des événements de l’histoire russe. Les ornements de la porte ouest sont consacrés aux Saints Pierre et Paul.

Le sol est recouvert de dalles de marbre gris clair et gris foncé, ainsi que de marbre rose et rouge cerise. 

Les murs sont revêtus non seulement de marbre blanc italien, mais aussi de colonnes et de pilastres en marbre rose clair et rouge cerise. Des marbres de couleurs variées vert, jaune, rouge vif avec des inclusions blanches ont été également utilisés. 

Trois autels attirent les regards du visiteur : le principal est dédié à Isaac de Dalmatie, celui de gauche à la martyre Sainte Catherine d’Alexandrie, le droit à Alexandre Nevsky héros national russe et saint de l’Eglise orthodoxe.

Le vitrail, d’inspiration catholique, de la Résurrection du Christ d’une hauteur de 9,5 mètres est situé au centre d’un retable orné d’icônes orthodoxes.

Une collection unique de plus de 150 peintures monumentales de la première moitié du XIXe siècle peut y être admirée.

La plus riche collection de peintures religieuses et historiques russes de 1840-1850 y est conservée.

Plus de 350 œuvres créées par des sculpteurs russes représentent un ensemble unique du XIXe siècle.

62 mosaïques d’une superficie totale de plus de 500 mètres carrés ornent les murs. Les travaux de ces mosaïques ont commencé en 1851 et se sont poursuivis jusqu’en 1914.

Le buste de l’architecte Auguste Montferrand trône au centre.

De 1931 à 1986, la cathédrale a abrité le plus lourd pendule de Foucault du monde. Ce dispositif expérimental a été conçu pour mettre en évidence la rotation de la Terre. Il était accroché où se trouve maintenant la colombe symbolisant le Saint-Esprit.

La colonnade : On peut monter en haut du Dôme pour avoir un panorama sur la ville de Saint-Pétersbourg. Pour le gravir, on doit franchir 2 escaliers en colimaçon de 200 marches. 

Le meilleur point d’observation de Saint-Pétersbourg

Si vous hésitez encore à visiter ce colosse de pierre, oubliez toutes vos appréhensions et laissez-vous tenter par la colonnade de la cathédrale Saint-Isaac. D’une hauteur de 43 mètres, elle offre une vue imprenable sur la Neva et tout le centre historique de la ville. Vous ne regretterez pas d’avoir monté les 562 marches de l’escalier en colimaçon.

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Le musée de l’Hermitage se compose de plus de 400 salles réparties dans 4 bâtiments sans compter les annexes que nous avons traité dans notre guide complet sur l’Hermitage ici. Dans cet article, nous allons voir toutes les collections. La taille de celles-ci étant immense, nous avons fait au mieux pour avoir le plus important mis en avant. Encore une fois, si vous visitez l’Hermitage, faites des choix, vous ne pourrez pas tout voir. Nous vous proposons un itinéraire dans notre guide ci-dessus.

Temps de lecture estimé : 41 minutes

Les bâtiments du complexe muséal de l’Hermitage

Les 4 bâtiments sont tous reliés les uns aux autres. Le billet d’entrée vous donne accès à l’ensemble mais il n’y a qu’une seule entrée générale via le palais d’hiver. Nous allons donc traiter les 4 bâtiments puis toutes les salles dans l’ordre de numérotation proposé par le musée de l’Hermitage.

Le palais d’hiver de l’Hermitage

Ce palais élégant et monumental est un remarquable monument du style baroque dans l’art russe du milieu du XVIIIe siècle. Le palais est un brillant exemple de la synthèse de l’architecture et de l’art plastique décoratif. Toutes les façades sont embellies par une colonnade à deux niveaux. Formant un rythme complexe de verticales, les colonnes s’élancent vers le haut, et ce mouvement embrasse les nombreuses statues et vases sur le toit. L’abondance de la décoration moulurée – corniches et encadrements de fenêtres fantaisistes, mascarons, cartouches, rocailles et divers frontons – crée un jeu d’ombre et de lumière extrêmement riche qui investit l’apparence du bâtiment avec magnificence.

Développant un seul et même motif architectural, Rastrelli a donné à chacune des quatre façades du palais un rythme structurel différent. La façade sud, qui donne sur la place, a une grandeur formelle. Ici, l’architecte a percé le bâtiment de trois arcs pour créer une grande entrée dans la cour et l’a accentuée avec les éléments verticaux des colonnes jumelées. La majestueuse façade nord, qui donne l’impression d’une colonnade sans fin, fait face à la vaste étendue de la Neva. La façade ouest, en face de l’Amirauté, rappelle la composition d’un palais de campagne avec une petite cour. La façade orientale monumentale, avec ses blocs latéraux massifs formant une grande cour d’honneur, est tournée vers la rue Millionnaya, où se trouvaient les demeures de la noblesse.

Pendant 150 ans, le palais a servi de résidence impériale. En novembre 1917, après la révolution d’octobre, il a été déclaré musée. L’exposition placée dans le palais comprend des grandes salles et des chambres, des collections d’antiquités d’Eurasie et d’Orient, ainsi que des collections de peintures, de sculptures et d’œuvres d’art décoratif européennes et orientales.

Le petit Hermitage

Sur ordre de l’impératrice Catherine II, l’architecte Yury Velten égira le pavillon sud du petit Hermitage en 1765. L’apparence de ce bâtiment combine organiquement les caractéristiques du style baroque tardif et du classicisme précoce. Plus tard, en 1767, l’architecte français Jean Baptiste Vallin de la Mothe construit le pavillon nord sur la rive de la Neva en utilisant le style du classicisme précoce. Les deux structures sont reliées au niveau du premier étage par le Jardin suspendu. Cet ensemble architectural a été appelé le « Petit Hermitage », car dans le pavillon nord, Catherine II organisait des fêtes avec des jeux et des spectacles qui étaient connus sous ce nom. Les œuvres d’art étaient alors logées dans les galeries latérales, ce qui a permis de commencer les collections du musée impérial.

Le Grand Hermitage

En 1771, Yuri Velten réussit à intégrer un nouveau bâtiment à côté du Petit Hermitage. Catherine II souhaitait y mettre sa collection d’œuvre d’art et la bibliothèque. Plus grand que le Petit Hermitage, il fut simplement nommé Grand Hermitage. L’austérité et la simplicité du Grand Hermitage ont suivi les canons du classicisme du XVIIIe siècle. Le bâtiment ne comporte aucun élément indiquant l’ordre comme des colonnes ou des pilastres. Cependant, sa structure est entièrement déterminée par les proportions de l’ordre classique. La partie inférieure du bâtiment, massive et rustique, est équilibrée par la partie supérieure, plus légère. Le schéma décoratif de la façade est basé sur la combinaison rythmique de divisions horizontales et d’ouvertures de fenêtres verticales.

En 1792, Giacomo Quarenghi agrandi le Grand Hermitage pour y installer les Loggias de Raphaël, copies du XVIIIe siècle des fresques originales du Vatican, à Rome.

Le nouvel Hermitage

Le nouvel Hermitage a été le premier bâtiment de Russie construit spécialement pour abriter les collections du musée. L’empereur Nicolas Ier a confié cette mission à l’architecte allemand Leo von Klenze, dont les travaux ont largement contribué à l’image des musées en Europe. Les architectes Nikolay Yefimov et Vasily Stasov, chargés de l’exécution du projet, y ont apporté quelques modifications essentielles afin d’adapter la nouvelle construction à l’environnement architectural existant.

Le nouvel Hermitage construit en 1842 se caractérise par l’austérité et la monumentalité de la structure et l’équilibre des volumes architecturaux. L’entrée du musée est accentuée par un magnifique portique soutenu par des figures atlantes taillées dans du granit gris par Alexandre Térébenev. Le bâtiment est également décoré de statues et de bas-reliefs représentant des artistes, des architectes et des sculpteurs célèbres.

Les salles du musée ont été conçues en fonction des collections qui y seront exposées. Par exemple, les salles du premier étage, équipées de lucarnes lumineuses, abritent la galerie de peintures, tandis que les salles du rez-de-chaussée de style classique, abritent les collections d’antiquités et de sculptures.

Premier étage (RDC en français)

Culture préhistorique (Rose, salles 11 à 33, premier étage)

Anciennes reliques de la culture et de l’art d’Eurasie (Salles 11 à 14)

Les reliques anciennes exposées couvrent la période allant du paléolithique au début de l’âge du fer et ont été découvertes sur les territoires du Caucase, de Crimée, de Russie européenne et d’Asie centrale. Parmi les objets les plus anciens, on trouve des outils de travail et des statuettes féminines provenant de campements du paléolithique. Les pétroglyphes découverts dans le district de Prionezhskiy (Carélie) datent de 4 000 à 3 000 ans avant J.-C. Divers matériaux archéologiques décrivent les cultures agricoles de la fin de l’an 4 000 au début de l’an 2 000 avant J.-C. Les objets en bronze découverts lors des travaux de fouille près du village de Koban en Ossétie (an 1 000 avant J.-C.) donnent une image générale de la culture de l’époque.

La culture scythe du VIIe au IIe siècle avant J.-C. (Salles 15 à 17)

L’exposition est consacrée à la culture nomade primitive dite « scythe », qui existait au premier millénaire avant J.-C. dans les steppes d’Eurasie. J.-C. De nombreux objets proviennent des tumulus découverts sur les terres de Crimée, du Kouban et du Dniepr. On peut voir des exemples d’armement, de harnachement de chevaux et d’objets ménagers utilisés par les Scythes. Divers matériaux archéologiques représentent la culture des tribus agricoles scythes de la zone forêt-steppe.

La culture des peuples de la Sibérie du Sud (Violet, Salles 26 à 32)

L’exposition permet au visiteur de découvrir la culture des peuples de Sayano-Altaï, du Transbaykal et de la Sibérie du Sud de l’époque scythe au Moyen Âge (du VIIIe siècle avant J.-C. jusqu’au XIIIe siècle après J.-C.). Les objets trouvés lors des fouilles archéologiques dans la région de l’Altaï et Тuva occupent une place importante. Ils sont complétés par les matériaux relatifs à la culture tagare, qui s’est répandue sur le territoire de Minusinsk. Le matériel consacré aux nomades Huns explore leur vie quotidienne. Les objets culturels des États turquophones, que l’on pouvait trouver sur le territoire de l’Altaï et de la Sibérie du Sud aux VIe et XIIIe siècles, complètent l’exposition. Le tumulus de Pazyryk, situé sur le versant sud de la chaîne Chulishmanskiy dans l’est de l’Altaï, est l’un des monuments archéologiques les plus remarquables de l’époque « scythe ».

La salle 26 présente les objets de grande valeur découverts dans le cimetière du cinquième tumulus (IVe-IIIe siècle avant J.-C.), la dernière des tombes « impériales » de la haute vallée montagneuse de Pazyryk. Dans la chambre funéraire, on a trouvé une cabane en bois de mélèze, un catafalque en bois, un tapis en feutre avec les scènes rituelles et le plus ancien tapis à poils du monde.

L’Europe à l’époque des migrations et au début du Moyen Âge (Salle 33, couloir de Koutouzov)

Ici, seize vitrines présentent des objets archéologiques qui racontent la période de migration des IVe et VIe siècles après J.-C. C’est une époque historique importante et mouvementée qui a constitué une étape de transition entre l’Antiquité et le Haut Moyen Âge (VIe – Xe siècles). Pour de nombreux peuples européens, c’est à cette époque qu’est née leur propre culture, issue d’une synthèse de traditions ethniques « barbares » et de divers éléments de l’héritage gréco-romain. Le développement des premières civilisations médiévales en Europe commence précisément après l’achèvement des processus migratoires turbulents de cette période et peut être considéré comme leur conséquence.

Salles d’or (Jaune, Salles 41 à 45)

Le Salon d’or abrite une remarquable collection d’objets inestimables, allant d’anciens objets en or scythes et grecs à la collection sibérienne de Pierre le Grand. En outre, vous y verrez de splendides objets qui ont été donnés en cadeau à la famille impériale.

La culture et l’art de l’Asie centrale pré-islamique (Salles 46 à 54)

’exposition s’ouvre avec les objets culturels des nomades Saka (1er millénaire avant J.-C.) et les objets d’art des États hellénistiques – Empire Parthien (IIIe siècle avant J.-C. – IIe siècle après J.-C.) et le Royaume Gréco-Bactrien (IIIe – Ier siècle avant J.-C.). La célèbre frise avec des figures de musiciens provient du monastère bouddhiste d’Ayrtam. Les exemples de sculpture et de peinture trouvés à Pendjikent et les peintures murales découvertes à Varaksha familiarisent le visiteur avec la culture de la Sogdiane (Ve – VIIIe siècles après J.-C.).

La collection d’argenterie sogdienne et khorezmienne est de renommée mondiale. Les fouilles de la forteresse d’Abgar (l’actuelle montagne de Mug) ont permis de découvrir des objets appartenant au dernier souverain de la Pendjikent (début du VIIIe siècle).

L’art du Caucase (Orange, salles 55 à 66, premier étage)

La culture du Caucase. L’Antiquité et le Haut Moyen Âge (Salles 55 à 57)

L’exposition s’ouvre sur les découvertes archéologiques (fin du 2e millénaire avant J.-C.) des différentes régions du Caucase du Sud. La salle suivante est consacrée à la culture de l’ancien État d’Urartu (IXe – VIIe siècles avant J.-C.) situé sur le territoire adjacent aux lacs Van, Urmia et Sevan. La majorité des objets datent des VIIIe et VIIe siècles avant J.-C. et proviennent de l’ancienne ville de Teishebaini, où l’expédition archéologique dirigée par B.B. Piotrovsky de 1939 à 1971 a effectué des fouilles sous une colline à Karmir Blur. Les figurines en bronze de créatures fantastiques, qui proviennent de l’ancienne ville de Rusakhinili (aujourd’hui Toprakkale), sont particulièrement intéressantes. Une galerie séparée expose les découvertes archéologiques uniques du cimetière du ravin de Moshchevaya Balka dans le Caucase du Nord. Elle comprend une collection unique de tissus, de pièces de vêtements, d’objets en bois et en cuir, remarquables par leur état de conservation.

L’art du Daghestan médiéval (Salles 58 à 60)

La majorité des objets d’art représentés dans l’exposition sont associés au phénomène culturel unique qui a émergé au Moyen-Âge dans le village de montagne de Kubachi (la partie centrale de la région aujourd’hui habitée par les Dargins) au Daghestan. La collection de reliefs en pierre et de chaudrons en bronze est exposée dans les salles 58-59. Créés à Kubachi, ces objets d’art ont été exécutés dans deux styles traditionnels caractéristiques de cette culture. Au XIXe siècle, les habitants de Kubachi se consacraient à la décoration d’armes et à la fabrication de bijoux, comme en témoignent les objets exposés dans les vitrines de la salle 60.

L’art de l’Arménie et de la Géorgie (Salles 62 à 63A)

L’art de l’Arménie dans la salle 63 est représenté par les monuments d’art du Ier au XIXe siècle. Le plus grand nombre d’objets reflétant la culture de l’Arménie médiévale comprend les œuvres toreutics du royaume arménien de Kilikan des XIIe et XIIIe siècles, des fragments d’ornementation architecturale des XIe au XIVe siècles et un « khachkar », également appelé croix de pierre arménienne. Les exemples de peintures murales médiévales et la collection de manuscrits enluminés occupent une place importante dans l’exposition.

Dans la salle 62 consacrée à la culture et à l’art de Géorgie, connue dans l’Antiquité sous les noms d’Iberia-Kartli et de Colchis, sont exposés les anciens objets d’art trouvés dans le cimetière du village de Bori (IIe – IIIe siècles), les œuvres des orfèvres médiévaux de Géorgie, y compris des cadres d’icônes et une croix de procession du XVe siècle. On peut aussi y voir des sculptures du XIe et XVe siècles, récipients à vin originaux en argent et des armes du XIXe siècle.

L’art de l’armurerie au Moyen-Orient du XVe – XIXe siècle (Salle 65, le hall aux colonnes blanches)

L’exposition présente des armes provenant d’Arabie, de l’Empire ottoman, d’Afrique du Nord et d’Iran, ainsi qu’un certain nombre d’objets créés par des forgerons du Caucase et d’Asie centrale. Une partie importante de la collection d’armures de l’Hermitage a été constituée dans la première moitié du XIXe siècle sur la base de l’arsenal privé de l’empereur Nicolas Ier conservé à Tsarskoïe Selo. Sa constitution dépendait des cadeaux offerts par les souverains, diplomates et chefs militaires étrangers, ainsi que du butin des guerres du Caucase, d’Asie centrale et du Proche-Orient.

L’histoire et la culture de la Horde d’or (Salles 61 et 66)

L’exposition permet au visiteur de découvrir la diversité culturelle de la Horde d’or, l’État qui occupait la vaste étendue des steppes d’Eurasie du XIIIe au XVe siècle. À partir de matériaux provenant de plusieurs collections archéologiques, l’exposition présente des objets en pierres précieuses, qui représentent les principales étapes du développement de la culture des cavaliers du XIIIe au XIVe siècle. Les matériaux archéologiques fournis par les fouilles menées à Fort Gulistan, dans la région de la Moyenne-Volta, donnent une bonne idée de la culture de la Horde d’Or. Les matériaux de la collection Belorechenskaya (Caucase du Nord) et de la collection Solkhatskaya (Crimée orientale) permettent de révéler les contacts et les relations commerciales entre la Crimée orientale et le Caucase du Nord pendant la période de la fin du XIVe au XVe siècle.

L’art dans l’antiquité (moutarde, Salles 100 à 131, premier étage)

La culture de l’Égypte ancienne (Salle 100)

L’exposition présente au visiteur les principales étapes de l’histoire culturelle de l’Égypte ancienne de la fin de l’an 4 000 à 1 000 avant J.-C. Les fragments de reliefs muraux provenant des tombes des nobles des Ve et VIe dynasties remontent à la période de l’Ancien Empire. Les matériaux caractéristiques des pratiques cultuelles de l’Égypte du Moyen Empire, notamment les stèles, les figurines en bois des serviteurs et les statuettes de particuliers, permettent de se faire une idée sur cette période.

La statue représentant le pharaon Amonemhat III de la XIIe dynastie, qui date du XIXe siècle avant J.-C., est un bel exemple du portrait royal officiel. L’art du Nouvel Empire est représenté par la sculpture, les stèles et l’artisanat d’art. L’un des chefs-d’œuvre de la collection, la statue de Cléopâtre VII, dernière reine de la dynastie ptolémaïque, remonte à la domination de la dynastie macédonienne, qui a cessé d’exister en 30 avant J.-C.

L’art de la Rome antique (Salles 101 à 110 et 127 à 129)

La collection d’art romain couvre la période chronologique allant de la République (1er siècle avant J.-C.) à la fin de l’Empire (4e siècle avant J.-C.). Elle comprend des sculptures, des reliefs, des sarcophages en marbre, des autels, des mosaïques et des objets d’artisanat d’art. Parmi les chefs-d’œuvre figurent le portrait de l’empereur Lucius Verus (IIe siècle avant J.-C.), le portrait d’une jeune femme, dite syrienne (IIe siècle avant J.-C.) et deux monuments d’art du IIIe siècle : les portraits des empereurs Balbinus et Philippe l’Arabe.

L’art de la Grèce antique (Salles 111 à 114)

L’art de la période archaïque et du début de la période classique est représenté par les objets de céramique peinte sur verre provenant de différents centres d’artisanat grec, notamment Athènes, Corinthe et les villes d’Ionie. Parmi les objets exposés figurent des œuvres de peintres de vases tels qu’Epictète, Euphronios et Durios. Les vestiges de l’Antiquité trouvés à Chypre (fin du IIIe au 5e siècle avant J.-C.) sont exposés ici. Les monuments grecs originaux, tels que les tombes avec des reliefs datant du Ve siècle avant J.-C., et les copies romaines des œuvres des célèbres sculpteurs de la Grèce antique familiarisent le visiteur avec l’art des périodes du Haut et du Bas-Classique. L’exposition se termine par les œuvres d’origine romaine reproduisant les chefs-d’œuvre de Scopas, Praxitèle, Lysippe et d’autres sculpteurs de la période classique tardive (IVe siècle avant J.-C.).

La culture des anciennes villes de la région nord de la mer Noire (Salles 115 à 117)

L’exposition est basée sur la collection de monuments datant du VIIe siècle avant J.-C. au IIIe siècle après J.-C. découverts à la suite de fouilles archéologiques au nord de la mer Noire. La partie principale de l’exposition intitulée « Les tumulus du Bosphore » est consacrée aux célèbres sépultures du royaume du Bosphore. Elle présente trois sarcophages en bois uniques, les objets trouvés dans les tumulus de Nimfei et de Semibratniy, ainsi que dans les tumulus de Kul-Oba et de Yuz-Oba. Les sarcophages en bois trouvés dans les tombes du Bosphore sont d’origine romaine. Veuillez noter le masque en or du IIIe siècles. Une section distincte illustre les caractéristiques décoratives des habitations antiques au cours de l’ère archaïque, classique et hellénistique.

L’art de l’ère hellénique (Salle 121)

L’exposition est consacrée à l’art hellénistique issu de la campagne d’Alexandre le Grand à la fin du IVe siècle avant J.-C. Les sculptures exposées sont principalement des copies romaines des originaux hellénistiques. Une section séparée est consacrée à l’art plastique classique en terre cuite des IVe et IIIe siècles avant J.-C. Parmi les objets exposés, on trouve la statuette d’Aphrodite jouant avec Éros ainsi que les gracieuses figurines créées dans la ville de Tanagra en Béotie.

La chambre des diamants (Salles 122 à 126)

L’exposition présente des joyaux inestimables et des objets de luxe qui ont appartenu à la famille Romanov et des cadeaux diplomatiques à la cour russe. Vous verrez la célèbre vitrine qui présente deux harnais de chevaux somptueusement décorés de pierres précieuses, ainsi que des décorations exquises créées par Carl Fabergé.

L’art de l’Italie ancienne (Salles 130 à 131)

L’exposition représente l’art de l’Italie pré-romaine de la fin du IXe au IIe siècle avant J.-C. La majorité des objets exposés sont représentés par des céramiques provenant des différentes régions d’Italie. La pièce la plus belle est l’hydrie laquée noire dont les épaules représentent les divinités. Le corps porte une bande avec les figures en relief de gryphons, lions et panthères. Une section distincte est consacrée aux objets culturels étrusques datant du VIIIe au IIe siècle avant J.-C., notamment les céramiques et les bronzes. L’urne cinéraire représentant la figure couchée d’un jeune est un exemple rare de sculpture étrusque en bronze.

Deuxième étage (premier étage en français)

Culture russe (Violet, salles 151 à 187, deuxième étage)

La galerie de portraits des représentants de la dynastie des Romanov (Salles 151 à 153)

De 1840 à 1918, la galerie Romanov a été installée dans le Petit Hermitage. Basée sur le riche héritage iconographique de la dynastie royale Romanov, la collection a été recréée dans l’une des galeries du Palais d’hiver du musée actuel. On y trouve les portraits de tous les couronnés de la dynastie Romanov et des membres de leur famille.

La culture et l’art russes de la première moitié du XVIIIe siècle (Salles 157 à 167)

Cette exposition raconte l’histoire fascinante du développement de la culture russe depuis l’époque de Pierre le Grand jusqu’au règne d’Elizabeth Petrovna.

Une collection unique de souvenirs provenant du bureau de Pierre le Grand permet de se faire une idée à la fois de la culture de l’époque et de la personnalité du tsar. Elle se compose d’outils, d’instruments et de tours provenant de l’atelier de Pierre. Les portraits des personnalités publiques qui se sont distinguées sous le règne de Pierre le Grand et d’Élisabeth méritent une mention spéciale. Une partie considérable des objets exposés représente les œuvres d’art décoratif et appliqué de la première moitié du XVIIIe siècle. On y trouve notamment des meubles, des décorations d’intérieur, des objets d’art en métal, des objets en verre, des émaux, des exemples de mosaïques, etc. Les premiers exemples de porcelaine produits à la Manufacture de Porcelaine Impériale sont exposés, y compris les rares exemples de porcelaine russe du père de la porcelaine artisanale D.I. Vinogradov.

La culture et l’art russes de la seconde moitié du XVIIIe siècle (Salles 168 à 174)

L’exposition se concentre sur le règne de Catherine II et de ses successeurs immédiats. Les peintures exposées sont pour la plupart des portraits, notamment des œuvres de Vladimir Borovikovsky, Dmitry Levitsky, Fyodor Rokotov et d’artistes étrangers tels qu’Alexander Roslin, Johann Baptist von Lampi, Jean-Louis Voille, Angelica Kauffmann et d’autres. L’exposition présente également des objets d’art décoratif et appliqué, tels que des costumes, des meubles, de la porcelaine, de la verrerie, des textiles et des œuvres d’art en métal. Le bureau d’Alexandre II avec sa chambre à coucher, abrite une plaque commémorative et un buste en marbre de l’empereur, qui est mort ici des suites de ses blessures le 1er mars 1881.

La décoration intérieure russe du XIXe – début du XXe siècle (Salles 176 à 187)

Une partie considérable des objets a été utilisée pour la décoration du Palais d’hiver. L’exposition complète des objets, caractéristiques de cette période historique spécifique et extrêmement variés tant dans leurs fonctions que dans leurs techniques respectives, permet de montrer de façon vivante les traits les plus distinctifs de l’art décoratif et appliqué russe. Classée par ordre chronologique, de l’époque d’Alexandre Ier jusqu’au règne de Nicolas II, l’exposition présente différentes tendances stylistiques reflétant l’évolution des intérieurs, allant du style Art nouveau au style Empire.

Chaque partie de l’exposition porte la marque de son époque. Les objets présentés dans l’exposition recréent partiellement le panorama du mode de vie de l’aristocratie, de la noblesse et de la classe moyenne de la société russe. Chaque fonction a reçu sa propre pièce : le salon, le salon de musique, le bureau privé, le boudoir et autres. La salle 178 représente l’intérieur original du palais. Il s’agit de la bibliothèque de Nicolas II, dont les salons privés étaient situés dans cette partie du palais d’hiver.

La place prépondérante dans l’exposition est occupée par le mobilier qui joue un rôle important dans toute décoration intérieure. La riche collection de meubles russes de l’Hermitage permet de montrer l’impressionnante diversité des formes, du design et de la décoration artistique, ainsi que le rôle important des principaux architectes et maîtres de l’art décoratif et appliqué.

Les chambres d’état (Vert clair, salles 155, 156, 188 à 197, 204, 270 à 271 et 304 à 308)

La suite de chambres Nevsky, la chambre Malachite et la rotonde (Salles 155 à 156 et 188 à 192)

S’étendant le long de la Neva, la suite de chambres Nevsky du Palais d’hiver commence à partir du palier de l’escalier Jordan. Elle comprend trois salles d’état : l’Antichambre, la Salle Nicolas et la Salle de concert. Conçu par Giacomo Quarenghi à la fin du XVIIIe siècle, l’intérieur de la suite Nevsky a été gravement endommagé par l’incendie de 1837. Il a été restauré par V.P. Stasov conformément à la tendance architecturale dominante du milieu du XIXe siècle. Au-delà de la salle de concert se trouve la salle Malachite (architecte A.P. Brullov), dont les portes s’ouvrent sur la petite salle à manger et la salle à manger Blackamoor. De cette dernière, on peut se rendre dans la Rotonde (architecte Auguste Montferrand).

La suite des salles de l’État dans le palais d’hiver (Salles 193 à 197, 270 à 271 et 282)

Commençant près de l’escalier du Jourdain, la suite des salles d’état du Palais d’Hiver mène à la salle Saint George (la grande salle du trône) et à la grande église. Les salles, qui ont conservé leur décoration d’origine, offrent un aperçu fascinant des intérieurs de palais du XIXe siècle.

La suite des salles d’Etat du palais d’hiver commence près de l’escalier du Jourdain et mène à la salle Saint-Georges (la grande salle du trône). Adjacente à la salle des maréchaux, on trouve la salle commémorative de Pierre le Grand. De la Salle d’Armes, on peut entrer dans la Galerie de la Guerre créée comme un monument à la gloire militaire de la Russie. Les portes de la partie centrale de la Galerie de la Guerre s’ouvrent sur la Salle Saint-Georges, l’ancien lieu des cérémonies d’accession impériale. Juste après on trouve une petite antichambre, la salle des piquets de grève et la salle Alexandre Ier.

Les chambres privées de l’impératrice Maria Alexandrovna dans le palais d’hiver (Salles 289 et 304 à 308)

Les salons privés de l’impératrice Marie-Alexandrovna, épouse de l’empereur Alexandre II se composent de la salle blanche, le salon doré, le salon vert, le bureau cramoisi, le boudoir et la chambre bleue. La décoration intérieure a été recréée en 1841 par A.P. Briullov. Selon les souhaits de l’impératrice, A.I. Stackenschneider et G.A. Bosse ont rénové les salons privés dans les années 1850.

L’art italien (Vert foncé, salles 207 à 238)

Art de la Renaissance italienne du XIIIe – XVIe siècle (Salles 207 à 216)

L’art de la Renaissance italienne, qui couvre une période allant de sa naissance au XIIIe siècle jusqu’au XVIe siècle, est représenté dans la Grande Suite des chambres du premier étage de l’Ancien Hermitage. L’exposition présente les œuvres des maîtres de diverses écoles italiennes, la première place étant occupée par l’école florentine.

Datant de la seconde moitié du XIIIe siècle, l’une des plus anciennes œuvres de l’exposition est intitulée « Croix avec le Christ crucifié » par Ugolino di Tedice, le maître de Pise. Il convient de mentionner en particulier l’exemple remarquable de l’art du début de la Renaissance italienne – le panneau diptyque droit de petite taille – qui représente la Madone dans une scène de « L’Annonciation », œuvre du grand artiste de la Renaissance italienne Simone Martini (salle 207). L’art florentin du XVe siècle est représenté par les peintures de Fra Beato Angelico, Fra Filippo Lippi, ainsi que par les œuvres des sculpteurs et céramistes de la famille della Robbia (salles 209-210).

L’exposition contient les peintures des principaux artistes italiens des XVe et XVIe siècles, notamment Sandro Botticelli, Filippino Lippi, Pietro Perugino, Andrea del Sarto et Francesco Franchi. Deux tableaux de Léonard de Vinci – « La Madone de Benois » et « La Madone de Litta » – sont considérés à juste titre comme les joyaux de la collection de l’Hermitage. Les tableaux des disciples et des adeptes du grand maître, dont Francesco Melzi, Bernardino Luini et Giampietrino (salle 215), ainsi que les toiles des artistes maniéristes Jacopo Pontormo, Angelo Bronzino et Giulio Romano complètent l’exposition.

L’école d’art vénitienne de la Renaissance italienne (Salles 217 à 223)

La cour-enfilade du premier étage du Grand Hermitage est consacrée à l’école de peinture vénitienne représentée par les œuvres des maîtres des XVe et XVIe siècles Cima da Conegliano, Giorgione et Sebastiano del Pjombo, ainsi que par les portraitistes Palma l’Ancien, Domenico Capriolo et Lorenzo Lotto (salles 217-218). Les peintures de Titien caractérisent les différentes étapes de son œuvre. La plus ancienne, le tableau monumental « La fuite en Égypte », a été réalisée au début du XVIe siècle (salle 217), tandis que les célèbres tableaux de la collection de l’Hermitage – « Danaé », « La Madeleine pénitente » et « Saint-Sébastien » – (salle 221) représentent la période tardive de l’œuvre de Titien. Les tableaux de Paolo Véronèse et de Jacopo Tintoretto illustrent la dernière étape du développement de l’art à la Renaissance (salle 222). L’exposition est complétée par des objets d’art appliqué : verre vénitien, heurtoirs de porte en bronze, tissus et dentelles (salle 223).

Les loggias de Raphaël (Salle 227)

Commandées par l’impératrice Catherine II à la fin des années 1780, les loges de Raphaël sont la copie exacte de la galerie du palais papal au Vatican. Les fresques des loggias ouvertes du Palais papal ont été peintes d’après les croquis de Raphaël. Leurs copies réalisées en Italie par un groupe d’artistes sous la supervision de Christopher Unterberger, ont pris place dans la galerie d’un bâtiment séparé érigé par Giacomo Quarenghi. Les voûtes des Loggias sont décorées de scènes tirées de récits bibliques, les murs sont couverts de peintures avec des motifs « grotesques ».

L’art italien des XVIe – XVIIIe siècles (Salles 229 à 238)

L’exposition d’art italien du XVIe au XVIIIe siècles au premier étage du Nouvel Hermitage occupe les salles dites des Petites et Grandes lucarnes italiennes (salles 237-238), les salles de l’Enfilade de la Cour, « les Cabinets italiens » (salles 230-236) et la salle de la Majolique italienne (salle 229).

Deux peintures anciennes de Raphaël – « La Vierge aux Conestabile » et « La Sainte Famille » – ainsi que l’énorme dessin animé de Giulio Romano intitulé « Le triomphe de Scipion l’Africain » sont exposés dans la salle 229. On y trouve également des objets d’art décoratif et appliqué de la Renaissance, notamment des exemples de majoliques, de cassones et de tapisseries du XVIe siècle. La cour s’ouvre sur la salle des fresques réalisées au XVIe siècle par les artistes de l’école Raphaëlite sur les thèmes des « Métamorphoses » d’Ovide. On y trouve également une petite sculpture de Michelangelo Buonarroti intitulée « Le garçon accroupi », acquise pour la collection impériale sur ordre de Catherine II, ainsi qu’une partie de la collection de sculptures de Farsetti et des œuvres du grand-maître du style baroque Gian Lorenzo Bernini.

L’Académie de Bologne est représentée par les tableaux des frères Carracci, Guido Reni, Guercino et Domenichino (salles 237,231), et une autre division de la collection connue sous le nom de Caravagisme italien (salles 237,232,233) est représentée par « Le joueur de luth » (salle 237), le seul tableau en Russie de Michelangelo Merisi da Caravaggio. La grande salle italienne des lucarnes présente des toiles de grande taille réalisées par des artistes italiens des XVIIe et XVIIIe siècles (salle 238).

Sont exposées ici les peintures dans le genre de la veduta, les œuvres du grand artiste baroque italien Luca Giordano, ainsi que les peintures de Salvator Rosa et Giovanni Maria Crespi. Des toiles décoratives à grande échelle peintes par Tiepolo sur le thème de l’histoire romaine ancienne ont été créées par le maître pour le Palais des Dauphins à Venise. Au centre de la salle se trouve la sculpture intitulée « La mort d’Adonis » de Giuseppe Mazzuola.

La peinture espagnole (Saumon, Salles 239 à 240, deuxième étage)

La collection de peinture espagnole occupe deux salles au premier étage du Nouvel Hermitage : la petite salle de la lucarne espagnole et le Cabinet espagnol (salles 239-240).

L’exposition s’ouvre avec les œuvres des maîtres représentant les différentes écoles d’art du XVe siècle. La peinture espagnole du XVIe siècle est illustrée par les toiles de Luis de Morales et Francisco Ribalta, ainsi que par les maîtres du portrait de cour Alonso Sanchez Coello et Juan Pantoja de la Cruz. L’un des joyaux de la collection de l’Hermitage est « Les Apôtres Pierre et Paul » du Greco. L’art espagnol du XVIIe siècle est associé aux noms de maîtres tels que Jusepe de Ribera, Francisco de Zurbaran et Diego Velazquez. Un grand nombre de tableaux de Bartolomé Esteban Murillo donnent une image générale de l’œuvre du célèbre artiste sévillan. Le « Portrait de l’actrice Antonia Zarate » de Francisco de Goya, daté du début du XIXe siècle, clôt l’exposition de manière chronologique.

La peinture flamande (Bleu, Salles 245 à 247, deuxième étage)

La peinture flamande occupe quatre salles au premier étage du Nouvel Hermitage (salles 245-247). Il s’agit de l’une des plus grandes collections au monde, qui contient les œuvres de Peter Paul Rubens, Anthony van Dyck, Jacob Jordaens et Frans Snyders, les célèbres artistes du XVIIe siècle.

Le XVIIe siècle a marqué l’âge d’or de la peinture flamande. Les tableaux de Peter Paul Rubens (salle 247) constituent le point central de l’exposition. Son œuvre, en tant qu’artiste principal de l’école de peinture flamande, est représentée par différents genres : paysage, portrait, sujets bibliques et mythologiques. Parmi les œuvres les plus remarquables figurent « L’union de la terre et de l’eau », « Persée et Andromède » et « Bacchus ». L’œuvre du célèbre portraitiste flamand Anthony van Dyck est représentée à l’Hermitage par 24 tableaux, dont la plupart sont exposés dans la salle attenante (246). Les peintures grand format de Frans Snyders de la série « Shops », les peintures de scènes de chasse de Paul de Vos et « The Bean King » de Jacob Jordaens donnent un aperçu de la diversité des genres pratiqués par les maîtres flamands du XVIIe siècle (salle 245).

La peinture hollandaise (Bordeau, Salles 248 à 254, deuxième étage)

L’exposition de peinture hollandaise est l’une des plus importantes de la collection de l’Hermitage. Elle occupe six salles au premier étage du nouvel Hermitage (salles 249-253).

Étant la plus grande en superficie, la Salle de la Tente (249) représente la diversité des genres pratiqués dans l’art néerlandais du XVIIe siècle. On y trouve les œuvres des célèbres paysagistes Jan van Goyen et Jacob van Ruisdael, des peintres de genre Jan Steen, Gerard Terborch, Pieter de Hooch, Adriaen et Isaac van Ostade, de l’animalier Paulus Potter et des maîtres de la nature morte Willem Claesz Heda et Willem Kalf. Les portraits de Frans Hals sont également exposés. Une salle séparée présente les œuvres de Rembrandt Harmensz van Rijn (salle 254). L’Hermitage possède la plus grande collection d’œuvres du grand artiste néerlandais, qui est représentée par des peintures sur des sujets bibliques et mythologiques, ainsi que par des portraits.

L’art allemand du XVe au XVIIIe siècle (Bleu clair, Salles 255 à 257, deuxième étage)

La collection d’art allemand de la Renaissance comprend cinq peintures de Lucas Cranach, Ambrosius Holbein et Georg Pencz. Les tableaux de Hans von Aachen (le peintre de la cour de l’empereur Rodolphe II Habsbourg), Johann Schonfeld et Christopher Paudiss donnent un aperçu de la peinture du XVIIe siècle. La collection de peinture allemande du XVIIIe siècle est représentée par les œuvres d’Angelica Kauffman, d’Anton Raphael Mengs et d’Antoine Pesne. La collection de portraits allemands de la seconde moitié du XVIIIe siècle comprend les toiles de Johann Friederich Tischbein et d’Anton Graff. L’exposition présente aussi des œuvres de sculpture et des objets d’art décoratif et appliqué.

L’art des Pays-bas (Rose, Salles 258 à 261, deuxième étage)

L’exposition d’art des Pays-Bas se trouve au premier étage du Petit Hermitage où elle occupe une partie du pavillon sud adjacent (salle 258), une des galeries (salles 261 – 262) et la salle d’angle du bâtiment du Nouvel Hermitage (salle 248).

Loin d’être de grande taille, la collection de peinture néerlandaise contient les œuvres d’artistes remarquables, qui ont atteint le plus haut sommet de leur art national. L’une des premières peintures néerlandaises, qui remonte au début du XVe siècle, est le diptyque « Trinité ». La Vierge à l’enfant près d’une cheminée » de Robert Campin. C’est ici que le visiteur peut voir les peintures des principaux artistes du XVe siècle : « Saint Luc dessinant la Vierge » de Rogier van der Weyden et le triptyque de Hugo van der Goes.

Parmi les joyaux de la collection se trouve le triptyque « La guérison de l’aveugle de Jéricho » de Lucas van Leyden, ainsi que les tableaux de Jan Gossaert, Dirck Jacobsz, Pieter Aertsen, Joachim Patinier et Adriaen Thomas Key. Sont également exposés des sculptures, des tapisseries et des objets d’art appliqué créés par les maîtres néerlandais.

L’Europe occidentale : l’art appliqué du XIe au XVe siècles (Violet foncé, Salle 259)

La collection de monuments d’Europe occidentale d’art appliqué du Moyen Âge est exposée dans la galerie Romanov du Petit Hermitage. Elle présente des objets d’église, notamment des reliquaires, des ostensoirs, des croix de procession, des plaques d’os sculptées et une sculpture en ivoire de la Vierge à l’Enfant. Une place importante dans la collection des maîtres de Limoges est occupée par un cercueil portant des scènes de la vie de Sainte Valérie. Un exemple très rare est le vase Fortuny en céramique du XIVe siècle, exécuté dans le style hispano-mauresque. L’exposition contient également des pièces de mobilier, des tapisseries, des vitraux et des œuvres d’art en métal.

L’art français des XVe – XVIIIe siècles (Bleu foncé, Salles 272 à 281 et 283 à 297, deuxième étage)

L’art de la seconde moitié du XVe au début du XVIIe siècle est représenté par des toiles d’artistes tels que Pierre Dumonstier et Jacques Bellange (salles 272-275), des émaux de Limoges (salle 274), des céramiques produites à Saint Porcheres et la célèbre « poterie rustique », pour laquelle Bernard Palissy était célèbre (salle 273). L’exposition présente au visiteur les œuvres des artistes les plus célèbres du XVIIe siècle, dont Simon Vouet, qui fut le premier peintre du roi Louis XIII, son disciple Eustache Le Sueur, les frères Le Nain, Sébastien Bourdon et d’autres (salles 275 -276). Il y a 12 tableaux de Nicolas Poussin, le principal maître du classicisme dans la peinture française du XVIIe siècle (salle 279). Une salle séparée présente les tableaux du peintre paysagiste Claude Gellee (ou Le Lorrain), le disciple de Nicolas Poussin (salle 280). L’exposition illustrant l’école française de peinture du XVIIIe siècle est remarquable par les œuvres d’Antoine Watteau, François Boucher, Jean Siméon Chardin, Jean-Honoré Fragonard et Hubert Robert (salles 283-288). Les œuvres sculpturales de Maurice Falconet et de Jean-Antoine Houdon se distinguent avant tout.

L’art anglais (Bleu clair, Salles 298 à 301, deuxième étage)

Peintures, objets en argent, porcelaine, faïence de Wedgwood, camées et médailles sont exposés dans les quatre salles de l’Enfilade au premier étage du Palais d’hiver (salles 298-301). Une partie considérable de la collection de peinture anglaise comprend des portraits, dont les plus anciens remontent au XVIe siècle. Le genre de la peinture de portrait de la fin du XVIIe et du XVIIIe siècle est représenté par les œuvres de William Dobson, Godfrey Kneller, George Romney, Henry Raeburn et Thomas Gainsborough. C’est ce dernier qui a créé le « Portrait d’une dame en bleu » (salle 298). Trois œuvres de Joshua Reynolds, dont « L’Hercule infantile étranglant les serpents », commandées par Catherine II, illustrent le travail du maître (salle 300). La peinture du XIXe siècle est représentée par les œuvres des éminents portraitistes Thomas Lawrence, Christina Robertson et George Dawe (salles 300 -301).

Troisième étage (deuxième étage en français)

L’art oriental (rouge, 351 à 397, troisième étage)

La culture et l’art de l’Asie centrale (Salles 359 à 367)

L’exposition donne une image générale de la diversité des cultures des peuples qui ont habité les différentes régions de l’Asie centrale et de la Mongolie depuis les temps anciens jusqu’au Moyen Âge. Parmi les objets exposés, on trouve des peintures murales, des sculptures et des matériaux archéologiques mis au jour lors des travaux de fouille dans les temples-cavernes bouddhistes des oasis de la route de la soie. Les œuvres d’art bouddhiste sont également représentées par les reliques des temples rupestres de Mogao (près de Dunhuang) et par les œuvres d’art de la dynastie Tang, notamment par la peinture et la sculpture bouddhistes de Hara-Hoto, l’un des centres de l’État Tangut du Xia occidental. Ll’Hermitage possède un grand nombre de pièces archéologiques provenant des tumulus de Noin-Ula, le complexe archéologique de la culture nomade des Huns d’Asie centrale (Hsiung-nu) dans le nord de la Mongolie. La collection d’art tibétain, qui suit la tradition des formes tibétaines et mongoles du bouddhisme, comprend des exemples d’art plastique bouddhiste en bronze, de peinture (tangka tibétain) et d’objets rituels.

L’art de l’Inde du 1er au 19ème siècle (Salles 368 à 370)

L’art de l’Inde ancienne et médiévale est représenté par des sculptures bouddhistes, jaïnes et hindoues en pierre, en bronze et en bois. L’exposition de peintures miniatures indiennes fournit une introduction aux différentes écoles de peinture, y compris des exemples d’art des écoles d’Inde occidentale, des Mogols, du Deccan et du Rajputu. Il convient également de noter les feuilles créées dans les écoles musulmanes provinciales. Sont également exposées les miniatures sur ivoire associées à l’école de la Compagnie. La plus belle collection d’armes et d’armement indiens de Russie occupe une place importante dans l’exposition. Parmi celles-ci, on peut voir les haches rituelles pour faire des sacrifices, les épées Kunda pour les batailles impliquant des éléphants, les boucliers d’acier faits de peau de rhinocéros, les canons décorés de peinture décorative, les chakras (disques de combat), ainsi que l’armure complète qui appartenait à un noble guerrier Rajput.

L’art du Japon (Salles 358, 375 et 376)

L’exposition présente des œuvres d’art qui familiarisent le visiteur avec différents aspects de la culture traditionnelle japonaise, notamment des objets d’art bouddhiste des XIVe et XVe siècles, des objets pour la cérémonie du thé, ainsi que des exemples d’armes japonaises. On peut également y voir les estampes ukiyo-e du XVIIIe au XXe siècle qui reflètent la vie quotidienne, la routine et les fêtes des citadins. Des objets en métal, en laque, en ivoire et des œuvres d’art émaillées permettent de se faire une idée des différentes formes d’art appliqué. L’exposition présente 240 netsukes créés les maîtres des écoles de Yedo, Osaka, Kyoto, Nagoya, Ivami et Tsu.

L’art du XIXème et XXème siècle a été déplacé au bâtiment de l’état-major général.

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Le palais Youssoupov sur la Moïka est la résidence de cinq générations de la noble et riche dynastie des princes Youssoupov. Ils possédaient ce palais, qui attire l’attention, par les intérieurs luxueux des salles de cérémonies. Toutefois, un événement historique et mystérieux, couvert de légendes, a eu lieu dans ces murs. En effet, le palais Youssoupov est le site du meurtre de Grigori Raspoutine qui le rendit encore plus célèbre. Ce bâtiment est l’un des 57 domaines de la famille princière Youssoupov, mais peut-être le plus célèbre, avec le domaine d’Arkhangelskoye à Moscou.

Histoire du palais Youssoupov

La première mention du palais remonte au début du XVIIIe siècle. Le domaine de la nièce de Pierre Ier, Tsarevna Praskovya Ivanovna, est apparu sur les cartes de Saint-Pétersbourg. Cependant, sa structure en bois était de taille nettement inférieure à celle du bâtiment actuel. En 1726, elle installa le régiment Semyonovsky qui y resta jusqu’en 1742.

Ensuite, ce palais fut acquis par le comte Piotr Ivanovitch Chouvalov, maréchal à la cour de l’impératrice Elizabeth Petrovna. Son fils et héritier, Andrei Petrovich Shuvalov, a repris le palais et l’a rénové grâce aux talents de l’architecte français Jean-Baptiste Vallin de La Mothe.

En 1795, l’impératrice Catherine acquis le domaine pour la comtesse Alexandra Branitskaya. Cette amie intime de l’impératrice est la nièce de Grigori Potemkine, l’amant de l’impératrice.

Acquisition du palais par les Youssoupov

Le palais passe aux mains des princes Youssoupov en 1830, à la suite de son acquisition par Boris Nikolaevich Youssoupov.

Dès le début de sa possession par le prince Youssoupov, sa reconstruction, importante, a commencé. Dans la période de 1830 à 1838, les modifications suivantes ont été apportées à l’aspect architectural : aménagement de l’escalier principal, aménagement des jardins, construction du 3e étage et d’une salle de banquet, et décoration des salons, galerie et théâtre.

Son fils, Nikolai Yusupov, né en 1827, sera le dernier représentant masculin de la famille Youssoupov. En 1861, la fille de Nikolai Yusupov, Zinaida, naîtra et elle épousera en 1882 le comte Felix Sumarokov-Elston.

C’est de cette union, en 1887, qu’est né Felix Feliksovich Youssoupov, le dernier des princes Yusupov, participant au meurtre de Grigori Raspoutine.

En février 1914, Felix Yusupov épousa Irina Alexandrovna Romanova, qui était la nièce de l’empereur Nicolas II. Après le mariage, dans l’aile gauche du palais sur la Moka, on aménagea des chambres pour le jeune couple.

Dans la période de 1890 à 1916, une restauration à grande échelle a eu lieu dans le palais, au cours de laquelle :

• On installa l’électricité, l’assainissement de eau et le chauffage central
• Reconstruction du théâtre
• On créa le salon mauresque, la grande salle et la salle à manger

Suite à la révolution et au meurtre

Dans la nuit du 30 décembre 1916, Grigori Raspoutine, le mentor spirituel de l’empereur Nicolas II, est assassiné dans le palais Youssoupov. Les conspirateurs craignaient son influence indûment forte sur le tsar.

En 1925, le palais Youssoupov fut réquisitionné par le commissariat de l’Éducation de la ville qui le transforma en musée. Aujourd’hui, le palais est utilisé comme palais de la culture pour les enseignants et de musée consacré au mode de vie de la noblesse russe avant la révolution.

Architecture et intérieurs

Des travaux de reconstruction et d’aménagement du palais ont été menés à l’époque par les célèbres architectes :

• Andrey Alekseevich Mikhailov            
• Alexander Alexandrovich Stepanov            
• Alexander Dmitrievich Schilling            

En visitant le palais, les invités ont la possibilité de découvrir les salles de cérémonie, et les chambres privées de la famille princière. Le palais Youssoupov est appelé, à juste titre, l’encyclopédie de l’intérieur aristocratique de Saint-Pétersbourg.

Des peintres italiens ont travaillé sur les intérieurs du palais. Parmi eux, Antonio Vigi, le plus grand maître de la peinture décorative en Russie de son temps.

Salles du palais

Les salles du palais sont décorées dans des styles différents. On y retrouve le classicisme russe, le baroque, le rococo, des motifs arabes et des imitations de la Renaissance italienne et française. L’intérieur exquis comprend des tapisseries françaises, des miroirs sculptés vénitiens, un parquet en bois précieux, des porcelaines et des œuvres de grands maîtres.

Escalier principal

Dans le hall du palais, les invités sont accueillis par un escalier époustouflant. Des figures allégoriques d’Asie, d’Afrique, d’Europe et des Amériques se tiennent de chaque côté du grand escalier en marbre, symbolisant l’hospitalité. Au-dessus des escaliers on trouve un lustre de 130 bougies.

Nikolai Borisovich Yusupov acquis l’escalier lors d’un voyage en Europe. La légende raconte que Nikolai l’a vu dans une vieille villa italienne. Il dut acheter la villa entière pour récupérer ce fameux escalier qui fut acheminé à Saint-Pétersbourg en 1859. La villa est restée en Italie. En 1863, l’architecte Stepanov s’occupera de son installation.

Salle des colonnes blanches

Le plus grand salon du palais peut accueillir jusqu’à 200 personnes. L’espace sur 2 étages est décoré de colonnes. Un splendide piano à queue est installé dans la salle, et des concerts y sont souvent organisés.

Suit l’enfilade de salons d’apparat : Salon rouge, Salon bleu et Salon vert.

Grande rotonde

Cette salle servait de bureau de cérémonie. Décorée dans le style du classicisme tardif, sa rotonde est créée par 8 colonnes. La salle est décorée avec des vases candélabres en porcelaine, un lampadaire héraldique, une cheminée en marbre blanc italien et un pittoresque plafond.

Salon mauresque

Lorsque la famille princière était en résidence au palais, l’atmosphère de l’Orient régnait dans le salon avec une fontaine entourée de plantes travaillées, des canapés recouverts de tissu persan, et des récipients contenant de l’encens étaient installés dans les niches murales. Le salon est décoré de sculptures en marbre et les murs sont ornés d’inscriptions dorées tirées du Coran.

Église intégrée au bâtiment

Vasily Alexandrovich Kenel, académicien d’architecture de l’Académie impériale des arts, a été recruté en 1878 pour concevoir cette église dans le style byzantin.

Tous les événements familiaux importants ont eu lieu dans l’église :

• Mariage de la princesse Zinaida Yusupova et du comte Felix Sumorokov-Elston en 1882           
• Baptême de leur fils, Felix Yusupov en 1887            
• Baptême de leur fille Irina en 1915            

L’église a continué à fonctionner jusqu’en 1917. Après la révolution, elle fut transformée en amphithéâtre. En 2015, elle fut entièrement restaurée.

Le théâtre

À l’époque tsariste, ce théâtre était le centre de la vie sociale à Saint-Pétersbourg. Des membres de la famille impériale étaient régulièrement invités aux représentations.

Des groupes et des solistes célèbres se sont produits sur cette scène : orchestres dirigés par Mikhail Glinka et Yuri Temirkanov, Fedor Chaliapine, Franz Liszt ou Anna Pavlova. 

Le théâtre dispose désormais d’un vaste répertoire, constamment mis à jour.

La magnifique scène de théâtre, créée au XIXe siècle, a été conservée dans son aspect d’origine. L’intérieur baroque luxueux allie le rouge et l’or.

Sous-sol

Voici le lieu du meurtre de Grigory Raspoutine. L’exposition « Grigory Raspoutine : Pages de vie et de mort » est désormais organisée et présentée ici. Les invités sont plongés dans l’atmosphère en regardant des personnages de cire : les conspirateurs, participants au meurtre et la victime, assise à table. Le guide raconte aux invités la chronologie des événements qui se sont déroulés ici, un soir de décembre 1916.

L’assassinat de Grigori Raspoutine

Le palais a acquis une renommée particulière en tant que lieu du meurtre d’un ami de la famille royale, le guérisseur Grigory Raspoutine, l’une des personnalités les plus controversées à l’époque de l’Empire russe.

Meurtre avec préméditation

Selon le plan des conspirateurs, ils étaient censés attirer Grigori Raspoutine au palais Youssoupov, sous prétexte de lui faire rencontrer l’épouse du prince Félix Youssoupov, Irina. Rencontre que, selon des sources, Raspoutine sollicitait depuis longtemps.

Cependant, au moment de la tentative d’assassinat, la princesse Yusupova était en Crimée. Le plan devait se réaliser dans le sous-sol, d’où les bruits de coups de feu ne seraient pas entendus. Peu avant l’arrivée de Raspoutine, des meubles coûteux furent installés et on dressa une table avec plusieurs sortes de vins et de gâteaux. Le tout au cyanure, ce qui était censé ôter la vie du favori du tsar.

Tard dans la nuit, Felix Yusupov rencontra Grigori et l’escorta à la table, expliquant qu’Irina descendrait un peu plus tard, car maintenant elle avait des invités. Pendant ce temps, au deuxième étage, les conspirateurs, allumèrent le phonographe imitant la présence des invités. Sommé d’attendre autour des boissons et des mets, Raspoutine ingéra le « traitement ». Bizarrement, le cyanure de potassium n’eut pas l’effet escompté sur le guérisseur, ce qui ne pouvait tout simplement pas être supposé, ni expliqué.

Après avoir bu le vin, Grigori demanda de rencontrer Irina. Félix monta à l’étage, où, après une discussion entre les conspirateurs, il fut décidé de terminer ce qu’il avait commencé.

Le prince entra dans la salle du sous-sol avec un pistolet et tira un coup de feu sur Raspoutine. L’un des conspirateurs, le docteur Lazovert, déclara que Grigory était toujours en vie, mais que la blessure était mortelle.

Presque immortel

Ne voulant pas regarder les convulsions de Raspoutine mourant, tous les conspirateurs quittèrent le sous-sol en prévision d’une mort lente. Après un certain temps, Félix retourna dans la pièce pour vérifier que Raspoutine était bien mort. Celui-ci se jeta sur le prince pour l’étrangler. La bataille se termina dans la cour où l’un des meurtriers, Purishkevich, tira à plusieurs reprises sur l’assaillant. Deux balles atteignirent Raspoutine, l’un au cou et l’autre à la tête.

Montrant encore des signes de vie, mais dans un état inconscient, Raspoutine fut chargé dans une voiture, et emmené sur le quai de la petite Neva. Sous le couvert de la nuit, il fut glissé sous la glace.

Selon un examen effectué deux jours après le meurtre, Raspoutine survécu encore 7 bonnes minutes sous l’eau.

Tous ces faits embellissent les pouvoirs surnaturels conférés à Raspoutine tout au long de sa vie, et même au moment de sa mort inévitable.

Cependant, il n’y a toujours pas d’informations fiables sur le meurtre, car le témoignage des assassins fut modifié à plusieurs reprises, sous la pression des autorités.

Visite guidée du palais Youssoupov

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Le château des ingénieurs dit Saint-Michel (en russe : Инженерный (Михайловский) замок) à Saint-Pétersbourg est situé en plein centre de la capitale du Nord. Ce majestueux palais de forme bizarre est le symbole du règne de tsar Paul Ier. On disait souvent que le château Saint-Michel était sa forteresse.

Temps de lecture estimé : 10 minutes

Histoire du château Saint-Michel à Saint-Pétersbourg

Les travaux du château Saint-Michel ont commencé en 1784 sous la direction des architectes Vassili Bajenov et Vincenzo Brenna. L’empereur Paul I a lui-même dessiné plusieurs croquis du palais. Pour accélérer la construction, on fit amener des matériaux d’autres chantiers. Résultat, il fallut seulement trois ans pour ériger cette immense demeure. L’église de la maison fut sanctifiée le jour de Saint-Michel. C’est pourquoi le château reçut le nom de cet archange.

La forteresse prenable

Paul I, fils de Catherine II, voulait que le palais soit construit de façon qu’il puisse s’y sentir à l’abri. D’où son nom de « château » qui, de surcroit était entouré de part et d’autre. Les rivières Moïka et Fontanka coulaient au nord et à l’est tandis que deux petits canaux passaient au sud-ouest. Les fortifications se composaient de canaux, de demi-bastions, de canons et de pont-levis. Au centre de la place devant le château, on érigea une statue de Pierre Ier. A l’époque l’entrée était possible que par trois pont-levis fortement gardés.

Malgré cette extrême prudence, l’empereur est assassiné dans sa chambre la nuit du 11 au 12 mars 1801. Il n’habita le château Saint-Michel que 40 jours.

Transformation de Saint-Michel en Ingénieur

Après cet événement, aucun des membres de la famille royale n’a voulu y vivre. Les trésors furent emportés et les locaux vidés et cédés à diverses institutions. Vingt ans après le drame, le château Saint-Michel devint l’École principale des Ingénieurs ce qui lui donna son nom officiel en février 1823. A la même période on combla les canaux.

En 1991, le château Saint-Michel intégra le Musée russe. Depuis lors, on effectue la restauration des intérieurs du bâtiment.

L’exposition permanente de la galerie d’art du musée russe se trouve ici. Des expositions et de divers événements y sont souvent organisés. Une place particulière est dédiée à son histoire.

Expositions du château Saint-Michel

Trois expositions fonctionnent de manière permanente.

Société de Pétersbourg de l’époque Romanov

Ce projet unique est dédié aux moments quotidiens de la vie métropolitaine du XIXe siècle. On peut y voir les peintures, aquarelles, gravures et figurines d’antiquaire en porcelaine les plus rares. Tout est exclusivement authentique, transféré des réserves du Musée russe et des collections privées.

Visages de Russie

La galerie « Visages de Russie » vient ensuite et illustre l’évolution du portrait en tant que genre distinct de la peinture. On peut y remarquer les œuvres de maîtres légendaires tels qu’Alexeï Venetsianov, Ilia Répine, Karl Brioullov et Ivan Kramskoï. Ils ont peint les premières personnes de l’État, écrivains, musiciens et chefs militaires célèbres. Dans la dernière salle, il y a un écran plasma avec des chroniques d’archives prérévolutionnaires.

Sculptures du XVIIIe à nos jours

La salle des sculptures, termine les excursions du château Saint-Michel. Elle contient une anthologie d’œuvres du XVIIIe siècle jusqu’à nos jours, y compris l’avant-garde du début du XXe siècle et le constructivisme soviétique. De temps à autre des œuvres expérimentales d’auteurs contemporains sont présentées dans la cour du château.

À l’extérieur du bâtiment principal, il y a aussi quelque chose de surprenant. Le pavillon ouest présente un projet interactif « Notre empereur romantique », qui attire l’attention sur la personnalité de Paul I. Il comprend une salle de conférence pour les adultes, des quiz et des casse-têtes éducatifs pour les enfants de différents âges. Parmi les bonus intéressants, vous aurez la chance de voir un hologramme en trois dimensions de la couronne de l’Empire russe, conservée au Fonds des diamants à Moscou.

Intérieur du Château Saint-Michel

Aujourd’hui, 21 salles du château des ingénieurs sont accessibles y compris les locaux historiques.

La salle du trône de Marie Fedorovna était la salle de réception de l’impératrice, dans laquelle se tenaient les bals. Elle a été entièrement rénovée en 2002, en préservant les moulures dorées et les lustres en verre de rubis.

La galerie de marbre est la salle principale de réception des ambassadeurs étrangers et des invités honoraires. Elle a été restaurée selon les plans d’archives. Partiellement appauvrie pour son marbre sous Nicolas I, elle fut ensuite percée d’une bombe allemande pendant le blocus de Léningrad.

La salle ovale est l’une des rares pièces qui n’a pas été endommagée et qui a partiellement conservé sa décoration d’origine. Elle a été conçue comme une pièce de loisirs et pendant les années d’existence de l’École, elle a été utilisée comme atelier de modelage.

L’Escalier d’honneur est l’endroit où les excursions commencent et se terminent. Les baies partent de la mezzanine, et se rapproche grandement de leur aspect prérévolutionnaire. L’aigle bicéphale doré avec une croix maltaise sur son cœur – une symbolique distinctive de l’époque pavlovienne est particulièrement intéressante.

Jardin Saint-Michel

Le Jardin d’Été a réouvert à Saint-Pétersbourg après sa reconstruction le 27 mai 2012, le jour de la Fête de la ville. Les travaux ont duré environ trois ans et les restaurateurs ont fait tout leur possible pour que les visiteurs voient le Jardin d’Été tel qu’il était au XVIIIe siècle. Après avoir visité cette île verte en plein centre de la capitale du Nord, vous comprendrez mieux ce qui a inspiré tant de poète.

Préhistoire de la création du jardin

Au début de son existence, il y avait des colonies rurales et des terrains de chasse du capitaine suédois Konau. En 1716, Pierre I a ordonné à l’architecte Jean-Baptiste Le Blond de mettre en œuvre le plan directeur concernant les trois jardins d’Été. Le premier et le deuxième sont apparus sur le territoire du Jardin d’Été actuel tandis que le troisième devint le jardin du château Saint-Michel.

En fait, Le Blond a créé un immense complexe de jardins et de parcs. Les plans qu’il a réalisés ont été personnellement approuvés par Pierre le Grand. Des sapins, taillés en forme de pyramides, poussaient près du Palais. L’allée des châtaigniers menait directement à un grand parterre avec une pergola treillis. Dans les premières années de son existence, la partie sud-ouest du jardin était conçue comme un jardin classique. Des arbres fruitiers, des herbes aromatiques, des racines ont été cultivés sur son territoire. En outre, des bâches et des serres ont été construites pour faire pousser des plantes et des fruits exotiques.

Caprices d’empereurs

En 1741, Élisabeth I a chargé l’architecte de la cour Bartolomeo Rastrelli de créer son palais d’été à l’emplacement du palais de Catherine I et du jardin. Le projet était prêt en avril 1743. C’était un jardin labyrinthe avec des sculptures et des fontaines. De l’autre côté du Palais, Rastrelli a prévu une autre section du jardin, plaçant sur son territoire deux étangs figurés, une fontaine et un jardin de fleurs fantastique. Le territoire a été conçu en tenant compte de formes géométriques précises, des allées droites et croisées. Au centre du jardin, selon le projet, cinq étangs rectangulaires furent creusés.

À l’arrivée au pouvoir de Paul I, le palais d’Elisabeth Ier fut remplacé par le château Saint-Michel qu’on connaît aujourd’hui. Le terrain près du palais associait les deux jardins suédois et celui de Rastrelli. Selon le nouveau projet, on relia les étangs par un canal souterrain.

Nouvelle étape dans la vie du Jardin

La nouvelle vie du jardin a commencé en 1819, lorsque Carlo Rossi, sur commande d’Alexandre Ier, a entamé une nouvelle série de transformations. Le projet prescrit de combler le canal de l’église et de réduire la taille de l’étang tout en conservant le canal Voskresensky et le système unique d’eau. Outre cela, on commença à construire un collecteur souterrain, reliant le grand étang à la Moïka. Cela fournit une circulation supplémentaire d’eau. Deux rangées d’arbres coupés ont été plantées autour du château.

Certaines parties du parc restées de l’époque de Le Blond et de Rastrelli s’inscrivent dans le nouveau projet de Rossi avec une élégance surprenante. En fait, Carlo Rossi a créé un magnifique jardin « à l’anglaise », qui reprend les bases du style paysager du milieu du XVIIIe siècle. Devant la façade de jardin du palais Saint-Michel, Rossi a placé une grande prairie en forme d’ovale irrégulier, décorée d’une allée qui entoure le périmètre.

Les étangs des jardins à l’anglaise ont des formes irrégulières. Pour cela, l’architecte a dû transformer d’anciennes piscines géométriques en étangs de formes variées. On supprima les petits étangs au centre du jardin et on ajouta un pavillon sur le quai de la Moïka.

Le jardin Saint-Michel était bien fleuri avec beaucoup d’arbustes. Lors du réaménagement, Rossi a conservé la disposition précédente qu’il compléta par des arbres et des fleurs.

XXe siècle = dégradation

Au début du XXe siècle, les autorités de la ville ne prêtaient aucune attention au jardin Saint-Michel. En 1902, le petit étang de l’est fut comblé en raison de l’ensablement. La construction de l’église de la Résurrection de Jésus, conçue par Alfred Parland, a considérablement réduit le territoire du jardin. En 1922, le jardin a été rebaptisé selon les idées révolutionnaires de ce temps pour devenir un parc municipal ordinaire. Le jardin à l’anglaise fut fendu par un chemin pour les citadins. Plus tard, dans les années 60, les autorités ont même accepté la construction d’un court de tennis…

Au cours de cette terrible période, la plantation d’arbres et d’arbustes se déroulait de manière complètement chaotique. Il a fallu 8 longues années de 2001 à 2007 pour redonner vie à ce superbe jardin.

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L’un des divertissements les plus traditionnels de Russie reste la visite d’un bain public appelé « bania ». Quelqu’un dira que les bains publics de la ville ne sont pas authentiques et que pour le vrai esprit russe, vous devez vous rendre au village. Nous ne sommes pas d’accord. Après avoir consulté des amis, des préposés aux bains passionnés, j’ai choisi les 6 banias les plus dignes de Saint-Pétersbourg.

Les bains Yamskie

Les bains publics Yamskie sont les plus anciens bains de Saint-Pétersbourg. Leur bâtiment, situé dans le centre historique de la ville, a été construit au XIXe siècle. Depuis plus de 150 ans, ils sont les bains les plus visités de la ville. De nombreux citoyens et invités de la capitale du Nord aiment s’y reposer. Parmi les personnes les plus célèbres qui ont visité les bains, citons Dostoïevski, Lénine ou Moussorgski. Les bains Yamskie sont immortalisés dans la littérature – c’est ici que s’est lavé le célèbre Levsha.

Le complexe de santé « Yamskie bani » est considéré comme haut de gamme avec une belle variété des services. Vous pourrez vous reposer dans un bania russe, un hammam turc et un sauna finlandais. En plus des salles communes, vous pouvez louer une salle privée confortable voir organiser une fête d’entreprise.

Les services supplémentaires proposés par le complexe comprennent un cryosauna, un sauna infrarouge, une salle de massage, un solarium et une salle de sport. À noter que le pub « Shaika-Leika » sert un excellent kvas russe

• Adresse : Dostoevskovo ulitsa 1
• Horaires : de 8h à 23h tous les jours
• Tarifs : 500 RUB pour 2 heures en semaine et 650 RUB le week-end pour la classe standard et respectivement 700 et 850 RUB pour la classe luxe. Gratuit pour les enfants jusqu’à 9 ans et -50% jusqu’à 14 ans et pour les retraités.
• Site internet : www.yamskie.com

Bania Degtyarnaya

Le complexe de sauna Degtyarnaya a plus de 50 ans. À la fin du siècle dernier, le bâtiment appartenant aux bains publics a été rénové ce qui a permis d’accroître sa popularité auprès des habitants. Le complexe de sauna dispose de deux classes communes pour homme et pour femme ainsi que d’une classe premium privée pour 14 personnes qui se loue entièrement.

Les habitués de l’établissement conseillent de ne pas refuser les services des professionnels. Après tout, comme en témoignent les critiques, les maîtres de la vapeur travaillant dans les bains Degtyarnaya connaissent vraiment leur métier. Ils maîtrisent parfaitement leurs compétences et procurent aux invités un vrai moment de détente.

Outre le bania russe, le complexe dispose d’un le hammam turc, d’une piscine, de fontaines et d’une salle de massage. Il y a également un salon de beauté, où vous pouvez profiter de tout service cosmétologique.

• Adresse : Degtyarnaya ulitsa 1
• Horaires : de 8h30 à 22h00 tous les jours sauf le vendredi à partir de 10h.
• Tarifs : 2000 RUB pour 2 heures dans la classe standard et à partir de 9500 RUB par heure pour 14 personnes en classe premium privé. Gratuit pour les enfants jusqu’à 5 ans et -50% jusqu’à 15 ans et pour les retraités.
• Site internet : www.d1a.ru

Bania Smolinsky

Comparé aux autres bains publics de Saint-Pétersbourg, ce complexe de bains est assez jeune. Le bâtiment a été construit en 1991. Mais déjà en 2012, il a fait l’objet d’une rénovation qui a complètement transformé les bains Smolninskie. Les imitations de maçonnerie ont été démantelées, et les drôles de murs de briques ont été recouverts de dalles modernes. À l’intérieur, toutes les chambres récemment ouvertes sont décorées dans un style moderne et épuré.

La section supérieure dispose d’un bania russe, d’un hammam turc, d’une piscine et d’une fontaine. Il y a un café à l’intérieur du sauna pour les rafraîchissements. Vous pouvez louer les services d’un préposé au bain de vapeur, et tous les accessoires de bain sont disponibles à la location. Une petite boutique vend des veniki, des pantoufles et des produits cosmétiques.

• Adresse : Krasny Tekstilshchik ulitsa 7
• Horaires : Département des hommes : Ouvert de 10h00 à 22h00 du mercredi au lundi. Jeudi reservé aux familles. Département des femmes : Ouvert tous les jours de 10h00 à 22h00 sauf le lundi.
• Tarifs : 700 RUB de l’heures pour les hommes et 350 RUB de l’heure pour les femmes. Gratuit pour les enfants jusqu’à 6 ans et -50% jusqu’à 12 ans et pour les retraités.
• Site internet : www.batbani.ru/smolninskie

Bania Mytninskiy

Ce complexe balnéaire a été construit il y a plus d’un siècle. Depuis lors, il est resté populaire auprès des citadins qui préfèrent la vapeur et les bains dans un établissement typiquement russe. Ce succès est dû au respect le plus strict des traditions de la maison de bain chauffée au bois. Seul le bois est utilisé ici, des balais (veniki) en bouleau et en chêne sont à la disposition des clients, et après le bain de vapeur, vous pouvez plonger dans la piscine d’eau fraîche.

Les bains Mytninskie sont les concurrents des bains Yamskie dans la compétition pour le titre de premier bain public de la capitale du Nord. Les locaux ont fait l’objet d’une rénovation majeure il y a quelques années, qui a permis de rénover tous les intérieurs et les salles de vapeur. Cela ne signifie pas que le personnel ou les visiteurs réguliers ont changé.

Les visiteurs peuvent choisir entre des banias classiques de classe économique, des chambres de luxe confortables ou des cabines semi-luxueuses accueillantes. Il y aura invariablement un bania chauffé au bois avec un véritable poêle russe. Il y a aussi des massages, la présence d’un préposé au bain, un solarium et un salon de coiffure.

• Adresse : Mytninskaya ulitsa 17-19
• Horaires : Ouvert de 8h00 à 22h00 tous les jours
• Tarifs : 350 RUB de l’heures pour les hommes et 300 RUB de l’heure pour les femmes.
• Site internet : www.mybanya.spb.ru

Le bania rond (Krugly)

Le bania rond est considéré comme l’un des bains les plus beaux et les plus inhabituels de Saint-Pétersbourg. Ce complexe est connu des amateurs de bains traditionnels russes. Il est populaire à juste titre. Ici, les amateurs de vapeur peuvent visiter, en plus du traditionnel bania russe, un hammam turc et un sauna finlandais.

Les bains ronds offrent à leurs visiteurs toutes les conditions pour un repos confortable et inoubliable, ne laissant que des impressions agréables. Ils disposent d’une piscine en plein air au milieu du bâtiment. Mais il ne peut être utilisé que par les visiteurs de la classe luxe. Pour tous les autres, l’accès à la piscine est interdit.

Vous pouvez prendre une collation et vous détendre au bar. Dans la liste des services supplémentaires, on trouve un solarium, un salon de beauté et un salon de coiffure. Tous les accessoires de bain peuvent être loués sur place.

• Adresse : Karbysheva ulitsa 29A
• Horaires : Ouvert de 8h00 à 23h00 tous les jours sauf le jeudi
• Tarifs : de 60 à 280 RUB de l’heures en fonction du jour de la semaine et 600 RUB de l’heure pour la classe supérieure.
• Site internet : www.batbani.ru/kruglye

Bania Lotsmansky

Le complexe de bains Lotsmansky est apprécié des amateurs de vapeur, grâce à l’atmosphère unique qui y règne. Cet établissement de bains respecte les traditions séculaires et met en œuvre les dernières réalisations dans le domaine du rajeunissement et de la revitalisation du corps.

Les poêles du bania ne sont alimentés qu’avec des bûches de bouleau, et la vapeur est saturée d’herbes aromatiques et de feuilles d’arbres. Vous pouvez acheter des veniki en bouleau ou en chêne pour le hammam dans notre boutique sur place. Si vous aimez la vapeur sèche, vous pouvez vous rendre au sauna finlandais.

Après le sauna ou le bain de vapeur, vous pouvez vous rafraîchir dans la piscine d’eau claire. Les tisanes aromatiques sont parfaites pour se détendre, se retrouver entre amis et faire de nouvelles connaissances.

• Adresse : Lotsmanskaya ulitsa 29A
• Horaires : Ouvert de 8h00 à 23h00 tous les jours sauf le vendredi
• Tarifs : 320 RUB de l’heures
• Site internet : www.xn--80akihdgif4a0c.xn--p1ai

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