Le ballet russe est plus qu’une dance ou un spectacle. C’est le cœur de la culture russe. Il n’y a pas de Noël sans ballet au même titre qu’il n’y a pas de Noël sans salade « Olivier ». Vous esquissez un sourire, mais c’est la vérité et nous allons vous le prouver.

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Histoire du ballet russe

La naissance du ballet

Dans le monde de l’art russe, le ballet a joué une place importante depuis son commencement en 1672 lors de la toute première représentation jouée à Maslentisa pour la cour du Tsar Alexeï Mikhaïlovitch. Elle fut entamée par un acteur représentant Orphée chantant des vers flatteurs en allemand pour le Tsar Alexeï. Depuis cette première représentation timide, le ballet s’est grandement développé et a connu une émancipation durant le règne de Pierre Le Grand qui amena la danse en Russie et l’introduit de manière permanente à la cour grâce à un décret. Peu après la fin de son règne en 1735, le Premier corps de cadets de Saint-Pétersbourg, établissement militaire, fut fondé dans la nouvelle capitale de l’Empire Russe [1] par l’impératrice Anne de Russie. Les beaux-arts ainsi que la danse de salon furent ajoutés dans l’enseignement des futurs militaires considérant leur connaissance indispensable pour exercer des fonctions gouvernementales importantes. Ceci contribua à l’importation du ballet dans les hautes sphères du gouvernement russe de l’époque.

Un des événements historiques clés pour le ballet se déroula le 4 mai 1738 quand Jean Baptiste Landé, maître de ballet français, devint le premier président de la première école de ballet en Russie : l’École de danse de Sa Majesté Impériale[2]. Installée à l’origine dans des salles spécialement équipées du Palais d’Hiver, Landé reçut l’autorisation de former douze garçons et douze filles russes afin d’en faire la première compagnie de ballet qui, elle, fut créée un peu plus tard en 1742. L’un des jeunes garçons, Nikita Beketov, excellait et devint rapidement le favori de l’Impératrice Élizabeth I^re de Russie.

Le ballet russe continua son développement sous le règne de Catherine II de Russie pendant lequel elle fit jouer des ballets à la cour, notamment par des nobles. À l’origine sans musique, les mélodies russes furent introduites dans les ballets par le compositeur florentin Gasparo Angiolini en 1766 ce qui révolutionna cet art. Poursuivant sa montée en popularité sous le règne d’Alexandre Ier, le ballet russe doit son succès phénoménal à cette époque à des célébrités comme Charles Louis Didelot, le maître de ballet qui fit briller des ballerines comme Maria Danilova ou encore Evodokia Istomina. Le Tsar Alexandre III, dans la deuxième moitié du XIX^e siècle rendit les ballets bihebdomadaires, les mercredis et dimanches.

[1] Saint-Pétersbourg fut la capitale de l’Empire Russe de 1712 jusqu’en 1917.
[2] Aujourd’hui « Académie de ballet Vaganova ».

L’exportation du ballet à l’international

En 1898, Serge de Diaghilev fonda « Mir iskousstva », une association d’artistes russe afin de prôner un art nouveau et une exportation de l’art russe à l’international. Avec sa compagnie « Ballets russes » fondée en 1907, il enchaina les tournées dès 1709 dans le monde entier notamment à la première à Paris, puis à Londres en 1714, en Amérique du Sud et aux États-Unis en 1917 jusqu’à sa dernière tournée en 1929 à la fin de laquelle il décèdera[3]. Il restera jusqu’à aujourd’hui l’un des pionniers de l’exportation des ballets russes et plus généralement de l’art de la danse à l’international.

La première guerre mondiale apporta de gros changements dans le monde de la danse russe, notamment à cause de la révolution Bolchevique qui fit fuir de nombreux russes vers les autres pays européens dans lesquels ils n’étaient pas toujours bien vus. Les danseurs, comme de nombreux habitants, fuirent la famine de la révolution et devinrent, pour la plupart, déchus de leur nationalité à cause de mesures prises par le nouveau gouvernement contre les réfugiés dont la situation n’était pas régularisée. Après une période de rejet de l’immigration russe, la bourgeoisie française autour des années 20 commença à montrer un l’intérêt pour l’art russe. Ainsi commença à se développer en France la culture russe, avec de plus en plus de ballets. En 1929, Jacques Rouché à l’époque directeur de l’Opéra de Paris, aidé par Serge Lifar mena en France une réforme de la danse afin de donner une place culminante aux ballets. De nouvelles compagnies émergèrent telle que celle de Ida Rubinstein, ancienne danseuse de la compagnie « Ballets russes », à l’origine de l’œuvre désormais classique du Boléro de Ravel. Ou encore la compagnie des « Ballets russes de Monte-Carlo » fondée par MM. de Basil et Blum en 1932. Néanmoins à partir de 1934, le ballet russe lâcha Paris comme capitale et connut une véritable internationalisation caractérisée par l’ouverture d’écoles de danse partout dans le monde.

[3] Serge de Diaghilev et sa compagnie firent en tout 21 tournées internationales de 1909 à 1929.

La seconde guerre mondiale et la chute de l’URSS

Après une pause artistique durant la Seconde Guerre mondiale, l’Opéra de Paris fit sa première tournée post-guerre aux États-Unis durant l’été 1948 afin de relancer le monde culturel. Embarqués dans la Guerre-froide, les États-Unis créèrent le Congrès pour la liberté de la culture en 1950. En partie financé par la CIA, son but était de séduire l’Europe et de lui montrer que la culture n’est pas compatible avec le communisme soviétique. Cette propagande américaine se définit principalement par des tournées de ballets. Après avoir vu annulée une de leurs représentations à l’Opéra de Paris pour cause de tensions militaires au Vietnam[4], les danseurs soviétiques se rendirent tout de même à Londres en 1956 dans une ambiance tendue[5]. La tournée fut un succès.

En 1961, Rudolf Noureev, un danseur de ballet russe, demanda l’asile politique auprès de policiers dans un aéroport. Il était l’un des meilleurs danseurs soviétiques de son époque. Cet évènement fut tristement marquant pour l’URSS qui se sentit profondément humilié. La dernière étape de l’histoire du ballet fut la chute de l’URSS en 1991 qui permit la réelle et finale exportation de l’art russe dans le monde avec la découverte de pièces en Europe et aux États-Unis jusqu’à présent inconnues. Nous pouvons compter parmi elles Romeo et Juliette de Sergueï Prokofiev ou encore La fontaine de Bakhtchisaraï de Rostislav Zakharov. Dès lors, les ballets russes devinrent et restèrent ceux qu’on connaît en Europe et dans le monde aujourd’hui.

[4] « Affaire des ballets soviétiques » dans la presse en 1954.
[5] Les danseurs soviétiques en tournée à Londres en 1956 étaient accompagnés d’agents du KGB afin qu’ils ne soient pas tentés de rester en Europe.

Les caractéristiques du ballet Russe

Le discours du mouvement

Au-delà d’être une simple représentation, les ballets sont un véritable moyen d’expression. Sans une seule parole, les mouvements de cet art chorégraphique retracent une narration illustrée à l’aide de costumes et de décors. Bien plus que pour la beauté du geste, les pièces jouées sont de véritables dialogues entre les danseurs qui nous conduisent le long du fil rouge de l’histoire racontée.

L’équilibre des arts

Le ballet russe contemporain se caractérise principalement par la parité des arts. Le mélange de musique, de peinture et de danse. La collaboration est infinie est fait intervenir de nombreux artistes autres que des danseurs. On retient par exemple le nom de Stravinsky, incontournable compositeur à l’origine de la musique des ballets de Diaghilev L’Oiseau de feu, 1910 ainsi que Petrouchka, 1911 mais aussi Le Sacre du printemps, 1913 qui est considérée comme son œuvre principale.

Mais aussi le nom de Léon Bakst, peintre costumier accompagnateur des premières heures de la compagnie des « Ballets russes » pour laquelle il fera les décors et les costumes. « Lorsque je produis un ballet, je ne perds de vue à aucun instant chacun de ces trois facteurs. » Cette phrase prononcée par Diaghilev traduit parfaitement l’importance du mélange d’art dans le ballet.

L’allure des danseurs

Les silhouettes dénudées et sculptées sont caractéristiques du ballet russe contemporain. Souvent vêtu que d’un justaucorps et de collants, les ballerines laissent apparaître une ligne de corps nette, presque athlétique se différenciant des lignes plus douces qui étaient recherchées à l’origine. La danse du ballet nécessite une souplesse de corps importante permettant la réalisation des mouvements de la danse. Une tenue droite, la tête alignée aux épaules une silhouette longiligne est recherchée. L’attitude rigoureuse est un principe fondamental dans cet art. Les pas plus qu’expressifs la rejoignent comme principe essentiel et sont poussés à l’extrémité de leur virtuosité.

L’origine « russe » des danseurs

Après le développement du ballet à l’international en grande partie dû à Diaghilev, le caractère de la nationalité russe était un critère important pour les danseurs de ballet. Elle était signe d’éducation artistique et de légitimité pour danser le ballet, elle ajoutait un cachet remarquable au danseur. Elle était tellement convoitée que certains danseurs occidentaux changèrent leurs noms d’origine pour les « russifier ». Parmi tant d’autres, on retiendra l’Anglaise Alicia Marks qui changera son nom en Alicia Markova.

Les cinq ballets russes à ne pas manquer

Don Quichotte, 1869 de Marius Petipa

Tiré du fameux roman de l’espagnol Cervantès, le ballet de Don Quichotte raconte les aventures du personnage du même nom, de son fidèle écuyer Sancho Panza et de son cheval Rossinante. Elle est cependant centrée sur l’histoire de deux jeunes amoureux : Quiterie – fille de l’aubergiste du village et Basilio – jeune barbier sans argent rejeté par le père de sa bien-aimée. Don Quichotte va cependant participer à l’histoire afin de rendre leur amour possible. Pour cela, il mène une quête à travers la campagne espagnole de Castille-La-Manche. Débordant d’humour dans une lutte contre des moulins, cette pièce présente des décors et des costumes colorés qui nous rappellent son origine hispanique.

Le Lac des cygnes, 1875 de Marius Petipa et Lev Ivanov[1]

Cette pièce fut chorégraphiée sur une musique de Tchaïkovski en 1875. Ayant rassemblé sa famille pour fêter son anniversaire, la Reine, mère du jeune Prince Siegfried organise un bal durant lequel il devra choisir sa futur épouse. Ne pouvant choisir sa futur épouse par amour, il s’enfuit dans la forêt et y trouve un groupe de cygnes. Parmi eux se trouve la jeune princesse cygne Odette qu’il se décide à épouser. Cependant, le sorcier Von Rothbart n’est pas de cet avis et décide de l’en empêcher en le trompant dans son choix d’épouse le lendemain durant le bal. Le Lac des cygnes met en scène cette histoire d’amour tourmentée qui est désormais incontournable. Il est le ballet russe le plus joué au monde.

Casse-Noisette, 1891 de Lev Ivanov

Sur une musique de Tchaïkovski, les trois tableaux mettent en scène une adaptation du roman d’Alexandre Dumas Casse-Noisette et le Roi des souris (En russe : щелкунчик). Elle raconte l’histoire d’une jeune fille allemande, Carla Stahlbaum, qui reçoit le soir de Noël un Casse-Noisette en forme de bonhomme. Elle se fait emporter dans une épopée nocturne durant laquelle elle fait face à une armée de souris. Casse-Noisette se transforme finalement en Prince et vient à son secours pour la sauver de ce mauvais rêve et l’emmener dans son royaume de friandises rencontrer la Fée Dragée. Apportant de l’imagination, de la magie et de l’amour, c’est une pièce marquant chaque année la période des fêtes en Russie.

L’Oiseau de feu, 1910 de Michel Fokine[2]

Pièce orientale, c’est la première du compositeur Stravinsky. Elle raconte, en deux tableaux, l’histoire d’un héros du folklore russe : Ivan Tsarévitch, qui se lance à la poursuite d’un oiseau rencontré dans la forêt pour l’attraper. Le capturant, il lui rend sa liberté contre une plume magique. Il rencontre alors une princesse, fille du terrible Roi Kachtcheï l’immortel qui le menace de le changer en pierre. L’Oiseau apparaît alors pour le secourir et le débarrasse du roi et de ses servants. Ivan finit par se faire couronner Tsar aux côtés de sa bien-aimée princesse. Cette œuvre a grandement contribué à faire naître et grandir la popularité de son compositeur Stravinsky et des ballets russes.

Petrouchka, 1910 de Alexandre Benois[3]

Sur une musique de Stravinsky, ce ballet fut chorégraphié pour la première fois en 1911 par le fameux Michel Fokine. Elle est découpée en quatre tableaux qui racontent l’histoire de trois pantins adoptant tous les trois des styles de danse différents et parmi lesquels on compte Petrouchka. Ils prennent vie sous la main d’un Mage et se mettent à danser. Le ballet raconte les mésaventures amoureuses du pantin qui tente désespérément de séduire la Ballerine, un autre des pantins. La scène se déroule durant la « Semaine grasse », Maslenitsa en russe, une ancienne fête païenne célébrée pour fêter l’entrée dans le Grand Carême orthodoxe, une période d’approfondissement de la foi. Les décors reproduisent donc l’ambiance de cette tradition si ancrée dans la culture slave. Cette pièce est, elle aussi, une des pièces maîtresses de la culture du ballet russe.

[1] La chorégraphie originale du ballet avait été faite par Julius Wentsel Reisinger en 1875 avant d’être revu et modifié en 1895.
[2] À la demande de Serge de Diaghilev
[3] Chorégraphiée par Michel Fokine

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Rudolph Noureev surnommé le « seigneur de la danse » est considéré comme l’un des plus grands danseurs classiques et comme l’un des plus grands chorégraphes. Il marqua à jamais l’histoire du ballet.  

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Biographie de Rudoph Noureev

Enfance et entrée dans le monde de la danse

Rudolf Noureev naît en 1938 à bord du Transsibérien non loin de la frontière mongole, pendant un voyage durant lequel sa mère était partie rejoindre son père en fonction comme instructeur pour l’Armée rouge à Vladivostok. Trois ans plus tard[1], ses parents quittent Moscou et vont se réfugier dans la ville d’Oufa où il passe son enfance. Il commence à danser à 7 ans, d’abord des danses folkloriques puis de la danse classique. Encouragé par Anna Oudeltsova, ancienne danseuse de ballet maintenant professeure de danse, il intègre à 17 ans la prestigieuse Académie de ballet Vaganova de Saint-Pétersbourg[2]. Il a comme professeur Alexandre Pouchkine.

Après avoir obtenu son diplôme de fin d’études de l’École Vaganova, il intègre en 1958 le Kirov de Leningrad[3], compagnie de ballet dans laquelle il passe 3 ans. Il s’illustre alors en tant que soliste dans des pièces telles que Le Lac des cygnes, Don Quichotte ou La Belle au bois dormant. Il devient alors un des danseurs favoris du public et lors d’une tournée à Paris deux ans après, il tente de gagner sa liberté à l’aéroport du Bourget dans lequel il fuit vers deux policiers français en demandant l’asile politique. Parvenant à rester en France, il intègre la compagnie de ballet du Marquis de Cuevas et part au Danemark où il rencontre le danseur Erik Bruhn avec qui il passera une partie de sa vie.

« Tant que mes ballets seront dansés, je vivrai »

Rudolph Noureev

Montée puis apogée de sa carrière de danseur

Après sa première représentation télévisée américaine en 1962, il commence à danser pour le Royal Ballet de Londres dans lequel il danse avec Margot Fonteyn. Ils interprètent ensemble Giselle pour la première fois le 21 février 62 lors d’une représentation qui leur vaudra 23 rappels du public. Deux ans après, il produit, pour l’Opéra d’état de Vienne, sa première pièce en tant que chorégraphe, Le Lac des cygnes. À partir de là, démarre sa carrière véritablement internationale, il danse pour des compagnies de ballet sur tous les continents et donne un nouveau visage au traditionnel ballet russe de Marius Petipa en reprenant ses pièces célèbres : Don Quichotte, La Belle au bois dormant ou encore Casse-Noisette.

Il poursuit sa fabuleuse carrière de danseur étoile tout au long des années 70 jusqu’en 83 lorsqu’il se fait nommer directeur du ballet de l’Opéra de Paris par Jack Lang, ministre français de la culture[4] de 81 à 86. Il permet à la compagnie de ballet de revivre, il lui apporte grâce à ses nombreuses collaborations, notamment avec le chorégraphe William Forsythe, une renommée internationale. Il occupe ce poste jusqu’en 89[5], moment auquel il reçoit l’autorisation de retourner en Russie afin de danser au théâtre du Kirov[6], c’est la première fois en presque 30 ans qu’il y retournait .

Dernières années

Vivant depuis quelques années avec le virus du VIH, Noureev s’affaiblit considérablement à partir de 90 tout en poursuivant sa carrière de danseur. Il essaye des traitements qui s’avèrent inefficaces mais continue à espérer se soigner. Sa dernière apparition publique est le 8 octobre 1992 à l’Opéra Garnier acclamé par la foule pour la première représentation de sa pièce La Bayadère. Il décède le 6 janvier 1993 interné dans une clinique de Levallois-Perret à 54 ans. Ses obsèques sont célébrées au Palais Garnier à Paris, il est par la suite enterré au cimetière russe de Sainte-Geneviève-des-Bois au sud de Paris.

[1] 1941, invasion de l’URSS par l’Allemagne nazie « Opération Barbarossa ».
[2] Leningrad de 1924 à 1991.
[3] Le théâtre porta ce nom de 1935 à 1992. Aujourd’hui ballet du Mariinsky de Saint-Pétersbourg, son nom Kirov lui vient de Sergueï Kirov, chef communiste assassiné en 1934.
[4] Jack Lang fut ministre de la culture de 81 à 86 mais aussi de 88 à 92 et de 92 à 93.
[5] Chute du mur de Berlin et de l’Union Soviétique.
[6] Aujourd’hui théâtre Mariinsky, voir « ³ » page 1.

Ce qu’il incarne

Il est récompensé du titre de chevalier de la légion d’honneur en 1988 par François Mitterrand[7] puis du titre de commandeur de l’ordre des Arts et des Lettres[8] en 1992 par Jack Lang. L’Opéra de Paris organise tous les 10 ans depuis sa mort une soirée en son honneur durant laquelle se déroule, notamment, un défilé de ballet. Depuis 1997, l’école de ballet de son village d’enfance, Oufa, porte son nom. Nom qui sera aussi attribué à l’une des salles de répétition de l’académie Vaganova. Ce sera deux des hommages post mortem qui lui seront rendus et qui viendront s’ajouter à la collection de récompenses et distinctions obtenues au cours de sa vie.

Noureev est mondialement connu, non seulement dans le monde de la danse, mais pas uniquement. S’il est certainement le plus connu des directeurs de ballet de l’Opéra de Paris marquant et passionnant toute une génération de danseurs, il est aussi l’homme qui est parvenu à échapper aux agents du KGB pour vivre sa passion en Europe. Il est un véritable symbole de contestation artistique de la Russie soviétique. Incarnant un danseur d’une technique parfaitement maîtrisée et impeccable, il amène ce nouveau style romantique en faisant redécouvrir au public les pièces de Marius Petipa. C’est le principal responsable, grâce à sa notoriété, de l’exportation du ballet à l’international. Il reste encore aujourd’hui une icône dont le nom marque tous les esprits.

[7] Président de la République française de 1981 à 1995.
[8] Ce titre représente la plus haute décoration honorifique culturelle en France.

Son appartement à Paris

L’appartement du danseur étoile et directeur de la danse de l’Opéra de Paris, Rudolf Noureev (1938-1993) se situait dans le superbe immeuble XVIIIe siècle du 23 quai Voltaire à Paris, avec une vue superbe sur la Seine et le Louvre.

Somptueux décor néo-classique et romantique dans le goût russe opulent avec du mobilier russe, français et italien, des murs recouverts de cuir de Cordoue, des bois et des tissus précieux et une profusion de tableaux néo-classiques.

L’ensemble des oeuvres d’art a été dispersé en vente aux enchères à Londres en 1995.

Noureev le film

• Genre : Biopic, drame
• Date de sortie : 19/06/19
• Réalisé par : Ralph Fiennes
• Durée : 127 minutes
• IMDB: 6.6/10

Synopsis

Jeune prodige du célèbre ballet du Kirov, Rudolf Noureev est à Paris en juin 1961 pour se produire sur la scène de l’Opéra. Fasciné par les folles nuits parisiennes et par la vie artistique et culturelle de la capitale, il se lie d’amitié avec Clara Saint, jeune femme introduite dans les milieux huppés. Mais les hommes du KGB chargés de le surveiller ne voient pas d’un bon œil ses fréquentations « occidentales » et le rappellent à l’ordre. Confronté à un terrible dilemme, Noureev devra faire un choix irrévocable, qui va bouleverser sa vie à jamais. Mais qui va le faire entrer dans l’Histoire.

Bande annonce

Pour aller plus loin

Voici 3 livres qui vous permettront de creuser un peu plus loin.

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Tsarskoïe Selo est un musée d’État situé dans la ville de Pouchkine au sud de Saint-Pétersbourg. C’est ici qu’ont vécu de nombreux tsars de Russie. L’ensemble du palais et du parc occupe une superficie de plus de 300 hectares et se compose de trois parcs – Aleksandrovsky, Ekaterininsky et Babolovsky, dans lequel se trouvent les palais du même nom et divers pavillons avec dépendances.

Cet article est un guide qui vous présente l’intégralité des choses à voir à Tsarskoïe Selo. La quantité d’information est tellement énorme que nous avons rédigé des articles spécifiques pour les lieux qui ont le plus d’importance.

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Réservez votre excursion avec un guide francophone

Via Alexandre de Russie

Je peux vous reserver une excursion privée à la journée avec un guide francophone pour visiter Tsarskoïe Selon et Pavlosk. Les tarifs sont dégressifs en fonction du nombre de personne. Ils vont de 397€ par personne seule, 374€ pour un couple à 83€ par personne dans un groupe. Le prix inclut les transferts, le guide francophone, les entrées des musées et le repas du midi.

Via Tsar Visit

Si vous souhaitez réserver d’un guide expérimenté francophone avec vos billets, vous pouvez vous rendre sur le site de notre partenaire Tsar Visit et bénéficier de 5% de remise avec le code : ALEXANDRE5

Avec Viator

Ci-dessous, j’ai sélectionné pour vous 3 options sur la plateforme Viator. La première est une journée en mini-groupe à Pouchkine incluant le parc et le palais de Catherine. Il faudra compter 100€ par personne. La seconde est une excursion privé d’une demi-journée tout compris pour 105€ par personne. Enfin, la troisième c’est simplement les billets coupe-file pour 32€ par personne.

Quelques mots sur Tsarskoïe Selo

La construction de la résidence de campagne du tsar a commencé dans la première moitié du XVIIIe siècle. Plus tard, elle fut appelée Tsarskoïe Selo signifiant le village du Tsar. Vous pourrez y trouver un grand nombre de monuments et de sculptures créés par les plus grands architectes, sculpteurs et artistes des XVIIIe et XXe siècles qui ont concrétisé les souhaits les plus irréalistes des tsars.

Depuis trois siècles, Tsarskoïe Selo est la principale résidence d’été des empereurs. Pendant un certain temps, il y avait le lycée Tsarskoselsky, où Pouchkine lui-même a étudié. Après la révolution, l’ensemble du parc et du palais fut transformé en musée, et ses bâtiments furent donnés à des institutions éducatives. À l’occasion du centenaire de la mort de Pouchkine, la ville a été rebaptisée Pouchkine.

Quoi voir à Tsarskoïe Selo ?

Tsarskoïe Selo se compose de 3 grands parcs :

• Aleksandrovskiy
• Ekaterinskiy
• Babolovskiy

Pour faire simple, le parc Aleksandrovskiy contient le palais d’Alexandre Ier construit par sa grand-mère Catherine II. Ce premier complexe, comprenant déjà de très nombreuses choses à voir, jouxte le parc Ekaterinskiy. Dans ces deux parcs, vous trouverez de nombreux pavillons avec des expositions, des étangs, des jardins et des grottes. Enfin, au sud se trouve le parc Babolovskiy qui n’est autre que l’ancienne forêt de chasse.

Quoi qu’il en soit, il est impensable de tout voir en une journée. L’attraction principale, le palais de Catherine, vous prendra au moins 3 heures. Ensuite, nous vous conseillons de prendre le temps de vous promener dans les jardins de Catherine pour voir au moins les somptueux pavillons. Si vous avez le courage, la force et le temps, vous pouvez choisir de visiter une exposition dans l’un des pavillons. Dites-vous qu’avec cette journée déjà extrêmement chargée vous n’aurez même pas fait 50 % du domaine. Par conséquent, nous vous suggérons de réserver une seconde journée pour faire le palais et le parc d’Alexandre.

Parc et palais d’Alexandre

Catherine II décida d’offrir pour le mariage de son petit-fils, le grand-duc Alexandre Pavlovitch (futur empereur Alexandre Ier) un somptueux palais à côté du sien. Il fut achevé dans les dernières années de règne de l’impératrice.

Actuellement, le palais est en rénovation. La réouverture est prévue en 2021.

En plus du palais, vous avez un parc paysager avec sa tour blanche, son arsenal et sa ferme. Toujours dans le parc, derrière le palais de Catherine, vous trouverez le nouveau jardin. Ce somptueux jardin à la française est composé d’étangs, de parterres et de superbes ponts. Petit détour à ne pas rater lors de votre visite.

Nous avons regroupé l’ensemble des informations sur ce parc et palais dans un article dédié ici.

Plan du parc Ekaterinskiy à Tsarskoïe Selo

Cette carte en russe et en anglais est la plus complète disponible en ligne. Autrement, vous pouvez voir le plan interactif du site officiel.

Palais de Catherine à Tsarskoïe selo

Ce palais du XVIIIe siècle de style baroque est le joyau architectural de la dynastie des Romanov. Construit sous Elisabeth Ière, il fut très largement utilisé par Catherine II qui l’aménagea selon ses goûts. Il passa ensuite de main en main jusqu’à Nicolas II, le dernier Tsar de Russie.

Nous vous présentons toutes les salles de cet édifice dans notre article dédié ici.

Les termes de Cameron

Les bains froids

Charles Cameron, architecte écossais, aménagea toute l’aile ouest du palais de Catherine, y compris le Pavillon de Bain Froid. Il a terminé la maquette du pavillon en 1780 et au printemps de la même année, la construction a commencé. Son étage inférieur contenait une salle de bain, une salle de bain chaude et un bain de vapeur russe. L’étage supérieur se composait de six salles richement aménagées pour la détente et les divertissements, qui furent connues sous le nom de « Chambres d’Agate ».

L’étage inférieur est séparé du second par une corniche et est recouvert de blocs massifs de calcaire créant ainsi l’illusion d’une grande ancienneté, d’une « véritable antiquité » de l’édifice. Le deuxième étage, en revanche, est clair et lumineux. La façade principale sud-ouest du Bain froid s’ouvre sur une terrasse soutenue par des voûtes reposant sur des piliers massifs en briques qui sert de base au Jardin suspendu. On y trouvait plusieurs salles :

• La spacieuse salle voûtée, éclairée par une grande fenêtre semi-circulaire, contenait autrefois une baignoire pour se baigner dans l’eau chaude.
• La salle de bain avec ses deux fenêtres semi-circulaires et ses quatre portes, couverte par une double voûte en croisée d’ogives. Devant être richement décorée, Cameron ne conserva qu’une partie de son concept original. Cette salle contenait un bassin de baignade circulaire d’un volume de 13 mètres cubes, entouré d’une balustrade en bois. Pendant la Seconde Guerre mondiale, la salle de bains a servi d’écurie. La piscine a été détruite ; de nombreuses portes ont été démolies et le sol a été complètement rasé. Des travaux de restauration ont été effectués dans la salle en 1949 et 1990.
• Le salon non plus n’a pas reçu la finition décorative que Cameron souhaitait. Ses murs et son plafond en forme de dôme n’ont été que légèrement plâtrés et peints ; des colonnes de marbre naturel blanc ont été ajoutés dans les coins et quatre médaillons en bas-relief de scènes mythologiques ont été placés sur les anses de la voûte.
• Le hall d’entrée, voûté en croix, n’avait pas de décoration artistique à cause de sa fonction de service. Depuis celui-ci, vous pouvez accéder à l’escalier et monter à l’étage supérieur du pavillon.
• Les deux étages du pavillon sont reliés par un escalier en colimaçon conçu par Cameron et situé dans l’angle sud du bâtiment. Les niches des pans de mur de l’escalier contenaient quatre statues de marbre qui ont été enlevées en 1798 sur ordre de l’empereur Paul Ier. Le plafond de la cage d’escalier est en forme de dôme. Voulant réduire les coûts de construction, les marches furent construites en « pierre sauvage » sur demande de l’impératrice Catherine remplaçant le marbre russe prévu dans les plans par Cameron.

Le rez-de-chaussée du pavillon abrite actuellement l’exposition « Les chambres d’agate : La voie du réveil », consacrée à l’histoire et à la restauration des chambres d’agate.

Le traitement architectural des façades du bain froid, et de l’ensemble du complexe, repose sur une décoration contrastée des étages. L’étage inférieur est séparé du second par une corniche. Il est recouvert de blocs massifs de calcaire de Pudost à larges pores qui semblent avoir été érodés par le vent et la pluie, créant ainsi l’illusion d’une grande ancienneté. Le deuxième étage, en revanche, est clair et lumineux : des niches peintes, couleur terre cuite, se détachent sur le jaune clair des murs. Des médaillons en bas-relief moulés en rond, avec des sujets mythologiques, sont placés le long du haut des murs. Le mur nord-est, plus long, est percé de fenêtres semi-circulaires. Les niches entre les fenêtres contiennent des figures sculpturales de personnages mythologiques.

Les chambres d’agate

Cameron a porté une attention particulière aux chambres d’État situées à l’étage supérieur du Bain froid : les intérieurs des chambres Agate sont décorés de marbre, de peinture, de parquets à motifs, de jaspe coloré de l’Oural et de l’Altaï que les artisans russes du XVIIIe siècle ont travaillé avec une maîtrise exceptionnelle.

Des gisements de minéraux semi-précieux ont été découverts dans l’Oural dès le XVIe siècle. Pierre le Grand a montré un grand intérêt pour l’utilisation de ces « pierres de couleur » pour la finition des intérieurs de palais et a jeté les bases d’une industrie de taille de pierre en Russie.

En 1765, sur ordre de Catherine II, une expédition dirigée par Yakov Dannenberg fut envoyée dans l’Oural, où elle découvrit de nouveaux gisements de jaspe, d’agate, de cornaline et d’autres minéraux.

Au printemps 1783, Cameron prépara un plan pour la décoration de l’étage supérieur en jaspe. Conformément à ce projet, douze centimètres de maçonnerie furent détachés des murs de ces petites pièces ; ils furent ensuite recouverts de dalles de calcaire et recouverts de jaspe selon la technique de la « mosaïque russe ». La principale difficulté était le travail de finition – le meulage et le polissage de la pierre colorée de manière à faire ressortir ses couleurs vives et ses riches tons. Les polisseurs devaient donner un éclat de miroir à environ 200 m² de murs, d’architraves et de corniches.

Pendant la Seconde Guerre mondiale et l’occupation nazie, le marbre et le jaspe des murs et des portes des chambres d’agate ont beaucoup souffert. Une partie considérable des ornements en bronze des murs de toutes les salles a été détruite. De nombreuses sculptures en marbre ont disparu sans laisser de traces, tout comme six vases en jaspe, neuf bas-reliefs en bronze provenant des murs du Cabinet d’Agate et des médaillons en bronze provenant des bases des torchères de la Grande Salle. Pourtant, malgré les pertes importantes, le décor du XVIIIe siècle des chambres d’Agate a pour l’essentiel survécu et incarne une tradition unique, sans équivalent dans l’histoire de l’art mondial.

Les chambres d’agate ont été restaurées en 2010 grâce aux dons des Chemins de fer russes et de la Fondation caritative TransSoyouz.

La gallerie Cameron

La galerie que l’impératrice Catherine II est conçue comme un lieu de promenade et de conversations philosophiques. Cette réalisation de Cameron est située sur la pente d’une colline à la limite entre la zone régulière et la zone paysagère du parc de Catherine.

Les murs de l’étage inférieur de la galerie servent de base à la colonnade du dessus, qui se compose de 44 colonnes blanches cannelées avec des chapiteaux ioniques. Charles Cameron a quelque peu augmenté les écarts traditionnels, donnant à la colonnade une légèreté et une grâce particulière. Les grandes fenêtres de la salle vitrée dans la partie centrale de l’étage supérieur la rendent totalement transparente. La juxtaposition de la puissante arcade de l’étage inférieur et de la légère colonnade de l’étage supérieur incarne l’idée philosophique de l’éternel contraste de l’existence.

L’architecte a répété à plusieurs reprises le motif d’un portique à quatre colonnes : aux deux entrées principales, sur les côtés est et ouest. Elles soutiennent les frontons de la colonnade, tandis que sur les côtés nord et sud allongés, elles reviennent comme éléments décoratifs. La frise et la corniche qui entourent la galerie sont d’un style classique : la frise est ornée de couronnes exquises, la corniche de masques de lion.

Pour terminer l’étage inférieur de la galerie, Cameron a utilisé la même pierre que pour le pavillon du bain froid, la rampe et le jardin suspendu. Ce matériau, extrait par le village de Pudost, à 30 kilomètres de Tsarskoïe Selo, avait une couleur et un aspect « vieilli » qui rappelaient la maçonnerie des anciens édifices.

Cameron a embelli ses contreforts avec deux statues colossales, d’Hercule et de Flore, coulées en bronze.

La construction de la galerie commence en 1784 et sera finalement achevée en 1787. Sa partie supérieure reste à ce jour comme elle l’était il y a deux siècles. Seules les salles de l’étage inférieur, utilisées comme logement pour les dames de compagnie et les demoiselles d’honneur, ont été reconstruites et abritent aujourd’hui des expositions temporaires. La colonnade servait en quelque sorte de belvédère, offrant de superbes vues sur le Grand étang et le parc paysager.

Le jardin suspendu

La terrasse de la galerie Cameron, l’aile Zubov où Catherine II avait ses appartements privés, et les chambres d’Agate du pavillon des bains froids sont reliés par le jardin suspendu.

Avant l’aménagement du jardin, les voûtes soutenant la terrasse étaient recouvertes de feuilles de plomb pour les protéger de l’humidité, puis recouvertes d’une couche de terre dans laquelle les plantes pouvaient s’épanouir. Les côtés ouverts du jardin suspendu étaient à l’origine délimités par une balustrade en dolomite provenant de l’île baltique d’Ösel (aujourd’hui Saaremaa en Estonie). Au début du XIXe siècle, elle était délabrée et a été remplacée par une balustrade en bois peinte en blanc.

N’étant situé à l’origine que devant le deuxième étage du pavillon du bain froid en 1787, le jardin suspendu a été agrandi cinq ans plus tard, lors de la conception et de la construction de la rampe en pente douce sur souhait de l’impératrice. Cela nécessita l’érection de six autres piliers et voûtes entre l’aile du palais et la galerie Cameron.

Dans sa première décennie, la rampe, richement décorée de sculptures, était connue comme « l’Escalier des Dieux ». Mais les statues de bronze ne sont pas restées longtemps sur place et ont été retirées en 1799. Elles ont ensuite été remplacées en 1826 par des « autels classiques » en fonte incorporant des bols à fleurs. À la toute fin de celle-ci, jusqu’en 1941, se trouvaient deux colossaux vases en bronze qui ont disparu pendant l’occupation.

La construction de la rampe s’est achevée en avril 1794, supervisée par Ilya Neyelov, l’assistant permanent de Charles Cameron.

Parc régulier de Tsarskoïe Selo

Les sulptures du parc

Depuis plus de deux siècles, la partie régulière du parc de Tsarskoïe selo est ornée de statues et de bustes en marbre créés par les sculpteurs vénitiens du début du XVIIIe siècle – Giovanni Bonazza, Pietro Baratta, Alvise Tagliapietra, Bartolomeo Modolo, Giuseppe Zeminiani, Giovanni Zorzoni et Antonio Tarsia.

Les statues de personnages mythologiques et d’allégories ont été commandées par Pierre le Grand pour glorifier les victoires de la Russie et pour instruire et éduquer ses sujets. Elles ont acquis un rôle purement décoratif dans le jardin de sa fille, l’impératrice Élisabeth. Elles sont visibles depuis les entrées principales, dans le jardin du palais de Catherine ainsi que le long de l’allée principale du vieux jardin.

Sous Catherine II, les statues placées sur la galerie Cameron, le portique des salles Agate, la rampe et dans le jardin suspendu étaient des copies des œuvres antiques les plus remarquables. Parmi les personnages mythologiques, les généraux, poètes, philosophes et empereurs romains de l’Antiquité, Catherine a placé deux portraits de ses propres contemporains, leur accordant ainsi un honneur particulier.

Il convient de mentionner les pertes de la Seconde Guerre mondiale : des statues colossales en bronze de Niobé et de sa fille, une Ariane endormie du Jardin des Fleurs, un buste de l’empereur Titus ainsi qu’une statue de Catherine II en forme de Cérès.

Le bania supérieur

Le pavillon des bains supérieurs a été conçu dans un style classique. Bien que les façades du pavillon soient presque dépourvues d’embellissements décoratifs, il crée une impression de prolongement grâce à sa projection sur l’étang. Il est couronné d’un parapet à balustrade.

Le pavillon du bain supérieur est particulièrement attrayant lorsqu’on le regarde depuis l’allée centrale du vieux jardin (le parc régulier). La façade du pavillon est fortement mise en valeur par le contraste du feuillage à l’arrière.

Jusqu’au milieu du XIXe siècle, les bains supérieurs ont conservé leur fonction d’origine. Ils comprennent six pièces : un hall d’entrée, un vestiaire, un bain, un bain de vapeur, une chaufferie et une salle centrale octogonale pour la détente. Le plafond et les murs de la salle centrale ont été peints à partir de gravures. Les bains supérieurs ont été détruits pendant la guerre puis restaurés en 1952. La peinture du plafond et les deux compositions de la porte d’entrée de la salle principale représentent comme auparavant des scènes de l’ancien mythe de Phaethon, le fils du dieu Soleil. Il est actuellement utilisé pour des expositions temporaires.

Le bania inférieur

Ce pavillon, situé à l’écart des allées du parc et destiné à l’usage des membres de la cour, a été construit sur les plans de l’architecte Ilya Neyelov en 1778. Sa façade est à moitié cachée des promeneurs dans le jardin par des arbres et des arbustes.

Le pavillon comprend dix pièces regroupées autour d’un hall central avec une grande baignoire ronde. L’eau était chauffée dans deux chaufferies à entrées séparées et acheminée par des tuyaux vers le hammam et les salles de bains.

La disposition du pavillon est inhabituelle. Il a deux façades identiques opposées : l’une tournée vers le palais et l’autre non. Les murs de la salle centrale sont beaucoup plus hauts que ceux des salles latérales et forment un tambour vitré soutenant le dôme qui couronne le bâtiment. Le tambour et les murs de la façade comportent tous deux des fenêtres rondes placées en hauteur.

Le décor intérieur n’a pas survécu mais nous savons que d’après les documents d’archives, certaines des chambres étaient ornées de peintures décoratives sur les murs et le plafond. Les salles de détente et les vestiaires étaient chauffés par des cheminées en marbre et le bain circulaire était entouré d’une balustrade. Les façades du pavillon ont peu souffert pendant la Seconde Guerre mondiale et ont été restaurées en 1944. En juillet 2011, pour la première fois depuis 1917, après un long travail de restauration, les intérieurs du pavillon des bains inférieurs ont finalement ouvert au public avec l’exposition « Bain de la cour au 21e siècle ».

L’Hermitage

Des pavillons comme celui-ci étaient destinés à permettre au propriétaire du domaine de se reposer et de dîner en compagnie de quelques privilégiés. Afin d’éviter la présence inhibitrice des domestiques, ces pavillons étaient situés dans la zone « sauvage » du parc et étaient généralement équipés de mécanismes permettant de lever et d’abaisser les tables.

Le pavillon de l’Hermitage dans le parc de Catherine à Tsarskoïe Selo a été conçu par Mikhail Zemtsov. La pose des fondations a commencé au printemps 1744 et s’est achevée à l’automne de la même année. Cependant, en 1749 les façades du pavillon ont été reconstruites selon un nouveau projet conçu par Rastrelli. Deux ans plus tard, conformément à son concept, sont installés 68 chapiteaux sur les colonnes de l’Hermitage et 28 autres sur les pilastres.

L’architecte inclut également la sculpture dans la décoration extérieure du pavillon : huit statues se dressent sur les piédestaux de la balustrade tandis que quatre autres couronnent les toits des cabinets. Le dôme central était surmonté d’un groupe sculptural représentant le viol de Proserpine. Le bâtiment était en outre orné de seize statues placées sur des piédestaux ornés de rocailles et étaient toutes différentes. Les statues de la Gloire sur les grands frontons supportaient une magnifique cartouche contenant le monogramme de l’impératrice.

En 1753, les stucs sont recouverts de dorures et les façades sont peintes : les colonnes et architraves blanches, les moulures et sculptures dorées sont mises en valeur par la couleur bleu-vert des murs. Le toit, vert à l’origine, fut peint en blanc en 1755 et les statues et guirlandes qui l’ornaient brillaient d’or. La décoration des façades de l’Hermitage a été achevée en même temps que la décoration intérieure, en 1748.

Placé sur une terrasse pavée de dalles de marbre noir et blanc, le pavillon était entouré d’un fossé avec deux petits ponts. Le fossé était bordé par une balustrade qui était également décorée de statues et de vases. Selon les mots de Christian Hirschfeld, expert en théorie de la conception des parcs, « la mystérieuse obscurité d’un endroit, la profonde solitude et le silence solennel, les magnifiques caractéristiques de la nature ne manqueront pas d’investir l’esprit d’un certain sentiment et de l’obliger à une sérieuse réflexion ». Le fossé n’a cependant jamais été rempli d’eau, et fut comblé en 1777 sur ordre de Catherine II, alors nouvelle maîtresse de la résidence.

Le pavillon de l’Ermitage de Tsarskoïe selo n’a pas été changé depuis le milieu du XVIIIe siècle. Sa décoration intérieure nous est parvenue pratiquement intacte. Le hall central rectangulaire est relié par quatre galeries qui mènent en diagonale de celui-ci à quatre « cabinets ». Grâce aux larges fenêtres qui servaient également de portes d’accès aux balcons, la pièce est baignée de lumière.

Entre les fenêtres, Rastrelli a placé des miroirs dans des cadres sculptés et dorés qui se confondent avec le pourtour des dessus-de-porte peints. Le hall contient des tables à manger avec des treuils, comme à l’origine. Le sujet de la peinture du plafond de Giuseppe Valeriani illustre bien la fonction de la salle : Jupiter et Junon invitent les célestes à une table dressée et servie avec une vaisselle luxueuse. Valeriani s’est également inspiré de la mythologie et a repris les sujets des Métamorphoses d’Ovide pour peindre les panneaux au-dessus des miroirs de la salle centrale. Les peintures des plafonds des galeries ont été peintes par Antonio Peresinotti. Leurs sujets faisaient écho aux bas-reliefs des façades de l’Ermitage et représentaient des cupidons aux attributs allégoriques des saisons.

Les cuisines de l’Hermitage

La cuisine de l’Ermitage a été construite selon les plans de Vassily Neyelov. Au XVIIIe siècle, cette structure avait deux fonctions, servant non seulement de cuisine, mais aussi de porte d’entrée au parc de Catherine. C’est pourquoi le pavillon est assez souvent appelé « Porte rouge ».

Le bâtiment rectangulaire culmine dans une tour ronde à deux étages. Dans la conception des façades, Neyelov a utilisé le motif des niches semi-circulaires dans lesquelles il a placé des vases décoratifs. Le bâtiment tire son caractère « gothique » du parapet crénelé, des merlons rectangulaires et triangulaires qui couronnent les étages inférieur et supérieur de la tour, ainsi que des pyramides surmontées de boules placées sur les angles. À l’imitation des édifices gothiques d’Angleterre, les murs de la cuisine de l’Ermitage ont été laissés sans enduit, tandis que les joints entre les briques, les détails moulés, les niches et les panneaux des façades ont été blanchis à la chaux.

Aujourd’hui restauré, le pavillon abrite la billetterie du parc de Catherine ainsi que le restaurant et le café de l’Hermitage.

La grotte

Le projet de construction du pavillon de la grotte sur la rive du Grand Étang a été élaboré par l’architecte Rastrelli. La plupart des travaux de construction ont été réalisés en 1755 sous l’impératrice Elisabeth, mais ils ont été achevés dans les années 1760 sous Catherine II.

Tant le plan au sol que le traitement des volumes sont typiques de l’architecture baroque, les façades, également. Elles sont décorées de colonnes minutieusement groupées supportant des frontons brisés. Au-dessus de la partie centrale du pavillon s’élève une coupole avec quatre fenêtres lucarnes. De nombreux détails soulignent le lien du pavillon avec l’élément aquatique mais le projet de Rastrelli de décorer l’intérieur de la Grotte avec des coquillages et du tuf n’a pas été réalisé.

En 1771, un nouveau projet de décoration intérieure du pavillon est élaboré par l’architecte Antonio Rinaldi, il a survécu jusqu’à nos jours. À cette époque, conformément aux souhaits de Catherine II, des sculptures anciennes et des vases en pierre de couleur y ont été installés, ainsi que la statue de Voltaire par Houdon qui est aujourd’hui exposée au Musée national de l’Ermitage. Le débarcadère devant la Grotte a été reconstruit en 1830 et 1872. Pendant la Seconde Guerre mondiale, il a presque entièrement été détruit avant d’être reconstruit en granit en 1971 selon un nouveau design. Ce pavillon avait été glorifié par le poète russe G. Derjavin au XVIIIe siècle. Il est actuellement utilisé comme lieu d’exposition temporaire.

Parc paysager de Tsarskoïe Selo

L’amirauté

Cet ensemble de trois pavillons, longtemps connu sous le nom d’Amirauté, a été érigé sur les plans de l’architecte Vassily Neyelov au bord du Grand étang dans le parc de Catherine à la place d’un hangar à bateaux en bois qui lui a donné son nom. L’ensemble a été construit au cours de l’été 1773 et les pièces intérieures ont été décorées en 1774. Un orchestre y jouait pendant les promenades en bateau de Catherine II sur le lac.

Les tours du bloc central contiennent des escaliers menant à un grand hall lumineux au deuxième étage. Les murs sont ornés de gravures anglaises. Le pavillon central est relié à deux blocs par une balustrade, ils sont appelés « Maison des oiseaux » ou « Aviaries ». Diverses espèces d’oiseaux aquatiques (canards et cygnes) y étaient autrefois élevées, ainsi que des faisans et des paons. Au XVIIIe siècle, il y avait de petits jardins et deux étangs ronds. Le complexe architectural de l’Amirauté comprenait également la Maison des Marins, située à droite de l’une des Maisons des oiseaux. C’était le lieu d’habitation des rameurs qui, au XVIIIe siècle, faisaient des excursions en bateau et transportaient les gens sur l’île dans le grand étang.

Au XIXe siècle, il contenait une collection de bateaux à rames de différents pays du monde, dont les barges de Catherine II et le kayik turc de Nicolas Ier, qui a péri pendant la Seconde Guerre mondiale. Actuellement, le bloc central du complexe de l’Amirauté est utilisé pour des expositions temporaires, tandis que le centre d’information des visiteurs du musée et des restaurants sont ouverts dans les Maisons des oiseaux.

Le pavillon de l’île

Le pavillon de l’île est, comme son nom l’indique, situé sur une île du Grand étang. Il a été construit dans les années 1740, à l’époque d’Elizabeth et décoré d’après des dessins de Rastrelli. En 1794, il a été reconstruit par Giacomo Quarenghi, mais quelques décennies plus tard, en 1817, d’autres travaux ont été effectués dans la salle par Vassily Stasov. Au XVIIIe et au début du XIXe siècle, ce pavillon, destiné à être une salle de concert et un lieu de repos pour les plaisanciers, était également utilisé occasionnellement pour les déjeuners de la cour. La petite cuisine construite à côté a été supprimée au début du XXe siècle. En 1911, à l’occasion de l’exposition du 200e anniversaire organisée à Tsarskoïe Selo, un restaurant a été ouvert dans le hall et l’île a été reliée à la rive par un ponton.

En 1996, la traversée historique en ferry, reliant l’île au parc de Tsarskoïe selo, a été rétablie. Le pavillon de l’île a été restauré en 2008 et il est maintenant utilisé pour des expositions temporaires et des concerts de musique classique.

Colonne de Chesme

La colonne de Chesme a été érigée en 1774 dans le parc paysager par Antonio Rinaldi pour célébrer la victoire à la bataille de Chesme. En effet, le 26 juin, les Russes sous le commandement du contre-amiral Samuel Greig ont mis le feu à toute la flotte turque. Elle célèbre aussi les deux victoires de Chios et Mytilène en juin et novembre 1770 lors desquelles les forces navales russe ont coulés de nombreux navires turques et pris l’île de Mytilène.

La colonne dorique taillée dans trois morceaux de marbre blanc et rose d’Olonets est décorée de rostra (proues de navires) et couronnée par un aigle piétinant un croissant de lune. Des bas-reliefs en bronze représentant les batailles maritimes se trouvent à son pied, tandis qu’une plaque de marbre fixée au côté sud du piédestal raconte l’histoire des victoires. Le monument se dresse directement hors de l’eau. Cette colonne de Chesme a été glorifiée par Alexandre Pouchkine dans ses Souvenirs à Tsarskoïe Selo. Elle a été considérablement endommagée pendant la Seconde Guerre mondiale, les bas-reliefs en bronze d’origine ont été perdus. Ils seront recréés en 1994-96, puis installés en juin 1996, à l’occasion du 300e anniversaire de la marine russe.

Le pont de marbre

Près du Grand étang, se trouve le pont de marbre, également connu sous le nom de galerie de marbre de Sibérie. Le pont enjambe l’étroit cours d’eau qui relie le Grand étang à plusieurs autres creusés. Il y avait ici un archipel de sept îlots artificiels sur lesquels des cygnes vivaient dans de petites maisons qui ont été peintes d’après des dessins de Rinaldi. Ces îles et ces étangs portent encore aujourd’hui le nom de « Cygne ».

Au début des années 1770 on procéda à la taille des colonnes, des chapiteaux, des piédestaux, des balustres et d’autres éléments en marbre blanc et bleu-gris. Les panneaux destinés à faire face aux culées du pont ont été réalisés en granit gris-rose. Les fondations du pont de marbre ont été posées en 1773 puis il a été assemblé sur place en 1774. Le pont de marbre se présente sous la forme d’une colonnade posée sur une base de granit à laquelle on accède par des volées de marches à chaque extrémité. La partie supérieure est constituée de deux pavillons à base carrée qui sont reliés par une colonnade. Les espaces entre leurs piédestaux sont remplis de balustrades. Du pont, on a une vue splendide sur les bains turcs, la pyramide et la cascade rouge.

Les bains turques

Le pavillon « Bain turc » a été érigé sur un petit promontoire dans la partie sud-ouest du Grand Bassin entre 1850 et 1852, c’est ainsi la dernière structure à avoir été construite dans le parc.

Ce pavillon, conçu comme une sorte de mémorial à la guerre russo-turque de 1828, a été dessiné par l’architecte Ippolito Monighetti, qui a pris comme modèle une mosquée turque. Le dôme de l’édifice était décoré d’ornements en relief, tandis que le haut minaret était couronné d’une flèche et d’un croissant.

Ses salles intérieures ont été achevées dans le style « Moresque ». Dans sa décoration, du marbre blanc provenant des bains d’une sultane turque ramenée pendant la guerre de Roumanie a été utilisé pour les détails en relief. La partie inférieure des murs du vestiaire est recouverte d’une mosaïque colorée, tandis que la partie supérieure est décorée de moulures et de peintures ornementales. Un arc en plein cintre reliait la salle de lavage à la salle centrale en forme de coupole particulièrement somptueuse. Son principal ornement était un bassin en marbre blanc avec une fontaine peinte et dorée. La salle contenait des panneaux de marbre sculptés de versets qui avaient été apportés de Turquie.

Pendant la Seconde Guerre mondiale, les bains turcs ont été endommagés par des tirs d’obus. Les façades du bâtiment ont été reconstruites en 1953. Une restauration plus approfondie, a été faite en 2006 avec le soutien financier du budget fédéral. Le pavillon rénové offre des décors inoubliables et un mobilier composé d’objets de la collection du musée.

La pyramide

La pyramide est l’un des premiers pavillons du parc de Tsarskoïe Selo. Il a été construit en 1770 sur les plans de Vassily Neyelov puis démantelée dès 1774 et enfin reconstruite en 1782 par Charles Cameron. Sa surface est verte et recouverte de mousse ce qui lui donne l’aspect d’un ancien mausolée. La Pyramide a été délibérément placée à l’écart du chemin principal, afin que les promeneurs bercés par le calme du parc ombragé puissent l’apercevoir à l’improviste.

La Pyramide est faite de briques et recouverte de granit taillé. Un côté est percé par l’entrée. Quatre colonnes taillées dans le marbre gris de l’Oural se dressaient autrefois sur des piédestaux aux angles. La salle à l’intérieur du pavillon est couverte par une voûte hémisphérique avec une ouverture au centre.

Derrière la Pyramide, en face de l’entrée, trois des chiens préférés de Catherine II ont été enterrés : Tom Anderson, Zemira et Duchesse. Les tombes étaient autrefois marquées par des pierres de marbre blanc avec des épitaphes gravées, mais celles-ci n’ont pas survécu.

La cascade rouge

Les étangs supérieurs, qui ont été creusés dans la zone paysagère du parc de Catherine au début des années 1770, étaient reliés au grand étang, mais l’eau qui coulait librement sur la pente de la colline en direction du lac a commencé à creuser un profond ravin et, afin d’empêcher les nouveaux étangs de s’assécher, il a été décidé de créer un système de déversoirs sur le cours d’eau.

L’un des deux déversoirs est la Cascade rouge qui prend la forme d’un petit barrage flanqué de deux tours « de style gothique » effilées. Les murs en briques rouges des petites tours étaient agrémentés de niches en forme de lancette avec des architraves blanches qui se détachent nettement sur la brique environnante. Les étroites « flèches » à l’intérieur des niches et les parapets crénelés donnent à la cascade l’apparence d’une sorte de structure fortifiée.

Les portes d’entrée de Tsarskoïe Selo

La porte gothique

Non loin du complexe de l’Amirauté, le sol commence à s’élever jusqu’à la colline artificielle près de la ruine de la tour. C’est là que se trouve la Porte gothique qui a été coulée à Ekaterinbourg en 1777 sur le dessin de Yury Velten et d’inspiration anglaise.

Les travaux d’installation de la porte ont commencé en 1779 et l’année d’après, vingt-cinq tonnes de fonte ont été livrées à Tsarskoïe Selo. Au cours de l’été de cette année-là, la porte fut assemblée et mise en place.

Les piédestaux hexagonaux des portes sont ornés de panneaux d’ornement gothique. De grands piliers sont reliés par un arc « gothique » et des figures sculpturales en fonte placées entre les piliers complètent la décoration de la porte. C’est un exemple remarquable de fonte d’icônes russes du XVIIIe siècle.

La porte Orlov

La porte d’Orlov ou Gatchina a été érigée entre 1777 et 1782 à la limite du parc de Tsarskoïe Selo, au début de la route de Gatchina, l’ancien domaine du comte Grigory Orlov, commandant en chef de l’artillerie russe. Catherine II a honoré de son vivant l’un de ses favoris avec ce monument pour célébrer son succès dans la direction de la lutte contre une épidémie de peste qui a frappé Moscou en 1771.

Le côté de la porte qui fait face à Gatchina porte une inscription tirée de l’allocution du poète Vassili Maïkov au général : « Moscou a été délivrée du malheur par Orlov. » Une autre inscription du côté du parc donne un compte-rendu plus complet de cet événement. Œuvre d’Antonio Rinaldi cette porte se présente sous la forme d’un arc de triomphe à une seule travée. Rinaldi a utilisé des éléments empruntés à l’architecture romaine antique : des colonnes et des pilastres sur piédestal placés sur les côtés de l’arc élevé. Le marbre rose de Tivdia des colonnes et des panneaux est bien mis en valeur par le marbre gris qui a été utilisé pour faire face à la partie principale de l’édifice.

En 1781, il a été décidé d’ajouter des portails fonctionnels à l’arche, mais il a fallu attendre encore six ans avant que des feuilles de fer forgé soient produites à l’usine d’armes de Sestroretsk.

En 1789, le prince Gregory Potemkin passa par cette porte, apportant des nouvelles de la victoire sur les troupes turques en Moldavie.

La tour en ruine

Parmi l’ensemble des édifices consacrés aux guerres russo-turques à Tsarskoïe Selo, une place importante est occupée par la monumentale et efficace Ruine de la Tour dans le Parc Catherine.

Construite en 1771 sur les plans de l’architecte Yury Velten, sa création est une sorte de symbole de l’effondrement de l’Empire ottoman et en même temps la première structure néo-gothique dans un parc russe. De l’extérieur, la tour ressemble à une colonne dorique qui s’est enfoncée dans le sol. Elle est surmontée d’une grande plate-forme carrée supportant un pavillon rond dont les murs sont percés d’arcs en lancette.

Les murs de brique qui jouxtent la tour sont en partie cachés dans la colline artificielle. Le mur qui fait face au parc est perforé par un arc en plein cintre. La clé de voûte gigantesque de cet arc porte l’inscription : « Cette pierre a été placée en 1768 en mémoire de la guerre déclarée à la Russie par les Turcs. » L’arc sert d’entrée à un étroit corridor sur le côté droit duquel commence une rampe en spirale qui donne accès à la plate-forme supérieure. De là-haut, à une hauteur de 21 mètres, on a une vue splendide sur le parc paysager.

La surface du plâtre a été vieillie artificiellement avec des fissures imitant l’usure naturelle. De ce fait, la tour ressemblait aux ruines d’un ouvrage de fortification, dont l’intérêt était particulièrement fort dans la seconde moitié du XVIIIe siècle : les architectes de l’époque appréciaient la beauté des ruines pittoresques de la Grèce et de Rome et leur aspect mélancolique.

Les chênes qui ont été plantés dans les années 1780 entre la ruine de la tour et la porte d’Orlov ont presque tous été abattus pendant la Seconde Guerre mondiale. Aujourd’hui, les pentes de la colline sont cachées par le feuillage brillant des jeunes arbres. La ruine de la tour est presque immédiatement devenue l’une des curiosités les plus populaires des parcs de Tsarskoïe Selo et elle a été représentée par des artistes à de nombreuses reprises.

La terrace de granite

Pendant trois décennies au XVIIIe siècle, le site actuel de la Terrasse de Granite a été occupé par des tobogans avec des pentes qui pouvaient être glissées en hiver et en été. Le pavillon central de cette « installation » de divertissement a été construit d’après les plans de Bartolomeo Francesco Rastrelli.

Entre 1792 et 1795, les toboggans ont été démantelés et l’architecte Charles Cameron a entrepris la construction d’une grande galerie de 32 colonnes en pierre de Pudost à sa place mais elle fut également démolie. Au début des années 1800, il a été décidé d’utiliser la grande plate-forme laissée sur le site de la colline pour la construction d’une grande terrasse en granit. Celle-ci a été conçue en 1809 par l’architecte Luigi Rusca.

La terrasse en granit est orientée vers le Grand étang et des escaliers descendent de chaque côté. Les murs sont décorés de puissantes colonnes doriques sans base qui soutiennent les piliers de la balustrade en granit gris qui font un contraste avec les chapiteaux roses. Les murs, également en granit rose, sont brisés par des niches peu profondes encadrées par des architraves de blocs de pierre grise.

Rusca avait l’intention de décorer la terrasse avec deux statues de marbre, mais son idée n’a pas été mise en œuvre. Au lieu de cela, dans les années 1850, des copies galvanoplastiques de sculptures anciennes ont été installées sur les piliers de la balustrade. Les sculptures ont survécu et s’y trouvent encore aujourd’hui. En 1801, en même temps que la construction de la terrasse, Rusca a créé la Grande scène de débarquement en granit sur le Grand étang : une plate-forme d’une architecture simple avec des marches, quatre bornes rondes en granit et des balustrades. Dans les années 1850, le débarcadère a également été décoré avec des statues en galvanoplastique. Le lutteur Borghese et le lanceur de disque est toujours visible aujourd’hui.

La jeune fille au pichet

La fontaine de Tsarskoïe Selo connue sous le nom de la jeune fille au pichet, occupe une place particulière parmi les sculptures du parc de l’ancienne résidence impériale : c’est la seule sculpture qui a été créée spécialement pour le parc de Catherine.

En 1808, sur les instructions de l’empereur Alexandre Ier, le jardinier John Bush et l’architecte Luigi Rusca ont supervisé les travaux d’amélioration de l’ancienne colline de la côte. La pente entre la terrasse de granit et le grand étang fut transformée en une série de chemins verts. Les eaux d’une source locale avaient été détournées pour en faire une fontaine.

La statue a été créée par l’éminent sculpteur Pavel Sokolov sur le thème de la fable de La Fontaine « La Servante » et coulée en bronze dans l’atelier de l’Académie impériale des arts. Un jet d’eau de source s’écoule de la cruche brisée qui repose à ses pieds pour se recueillir dans le bassin attenant. À l’origine, ce bassin se présentait sous la forme d’une grotte dans laquelle on entrait par des marches en pierre de Pudost. La grotte n’a existé que jusqu’au milieu du XIXe siècle.

Alexandre Pouchkine a glorifié la fontaine dans son poème La statue du Tsarskoïe Selo.

Au début de la guerre, avant que les unités allemandes n’atteignent la ville de Pouchkine, la statue fut enterrée. C’est pour cette raison que la statue n’a pas été endommagée. Aujourd’hui, l’original en bronze de « La jeune fille au pichet » est conservé dans les réserves du musée. Une copie, coulée en 1990, a été installée dans le parc.

La salle de concert

Dans les années 1780, l’architecte Giacomo Quarenghi a construit dans le parc de Tsarskoïe Selo une salle de concert qu’il a décrite comme « une salle de musique avec deux cabinets et un temple en plein air dédié à la déesse Cérès ». À l’origine appelé « temple de l’amitié », Catherine II demanda qu’il soit appelé « salle de musique ou de concert » à partir de 1788.

La façade donnant sur l’étang est ornée d’un portique à quatre colonnes. De l’autre côté, la façade est traitée comme une rotonde à dix colonnes recouvertes d’un dôme bas. Les murs de la rotonde sont décorés de cinq bas-reliefs sur des sujets mythologiques créés par le sculpteur Mikhail Kozlovsky. Le relief central représente l’histoire d’Orphée ; les autres présentent des figures féminines allégoriques avec des attributs des arts et des instruments de musique.

La construction du pavillon a duré sept ans. Contrairement au traitement simple de l’extérieur, les pièces intérieures sont décorées de manière riche et variée. Elles ont été finies conformément aux canons du classicisme strict. Les murs de la grande salle sont revêtus de marbre artificiel décorés de pilastres corinthiens, de médaillons sculptés et de panneaux peints. La peinture décorative du plafond utilise des panneaux rectangulaires avec des représentations mythologiques. Le sol en mosaïque noir et blanche représentant un épisode du mythe de l’enlèvement d’Europe par Zeus date de la fin du deuxième siècle et fut apporté de Rome en 1784. Dans ses coins, se trouvent des images de monstres marins avec des queues de poisson. La composition est encadrée par une frise de fleurs de lotus stylisées.

Conformément à la conception de l’architecte, vingt-huit bustes en marbre, avaient été placés sur des piédestaux dans la grande salle. Ils ont été perdus pendant la guerre. Le décor des cabinets de la salle de concert reprend également des motifs anciens : l’un d’eux contient des allégories de l’architecture, de la peinture, de la sculpture et de la science ; l’autre des scènes d’offrandes. Les sols des deux salles sont en plaques de marbre avec des incrustations de mosaïque romaine datant du tournant du premier siècle après J.-C.

La cuisine en ruine

La ruine de la cuisine, située à côté de la salle de concert dans le parc de Catherine, a été créée par Giacomo Quarenghi dans les années 1780 et compte parmi les plus belles œuvres de l’architecte. Son entrée prend la forme d’une niche avec une porte placée à l’arrière. Les zones courbes de la façade entre les projections sont ornées de colonnes.

Lors de la création de la ruine de la cuisine, Quarenghi a réutilisé des fragments d’anciens édifices authentiques qu’il avait à sa disposition. Dans la partie supérieure des murs et dans les espaces entre les colonnes, il a placé six bas-reliefs qui ont été délibérément endommagés pour leur donner une apparence ancienne. De véritables sculptures anciennes ont été placées dans les niches. Les bâtisseurs ont imité un édifice en ruine de l’Antiquité avec une habileté exceptionnelle : par endroits, des briques délabrées ont été mises à nu ; la corniche et le plâtre des murs sont couverts de fissures. Selon les mots d’Igor Grabar, Quarenghi a construit « une ruine d’une authenticité si charmante et si convaincante qu’il est difficile de croire à sa fausseté ».

Le hall de soirée

Près du jardin privé dans le parc de Tsarskoïe Selo se trouve le hall de soirée. Ce pavillon dont la construction a commencé en 1796 sur un projet de Piotr Neyelov, n’a été achevé qu’une décennie et demie plus tard. Il se compose d’un hall rectangulaire et de deux petits cabinets. Rusca a embelli la partie centrale de la façade principale avec un portique à quatre colonnes ioniques, tout en plaçant des cariatides sur des piédestaux bas de chaque côté des fenêtres. À la suite de ces modifications, le pavillon a perdu l’aspect original prévu par Neyelov, qui avait proposé de décorer les façades « de palmes avec des troncs faits de rondins recouverts de tôle et de couronnes ». Rusca a repris les caractéristiques du classicisme tardif avec de grandes surfaces de mur lisse animées par la sculpture.

Les murs intérieurs de la grande salle ont été recouverts de marbre artificiel qui a péri pendant la Seconde Guerre mondiale. L’artiste décoratif Fiodor Shcherbakov a orné la partie supérieure des murs d’une frise peinte représentant des cerfs et des cupidons dans des chars à l’intérieur d’un parc. La peinture polychrome du plafond, partiellement conservée, a été restaurée après la guerre.

Le pavillon d’été chinois

Ce pavillon plutôt exotique connu sous le nom de « Maison d’été chinoise » est situé sur la rive d’un étang à la limite entre le parc de Tsarskoïe Selo et le nouveau jardin du parc d’Alexandre. Sur son toit est fixée une girouette en forme de bannière chinoise qui grince bruyamment lorsqu’elle tourne avec le vent. Il a été conçu par l’architecte Yury Velten de 1778 à 1786. Placé sur une étroite bande de terrain entre deux étangs, le pavillon a une forme allongée. Sa salle centrale ovale en forme de coupole est attenante à deux salles presque carrées de plus petite taille. Il possède deux entrées sur les côtés.

Le traitement du volume central est particulièrement élaboré : il est couvert d’un toit « chinois » et d’une tourelle sur piliers métalliques surmontée d’une girouette. Au-dessus des pièces latérales on trouve des terrasses ouvertes dont les toits sont soutenus par quatre piliers également coiffés de girouettes. Le toit est décoré de figures de dragons tordus, peints et dorés de couleurs vives. La peinture des murs extérieurs du pavillon imite le marbre coloré. Au début du XXe siècle, la « Maison d’été grinçante » avait perdu sa peinture et un grand nombre de ses détails décoratifs. La restauration effectuée en 1954 a redonné aux façades leur aspect fantaisiste et coloré d’antan. À l’heure actuelle, le pavillon est de nouveau lumineux et coloré après les récents travaux de restauration.

L’obelisque de Kagul

L’obélisque de Kagul ou Rumiantsev se trouve dans le parc de Tsarskoïe Selo, près de la façade sud de l’aile Zubov du palais de Catherine. Il a été érigé en 1771 pour marquer la victoire russe sur les Turcs, comme en témoigne l’inscription sur le piédestal : « En mémoire de la victoire remportée sur la rivière Kagul en Moldavie le 21 juillet 1770.

La décoration de l’obélisque de Kagul ne comporte aucun attribut militaire. La beauté de ses lignes, les proportions raffinées et le marbre russe gris foncé et rouge savamment sélectionné lui confèrent une apparence impressionnante et austère.

L’obélisque est mentionné dans le roman La fille d’un capitaine d’Alexandre Pouchkine.

Les expositions de Tsarskoïe Selo ?

Le village de Pouchkine où se trouve Tsarskoïe Selo est localisé à 25 km au sud de Saint-Pétersbourg. Des trains de banlieue et des taxis à itinéraire fixe circulent entre les points, il ne sera donc pas difficile de s’y rendre par vous-même.

Les Romanov

Installée dans une rangée de six chambres adjacentes à la suite des salles de cérémonie, l’exposition Les Romanov à Tsarskoïe Selo présente chronologiquement les documents concernant les propriétaires couronnés de la résidence : de l’impératrice Elizabeth Petrovna au dernier des Romanov. Leurs caractères personnels, leurs goûts et leurs intérêts, reflétés dans des portraits formels, du mobilier, des bronzes, de la porcelaine et d’autres objets des collections du musée, racontent l’histoire de leur vie de plus de 150 ans dans la résidence.

Écuries de la Cour à Tsarskoïe Selo

L’exposition se trouve dans un bâtiment historique des anciennes « Écuries de service », construites en 1824 selon le projet des architectes Stasov et Shustov. Conformément à sa vocation, le bâtiment a un plan en forme de fer-à-cheval.

L’exposition présente une collection de 25 voitures impériales d’artisans russes et ouest-européens des XVIIIe et XIXe siècles. La plupart d’entre eux sont des carrosses qui étaient utilisés lors des cérémonies officielles à la Cour russe. L’exposition présente également des voitures de plaisance, des voitures de ville, des voitures d’enfants et des traîneaux.

Toutes les pièces exposées permettent de retracer l’histoire de la fabrication des carrosses depuis deux siècles.

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Le complexe de parcs et palais d’Oranienbaum (En russe : Ораниенбаум) est situé à Lomonosov, à 40 kilomètres de Saint-Pétersbourg sur le côté sud du golfe de Finlande. L’ensemble est inscrit sur la liste du patrimoine mondial de l’UNESCO. Il a une grande valeur historique car c’est l’un des rares complexes qui ne fut pas détruit pendant la Seconde Guerre mondiale et qui conserva son architecture originale.

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Histoire d’Oranienbaum

La construction d’Oranienbaum commença au XVIIIe siècle, lorsque le tsar Pierre Ier offrit ces terres au prince Alexandre Menshikov. En 1711, le prince décida de construire ici le Grand Palais, qui porte toujours son nom. Malheureusement, celui-ci est l’exil en 1727 et tous ses biens sont confisqués. Dès 1743, Oranienbaum devient la résidence du futur empereur Pierre III. C’est pour lui que fut construite la forteresse de Peterstadt, dont le palais et les portes d’honneur subsistent encore aujourd’hui.

Dans les années suivantes, le complexe changea de propriétaire à plusieurs reprises et fut reconstruit. En 1762, après son accession au trône, Catherine II ajouta une datcha. Après elle, Oranienbaum passa de main en main d’Alexandre Ier à son frère Mikhail Pavlovich et ses héritiers.

À la suite de la révolution de 1917, certains des bâtiments furent transformés en musées et en hôpitaux, tandis que d’autres furent donnés à des établissements d’enseignement. Pendant la Seconde Guerre mondiale, la ligne de défense était située à Oranienbaum, grâce à quoi l’ensemble souffrit moins que d’autres complexes. Cependant, après la guerre, Oranienbaum fut abandonné et tomba en ruine.

En 1948, la ville fut rebaptisée Lomonosov, en l’honneur du célèbre scientifique. Ce n’est que dans les années 1990 qu’une restauration globale fut organisée.

« Oranienbaum » signifie « oranger ». La légende relie l’histoire du nom à l’épisode de la guerre du Nord, lorsque, sur le territoire de la future grange de Menshikov, une petite serre d’orangers fut trouvée avec l’inscription : « ORANIENBAUM », écrite en grosses lettres sur chacun d’entre eux. Cette découverte plu tellement à Pierre Ier qu’il voulut donner ce nom à la ferme. On sait également qu’en 1703, il donna le nom d’Oranienburg à l’un des patrimoines de Menshikov dans les environs de Voronezh. L’image de l’oranger, avec ses fruits orange vif, est devenu l’emblème principal des armoiries d’Oranienbaum.

Traduit de l’allemand

Plan du parc d’Oranienbaum

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Le grand palais d’Oranienbaum dit de Menshikov

Le Grand palais Menshikov est la plus ancienne construction d’Oranienbaum. On y ressent l’esprit de cette époque, une époque de transformation et de lutte pour l’entrée de la mer Baltique. Il est situé presque au niveau de l’eau du golfe, relié à la mer, dirigé vers elle, comme s’il incarnait le but principal de tous les travaux de l’époque de Pierre Ier : l’affirmation de la Russie sur la côte de la mer libérée.

La pièce maîtresse de la composition du palais est un bloc de deux étages sur lequel trône la couronne princière, auquel se joignent des galeries arrondies d’un étage, avec deux pavillons. À ses pieds, un jardin régulier fut créé, décoré de sculptures et de fontaines. Les invités arrivaient au palais par le canal de la mer, creusé en 1719.

L’aspect somptueux du palais, sa grande étendue et ses riches intérieurs suscitaient l’admiration et l’étonnement. Dans la propriété, de nombreuses « merveilles » attendaient les invités. Par exemple, au centre de la galerie orientale, il y avait un « bain turc », avec un plafond en verre, qui fut visité par l’empereur Pierre Ier lui-même. Les halls et les salons étaient décorés de stucs, de peintures sur toiles, de tapisseries, de marbre, de cadres de fenêtres dorés au plomb et les murs de nombreuses pièces étaient revêtus de carreaux hollandais et allemands. Il y avait deux salles de repos spéciales, pensées pour l’empereur, la chambre à coucher et la salle d’entrée. Leur ornementation était relativement simple, seule la cheminée et les murs étaient revêtus de carreaux hollandais.

Mais après la proscription de Menshikov, tous ses biens furent confisqués au profit du trésor public. En 1743, l’impératrice Elisabeth Petrovna accorda Oranienbaum à l’héritier du trône de Russie, le grand-duc Pierre Feodorovitch, devenu par la suite l’empereur Pierre III. C’est précisément à l’époque de Pierre Feodorovitch que le pavillon oriental reçut son nom actuel « Japonais ». La légende raconte que c’est précisément dans le pavillon « japonais » que l’empereur signa, le 29 juin 1762, après avoir régné pendant 186 jours seulement, sa renonciation au trône, en l’honneur de sa femme, devenue l’impératrice Catherine II, et de la nouvelle propriétaire d’Oranienbaum.

Après que la Grande Duchesse Elena Pavlovna, devint un véritable ange gardien de la résidence, Oranienbaum, fut transféré à sa fille Catherine Mikhailovna, et plus tard à ses petits-enfants – les ducs allemands, Mecklenburg-Strelitz.

En 1918, le palais fut transféré à la gestion du conseil local, et était sous la protection du comité des biens de la République. À l’intérieur du Grand Palais, à différentes époques, il y avait : l’hôpital, l’école d’agriculture, l’école de menuiserie et son dortoir. En 1934, les bâtiments du palais furent transférés à la Marine. Ce n’est qu’en 1995 que le transfert du Grand Palais à la réserve muséale commença. Il ouvrit ses portes aux visiteurs, en tant que musée, en septembre 2011.

Au cours des trois siècles d’histoire du Grand palais Menshikov, les périodes de prospérité furent souvent suivies de périodes d’oubli et de décadence. Néanmoins, le palais évita les destructions catastrophiques, les réaménagements radicaux et reste de nos jours, l’un des monuments les plus rares et authentiques de l’architecture russe de la première moitié du XVIIIe siècle.

Exposition « Oranienbaum à travers les âges »

Après la restauration de l’aile ouest du Grand Palais en 2017, le musée offrit aux résidents et aux invités de la ville une exposition nommée « Oranienbaum à travers les âges ». Des méthodes d’exposition traditionnelles et des technologies multimédias flambant neuves furent réunies dans plusieurs salles. Les visiteurs, qui voyagent dans l’espace et le temps, sont accompagnés par la voix du célèbre journaliste russe Vladimir Posner.

Pour commencer, les invités découvrent de nombreux faits sur l’ancienne région d’Izhora, où se trouve Oranienbaum. Les technologies multimédia leur font remonter le temps jusqu’aux rives du golfe de Finlande à la fin de la période glaciaire, et leur montrent le processus de façonnage du paysage moderne.

Les visiteurs du musée participent aux batailles palpitantes de la guerre du Nord (1700-1721), visitent le poste de commandement de Pierre le Grand et assistent au siège de la forteresse d’Oreshek. Dans la salle suivante, ils obtiennent une audience privée avec le gouverneur des terres finlandaises d’Ingrie, le « duc d’Izhora », comme s’ils étaient entrés dans le cabinet de travail de Son Altesse.

Un modèle mécanique unique montre les changements architecturaux du palais au cours des décennies. Les mystères de la restauration et de la création de l’exposition du musée dans le Grand Palais sont révélés dans la dernière salle. Les créateurs du musée n’ont pas oublié les plus jeunes visiteurs. Les parents peuvent confier leurs enfants à des éducateurs dans une salle spécialement équipée, qui convient à la fois pour le jeu et l’éducation.

L’église de la cour

La chapelle privée d’Oranienbaum (église de la cour), consacrée à Saint Panteleimon, est située dans le pavillon ouest du Grand Palais et fut construite sur ordre du premier propriétaire d’Oranienbaum, le Grand-Duc Alexandre Menshikov.

La congrégation de l’église de Saint Panteleimon comprenait non seulement les locataires du palais et les estivants d’Oranienbaum, mais aussi le personnel du palais, les citadins et les villageois. C’est pourquoi, dès les années 1730, une salle spacieuse à trois fenêtres, reliée au pavillon de l’église par le sud, fut utilisée comme réfectoire, qui pouvait être chauffé pour le confort des fidèles en hiver. Elle fut changée en 1838 en une chapelle latérale. La même année, le 16 décembre, elle fut consacrée au nom des saints Constantin et Hélène. En 1848 et en 1914, l’Église d’hiver fut restaurée et agrandie.

En 1858, l’iconostase usée fut remplacée par une nouvelle, sculptée et dorée, réalisée par le peintre Titov et le menuisier Andreev. Dans les années 1920, à la suite de la fermeture de l’église Saint-Panteleimon, la décoration intérieure de sa chapelle latérale fut complètement perdue et il n’en reste aucune image.

La seule pièce préservée de l’église d’hiver est exposée aujourd’hui : l’icône du XIXe siècle peinte de manière traditionnelle, intitulée « La Résurrection, avec une sélection de saints, et Saint-Georges et le dragon ». Sont également exposées dans l’église d’hiver, deux icônes originales de la fin du XVIIIe siècle provenant de l’église de Saint-Panteleimon et de son autel : « Adrian et Natalia » et « La Dormition de la Theotokos de la Laure de Kiev Pechersk ».

Le parc Oranienbaum

L’aménagement du parc est un exemple remarquable de l’art du paysage des XVIIIe et XIXe siècles. Sa superficie est de 162 hectares et il est divisé en un parc inférieur et un parc supérieur paysager. La majeure partie du territoire est occupée par le parc supérieur, qui est divisé en deux ensembles – l’ensemble de Peterstadt et l’ensemble de la Datcha.

Tout comme le fabuleux palais d’Oranienbaum, le parc a besoin de beaucoup de tendresse et d’amour pour retrouver sa splendeur d’antan. Si certaines parties de ce parc peuvent encore donner une bonne impression de l’aménagement paysager sous le règne de Catherine la Grande, d’autres sont tellement envahies par la végétation qu’elles sont devenues sauvages.

Le parc supérieur, au sud-ouest du palais, est la plus belle section du domaine, avec ses bois variés entrelacés de canaux, de ponts et d’étangs. Aménagé sous le règne de Catherine la Grande par Joseph Bush, ce parc vallonné abrite le palais chinois et la non moins fascinante colline de la Glisse d’Antonio Rinaldi, un pavillon baroque bleu et blanc de trois étages qui était autrefois le point de départ d’un « grand huit » de 500 mètres utilisant des luges ou des charrettes à roues.

ATTENTION TOUS LES PAVILLONS SONT EN RESTAURATION JUSQU’EN MAI 2022.

Le parc supérieur

Le palais de Pierre III

Les grandes résidences suburbaines du XVIIIe siècle est une construction de « divertissement », conçues pour les loisirs insouciants du tsar et de son entourage mais aussi pour les « cérémonies d’été » et les réceptions. On avait l’habitude d’y construire des résidences d’été et des forteresses « jouets » pour le divertissement des enfants et petits-enfants impériaux. À Oranienbaum, la forteresse « Peterstadt » fut construite pour le grand-duc Pierre Feodorovitch, le futur empereur Pierre III.

Celle-ci ressemblait à une étoile à douze branches, dont les rayons entouraient les remparts et le large fossé. On y trouvait des bâtiments militaires, une église luthérienne, ainsi que le palais impérial qui, contrairement aux autres bâtiments, dispose de deux étages. De toutes les constructions de « Peterstadt », seuls le palais et la porte Honorable furent conservés. Le palais miniature de Pierre III est l’une des œuvres les plus abouties de l’architecture du XVIIIe siècle en Russie, portant les caractéristiques du Rococo, un style non répandu à l’époque.

Les dimensions et la conception extérieure discrète du palais ont le caractère d’une résidence de campagne intime. Ce bâtiment n’était pas destiné aux réceptions et aux cérémonies, mais servait de lieu de détente après les exercices militaires. Dans ces intérieurs élégants régnait le monde merveilleux et amical de l’hôte lui-même – le monde d’un musicien et d’un collectionneur passionné. Le rez-de-chaussée est occupé par les locaux de service, qui ne présentent aucune décoration artistique. Au premier étage, il y a six pièces : le Salon d’entrée, le Garde-manger, la Salle des images, le Bureau, la Chambre à coucher et le Boudoir. Malgré la petite taille des locaux, le caractère de palais est souligné dans chacun d’eux – non pas par la somptuosité, mais par la subtilité et l’élégance des matériaux utilisés.

Le Palais de Pierre III ne fut que très légèrement endommagé pendant la Seconde Guerre mondiale, il apparaît aujourd’hui dans sa forme originale.

Le musée expose les effets personnels de Pierre Feodorovich : le chapeau à coque, l’écharpe et l’uniforme du colonel du régiment d’infanterie de Holstein. En tant que commandant de la forteresse, il apparaissait souvent dans cette tenue sur le balcon du palais pour saluer son peuple.

Aujourd’hui, le palais de Pierre III n’est pas seulement un rare monument architectural du XVIIIe siècle, c’est aussi le lieu de concentration d’œuvres d’art et d’artisanat russes et étrangers de premier ordre.

Le pavillon des montagnes « russes »

Parmi toutes les constructions du parc supérieur, la plus impressionnante est le pavillon des montagnes « russes ». Se dressant comme un phare, sur la haute terrasse côtière, il est visible de loin. Son élégante silhouette se détache nettement sur le fond du ciel. Ce pavillon fait partie de ce qui était autrefois une vaste installation de divertissement, prototype des collines de glace, qui étaient créées pour les jours de fête du printemps.

Le complexe des montagnes russes, comprenait le pavillon, des pistes de glissade et des galeries-colonnades couvertes s’étendant sur 532 mètres. Le site était situé à une altitude de 20 mètres. L’ingénierie sophistiquée et la construction technique de glissades comprenait une rampe droite et trois rampes ondulées en bois, dont la hauteur diminuait progressivement et qui étaient généralement complétées par l’inertie, ainsi que trois pistes : la centrale – pour la glissade, et les latérales – pour le levage des chariots. Le cabotage se déroulait sur des chariots sculptés et dorés, spécialement conçus par A. K. Nartov, en forme de « chars triomphaux, gondoles et animaux sellés ». La colline glissante fut utilisée jusqu’en 1801, date à laquelle elle commença à se désintégrer lentement. Finalement, en 1813, les colonnades se sont effondrées, et à la fin des années 1850, les ruines furent démantelées.

Le concept de « montagnes russes » provient des courses de luges se déroulant sur des collines de neige spécialement aménagées pour celles-ci, particulièrement dans les environs de Saint-Pétersbourg. À la fin des années 1700, leur popularité fut telle que des entrepreneurs commencèrent à développer cette idée dans d’autres pays, en utilisant cette fois des voitures munies de roues solidaires d’une voie. En 1812, la compagnie « Les Montagnes russes » construisit et géra celles du quartier Belleville dans Paris. Le premier looping, intitulé sur le journal L’Époque « chemin de fer centrifuge », fut probablement construit à Paris en 1846, à partir d’un schéma anglais : le voyageur d’un traîneau est lancé dans une boucle d’environ quatre mètres de diamètre. Néanmoins aucune de ces voies ne formait un circuit complet. Le premier circuit complet en boucle apparait en 1884 à Coney Island. Un an plus tard, Phillip Hinkle introduit le lift hill, un système tirant le train sur la première côte du circuit.

Source wikipedia

De toutes les constructions, seul le pavillon fut préservé, avec ses façades laconiques qui contrastent avec l’élégance de la décoration intérieure. Chacun des intérieurs est unique. Le hall rond est décoré de peintures, de stucs et d’œuvres dorées de maîtres russes et italiens avec un sol recouvert de marbre.

Ces intérieurs ajoutent au pavillon une fonction non seulement divertissante mais aussi représentative. Après l’achèvement de sa construction, Catherine la Grande y organisa des dîners de gala et des réceptions, notamment des rencontres avec des ambassadeurs étrangers. Par exemple à l’occasion du Conseil suprême privé du 28 juillet 1774, ou encore le 30 juin 1777, en l’honneur du roi de Suède, Gustav III.

Pendant la Seconde Guerre mondiale, le pavillon de la Colline fut sérieusement endommagé. Sa restauration fut réalisée par M. M. Plotnikov. En 1959, le pavillon de la colline ouvrit de nouveau ses portes aux visiteurs, en tant que musée d’histoire et d’art.

Le palais chinois

Le palais chinois, situé au cœur du parc supérieur et entouré de verdure de part et d’autre. Il fait partie de la « Datcha privée », le grand complexe palais-parc de l’impératrice Catherine II.

Érigé entre 1762 et 1768, sur le projet de l’architecte italien A. Rinaldi, le palais n’avait qu’un seul étage et ce n’est qu’au milieu du XIXe siècle qu’il acquit de nouvelles caractéristiques. Le deuxième étage accueille la galerie en verre et prolongée sous un balcon nouvellement construit, reliant ainsi les deux corniches du côté sud.

Pendant longtemps, le palais fut appelé « Maison hollandaise ». Ce n’est qu’en 1774 que le nom de « palais chinois » apparut dans le journal Kamer-Furjevskiy, en raison de la décoration intérieure.

Dans la partie centrale du palais, on trouve une enfilade de grandes pièces : le cabinet des paillettes, la chambre à coucher en tissu, la salle des muses, les salons bleu et rose et les cabinets chinois. Elle est complétée par de petites enfilades : dans celle de l’ouest, on trouve les quartiers résidentiels de Catherine II, et dans celle de l’est – les chambres du grand-duc Paul. Chaque intérieur y est complètement indépendant.

Le principal point d’intérêt est le cabinet à paillettes, qui conserva sa finition authentique des années 1760. Les murs de la pièce sont décorés de douze panneaux sur lesquels on trouve des compositions complexes représentant des oiseaux de contes de fées, des plantes et des papillons. Les panneaux sont enfermés dans des cadres avec des sculptures dorées, imitant les troncs d’arbres, entrelacés de feuilles, de fleurs et de grappes de raisin.

Aucun autre palais russe ne dispose d’une telle collection de plafonds. Le parquet du palais, d’une superficie totale de 722 mètres carrés, est unique par la richesse et la diversité de ses essences : bois rouge, bois d’ébène, amarante, buis, noyer de Perse, érable, bouleau et chêne. Dans certains endroits, on trouve jusqu’à quinze types de bois différents.

Le palais chinois incarne les influences de la mode et les préférences esthétiques du XVIIIe siècle. La décoration intérieure du palais fut réalisée par des artistes et artisans européens et russes d’une compétence exceptionnelle. L’historien de l’art, Igor Grabar, en parla comme étant : « Le véritable miracle des miracles du XVIIIe siècle ».

Pavillon de la cuisine chinoise

Le pavillon de la « cuisine chinoise », est situé sur la rive orientale de l’étang, devant la façade sud du Palais chinois. L’histoire de sa création remonte à 1760, lorsque A. Rinaldi construisait l’ensemble de la « Dacha privée ». Il prévoyait de construire deux pavillons de part et d’autre de l’étang, le Café et la Maison des Freulein (Maison des dames d’honneur), mais seul ce dernier fut construit. En 1852, l’architecte L. Bonstedt, reconstruit l’ensemble et le bâtiment reçut le nom de « Cuisine chinoise ». Les repas étaient préparés ici, puis livrés dans le garde-manger du Palais chinois.

Le toit du pavillon ressemble à une pagode chinoise. Le bâtiment de deux étages est peint d’une couleur rose pâle. Au centre du hall, se trouve une cheminée avec deux fours russes, deux poêles hollandais avec un four, des fours à confiserie, des armoires à grillades, des appareils à brochettes et des chaudières.

À côté, il y avait la cafétéria avec « un foyer anglais de grande taille doté d’une cuisinière et d’un four », une salle de service, un garde-manger pour la vaisselle, un garde-nappe, une confiserie, une salle de service, ainsi qu’une salle de bain avec « une machine à eau de trois robinets » et un espace pour laver la vaisselle. Le personnel de service vivait au premier étage. Non loin de la cuisine chinoise, il y avait une glacière en briques aménagée pour le stockage des produits.

Le bâtiment fut reconstruit plusieurs fois, et servit de cuisine, d’hôpital, de logement pour les écuries, de tribunal et de blocs pour les cavaliers. À l’époque soviétique, les fours furent démantelés et le pavillon fut aménagé en appartements communaux. Seule la cheminée, qui est restée au centre de la pièce, rappelle l’utilisation originale du pavillon. Actuellement, le hall inférieur, libéré de toutes les cloisons, est utilisé pour les expositions temporaires du Musée-Réserve d’État de Peterhof.

Le parc inférieur

La maison des tableaux

Construite au milieu du XVIIIe siècle, l’architecture de la Pinacothèque fait écho au Palais Menshikov, au bâtiment des Douze Collèges et à d’autres bâtiments typiques du premier quart du XVIIIe siècle.

Pierre III était un collectionneur passionné et le bâtiment de la pinacothèque était destiné à conserver les collections du grand-duc. Dans le hall central, et dans l’aile ouest, les murs étaient entièrement recouverts de toiles de maîtres italiens, flamands, hollandais et allemands. À la demande de Pierre III, un petit cabinet des curiosités fut organisé. Il rappelait par son contenu le cabinet des curiosités de Pierre Ier. Outre les curiosités zoologiques et anatomiques, il contenait également une collection de raretés, importées de Chine et du Japon, ainsi qu’un ensemble unique de minéraux, notamment de l’ambre.

Dans l’aile orientale de la pinacothèque, se trouvait une salle d’opéra. Peter III aimait la musique et le théâtre. Il accueillait des représentations d’opéra, des concerts, et y participait, jouant parfois le rôle de premier violon. Oranienbaum avait sa propre troupe de théâtre et son école de ballet, qui admettait « les enfants des jardiniers et des paysans ». On y trouvait aussi une école de musique pour les enfants des soldats du régiment de Holstein.

Les autres pièces de la pinacothèque abritaient une vaste bibliothèque. Peter III lisait volontiers les descriptions de voyages, les livres de guerre, les ouvrages d’art et d’histoire. La base de sa collection de livres était la bibliothèque de son père, le duc Karl Friedrich Holstein. Mais le grand-duc allait au-delà de la bibliothèque familiale et veillait régulièrement à son réapprovisionnement. La pinacothèque témoigne de l’intérêt artistique et de la subtilité du goût de l’hôte d’Oranienbaum.

Après le coup d’État de 1762, la Pinacothèque perdit sa fonction. Catherine II n’était pas intéressée par la préservation des collections rassemblées par son mari, elle signa donc un décret sur leur transfert vers diverses institutions.

Ainsi au cours du XVIIIe siècle, toutes les collections furent dissoutes. Le bâtiment servit d’entrepôt pour les malades des hôpitaux militaires. À différentes époques, il abrita des appartements, un collège et un lycée. Seules les façades furent conservées jusqu’à nos jours, sans changements significatifs. Après l’achèvement des travaux de restauration, la pinacothèque sera ouverte au public en tant que centre culturel particulier, où il est prévu d’organiser des concerts et des visites guidées.

La salle des pierres

Un petit palais, connu dans les documents sous le nom de « salle des pierres », fut construit sous la supervision du maître maçon, M. L. Hofmann. Le pavillon fut conçu pour accueillir des concerts, des mascarades et des danses pendant les séjours de la famille impériale à Oranienbaum. Le plan de construction était en forme de U, la grande salle avec la scène était installée dans le bâtiment central en pierre. Les jours de fête, la place devant le pavillon était aménagée avec des tables dressées, éclairées par des lanternes colorées. L’allée, qui sortait du parc, était le théâtre de spectacles exquis.

Au cours des XIXe et XXe siècles, le pavillon fut reconstruit à plusieurs reprises. Les ailes en bois du Nouveau palais furent démantelées au XIXe siècle, et son espace central, la « Salle de pierre », fut conservé comme une structure indépendante. Au milieu du XIXe siècle, le bâtiment servi d’église luthérienne. À cette époque, l’hôtesse d’Oranienbaum était la grande-duchesse Elena Pavlovna. Elle naquit en Allemagne et fut élevée dans la foi luthérienne. Elle vint en Russie en tant qu’épouse du grand-duc Mikhail Pavlovitch, et accepta le baptême orthodoxe. Au début du XXe siècle, on ajouta le clocher à l’église. Ce n’est qu’en 1960, que l’architecte M. M. Plotnikov, lui offrit sa forme actuelle.

Actuellement, la salle de pierre accueille des concerts. La musique de chambre comme la musique d’opéra y résonnent de manière étonnante. Il accueille également des festivals et des expositions avec un cinéma interactif.

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Le palais de Catherine de Tsarskoïe Selo, dans le village de Pouchkine, est un musée et un complexe de palais et de parcs. Fondé en 1717, sous le règne de Catherine Ier, il a appartenu dans les années qui ont suivi aux impératrices Elizabeth Petrovna et Catherine II. En 1752 le Grand Palais a été reconstruit selon les plans de l’architecte Rastrelli dans un style baroque. C’est cet ensemble architectural qui est aujourd’hui visible sous sa forme restaurée. Le palais est inscrit au patrimoine mondial de l’UNESCO.

Cet article traite uniquement du palais de Catherine avec toutes ses salles. Pour avoir plus d’information sur le complexe de Tsarskoïe Selo avec son parc et le palais d’Alexandre, veuillez consulter les articles correspondant.

Estimation du temps de lecture : 48 minutes

Histoire du palais de Catherine

L’exposition du Palais de Catherine (connu jusqu’en 1910 sous le nom de Grand Palais de Tsarskoe Selo) couvre les 300 ans d’histoire de cet édifice exceptionnel et présente le travail des architectes qui ont participé à sa construction et à sa décoration aux XVIIIe et XIXe siècles, ainsi que les réalisations des restaurateurs qui ont redonné vie au palais après la Seconde Guerre mondiale. Sur les 58 salles détruites pendant les années de guerre, 32 ont été recréées.

En 1717, alors que Saint-Pétersbourg était en cours de création sur les rives de la Neva, l’architecte Johann Friedrich Braunstein a commencé à superviser la construction de la première résidence royale en maçonnerie à Tsarskoïe Selo qui est entrée dans l’histoire comme « les chambres en pierre » de Catherine I. Le bâtiment s’est agrandit pendant le règne de l’impératrice Elizabeth (la fille de Pierre le Grand et de Catherine I). Le 10 mai 1752, l’impératrice Elisabeth signe un décret sur la reconstruction complète de l’ancien bâtiment et le 30 juillet 1756, Bartolomeo Francesco Rastrelli présente déjà sa nouvelle création à sa maîtresse couronnée et aux ambassadeurs étrangers.

Dans les années 1770, la nouvelle maîtresse de la résidence l’impératrice Catherine II, était fascinée par l’art du monde antique et voulait que ses appartements soient finis selon les goûts actuels. Elle confia cette tâche à l’architecte écossais Charles Cameron (1743-1812), spécialiste de l’architecture ancienne qui créa dans l’aile Zubov et dans la partie nord du palais, des intérieurs dotés d’une décoration austère et des finitions particulièrement soignées.

Le dernier ajout aux salles d’État du palais a été l’escalier principal changé en 1860-63 par Ippolito Monighetti (1819-1878) pour un nouveau style « Second Rococo ».

Quoi voir dans le palais de Catherine ?

Le palais de Catherine et son parc sont de loin des incontournables de Saint-Pétersbourg largement pris d’assaut en haute saison. La splendide architecture rococo, l’immense parc et les joyaux que le palais renferme ne laisseront personne insensible. D’ailleurs la chambre d’ambre est considérée comme une énième merveille du monde. Elle fut restaurée à l’identique en 2003 pour un montant estimé à 500 millions de dollars. L’originale aurait été volée par les nazis pendant la guerre et transporté par bateau à travers la mer baltique. Depuis 75 ans, on essaye de localiser l’épave contenant le trésor, en vain.

Le grand hall qui est une salle de réception de plus de 800m² est également une pièce unique à l’image de la galerie des glaces de Versailles. À ne pas manquer !

Comment profiter pleinement de Tsarskoïe Selo ?

Le palais de Catherine est le palais le plus visité de Russie avec celui de Peterhof. Des millions de personnes le visitent chaque année avec une concentration énorme en été, pendant la haute saison. Par conséquent, il n’est pas rare d’avoir 3 heures de file d’attente !

Afin de profiter pleinement du lieu, arrivez tôt voire très tôt avec vos billets déjà achetés en ligne. De cette manière, vous pourrez économiser le temps passé dans la file d’attente et profiter du parc pendant la journée.

Acheter ses billets pour le palais de Catherine

Sur place, l’attente en été est irréaliste. Il est donc fortement conseillé d’essayer d’acheter ses billets en ligne ou via une agence. Par ailleurs, il est important de savoir qu’une fois les billets achetés, vous avez 1 heure pour entrer dans le palais.

En ligne sur le site officiel, vous obtiendrez une contremarque échangeable contre un billet.

Conseil pour ne rien louper

Concernant de la visite du palais de Catherine, les visiteurs sont rassemblés en petits groupes de 15 à 20 personnes accompagnés d’un guide. La visite dure environ 20 minutes ce qui est court. Par conséquent, il est peu probable que vous ayez le temps d’examiner simultanément les intérieurs, d’écouter le guide et de prendre des photos. Il ne vous est cependant pas interdit de vous éloigner de votre groupe.

Trois itinéraires

Compte tenu du très grand nombre de visiteurs au palais de Catherine, les touristes sont conduits par trois itinéraires guidés. Les deux premiers itinéraires incluent la visite du grand hall et de la célèbre chambre d’ambre mais quelques salles diffèrent (voir plan). L’itinéraire n° 3, ne vous permettra pas d’accéder à la chambre d’ambre néanmoins il donne accès à la chapelle et aux appartements.

En conclusion, prévoyez la journée pour profiter pleinement du lieu et ne pas courir. Planifiez cette journée en avance, repérez les lieux via notre carte et faites appel à un guide si vous souhaitez en savoir plus et ne pas vous prendre la tête.

Plan du palais de Catherine

Le palais de Catherine à Tsarskoïe Selo a été gravement endommagé pendant la Seconde Guerre mondiale, les intérieurs ont été pillés et le bâtiment a brûlé. La dernière restauration à grande échelle a été achevée en 2015.

Toutes les pièces du palais de Catherine

Maintenant que vous savez comment bien profiter de ce trésor, découvrons ce qu’il renferme.

L’escalier d’honneur

Sous le règne de Catherine II, l’escalier principal construit dans les années 1750 par Bartolomo Francesco Rastrelli fut supprimé et Charles Cameron à la place construisit un nouvel escalier en acajou au centre du palais. En 1860-63, l’escalier a été reconstruit en marbre et décoré de balustrades sculptées et de vases par l’architecte Ippolito Monighetti.

La cage d’escalier occupe toute la hauteur et la largeur du palais et est éclairée par trois niveaux de fenêtres à l’est et à l’ouest. Suite à la perte d’une partie de la collection pendant la seconde guerre mondiale, les paliers supérieurs de l’escalier ont été ornés de sculptures en marbre restaurées du sommeil et du réveil de Cupidon, qui ont été sculptées par Victor Brodzsky en 1860 sur ordre de l’impératrice Maria Feodorovna, l’épouse d’Alexandre II.

Le plafond de l’escalier était anciennement décoré de trois peintures qui ont été détruites lorsque le toit s’est effondré pendant la guerre. Pour recréer l’apparence de la cage d’escalier, des toiles de Carlo Maratta et Pietro Liberi ont été sélectionnées pour correspondre aux compositions précédentes tant par leur style que par leur taille.

Les halls d’exposition (1 & 2)

Anciennement garde-manger, deux halls du Palais de Catherine situées à proximité du palier de l’escalier principal, sont désormais utilisées à des fins d’exposition.

Le premier hallprésente l’un des éléments décoratifs uniques du milieu du XIXe siècle qui a survécu à la guerre – un fragment de corniche de la Grande Salle du palais.

Lorsqu’une rénovation complète du bâtiment a été effectuée dans les années 1820 à la suite d’un incendie, les plafonds ont été remaniés. La corniche a été recréée dans le style du décor baroque de l’intérieur de Rastrelli qui sera embellit dans les années 60 par Andrei Stakenschneider. La corniche a existé sous cette forme jusqu’en 1941 puis a été enlevée. Les fragments survivants sont maintenant exposés dans la salle d’exposition.

Au centre du hall, vous pouvez voir un modèle unique du Grand Palais de Tsarskoïe Selo qui a été créé en 1744 et qui reflète l’une des étapes importantes de l’histoire de sa construction. En 1743, Savva Tchevakinsky et son assistant Andrei Kvasov réalisent une maquette en bois et des dessins sur papier pour un projet de rénovation du Parlais. Elle a survécu jusqu’à nos jours et nous donne une idée de l’aspect extérieur de l’édifice avant 1748.

Les stands d’information dans la deuxième salle présentent les principales étapes de la construction du palais de Catherine, la décoration de ses intérieurs et la création des parcs et pavillons selon les souhaits des hauts propriétaires de Tsarskoïe Selo au cours des XVIIIe et XIXe siècles.

La grande salle (3)

La Grande Salle ou Galerie Lumineuse, comme elle était appelée au XVIIIe siècle, est la plus grande salle d’état du palais, destinée à accueillir des réceptions et des célébrations officielles.

La salle est illuminée par les reflets des dorures pendant les journées d’été et éclairée de presque 700 bougies le soir. La somptueuse décoration baroque donne l’illusion d’un espace sans limites : l’alternance de grandes fenêtres et de miroirs agrandit visuellement le hall, tandis que l’image au plafond prolonge l’espace vers le haut.

La sculpture et l’ornementation qui recouvrent les murs de la Grande Salle en un seul motif continu ont été réalisées par 130 sculpteurs à partir d’esquisses de Rastrelli faisant apparaitre des figures.

La peinture originale du plafond a été réalisée en 1752-54 à partir d’une esquisse de Giuseppe Valeriani (1708-1762), et comprend trois compositions distinctes : une allégorie de la Russie, une allégorie de la paix et une allégorie de la victoire.

Dans les années 1790, la déformation du plafond a entraîné le déplacement du tableau de Valeriani vers les réserves du palais. Après avoir été remplacée, elle a été redécouverte puis restaurée après la guerre sous sa forme originale grâce à des croquis faits à l’époque.

Les antichambres (4, 5 & 6)

Ces 5 salles étaient situées avant la Grande Salle et étaient destinées à servir de lieux d’attente pour les audiences et les apparitions publiques de l’impératrice. Il n’en reste aujourd’hui que 3.

Les antichambres étaient éclairées par des fenêtres des deux côtés et décorées dans un style baroque avec des toiles peintes et des sculptures de bois doré. Les peintures des plafonds ont des sujets de la mythologie antique : Le triomphe de Bacchus et le mont Olympe, reconstitué à partir d’une photographie après la guerre. La troisième antichambre, connue à l’époque sous le nom de salle de billard, a été achevée d’une manière différente et aborde des colonnes cannelées et des cheminées en marbre. Sa vue impressionnante donne sur les appartements dorés du palais, on l’appelle « l’Enfilade d’or ».

Les travaux de restauration dans les antichambres ont commencé à la fin des années 1990. La peinture et le parquet ont été recréés ; la sculpture sur bois a été restaurée, réapprovisionnée et dorée. Aujourd’hui, les Antichambres ont retrouvé leur splendeur d’antan et ont pris une place de choix parmi les salles d’apparat de l’Enfilade dorée.

Les visiteurs arrivant à Tsarskoïe Selo au milieu du XVIIIe siècle, sous le règne d’Elizabeth Petrovna, se retrouvent d’abord dans les antichambres attenantes à l’escalier principal de l’aile sud du palais de Catherine. Ces salles étaient situées avant la Grande Salle et étaient destinées à servir de lieux d’attente pour les audiences et les apparitions publiques de l’impératrice. La reconstruction plus tard dans le siècle a transformé deux des antichambres en salles Arabesque et Lyonnaise, ne laissant que trois des cinq salles originales.

La salle arabesque (7)

L’Arabesque est l’une des plus belles salles de gala créée par Charles Cameron.

Les chambres ont beaucoup souffert pendant la Seconde Guerre mondiale. Reconstruites pour une école de la marine au début des années 1950, elles ont ensuite accueilli une maison de repos et une école d’art, puis ont retrouvé leur disposition historique après la fin de leur reconstruction en 2005 faite grâce à des photographies.

Cette pièce fait face à la cour principale et le premier bal y a eu lieu le 20 mai 1783, un an avant la fin de sa construction.

Charles Cameron embellit la salle avec des pilastres, des miroirs ovales encadrés, et des panneaux verticaux rectangulaires avec des ornements grotesques peints de style néoclassique, alors appelés arabesques (d’où le nom). Comme il y avait deux niveaux de fenêtres, Cameron a créé une composition à deux niveaux, avec des médaillons peints représentant des figures allégoriques en habits anciens dans le niveau supérieur séparé du niveau inférieur par la large bande de frise dorée. La pièce centrale du mur est une cheminée en marbre blanc italien.

Les peintures du plafond sont basées sur le thème de la louange aux vertus humaines. Les médaillons du plafond placés en cercle représentent de nombreuses allégories tandis que le médaillon central ressemble au mythe bien connu du Jugement de Paris, avec les trois déesses peintes comme des allégories de la beauté, de la modestie et de la patience.

La rénovation de l’Arabesque a été rendue possible grâce aux fragments qui ont survécu, comme les quatre inserts peints du plafond, les sept appliques à trois bougies en bronze, la cheminée en marbre blanc, les deux cadres de miroir ovales, la table console sous le miroir et les fragments d’ornements modelés et sculptés.

La salle Lyons (8)

Créée Charles Cameron, cette salle d’apparat est décorée de lapis-lazuli et tire son nom de son revêtement mural en soie de l’usine de tissage lyonnais Lamy et Giraud, aujourd’hui Manufacture Prelle.

De nouveaux meubles y ont été ajoutés dans la deuxième moitié du XIXe siècle, notamment des miroirs au-dessus des cheminées, flanqués de cupidons en marbre blanc, et des appliques en lapis-lazuli sur les murs. La salle a été remplie de tables, de jardinières, de cache-pots, d’écrans, de caissons et de bureaux ainsi que d’un magnifique lustre pour 84 bougies en lapis-lazuli et en bronze doré, qui a magnifiquement complété l’exquis décor du plafond.

Nous pouvons distinguer sur le mobilier en bronze doré et en lapis-lazuli le monogramme de l’impératrice Marie-Alexandrovna, épouse d’Alexandre II, pour qui ces pièces ont été spécialement commandées en 1856.

Cette pièce a été détruite pendant la Seconde Guerre mondiale et malgré les objets sauvés dont font partie deux tableaux importants : la mort de Raphaël de Felice Schiavoni et La sibylle de Libye de Giovanni Francesco Barbieri, de nombreux ont été pillés, notamment le parquet, retrouvé ensuite à Berlin puis retourné en 47. Après un premier projet en 1983, c’est en 2005 que la salle sera reconstituée permettant la restauration de trois portails en lapis-lazuli encadrant les portes de la salle. EN 2018 est lancé un projet de financement en collaboration avec l’entreprise française ENGIE afin de terminer la restauration des plafonds ornés, des mosaïques de lapis-lazuli et des rideaux de soie lyonnais aux murs.

La reconstruction de la salle Lyons n’est pas encore terminée à ce jour. Le parquet, la cheminée, les miroirs en lapis-lazuli ainsi que les panneaux de trois portes d’entrée incrustés de nacre restent à faire.

La salle à manger du chevalier (9)

La première pièce au-delà du Grand Hall est la salle à manger du Chevalier rendue spacieuse et lumineuse grâce à un système de miroirs et de fausses fenêtres. Son intérieur est typique du baroque, dominé par des ornements sculptés et dorés de fleurs et de coquillages stylisés.

Après que la sculpture ait été argentée lors de la rénovation dans les années 1860, la salle est devenue connue sous le nom de « Silver Dining Room ». Elle a conservé cette apparence jusqu’à la guerre. Lors de la restauration d’après-guerre, la salle a retrouvé la décoration dorée qui lui avait été destinée par l’architecte de la cour de l’impératrice Élisabeth.

La salle à manger du Chevalier est ornée d’un poêle en faïence à plusieurs niveaux avec une peinture au cobalt, des colonnes et des niches. Une peinture de plafond d’Alexandre le Grand et de la famille du roi Darius de Perse a été installée dans la salle à manger au milieu du XIXe siècle. Lorsque le décor de la salle a été recréé après la guerre, un autre tableau a été placé au centre du plafond, une œuvre d’un artiste russe inconnu du milieu du XVIIIe siècle inspirée par l’ancien mythe du dieu-soleil Hélios et d’Eos, la déesse de l’aube.

Sur les tables de la salle à manger du Chevalier, les insignes et les écharpes des ordres de chevalerie russes ornent les célèbres « services de l’ordre ». Ils ont été fabriqués entre 1777 et 1785 dans la manufacture de porcelaine privée créée par Francis Gardner à Verbliki, près de Moscou.

Dans les années 1780, lorsque la maîtresse du palais de Catherine II de l’époque s’était installée dans les nouveaux appartements créés par Charles Cameron, la salle à manger du Chevalier était utilisée pour de petites réunions le soir et pour les occasionnels « bals miniatures ».

La salle à manger blanche (10)

La salle à manger blanche de Rastrelli était autrefois destinée aux grands banquets et aux repas du soir de l’impératrice en petite compagnie. Les murs de cette salle étaient tapissés de damas blanc qui, combiné aux sculptures dorées, donnait à l’intérieur une élégance particulière. Aujourd’hui, les murs sont ornés de natures mortes de Johann Friedrich Grooth et le plafond d’une peinture du Triomphe d’Apollon.

Le mobilier est composé de tables et de chaises consoles dorées, dont certaines sont authentiques, d’autres recréées à l’imitation de prototypes du milieu du XVIIIe siècle. Au centre de la pièce se trouve une table ovale sur laquelle est posé un service en porcelaine de Meissen en Allemagne. La même usine qui a créé les vases à parfum décoratifs qui se trouvaient sur les tables entre les fenêtres. Ils sont connus sous le nom de « boule de neige » en raison des fleurs qui les décorent.

Conformément à la tradition du XVIIIe siècle, la table est recouverte de nappes décorées d’une composition de porcelaine qui ressemble au pavillon du Grand Caprice dans le parc de Tsarskoïe Selo. Cet objet, créé à la fin des années 1760 à la Manufacture impériale de porcelaine (fondée en 1744), témoigne des hautes réalisations techniques de la Russie dans le domaine de la céramique.

Salles des pilastres vert et cramoisi (11 & 12)

Lors de la décoration des salles du Grand Palais de Tsarskoïe Selo (le Palais de Catherine), Rastrelli s’est efforcé de rendre les intérieurs aussi variés que possible. Pour la finition des salles voisines des Pilastres pourpre et vert, l’architecte a utilisé des matériaux originaux pour l’époque : sur les murs tapissés de damas blanc, il a placé des pilastres contenant du verre clair soutenus par une feuille métallique rouge ou verte, d’où le nom des deux salles.

Dans la salle des pilastres pourpres, l’attention des visiteurs est attirée par le poêle dont les carreaux sont décorés de petites scènes mettant en scène des personnages en costume du XVIIIe siècle et par la peinture du plafond de La Clémence d’Alexandre le Grand. Au centre de la pièce, se trouve une table à cartes avec un plateau incrusté de nacre et de figures en ivoire sculpté. La pièce contient également un secrétaire fabriqué par le maître artisan allemand Abraham Roentgen.

Sous Catherine II, la salle des pilastres verts servait de garde-manger. Lors de la restauration de la salle après sa destruction pendant la Seconde Guerre mondiale, il a été décidé de ne pas recréer la cloison et de redonner à la salle l’apparence conçue par Rastrelli. Le plafond de cette salle est aujourd’hui occupé par une composition de l’artiste Valery Lednev reprenant le thème de l’ancien plafond du XVIIIe siècle.

Salle des portraits (13)

La salle des portraits a été utilisée au début pour exposer des représentations formelles des souverains russes. Recrée à partir de photographies après la guerre, les murs sont aujourd’hui tapissés de damas blanche à motifs encadrés de sculptures dorées. Des portraits de Catherine Ier, de l’impératrice Élisabeth ainsi que deux portraits de Natalia Alexéévna (la sœur de Pierre le Grand) et de Catherine II y sont exposés. Le plafond de la salle du portrait est le tableau représentant Mercure et Gloire, peint par Giovanni Scaiario.

Pour donner une impression de la présence de l’impératrice Elizabeth Petrovna, la salle a récemment abrité une sculpture en papier de l’impératrice dans sa tenue de cour officielle pour l’exposition marquant le 300e anniversaire de naissance d’Elizabeth en décembre 2009.

La chambre d’ambre (14)

De la salle du portrait, vous pouvez accéder à la chambre d’ambre, le joyau du palais de Catherine et un spectacle qui a été appelé à juste titre l’une des merveilles du monde.

C’est Frédéric Guillaume Ier qui a offert à l’empereur Pierre le Grand la salle d’ambre. Pierre écrivit à l’époque à l’impératrice Catherine : « Le Roi m’a fait le cadeau élégant d’un yacht finement décoré à Potsdam et de la chambre d’ambre que je désire depuis longtemps ».  

Elle aurait été livrée à Saint-Pétersbourg dans dix-huit caisses et peu après son accession, sa fille, l’impératrice Élisabeth, a trouvé une utilisation au précieux cadeau de Berlin dans le troisième palais d’hiver. La chambre d’ambre assemblée en 1746 commença à servir de cadre à des réceptions officielles, bien que la reconstruction en cours du palais d’hiver ait conduit à le déplacer plus d’une fois d’un endroit à l’autre. En juillet 1755, Elizabeth ordonne à Rastrelli de créer une nouvelle chambre d’ambre dans le grand palais de Tsarskoïe Selo. C’est ainsi que la « huitième merveille du monde » fut fondée.

Là où il n’y avait pas assez d’ambre, des zones des murs ont été recouvertes de toile et peintes à l’imitation de la pierre par l’artiste Ivan Belsky. Ces parties ont été remplacées en 1763 sur demande de l’impératrice Catherine II par des panneaux d’ambre nouvellement fabriqués. La chambre d’ambre avait alors acquis son aspect final.

Le décor ambré était disposé en deux niveaux sur trois murs. Le niveau principal représentait des allégories des sens conçues par Giuseppe Zocchi : La vue, le goût, l’ouïe, le toucher et l’odorat. Les espaces entre les panneaux étaient remplis de hauts pilastres en miroir.

La pièce était en outre ornée de commodes en marqueterie fabriquées en Russie et de porcelaine chinoise ainsi que de l’une des plus importantes collections européennes d’articles en ambre du XVIIe et XVIIIe siècles.

Pendant l’invasion nazie en juin 1941, les panneaux d’ambre n’ont pas pu être évacué à cause de leur fragilité. Ils ont donc été conservés in situ. Mais les unités allemandes les ont retirés et envoyés à Königsberg. En 1944, alors que les Allemands battaient en retraite, les panneaux furent à nouveau démontés et envoyés vers une destination inconnue. À partir de ce moment, la trace de la chambre d’ambre est perdue. Jusqu’à présent, toutes les recherches ont été infructueuses.

En juillet 1979, le Conseil des ministres de la République socialiste fédérale soviétique de Russie a pris la décision de recréer les panneaux d’ambre. Les travaux ont commencé en 1983 et se sont terminés 24 ans plus tard à l’occasion du 300e anniversaire de la fondation de Saint-Pétersbourg, la légendaire chambre d’ambre restaurée a reçu ses premiers visiteurs.

La galerie des tableaux (15)

La galerie des tableaux tire son nom de son décor original et distinctif – des toiles peintes en tapisserie, créées selon les dessins de Rastrelli dans les années 1750. Cette pièce s’étend sur toute la largeur du bâtiment et a une surface au sol d’environ 180 mètres carrés. Au XVIIIe siècle, elle était utilisée pour les réceptions diplomatiques, les repas et les soirées musicales. La collection de peintures exposés fut en majeure partie recueillie par l’artiste Georg Grooth sur ordre de l’impératrice Élisabeth. Toutes les œuvres sont séparées les unes des autres par d’étroits filets dorés, les tableaux se fondent en une seule « tapisserie » colorée.

La peinture du plafond représente le mont Olympe, c’est une copie d’après-guerre de l’œuvre au-dessus de l’escalier du Jourdain dans le palais d’hiver qui a été peinte par Gasparo Diziani.

Cette pièce se distingue de toutes les autres salles d’État grâce à ses portes sculptées en forme de portail. Les ouvertures sont flanquées de cariatides dorées, tandis qu’au centre du dessus-de-porte se trouve une représentation de Minerve allongée sur un miroir apporté par Cupidon.

Pendant la Seconde Guerre mondiale, 114 sur 130 tableaux ont été sauvés par évacuation. Après remplacement des seize tableaux manquants, la galerie des tableaux fut restaurée sur la base de photographies. Elle a pu être présentée aux visiteurs en 1967.

La petite salle à manger blanche (16)

La petite salle à manger blanche était la première pièce des appartements personnels de l’impératrice Élisabeth et, après elle, de Catherine II, qui les a à son tour transmis à son petit-fils préféré, le futur empereur Alexandre Ier.

La salle à manger a été décorée selon les dessins de Rastrelli en 1752-56 : les murs étaient revêtus de damas blanc dans des cadres sculptés et dorés. L’intérieur comprenait également un poêle avec des carreaux « Hamburg », des miroirs dans des cadres sculptés et dorés et un parquet à motifs, éléments traditionnels du décor baroque. Après l’incendie de 1820, la décoration de la salle à manger a été restaurée sous la direction de l’architecte Vasily Stasov. Le plafond moulé et peint fut ajouté dans les années 1850.

Pendant la Seconde Guerre mondiale, cet intérieur a complètement disparu. Aujourd’hui, il a été entièrement restauré. Elle contient en revanche des objets authentiques qui ont été sauvés par l’évacuation : des vues du palais et du parc de Friedrich Hartmann Barisien, trois paysages représentant le parc du palais et une toile montrant la galerie Cameron. On notera également les fauteuils sculptés et dorés fabriqués en Russie au milieu du XVIIIe siècle et un bureau en marqueterie réalisé dans les années 1770. Ce bureau, commandé par Catherine II elle-même, a sa façade décorée et possède une vue directement sur le Kremlin de Moscou.

Salon chinois d’Alexandre Ier (17)

Le salon chinois, créé sur les plans de l’architecte Rastrelli en 1752-56, appartenait aux appartements impériaux privés. Il se distingue des autres pièces de l’Enfilade d’or par la soie qui tapisse les murs et qui est peinte à l’aquarelle à la chinoise. Le reste du décor suivait le style général des salles d’état : une peinture au plafond, des dessus-de-porte sculptés et dorés conçus par le sculpteur Duncker, des miroirs entre les fenêtres, des poêles avec des carreaux « Hamburg » et un parquet à motifs.

Après l’incendie de 1820, le décor original a été recréé par Vassily Stasov sur ordre d’Alexandre Ier : les murs ont été regarnis de soie peinte à neuf, la sculpture sur bois dorée a été restaurée et l’artiste Fiodor Briullov (1793-1869) a réalisé une nouvelle peinture de plafond : Zéphyr et Flore.

Après la Seconde Guerre mondiale en revanche, la soie chinoise perdue a été remplacée par du damas blanc, tandis que la peinture du plafond a été remplacée par une copie de Vénus désarmante de François Boucher. Les nombreux portraits impériaux sauvés ont été réinstallées et de la porcelaine chinoise a été installée sur les tables et commodes. Un des objets uniques dans cette salle est une commode provenant des réserves du palais, incrustée d’ornements métalliques. Selon toute probabilité, ce meuble a été fabriqué à Augsbourg dans les années 1740, bien avant la décoration du Grand Palais.

Le garde-manger (18)

Le garde-manger faisait partie jusqu’en 1761 de la loge de l’impératrice Elisabeth. Au milieu des années 1800, la pièce fut divisée par une cloison de damas blanc, derrière laquelle un garde-manger des domestiques était aménagé lors des dîners.

L’intérieur actuel du garde-manger a été entièrement restauré après les destructions de la guerre. Les murs sont revêtus de tissu blanc dans des cadres sculptés et dorés. Les portes sont ornées de dessus-de-porte dorés avec de fantastiques sculptures baroques. Sur le mur entre les fenêtres se trouve un miroir dans un cadre sculpté doré avec deux chandeliers. Au plafond, se trouve un tableau du célèbre artiste italien Pietro da Cortona (1596-1669).

Le mobilier du garde-manger date du XVIIIe siècle : on y trouve des fauteuils baroques fabriqués par des artisans russes ; une commode en marqueterie française et des tables en forme de haricot fabriquées dans les ateliers de Saint-Pétersbourg. Cette pièce contient également deux natures mortes d’Europe occidentale du XVIIIe siècle et deux compositions d’animaux de l’artiste Johann Friedrich Grooth.

La salle avant l’escalier en fonte (19)

En 1768, ce qui avait été la loge de l’impératrice Élisabeth fut divisé en deux parties, l’une avec deux fenêtres donnant sur le terrain de parade, l’autre avec une seule. Dans les années 1770, la taille de la plus petite pièce fut encore réduite par la construction d’un escalier intérieur en bois. En 1817, l’escalier en bois a été remplacé par un escalier en fonte, après quoi la « Salle avant l’escalier en fonte » a trouvé son nom.

Aujourd’hui, cet intérieur assez petit a été entièrement restauré : les murs sont tapissés de damas blanc dans des cadres sculptés et dorés ; une fausse fenêtre vitrée avec des miroirs est placée en face de la vraie, agrandissant visuellement l’espace.

Antichambre ovale (20)

L’Antichambre ovale fut créée en 1817. Elle a été connue sous différents noms, mais a toujours conservé le statut de pièce de service. Elle reliait l’appartement d’Alexandre Ier aux pièces de la suite principale qui étaient occupées à son époque par sa femme, l’impératrice Élisabeth Alexeïevna.

Cette pièce assez petite n’a pas de fenêtres. Ses murs sont presque entièrement occupés par quatre portes, dont deux à miroir. L’une d’elles mène à l’escalier en colimaçon en fonte qui reliait l’appartement de l’empereur à la pièce du dernier étage occupée par le valet personnel d’Alexandre.

Après l’incendie de 1820, la pièce a été recréée selon le même design.

Son décor est sobre mais éloquent : les murs sont revêtus de faux marbre d’une nuance de jaune pâle ; le plafond est décoré de peintures ornementales en grisaille ; le sol est recouvert d’un parquet à motifs de variétés de bois précieux. La pièce était éclairée par quatre appliques murales en bronze doré et contenait quatre petites chaises fabriquées dans l’atelier d’Heinrich Gambs à Saint-Pétersbourg. Une seule de ces chaises a survécu à la guerre, les lumières et le parquet ont été perdus et le marbre a été gravement endommagé. L’intérieur actuel de l’antichambre ovale est le résultat d’une restauration qui a été achevée en 1974.

Le passage voûté (21 & 22)

Créée en 1817 selon les plans de Stasov, le passage voûté, porte son nom en raison de la forme de son plafond.

Le décor original du passage a été endommagé par l’incendie de 1820 et recréé en 1821-22 par Blokhine et Brandukov. Le mobilier fut restauré Heinrich Gambs.

Actuellement, la salle du Passage contient une armoire de fabrication française, des chaises et des fauteuils fabriqués par des artisans russes ainsi que des candélabres et un vase portant une représentation de la bataille de Brienne.

Les intérieurs du palais de Catherine qui ont été restaurés après la destruction de la Seconde Guerre mondiale sont reliés aux zones non encore restaurées par le Petit Passage. Ce petit intérieur avec une seule fenêtre donnant sur le parc de Catherine fait partie de la salle de réception carélienne perdue d’Alexandre Ier que Vassily Stasov a créée en 1817.

Le petite Passage est constituée d’œuvres d’art appliqué russe et d’Europe occidentale du premier quart du XIXe siècle comprenant : une horloge en bronze doré et patiné de L’Adoration d’Homère, un buste en bronze de Jupiter et des chaises en peuplier produites par l’atelier d’Andrei Tur dans les années 1820.

Au-delà du petit Passage se trouvent les anciens appartements de la mère d’Alexandre Ier, l’impératrice douairière Maria Fiodorovna. Le décor a péri dans un incendie pendant la Seconde Guerre mondiale et n’a pas encore été recréé. Ces pièces sont aujourd’hui utilisées pour exposer des objets de la collection historique du musée.

Bureau d’Alexandre Ier (23)

Le bureau d’Alexandre Ier a été créée pour l’empereur sur le projet de Stasov en 1817.

L’architecture de l’intérieur est soulignée par la simplicité de la décoration. L’entrée en niche semi-circulaire est séparée de l’espace principal de la salle par deux colonnes. Une disposition similaire a été utilisé sur le mur opposé où deux colonnes flanquent la cheminée en marbre. Les murs du bureau sont revêtus de marbre artificiel rose clair.

En 1821-22, Stasov a supervisé la restauration de l’étude après l’incendie. Les tableaux furent restaurés, tandis que de nouveaux meubles furent fabriqués en noyer persan.

Les graves dégâts infligés à la salle pendant la Seconde Guerre mondiale (le marbre et les peintures murales ont beaucoup souffert ; le parquet et presque tous les meubles ont été perdus) ont rendu nécessaires de nouveaux travaux de restauration. Finalement, en 1974, le Bureau d’Alexandre Ier a pu être à nouveau présenté aux visiteurs.

Aujourd’hui sur le bureau de l’empereur sont exposés des objets personnels fabriqués à partir de malachite de l’Oural dans le premier quart du XIXe siècle à la Lapidairerie Peterhof : un service d’écriture, une lampe de table, quelques presse-papiers, des candélabres et des vases décoratifs.

Le passage voûté donne accès à l’étude d’État (ou de marbre) du palais de Catherine qui a été créée pour l’empereur sur le projet de Stasov en 1817 et destinée à d’importants publics officiels.

La salle à manger verte (24)

La salle à manger verte marque le début des appartements privés dans la partie nord du palais remplaçant un jardin suspendu. L’un des murs de cette « salle en plein air » était la façade de l’église du palais et au lieu d’avoir un parquet élaboré, elle avait des parterres de fleurs baroques et son mobilier était constitué de bancs de pierre disposés à l’ombre d’arbres fruitiers. Avec le temps, cependant, le jardin devint une source d’humidité dans le palais et en 1773 on construisit à sa place « l’appartement de Leurs Altesses ». La décoration intérieure des nouvelles pièces fut réalisée en 1779 par Charles Cameron.

Les murs vert pâle de la salle à manger sont ornés de moulures blanches, dont les motifs proviennent de peintures murales d’anciennes villas. Les portes de la salle à manger verte sont décorées d’un ornement qui provient des peintures murales de l’Antiquité romaine. Cameron a aussi placé, au centre du mur nord de la salle, une cheminée en marbre avec des consoles en forme de têtes et de pattes de lions.

Le salon vert a été restauré, après l’incendie de 1820 déclaré dans l’église du palais, pour retrouver son aspect d’origine.

Après le passage de la seconde guerre mondiale, l’intérieur de la salle à manger verte a été refait et est aujourd’hui remeublé. Le service de table aux formes et aux couleurs élégantes qui y est présenté est orné des monogrammes des propriétaires.

Salle des serveurs (25)

Charles Cameron a divisé en deux la salle des serveurs avec une cloison transversale en faisant deux antichambres, dont l’une était dans la pénombre et menait à l’escalier.

L’intérieur de la salle des serveurs a beaucoup souffert lors de l’incendie de 1820, après quoi la décoration a été recréée. La salle est divisée symétriquement par des pilastres en bois peints à l’imitation du marbre et reliés par des arcs en plâtre. Le plafond de la pièce a été laissé blanc, à cause de la perte des prototypes de Cameron.

Dans les années 1840, Stasov supprima la cloison et les deux « antichambres » devinrent une salle lumineuse et spacieuse. Un parquet au motif géométrique a été ajouté et le parquet de l’une des « antichambres » a été réutilisé pour la partie centrale du plancher. A cause de l’incendie de 1863, le hall contient aujourd’hui un parquet créé au milieu des années 1860.

En 1855, un tableau de Pietro Liberi a été installé au centre du plafond de la salle des serveurs mais il a péri pendant la guerre. L’intérieur fut recréé après cela : les deux pilastres survivants ont servi de modèles pour les dix-huit autres, le parquet survivant a été restauré et en 1959, la salle a été ouverte aux visiteurs.

On y trouve aujourd’hui des tables à cartes en marqueterie de la fin du XVIIIe siècle, une commode de fabrication suédoise de la seconde moitié de ce siècle et des chaises en acajou. Les murs sont ornés de peintures : un paysage de montagne de Murillo, une vue de la colline du Palatinat, une chute d’eau à Tivoli et des ruines.

Salon bleu (26)

C’est la pièce la plus grande et la plus élégante que Cameron a créée. Cette salle est caractérisée par la richesse et la variété de son décor : les murs sont tapissés de soie avec des fleurs bleu pâle sur fond blanc et s’élèvent jusqu’à une frise dorée dans laquelle des vases alternent avec des médaillons ovales peints. Les deux cheminées en marbre de Carrare sont décorées de bas-reliefs et de cariatides. Sur le mur ouest, de grands miroirs sont disposés dans des cadres sculptés et dorés, couronnés de médaillons et de consoles dorées. Le parquet à motifs a été fabriqué à partir d’anciennes variétés de bois rose et du palissandre.

Après l’incendie de 1820, cette pièce fut restaurée à l’identique. Seulement, le plafond est resté blanc jusqu’en 1855, date à laquelle un tableau de la Continence de Scipion y a été installé. Après l’incendie de 1863, le plafond endommagé a été replâtré. La soie sur les murs a été remplacée par un nouveau tissu avec le même dessin mais imprimé plutôt que peint.

Après la seconde guerre mondiale qui a laissé la salle détruite, les travaux de restauration ont redonné au Salon bleu son aspect d’origine. La soie imprimée a été réalisée à partir d’un ancien échantillon. Les cheminées en marbre ont été restaurées, tout comme le vieux parquet. Il s’est avéré possible, grâce à un croquis, de recréer la peinture du plafond. La frise sur le mur opposé aux fenêtres contient les 16 médaillons survivants ; les 64 autres ont été recréés.

La pièce est ornée de fauteuils réalisés en 1783 sur des dessins de Cameron, l’un d’entre eux a été sauvé lors de l’évacuation, les autres ont été ramenés de Königsberg en 1947.

L’attention des visiteurs est invariablement attirée par les torchères à 17 bougies en verre bleu avec des éléments en cristal et des figures et par les vases qui portent des paysages architecturaux et des scènes de l’histoire de Psyché.

Salon bleu chinois (27)

Le Salon bleu chinois tire son nom du fait que, pendant presque 150 ans, ses murs ont été tapissés de soie bleue de Chine décorée de paysages et de scènes de genre.

Cet intérieur a été créé en 1783 par Charles Cameron. Il a réussi à combiner des motifs de l’art décoratif chinois avec des éléments d’un intérieur classique. La frise en stuc doré, la peinture du plafond représentant des personnages de la mythologie grecque et romaine, la cheminée en marbre blanc avec des cariatides et une sculpture d’un Cupidon endormi ainsi que la peinture des portes ont toutes été traitées dans le style classique. Mais la soie chinoise bleu clair avec sa peinture et le dessin d’un « parapluie » chinois utilisé dans le parquet apportent une touche orientale à cet intérieur de chambre d’état.

Pendant la Seconde Guerre mondiale, le salon a été détruit : la soie chinoise a été pillée ; le miroir mural, la cheminée en marbre, la peinture du plafond et les médaillons ont tous péri. Aujourd’hui, les murs de la pièce sont tapissés de soie nouvellement fabriquée. Sa reconstruction s’est basée sur un fragment de la soie originale trouvée derrière le cadre du miroir de la cheminée et sur des photographies d’avant-guerre. Les vases en porcelaine chinoise du XVIIIe siècle, préservés par l’évacuation, lui ont été rendus, tout comme les fers à feu et la grille réalisés d’après un dessin de Cameron.

Antichambre de la chorale (28)

L’antichambre de la chorale tient son nom de son emplacement à côté de la galerie du chœur de l’église du palais de Catherine. Cette pièce avait deux fenêtres donnant sur la cour et deux autres donnant sur l’église, mais à la fin du XVIIIe siècle, Cameron a divisé l’antichambre de la chorale en deux : « la salle qui se trouve près de l’église » et « la loge du Grand-Duc Paul ». Les fenêtres du côté de l’église furent alors maçonnées.

En 1844-45, la cloison a été supprimée et a transformé l’antichambre de la chorale en une pièce spacieuse et lumineuse aux murs tapissés, surmontée d’une frise dorée. En 1894, la soie dorée est installée dans l’antichambre de la chorale, avec un motif tissé représentant des faisans et des cygnes, il fut perdu pendant la Seconde Guerre mondiale.

Après la guerre, la décoration de l’antichambre de la chorale a été recréée à partir de dessins du XIXe siècle. La frise moulurée, le plafond et le parquet ont été restaurés ; les murs ont été regarnis de soie dorée avec un motif tissé. Chaque longueur de ce tissu porte le nom de l’artisan serf qui l’a tissé. Nous connaissons ainsi les noms de S. et N. Strelnikov, N. Dyochkova, I. Bely et Vassily Pauk.

La soie des Sapozhnikovs qui a survécu dans les magasins du musée a servi à tapisser un canapé et des fauteuils dorés créés dans les années 1750 d’après des dessins de Rastrelli. Ces exemples uniques de la fabrication de meubles russes ont été conçus spécialement pour les salles du Grand Palais et ont été enlevés dans les premiers jours de la guerre pour être conservés lors de l’évacuation.

La chapelle (29)

La chapelle du palais de Catherine a été utilisée comme église de la cour impériale le 30 juillet 1756 en présence de l’impératrice Elisabeth. Cet événement a été consigné sur une plaque en laiton qui a été trouvée dans le sanctuaire lors de la restauration de l’intérieur de la chapelle après l’incendie de 1820.

La chapelle a été construite entre 1745 et 1748 sous la direction de Rastrelli. Malgré deux incendies, en 1820 et 1863, son intérieur spacieux, avec deux étages de fenêtres et une galerie du chœur, a conservé son aspect d’origine presque intact jusqu’à la Seconde Guerre mondiale. Comme les salles d’apparat du palais, la chapelle étonnait ceux qui la voyaient par la magnificence de son décor : les murs peints en bleu de Prusse mettaient en valeur des colonnes corinthiennes dorées et scintillantes entrelacées de guirlandes sculptées ajourées, des figures d’anges et des détails ornementaux. La chapelle était ornée de 114 icônes dans des cadres sculptés et dorés et de jolies peintures au plafond. La peinture de la Résurrection au plafond a été réalisée à partir d’une esquisse du célèbre artiste italien Giuseppe Valeriani.

Dans les dernières années de sa vie, Catherine écoutait la liturgie depuis la galerie du chœur, tandis que le reste de la famille impériale et la suite des courtisans se trouvaient en bas, dans le corps de la chapelle. Le 6 juillet 1796, le Grand-Duc Nicolas, futur Nicolas Ier, est baptisé dans la chapelle. Les 11 et 12 mars 1826, le cercueil d’Alexandre Ier fut apporté de Taganrog dans le sud où il est mort, il repose encore ici.

La chapelle du palais a été gravement touchée par l’incendie de 1820 : la peinture du plafond a été perdue et une partie des sculptures sur bois a brûlé. Lors de la restauration, les éléments perdus des sculptures sur bois ont été remplacés par du papier mâché doré, tandis que l’artiste Vassily Shebuev a recréé la peinture de la Résurrection au plafond à partir de descriptions écrites et des souvenirs de ceux qui l’avaient connue.

Pillée (sur les 97 icônes existantes, seules trois qui ont été évacuées ont survécu) et partiellement détruite pendant la Seconde Guerre mondiale, la chapelle du palais est aujourd’hui restaurée et accueille des visiteurs depuis le 13 avril 2019.

Chambre de la demoiselle d’honneur (30)

On accède à la chambre de la demoiselle d’honneur par le passage dans laquelle on peut voir des céramiques de la célèbre usine Wedgwood en Angleterre et des gravures teintées britanniques de la seconde moitié du XVIIIe.

Le miroir de cheval en acajou est orné de montures en bronze et de verre églomisé, c’est un verre recouvert d’une feuille d’aluminium portant un motif rayé.

Les murs peints en vert de la chambre de la demoiselle d’honneur mettent en valeur une frise de stuc doré et des portes avec un décor peint ornemental coloré. Le poêle en faïence blanche, créé selon le dessin de Stasov, est décoré d’un bas-relief et d’un vase de style classique. La pièce est meublée de chaises conçues par Charles Cameron et d’un élégant bureau de dame de la fin du XVIIIe siècle avec des incrustations de verre églomisé. Elle contient également des peintures d’artistes flamands, français, italiens et néerlandais des XVIIe et XVIIIe siècles.

Chambre à coucher (31)

Cette pièce avec deux fenêtres, deux portes d’entrée et une alcôve a été créée au début des années 1770 et servait de chambre à coucher à la Grande Duchesse Natalia Alexéïevna. Plus tard, Charles Cameron l’a reconstruite pour la seconde épouse de Paul, la grande duchesse Maria Fiodorovna. L’intérieur qu’il a créé a survécu jusqu’à nos jours avec quelques modifications apportées par l’architecte Vasily Stasov lors des travaux de réparation suite à l’incendie de 1820. Il a alors décoré les murs avec des compositions en relief sur des motifs tirés des peintures murales pompéiennes.

Cet intérieur est rendu original par les fines colonnes de faïence blanche placées le long des murs et dans les profondeurs de la pièce. Les médaillons en plâtre contenant des scènes allégoriques représentant la santé, le bonheur, la prospérité et la suffisance sont l’œuvre d’Ivan Martos. La combinaison du vert clair des murs avec le fond azur des médaillons et des dorures forme un ensemble de couleurs exquises pour la chambre à coucher. Les portes assez petites sont encadrées par des filets dorés et décorées par des panels rectangulaires peints d’arabesques.

Parmi les meubles de la chambre à coucher, il faut souligner une petite table en acier et la grille de feu fabriquée spécialement pour Catherine II, ainsi qu’une table de toilette en marqueterie exquise réalisée dans les années 1770. La pièce contient également une partie d’un ensemble de meubles fabriqués sur commande pour Catherine II, ainsi qu’une petite table en verre provenant du bureau bleu de l’impératrice.

Le futur empereur Nicolas Ier est né dans cette chambre à coucher au cours de l’été 1796.

Salon d’études sur la peinture et la sculpture (32 & 33)

En 1781-83, le « vestiaire de Son Altesse » que Neyelov avait créé pour la Grande-Duchesse Natalia Alexeïevna était divisé par une cloison en bois, conformément au projet de Charles Cameron. La première était destinée à lui servir de lieu de peinture et devint la salle d’étude sur la peinture ; la seconde est devenue la salle d’étude sur la sculpture.

Le ton jaune d’or des murs du cabinet de peinture, ainsi que la décoration des portes, ont été conservés depuis la fin du XVIIIe siècle. La voûte d’arête, les lunettes et la frise ont été peintes à nouveau lors de la restauration après l’incendie de 1820.

Les murs du salon d’étude sur la peinture portent les compositions Printemps et Automne de Pierre Charles Trémolière ainsi que des médaillons de bouquets de fleurs d’un artiste inconnu. Les fauteuils en érable piqué ont été réalisés d’après un dessin de Stasov. Sur la table se trouve une lampe « miracle » faite de bronze et de nacre et offerte par l’impératrice douairière Maria Fiodorovna à son fils, l’empereur Alexandre Ier.

Le salon d’étude sur la sculpture a été décorée par Cameron en 1781-83. Au même moment, l’architecte a relié le Salon bleu et le salon d’étude sur la sculpture par un petit couloir.

Les murs verdâtres sont ornés de bas-reliefs classiques blancs de Martos. Le plafond voûté est décoré de peinture monochrome selon la technique de la grisaille. Les panneaux des portes contiennent des compositions ornementales sculptées avec des incrustations peintes en forme de camées. Sur le bureau se trouve un candélabre en bronze doré réalisé en 1783 d’après un dessin de Cameron. Nous pouvons aussi y trouver une copie d’une Vierge à l’enfant du peintre Parmigianino.

L’escalier Stasov

L’escalier de la chapelle (ou Stasov), a été construit en 1843-46 par l’architecte Vasily Stasov. Il doit son autre nom à son emplacement à côté de la salle qui mène à la chapelle du palais.

Avant la Seconde Guerre mondiale, la visite du palais de Catherine commençait en passant par cette entrée de la chapelle, les visiteurs se retrouvaient directement face à l’escalier.

Ses murs étaient ornés de quatre grandes toiles et deux compositions tirées des stocks de l’Ermitage impérial.

Pendant la Seconde Guerre mondiale, l’escalier de la chapelle a été détruit et les toiles pillées. Les œuvres de Lemaire ont été découvertes à Königsberg en 1947 puis restituées au musée.

Des remplacements pour trois des tableaux disparus ont été obtenus et les restaurateurs ont recréé le quatrième à partir de documents picturaux d’avant-guerre.

Comment se rendre à Tsarskoïe Selo ?

Le village de Pouchkine où se trouve Tsarskoïe Selo est localisé à 25 km au sud de Saint-Pétersbourg. Des trains de banlieue et des taxis à itinéraire fixe circulent entre les points, il ne sera donc pas difficile de s’y rendre par vous-même.

En train

Les trains pour Pouchkine partent de la  gare de Vitebsk à Saint-Pétersbourg. Temps de trajet – 30 minutes. Le billet aller simple coûte environ 50 roubles.

En bus

Vous pouvez quitter Saint-Pétersbourg pour Tsarskoe Selo en minibus et bus qui partent de la station de métro de la ligne bleue :

• de « Moskovskaya »  – minibus n° 187
• de « Kupchino »  – minibus n° K-342
• de st. « Zvezdnaya »  – bus n° 186 et K-342 (fait un arrêt à la station « Kupchino »).

En voiture

Le trajet en voiture prendra environ une heure. Depuis le centre de la capitale du Nord, vous devez suivre la direction de l’aéroport de Pulkovo, le long de la perspective Vitebsky ou de l’autoroute Pulkovskoye.

Il y a des parkings payants et gratuits près du complexe du musée. Un parking payant est situé rue Oranzhereinaya, 1. Il fonctionne 24 heures sur 24 et le coût du service est de 100 RUB par heure, 700 RUB par jour. Un parking gratuit est situé à l’intersection de l’autoroute Kuzminskoye et de la route Sobolevskaya.

Vous pouvez vous rendre à Tsarskoïe Selo en taxi. Le voyage coûtera environ 900 roubles. Le plus simple est d’utiliser l’application Yandex.Taxi.

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« L’homme est malheureux parce qu’il ne sait pas qu’il est heureux ». Condamné à mort à 27 ans, rongé par son addiction aux jeux d’argent, Dostoïevski (en russe : Фёдор Михайлович Достоевский) profondément amoureux de la Russie reste jusqu’à aujourd’hui un des plus grands auteurs de son temps, si ce n’est le plus grand.

Biographie de Fiodor Dostoïevski

La jeunesse de l’écrivain

Fiodor Dostoïevski naquit le 30 octobre 1821 à Moscou, dans une famille de petite noblesse. Né d’une mère issue d’une famille de marchands et d’un père médecin militaire à l’hôpital des pauvres de Moscou, Fiodor passa les premières années de sa vie reclue avec son père dit alcoolique et un vrai tyran domestique.

À 10 ans, ses parents acquirent deux terres dont une à Darovoye suite à la nomination de son père au poste d’assesseur de collège. Placés en 1834 dans la pension prisée de Tchermak, à Moscou, Fiodor et son frère Mikhaïl reçurent une éducation secondaire et se découvrirent une passion pour de nombreux auteurs célèbres tels que Victor Hugo, Georges Sand, Charles Dickens, William Shakespeare, Friedrich Von Schiller et bien sûr Alexandre Pouchkine. Ce fut une époque marquée par décès de leur mère Maria en 1837 suivant la mort de leur idole, Alexandre Pouchkine, tombé en duel. L’année suivante Fiodor intégra, sous la directive de son père, l’école du génie militaire de Saint-Pétersbourg. Son frère considéré inapte ne le suivra pas. L’école ne lui plut guère, il poursuivit sa route dans une solitude accentuée par l’absence de Mikhaïl.

Abattu par la mort de sa femme, le père de Fiodor, sombra dans ses vices : alcoolisme, hostilité, énervement… Ce changement dans la personnalité de son père poussa Fiodor à s’en écarter d’autant plus et à développer une haine envers lui, haine partagée par les serfs de Darovoie qui n’acceptèrent plus ses agissements. Survenant en réalité d’une crise d’apoplexie, la mort du père de Fiodor fut idéalisée à posteriori racontant qu’un jour, trois serfs du village s’en prirent à Mikhaïl et l’assassinèrent [1]. Qualifiée de « congestion », l’affaire de sa mort est camouflée pour protéger les habitants du village du bagne. Ce fut, apparemment, la nouvelle de la mort de son père qui provoqua chez Fiodor un grand choc et première crise d’épilepsie [2].

Des débuts difficiles

Il fut assigné en 1843 au poste de sous-lieutenant attaché au bureau du Génie à Saint Pétersbourg. Ce poste l’ennuie « comme un plat de patates », il en démissionne à l’été 1844 et travaille sur Les Pauvres gens, son premier roman. Relut par le poète Nekrassov qui y vit un succès, le livre fut publié en 1846. Avant même la sortie de celui-ci, on qualifia Fiodor de « nouveau Gogol ». Il commença une tournée littéraire qui s’avéra malheureuse.

Trahi par son manque de tenue, Fiodor s’attira les mauvais commentaires des critiques qui se moquèrent de lui. Le plus connu de ces libelles est celui publié par Ivan Tourgueniev. Les critiques s’enflamment suite à la publication de ses deux œuvres suivantes : Le Double, 1846 et La Logeuse, 1847 qui ne rencontrèrent, malheureusement pour lui, pas plus de succès que sa première publication. Ce fut très certainement lors d’une de ces soirées de déprime que Fiodor eut sa véritable première crise d’épilepsie.

Devant la mort

Dostoïevski commença alors naturellement à s’écarter des milieux littéraires moqueurs et se réfugia, en quelque sorte, dans des groupes qu’on pourrait qualifier de « gauchistes », parmi lesquels le cercle fouriériste de Mikhaïl Petrachevski qui voulait « se placer à la tête du mouvement intellectuel du peuple russe ». Ils repensaient la Russie et remettaient en cause le modèle absolutiste de Nicolas Ier. Méfiant, le général Orlov chargea un certain Antonelli de s’infiltrer dans le groupe et de monter un dossier de renseignement.

Le Tsar, informé du dossier réagit sévèrement, surévaluant le degré de dangerosité du comité. Nous sommes en avril 1849, tous les membres du groupe sont arrêtés et transférés à la forteresse Pierre-et-Paul. Après 5 mois d’instruction, le 22 septembre 1849 à 6h du matin sur la place d’arme du régiment Séménovski, les 20 condamnés parmi lesquels se trouvent Fiodor sont alignés et les sentences tombent « condamnés à la peine de mort », les cercueils sont amenés, les soldats chargent leurs fusils, épaulent… Soudain une pause, le général lit « Les coupables sont graciés par la clémence infinie de Sa Majesté l’Empereur ».

Purger sa peine

À 27 ans celui qui devait mourir va vivre, sa peine capitale fut commuée en 4 ans de travaux forcés et 4 ans de service comme soldat. Il traversa alors les montagnes de l’Oural, les fers aux pieds, en direction de la Sibérie pour purger sa peine. Après être passé par Tobolsk, il arriva le 23 janvier à Omsk. Il fut tout de suite mélangé avec les prisonniers de droit commun, le vrai peuple russe qu’il apprit à bien connaitre.

Il termina sa peine en février 1854, ce après quoi il fut transféré à Semipalatinsk dans un régiment. Il y obtint le privilège de pouvoir habiter en ville, et non en caserne, dans une petite cabane dans laquelle il écrivit les Souvenirs de la Maison des Morts. Ce fut ici qu’il rencontra le baron Wrangel, procureur, qui lui permit d’améliorer sa situation. Il y rencontra également Maria Dmitrievna Issaïev, femme d’un petit fonctionnaire, avec qui il se maria quelques années plus tard lorsqu’il fut promu sous-lieutenant à la fin de l’année 1856.

Toujours sous surveillance, il parvint à quitter l’armée et à rentrer à Saint-Pétersbourg. Il y retrouva son frère Mikhaïl avec qui il fonda le journal Le Temps, présentant une pensée située en un « juste milieu » pour dire modéré, qui se fit cependant censurer en 1863 suite à un article de Strakhov [3] qui déplut au gouvernement.

Voyage en Europe

Entre temps, le sevrage fut aboli en 1861 par Alexandre II, mais laissa tout de même place à des débuts de mouvements révolutionnaires, plus particulièrement chez les milieux étudiants qui critiquent vivement le tsar. En 1862, Fiodor partit en Europe, il visita Paris, Londres, mais toutes ces villes le déçurent. Son voyage fut gâché par le modernisme européen et son modèle démocratique, individualiste et matérialiste, ce qui ne fit que renforcer ses idées socialistes. Il y rencontra tout de même Pauline Souslova avec qui il ne s’entendra finalement pas du tout mais qui le marquera à jamais, en témoigne une grande majorité des personnages féminins de ses œuvres qu’elle a inspiré.

En rentrant d’Europe, Fiodor Dostoïevski retrouva sa femme malade, il la fit transférer à Moscou, mais continua de vivre à Saint-Pétersbourg pour être près de son frère avec qui il fonda une nouvelle revue analogue à l’ancienne : L’Époque. Il vécut cette période entre les deux villes, ne cessant de bouger jusqu’en avril 1864 lorsque Maria, sa femme, mourut d’une tuberculose. Moins de trois mois après le destin vint s’abattre sur Fiodor, son frère mourut le 10 juillet de la même année. Il se retrouva à nouveau seul.

Des dettes encore des dettes

Couvert de dettes après avoir pris à sa charge les enfants de son défunt frère, Dostoïevski se tua à la tâche pour gagner assez d’argent, vendit ses livres moins chers mais en plus grande quantité. Il écrivit alors Crimes et châtiments, 1866 qui fut un succès immédiat. Il rencontra pendant ce temps-là Anna Grigorievna Snitkine qui devint sa sténographe, nouvelle technique d’écriture rapide, puis sa femme en 1867 alors qu’elle recopiait pour lui son roman Le Joueur. Ils partirent tous les deux en voyage pendant 4 ans pour fuir leurs créanciers et éviter la prison, en Allemagne puis en France, à nouveau en Allemagne et puis enfin en Suisse à Genève.

À tous ces arrêts, Fiodor joua aux jeux d’argents, il devint obsédé et perdit toute sa fortune. Il dilapida ses biens jusqu’aux bijoux de sa nouvelle femme, ils n’eurent vite plus rien à manger. Ils parvinrent à se faire aider par Katkov, l’éditeur, qui leur fit une avance. Il écrivit pendant ce voyage L’idiot, 1868. À la même époque, sa femme tomba enceinte puis accoucha d’une fille, qui mourût peu après. C’est un désastre pour Fiodor, une fois de plus confronté à la mort. Ils rentrèrent finalement à Saint-Pétersbourg où Fiodor écrivit Les Possédés [4], 1871, un pamphlet antirévolutionnaire.

Climax

Il finit par renoncer aux jeux d’argent, suite aux encouragements de son épouse qui mit au monde en 1871 un fils qu’ils nommèrent Fiodor. Il obtint une place de rédacteur en chef dans le journal Le Citoyen et ouvrit une rubrique très conservatrice et anti-européenne appelée Journal d’un écrivain, 1873 – 1881.

Il publia dans le même temps son roman L’adolescent, 1875 qu’il écrivit à l’écart dans une maison louée à la campagne. Anna mit au monde un second fils, Alexis, peu après, dans cette même année 1875. Il construisit peu à peu sa popularité et se fit sa place dans la société, retournant dans les salons. En 1878, la réalité le rattrapa encore une fois, son fils Alexis mourut d’une crise d’épilepsie. Jusqu’au bout il subit ce calvaire, jusqu’à la publication de ce qui sera son dernier ouvrage : Les frères Karamazov, 1879 qui rencontra un succès immense. Ce fut l’apothéose pour Dostoïevski, il fut sollicité en mai 1880 à l’occasion des fêtes de Moscou pour faire un discours en faveur de Pouchkine, son héros de toujours.

Le discours du mois de mai eut un succès sans pareil mais comme à l’accoutumée avec Dostoïevski, le succès côtoie la misère. Le 27 janvier 1881, au matin il aurait déclaré « Je mourrai aujourd’hui » avant d’ouvrir le Nouveau Testament et de lire la parole du Christ « Ne me retiens pas maintenant, car c’est ainsi qu’il nous faut accomplir toute justice ». Il mourût à 20h35. Le 1^er février, 5 jours après, un hommage lui fut rendu, 60 000 personnes accompagnèrent son cercueil jusqu’à l’église. Un mois plus tard le tsar Alexandre II tomba, assassiné par les bombes d’un groupe nihiliste du mouvement Narodnaïa Volia[5] , assistant à une parade militaire.

Fiodor Dostoïevski est entéré à Saint-Pétersbourg au cimetière Tikhvine du monastère Saint-Alexandre-Nevski à côté des plus grands comme Tchaïkovski, Chichkine, Glinka ou Rimski-Korsakov.

[1] C’est son autopsie qui révéla qu’il décéda en fait d’une crise d’apoplexie.

[2] Elle aura en réalité lieu quelques années plus tard.

[3] Nikolaï Strakhov, philosophe russe, était un collaborateur actif du journal Le Temps monté par les frères Dostoïevski. Il est un des auteurs à l’origine des idées du Potchvennitchestvo (slavisme « terrien »).

[4] Le titre original « Бѣсы » signifie plus exactement « les démons » et non « les possédés » qui serait une faute de traduction dans la version anglaise.

[5] « Народная воля » signifie « Volonté du peuple » ou « Liberté du peuple ».

Quelques faits sur Fiodor Dostoïevski

1. À l’école d’ingénieurs, les camarades de classe de Fiodor Dostoïevski le surnommaient le moine Fotiy pour sa religiosité, sa modestie, sa solitude, son indifférence à la danse et au chant choral.
2. Fiodor Dostoïevski a signé un accord pour la publication de son roman Le joueur en raison de ses dettes. Selon les termes de cet accord, il devait soumettre un nouveau roman avant le 1er novembre 1866. S’il rompait le contrat, l’éditeur recevait le droit de publier gratuitement toutes les œuvres de l’écrivain pendant 9 ans. Dostoïevski écrivait avec passion Crime et Châtiment lorsqu’il s’est souvenu de ses obligations. L’écrivain a engagé une sténographe professionnelle, Anna Snitkina. S’appuyant sur les expériences de son voyage à l’étranger, il lui dicte le texte de son nouveau roman, Le joueur, du 4 au 29 octobre. L’ouvrage est rendu dans les délais et une semaine plus tard, Dostoïevski demande en mariage Anna Snitkina, qui a 25 ans de moins que lui.
3. Son impressionnabilité était clairement hors norme. Quand une femme lui disait non, il s’évanouissait. Et si elle disait oui, le résultat était souvent le même.
4. Dire que Fiodor Dostoïevski possédait une sexualité exacerbée, c’est presque rien de le dire. Cette qualité physiologique était si développée chez lui que, malgré tous les efforts pour la cacher, elle éclatait involontairement en paroles, en regards et en actions. Ceci,a été remarqué par son entourage et ridiculisé. Turgenev l’appelait le « marquis de Sade russe ». Incapable de contrôler son feu sensuel, il avait recours aux services de prostituées. Beaucoup d’entre elles, refusaient les offres de l’écrivain : trop inhabituelles.
5. Une seule chose pouvait le sauver de l’abîme de la débauche : une femme qu’il aime. Et quand une telle femme est apparue dans sa vie, Dostoïevski a été transformé. C’est elle, Anna, qui était son ange sauveur, son aide, et le « sex-toy » avec lequel il pouvait faire n’importe quoi sans culpabilité ni remords. Elle avait 20 ans, il en avait 45. Anna était jeune et inexpérimentée, et ne voyait rien d’étrange dans l’intimité que lui offrait son mari. Même si elle désapprouvait, ou n’aimait pas ce qu’il voulait, elle ne lui disait pas non, et ne révélait pas son mécontentement de quelque manière que ce soit. Elle a écrit un jour : « Je suis prête à passer le reste de ma vie à genoux devant lui. Elle a fait passer son plaisir avant tout le reste. Il était Dieu pour elle…
6. Dostoïevski était incroyablement jaloux. Sa jalousie lui arrivait soudainement, parfois en un clin d’œil. Il pourrait soudainement rentrer chez lui pour une heure – et commencer à fouiller les armoires et regarder sous tous les lits ! Ou être jaloux d’un vieil homme infirme à côté. Dostoïevski élabore pour sa seconde épouse, Anna Snitkina, une série de règles auxquelles, à sa demande, elle adhérera à l’avenir : ne pas marcher dans des robes moulantes, ne pas sourire aux hommes, ne pas rire dans une conversation, ne pas se maquiller… Anna suiva les règles et se comportera avec les hommes d’une manière très sobre et sèche.

L’Oeuvre de Dostoïevski

Avant d’être un grand auteur, Dostoïevski fut avant tout un grand lecteur. Dès son enfance il se prit de passion pour des monuments tels que Victor Hugo, Balzac, Shakespeare, Racine, Molière, Dickens ou Pouchkine. On en retrouve dans ses œuvres une empreinte importante : son roman Les Pauvres Gens, 1846 largement inspiré de la « comédie humaine » de Balzac ; les scènes de dialogues dramatiques tirés du théâtre classique de Molière ; l’exubérance de personnages et de situations différentes.

La religion occupe une place importante dans l’œuvre de Dostoïevski. Il est très croyant, tourmenté dans un combat spirituel, pensant que le Christ est le seul capable de sauver l’âme russe et son peuple. Il met en scène dans ses romans des personnages plus ou moins ressemblant au Christ, avec des caractères bienveillants, miséricordieux, sacrificiels (Sonia Marmeladova dans Crime et Châtiment, 1866 qui se prostitue pour aider sa famille financièrement), rédempteurs et une simplicité morale frappante.

Il entretient via ses personnages la relation qu’il a avec le Christ, Aliocha en est la preuve dans Le journal d’un écrivain, 1873 il écrit « Peut-être que l’unique amour du peuple russe est le Christ, et il aime sa figure à sa façon, c’est-à-dire jusqu’à la souffrance. » Il va même jusqu’à imaginer le retour du Christ à Séville pendant l’inquisition espagnole dans Le Grand inquisiteur, récit contenu dans le roman Les frères Karamazov, 1880.

Citations

Les souvenirs de la Maison des morts est le meilleur livre de toute la nouvelle littérature russe, Pouchkine compris

Léon Tolstoï

Dostoïevski est le seul qui m’ait appris quelque chose en psychologie

Nietzsche

Il n’y a pas d’erreur, c’est un roi. Peut-être est-il, après Eschyle et Shakespeare, l’humain qui est descendu le plus profondément, le plus âprement dans l’abîme des cœurs et corps

Léon Daudet

Les musées dédiés à Fiodor Dostoïevski en Russie

Musée littéraire et commémoratif Dostoïevski à Saint-Pétersbourg

Ce musée a ouvert le 13 novembre 1971 dans la maison du 5/2 Kuznechny pereulok. Dostoïevski avait loué deux fois un appartement dans cette maison pour une très courte période en 1846 et d’octobre 1878 au jour de sa mort, le 28 janvier 1881. Le début et la fin de son parcours créatif se sont avérés être liés à cette bâtisse. C’est là qu’il a écrit son premier roman, Le Double, et c’est là qu’il a écrit son dernier roman, Les Frères Karamazov. L’appartement des Dostoïevski a été reconstitué à partir des souvenirs de contemporains et de la femme de l’écrivain.

Appartement-musée Dostoïevski à Moscou

Fiodor Dostoïevski a vécu dans un appartement sur la rue Novaya Bozhedomka à Moscou de 1823 à 1837. Cette rue a été rebaptisée en l’honneur de l’écrivain en 1954. Il est intéressant de noter que les locaux n’ont jamais été reconstruits, les murs, les poêles et les plafonds ont été conservés tels qu’ils étaient du vivant de l’écrivain.

Maison en bois à Darovoye

Mikhail Dostoevsky choisit Darovoye en 1831. Ce domaine est ensuite devenu la résidence ancestrale de deux générations de la famille Dostoïevski – enfants et petits-enfants. L’histoire des Dostoïevski au Darovoye s’est terminé avec Maria Alexandrovna Ivanova, la nièce de l’écrivain, en 1929.

Musée Dostoevsky de Novokuznetsk

Novokuznetsk est la ville où Fiodor Dostoïevski rencontre sa femme Maria Isaeva. Ils se marient l e 6 février 1857 à l’église d’Odigitrievsk. En tout, Dostoïevski a passé un peu plus de vingt jours à Novokouznetsk, une petite ville de la province de Tomsk, située à 530 kilomètres de Semipalatinsk.

On retrouve également des musées à Omsk, Semipalatinsk et Staraya russa.

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Quatre générations de la dynastie Romanov passèrent leurs vacances d’été dans le palais et le parc d’Alexandria à Peterhof (également appelé simplement parc d’Alexandrie). De 1830 à 1917, le complexe était considéré comme la résidence officielle de l’empereur. Aujourd’hui, le parc d’Alexandria est un lieu de loisirs familiaux. Vous pourrez vous y promener, visiter des musées et des expositions, participer à des tournois et des festivals.

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Histoire d’Alexandria

Le palais et le parc Alexandria étaient des lieux de vacances d’été pour quatre générations de la dynastie Romanov. Il jouxte la frontière orientale de la résidence officielle de l’empereur, séparée du parc inférieur par un mur.

L’histoire de cet endroit aurait pu être radicalement différente si, en 1725, Alexandre Menshikov, qui possédait le terrain, avait réussi à construire le grand palais de banlieue, « Moncourage ». Mais lorsqu’il fut proscrit, ses biens furent confisqués laissant le palais inachevé. Plus tard, l’impératrice Anna Ioannovna ouvrit, ici, un parc de chasse pour les tsars, appelé « Yardgarten ».

En mai 1826, l’empereur Nicolas Ier de Russie émit un décret pour « construire sur le site de la ruine de Menshikov une maison de campagne ou un chalet, avec tous les services auxiliaires et un parc ». La construction fut supervisée par l’architecte écossais Adam Menelaws. Il érigea le palais du Cottage dans le style néogothique qui était à la mode à l’époque. Menelaws aménagea également un parc paysager de 11,5 hectares. Avec l’aide des maîtres jardiniers F. Wendelsdorf, N. Rodionov et A. Gombel, il réussit à créer, au bord du golfe de Finlande, l’un des parcs paysagers les plus intéressants et les plus originaux du romantisme russe.

Pendant vingt-deux ans, A.I. Stackenschneider, reconstruisit une ferme créée par Adam Menelaws. Ces nouveaux bâtiments étaient destinés à accueillir le grand-duc Konstantin Nikolaevitch, deuxième fils de l’empereur Nicolas Ier et d’Alexandra Feodorovna.

Depuis les années 1970, près de la chapelle gothique, on peut trouver la tombe du maître jardinier P. I. Ehrler, construite dans le style néo-gothique, selon le projet de K. Schinkel. Elle est devenue l’une des constructions les plus originales et les plus belles d’Alexandria.

Le nom actuel du lieu est lié au début du mois d’août 1829, lorsque Nicolas Ier offrit la ferme à son épouse Alexandra Feodorovna. Il donna le nom « Alexandria » à l’ensemble du parc et palais.

Une variété de constructions fut installée à Alexandria, pour l’éducation, la formation et les loisirs des enfants impériaux. Par exemple, le terrain de sport sur le côté sud du « Cottage », recréé d’après les plans de L.I. Linden, le professeur de gymnastique de l’empereur. De même, la forteresse des enfants et la tour du pompier furent recréées près du palais agricole. Malheureusement, la maison de campagne des enfants, le pigeonnier, la ferme des enfants au bord de la mer et le moulin à eau, sur le ruisseau à l’est du palais, ne furent pas conservés.

Le parc moderne d’Alexandria est un endroit magnifique pour les escapades en famille. Les enfants, accompagnés de leurs parents, peuvent visiter le terrain de gymnastique des grands ducs, prendre part au festival des chevaliers, participer aux programmes interactifs et aux reconstitutions historiques, sonner la cloche de la tour d’incendie ou simplement se promener dans l’un des plus beaux parcs du pays.

Plan du parc Alexandria

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Le palais agricole (3)

Pour accentuer encore le caractère idyllique de la résidence de campagne, par décret de l’empereur, en 1831, l’architecte Adam Menelaws, construisit une ferme avec une étable, des chambres pour les bergers, des cuisines et des garde-manger. Les vaches de race pure étaient commandées spécialement en Angleterre pour fournir à la famille des produits laitiers. Même le berger était anglais. À la fin des années 1830, une annexe de deux étages fut ajoutée au pavillon de la ferme, qui abritait les salons de l’héritier du trône – le futur empereur Alexandre II.

Au cours des deux décennies suivantes, le bâtiment fut reconstruit à plusieurs reprises. La première reconstruction était liée au mariage, en 1841, du prince héritier (Tsesarevich) Alexandre et de la princesse de Hesse-Darmstadt, dans l’orthodoxie – Maria Aleksandrovna. Plus tard, le bâtiment fut agrandi en raison de la naissance de leurs enfants. Pendant les reconstructions, la grange fut déplacée dans un nouveau bâtiment sur la route de Peterhof. Avec l’accession au trône d’Alexandre Nikolaïevitch, le statut de la maison changea et, en 1860, la modeste ferme devint le palais agricole de l’empereur Alexandre II.

La conception de l’intérieur du palais agricole, comme toutes les autres constructions du parc, fut réalisée dans le style néo-gothique. Certains éléments de sa finition originale furent préservés : stucs, fragments de peintures sur les murs et les plafonds, fragments de parquet en chêne, poêles, cheminées et escaliers. Le bâtiment était équipé de toutes les commodités nécessaires à l’habitation : un ascenseur, des conduites d’eau, des toilettes et des salles de bain. Le bain de marbre dans la salle de toilette de Maria Aleksandrovna, fut conservé jusqu’à nos jours.

Le détail intérieur le plus significatif du palais agricole, est le Bureau bleu d’Alexandre II. C’est ici que l’empereur recevait ses ministres, écoutait les rapports sur l’avancement des opérations militaires et dirigeait les réunions des comités chargés de réformer le pays. C’est ici que le projet de loi le plus important, concernant la libération des paysans du servage fut préparé.

Le Bureau bleu conserve quelques souvenirs ayant appartenu à l’empereur : une mallette en cuir pour les documents, une mallette d’instruments de dessin et un crucifix en ivoire. Les chaises magnifiquement conservées ainsi que l’unique horloge à cadrans multiples, sont issues du décor mobilier original. Elle indiquait l’heure dans 66 villes de province en Russie et en Alaska. Le coussin en cuir avec des traces de sang se trouvait dans la voiture de l’empereur le 1er mars 1881, lors de sa mort tragique.

De nombreuses pièces du palais agricole donnent accès aux terrasses ou au jardin. Devant la façade orientale du palais fut aménagé le jardin privé de l’impératrice, entouré de pergolas sur trois de ses côtés. La fontaine dans le bassin ovale, est ornée de la sculpture en bronze « la Nuit », coulée selon l’impression de l’original en marbre du sculpteur français, Joseph Pollet.

C’est le seul palais de Russie construit pour Alexandre II. Pendant un demi-siècle, depuis son enfance, sa vie était étroitement liée à ce bâtiment unique, qui changeait en même temps que son propriétaire.

Pour la première fois depuis 1932, le Palais agricole, en tant que musée, fut ouverte après la restauration, le 19 juin 2010.

Exposition « Les résidents de l’été »

Le 10 août 2016, une nouvelle exposition permanente ouvrit au sein du Palais agricole. Le projet culturel et historique « Résidents d’été de Peterhof » occupe 15 salles et invite les visiteurs à se plonger dans l’atmosphère des vacances d’été sur la côte sud du golfe de Finlande aux XIX et XXe siècles. À l’aide de plus de 300 pièces de musée, les conservateurs racontent l’histoire de la culture russe des vacances d’été. Fort d’une grande expérience en matière de projets innovants, le musée-réserve de Peterhof réussit à recréer une atmosphère unique de vie à la campagne au tournant des siècles en utilisant les technologies modernes.

Dans la seconde moitié du XIXe siècle, le mot « datcha » (maison d’été) se répandit pour décrire les maisons de vacances des familles urbaines. Passer les vacances à Alexandria permettait aux Romanov de plus ou moins s’affranchir des conventions de la cour, qui limitaient leur mode de vie.

Dans la « datcha privée » d’Alexandria, chacun avait la possibilité de pratiquer son activité favorite : pêche, chasse, cueillette de champignons et de baies, promenades à pied et à cheval, vélo et jeux de plein air. La haute société se rendait également à Peterhof, parmi les célèbres habitants de la datcha figuraient des familles telles que Benois, M.G. Vrubel, M.F. Kshesinskaya, D.I. Mendeleev, N.A. Nekrasov, A.G. Rubinstein, F.G. San-Galli, S.M. Tretyakov, I.S. Turgenev, P.I. Tchaikovsky, et bien d’autres encore.

Ce nouveau projet raconte la vie des résidents pendant l’été. La routine sociale habituelle était maintenue ici : les résidents recevaient des invitations pour des événements officiels à la cour, assistaient à des dîners et des réceptions de fête. Outre les divertissements sociaux, il y avait aussi des plaisirs simples : nager dans le golfe de Finlande, faire du vélo dans le parc, pique-niquer, se rendre visite. Et bien sûr, l’été à la datcha était inévitablement lié à la préparation de confitures et de liqueurs de fruits savoureuses : c’est ainsi que le goût de la datcha pouvait être préservé pendant le long hiver de Saint-Pétersbourg.

L’exposition se déroule selon la routine de cette vie : de l’agitation de la capitale et du tumulte de la gare au silence du soir et à la tranquillité des vacances à la campagne au bord de la mer. Les visiteurs de l’exposition monteront sur la véranda d’une datcha typique, se retrouveront dans l’atelier d’un artiste, visiteront le cabinet d’un aristocrate, le boudoir d’une dame et la chambre d’un enfant. Ils découvriront également les divertissements et les plaisirs de l’été, ses saveurs, ses goûts et ses sons, et ressentiront la tristesse de l’automne en quittant Alexandria.

En plus des salles de musée, les invités pourront visiter une sorte de cinéma, où des citoyens éminents de Saint-Pétersbourg racontent les particularités de la culture estivale de la datcha. L’exposition s’adresse à un public familial et à tous ceux qui s’intéressent à la vie de Saint-Pétersbourg au début du siècle.

Le palais cottage (1)

Au milieu du XVIIIe siècle, l’intérêt croissant pour le Moyen Âge, lié au début du mouvement romantique en Angleterre, s’est rapidement répandu dans le monde entier et donna vie au style néo-gothique. C’est dans cette période que le Palais cottage est bâti.

Le bâtiment s’est avéré inhabituel pour l’époque. De tous les côtés, il est entouré de balcons, de terrasses avec arcade en fer ajouré et envahis de verdure. Un charmant jardin se trouve devant la maison. Les roses blanches étaient les fleurs préférées de l’impératrice. Ainsi, les roses d’Alexandria étaient présentées dans une innombrable variété de formes, de types et de tons. Même le blason d’Alexandria, inventé à la demande de Nicolas Ier par le poète V. A. Joukovski, représentait un bouclier héraldique bleu avec une épée de chevalier, passée dans une couronne de roses blanches. Joukovski inventa également la devise : « Pour la foi, le tsar et la patrie ». Ces armoiries sont représentées sur les façades du palais, à l’intérieur et sur de nombreux objets, qui sont conservés dans le palais jusqu’à ce jour.

Au début des années 1840, l’architecte Andreï Stackenschneider y ajouta une salle à manger avec une terrasse extérieure, décorée d’une élégante fontaine en marbre, réalisée par Felicia de Foveaux. Dans la niche du mur nord, se trouve une sculpture, « Madone à l’enfant », œuvre de I.P. Vitali.

Le style néo-gothique se distingue non seulement par son architecture, mais aussi par la décoration de ses intérieurs. L’ornementation caractéristique sous forme d’arcs en lancette, de rosaces, de trèfles et de fleurons était utilisée dans les décorations en stuc, les peintures et dans la conception de meubles et objets d’art décoratif et appliqué.

Le Palais cottage comprend également de nombreux objets de famille, préservant la mémoire des propriétaires et les événements historiques de l’époque. Une pierre portant le monogramme du sultan turc, est montée à l’intérieur du mur du vestibule, rapportée par Nicolas Ier de l’assaut de Varna. Le lustre en argent de la grande salle de réception est un cadeau des parents allemands de l’impératrice pour les noces d’argent des époux. L’importance de sa famille pour l’empereur est représentée par les portraits sculptés de sa femme et de ses enfants, dans son bureau.

Le palais cottage est l’unique monument de l’époque du romantisme qui fut préservé jusqu’à nos jours, sans reconstructions ni ajouts ultérieurs. Les intérieurs du palais, remplis d’objets authentiques, évoquent une atmosphère de chaleur et de confort familial. Selon les propres mots de Nicolas Ier, il voulait être là-bas non pas en tant qu’empereur, mais en tant que « mari de la dame de Peterhof », et sa femme Aleksandra Feodorovna avoua qu’elle y était « heureuse comme nulle part ailleurs ».

L’obélisque sur le lieu de l’exécution des décembristes n’est pas directement lié au thème du musée, mais en fait partie. Le site historique, où étaient cantonnés les cinq dirigeants du célèbre soulèvement, est devenu un site commémoratif en 1975. Le monument en marbre rose est volontairement modeste. Il n’est orné que d’un bas-relief avec les profils des victimes et une inscription commémorative. En guise d’épitaphe au verso, il y a un poème de Pouchkine.

L’église gothique (2)

L’un des chemins à l’ouest du palais cottage, en traversant le pont de la Ruine, mène à un élégant bâtiment – l’église de la famille de Nicolas I. Son emplacement fut choisi par l’empereur lui-même. En 1834, l’église fut consacrée au nom du bienheureux grand-duc Alexandre Nevsky. Créée dans le style gothique médiéval, elle reçut le nom de « chapelle gothique ». Le projet fut commandé à un remarquable architecte allemand, Karl Schinkel. La construction, initialement supervisée par Adam Menelas, fut achevée par Joseph-Maria Charlemagne-Baudet.

Rappelant une cathédrale gothique médiévale en miniature, la chapelle sert de décor romantique spectaculaire au parc. Les façades nord, ouest et sud de l’église, sont identiques. Au centre, on trouve les portails en arc avec au-dessus d’eux une rosace ronde. La façade orientale est jouxtée d’une corniche tridimensionnelle : l’abside. Les huit clochers sont couronnés de croix orthodoxes dorées. L’édifice est richement décoré, avec des moulages en fer et des sculptures en dentelle. Les quarante-trois statues, créées à partir de feuilles de cuivre, par le sculpteur V. I. Demuth-Malinovsky, représentent des anges, des saints apôtres, des évangélistes et la Vierge à l’enfant.

Les portes en chêne massif mènent directement dans le hall de l’église. À l’intérieur, tout comme à l’extérieur, l’église est décorée dans le style néogothique avec des arcs, des voûtes flamboyantes et des fenêtres rondes avec vitraux. Mais par sa disposition, c’est une église orthodoxe. L’autel se trouve sur le côté ouest, séparé de la salle principale par l’iconostase. Toutes les icônes furent réalisées par le peintre de la cour, Timofey Neff.

Depuis l’époque de sa consécration, la chapelle gothique servit d’église domestique aux quatre générations d’empereurs russes : Nicolas Ier, Alexandre II, Alexandre III et Nicolas II. Les cultes réguliers s’y déroulaient en été. Les visites de la famille impériale étaient appelées « petites visites » et les jours de fête, ils organisaient de « grandes visites » à l’église des Saints Apôtres Pierre et Paul, au Grand Palais de Peterhof.

Pendant la Seconde Guerre mondiale, l’édifice survécut, la fonte des façades et une grande partie des sculptures furent préservées, mais la finition fut endommagée.

À l’automne 2006, après l’achèvement de la restauration, la chapelle gothique fut consacrée une nouvelle fois durant la cérémonie de réinhumation des reliques de l’impératrice russe, Maria Feodorvna, épouse de l’empereur Alexandre III. Ses cendres refirent le chemin, du Danemark à Saint-Pétersbourg, via Kronstadt et Peterhof, que la future impératrice fit lors de son arrivée en Russie. Le service eut lieu dans la chapelle gothique, en présence des membres de la Maison du Danemark et des descendants de la famille impériale des Romanov.

Le poste télégraphique (5)

Le bâtiment du poste télégraphique du Palais à Alexandria fut construit en 1858, selon le projet de l’architecte Andrey Stackenshneider. La station faisait partie de la ligne télégraphique électromagnétique de Cronstadt, qui enveloppait l’Empire russe de son réseau dense, sous le règne de l’empereur Alexandre II.

Le poste télégraphique d’Alexandria, était à l’origine destinée non seulement aux besoins de la cour impériale, mais aussi à un usage public, c’est pourquoi le bâtiment fut construit à la limite même du parc et avait deux entrées. Les laquais de la cour avec les télégrammes « suprêmes » entraient par le côté du parc tandis que l’entrée pour les simples résidents était séparée par une clôture spéciale.

L’exposition au premier étage de la station télégraphique est consacrée à l’histoire du télégraphe optique, qui précéda le télégraphe électromagnétique. La première ligne de télégraphe optique en Russie, qui reliait Saint-Pétersbourg à Kronstadt, fut construite en 1833, sous la direction de l’ingénieur français Jacques Chateau. L’une des stations était basée à Alexandria, sur la rive du golfe de Finlande. Le modèle de fonctionnement du télégraphe de Château est présenté dans le musée.

L’atmosphère historique du poste télégraphique fut recréée au rez-de-chaussée du musée. En effet, pendant la présence de la famille impériale à Alexandria, il fonctionnait 24 heures sur 24. Le cabinet du supérieur, combinait les caractéristiques des locaux commerciaux avec une salle de repos. À la Réception, vous pouvez découvrir quels feuillets étaient utilisés pour les télégrammes et comment ils étaient payés. Dans la salle des équipements sont exposées les machines télégraphiques de Samuel Morse et de David Hughes. Grâce à elles, les télégrammes étaient envoyés dans toutes les régions de Russie en quelques minutes, mais aussi à l’étranger. Pour l’entretien et la réparation de l’équipement télégraphique, il y avait sur place un atelier de station contenant un ensemble d’outils essentiels.

Comme les fonctionnaires du télégraphe de rang inférieur résidaient en permanence au poste, celui-ci était équipé de toutes les installations communes nécessaires : les baraquements et la cuisine servaient en même temps de salle à manger au personnel. Sur le côté Est du bâtiment, on trouve des écuries pour les chevaux. Les pavés, le puits et même la fosse sont restés intactes.

La maison des coursiers (4)

La Maison du service de messagerie ou le musée de la « Maison Feldjager », qui fut inauguré le 2 juin 2014, est liée à l’histoire du service de coursier secret russe (en allemand Feldjagers). Elle fut construite sur l’ordre de l’empereur Alexandre II, près du palais agricole.

La construction, qui combine les éléments de l’architecture russe en bois et les motifs gothiques, s’intègre parfaitement à l’ensemble du parc romantique « Alexandria ». À côté du bâtiment principal, il y a une cour intérieure où se trouvaient les réservoirs d’eau et le bois de chauffage, le charbon de bois et d’autres accessoires ménagers.

L’exposition du musée est située dans deux petites pièces : la chambre du Kammerdiener (le valet) et la chambre du Feldjager en service (le coursier militaire pour la livraison de la correspondance secrète du gouvernement). Les fonctions du coursier comprenaient : l’escorte de l’empereur, de sa famille et des dignitaires, lors de tous ses voyages, ainsi que l’exécution de missions spéciales de l’empereur. L’histoire du service des feldjagers revit sur les pages de livres multimédia, présentés dans l’exposition de la salle des Kammerdiener.

Dans le musée, vous pouvez voir l’uniforme de l’officier du campus impérial des feldjagers, des coffres forts portables pour les marchandises de valeur et un sac en cuir pour les documents, dont le coursier ne se séparait jamais. La devise principale des feldjagers était : « Si je ne me dépêche pas, je perds ma dignité ». Aujourd’hui, le service d’État des feldjagers assure toujours la sécurité des informations de la Russie.

La Maison du service de messagerie est l’un des rares bâtiments en bois historiquement significatifs, qui a survécut à la Seconde Guerre mondiale.

La nouvelle ferme d’Alexandria (28)

La nécessité du bâtiment de la nouvelle ferme est apparue dans les années 1850, lorsque l’ancienne ferme dite « de Sasha » commença à être agrandie pour devenir le palais agricole de l’héritier du trône, le futur empereur Alexandre II. La Nouvelle Ferme fut construite en 1854 selon le projet de Andrey Shtakenshneider et sous la supervision de l’architecte E.L. Hahn. Le complexe comprenait de nombreux bâtiments : maisons pour les bergers, étable, porcherie, granges, poulailler, etc. La ferme était devenue non seulement un lieu où les enfants royaux buvaient du lait, mais aussi une ferme modèle, où les dernières technologies agricoles de l’époque étaient testées. À l’époque soviétique, le bâtiment abritait une écurie, un garage et une école d’art. Les intérieurs historiques furent perdus et seul l’inventaire fut préservé. En 2013, les travaux commencèrent pour restaurer le bâtiment et l’adapter aux besoins d’un centre éducatif moderne, qui ouvrit en septembre 2015.

Aujourd’hui, dans ce centre éducatif de la Nouvelle Ferme, les enfants à partir de trois ans, accompagnés de leurs parents étudient l’histoire, s’initient à l’art, jouent à des jeux de société anciens, apprennent les secrets des métiers du musée, font de l’artisanat, créent leurs propres expositions et fêtent les anniversaires et la nouvelle année. Le Centre du Musée dispose d’un arsenal de 17 abonnements pour les enfants en bas âge et les écoliers (du CP au CM2), qui combinent des cours, des expositions, des jeux interactifs, des ateliers créatifs et des excursions aux musées de Peterhof.

En 2016, lors du forum panrusse des musées « Intermuseum 2016 », la Nouvelle Ferme fut reconnue comme le meilleur projet dans le domaine de l’éducation muséale en Russie. Ce centre muséal est un participant permanent des festivals « Journées des enfants à Saint-Pétersbourg », « La ville des maîtres dans le jardin d’été », « Anton ici à côté », Geek picnic, « Alexander Carousel », le projet « Big Regatta », l’exposition « St.Petersburg Design Week », et la campagne éducative « Total Dictation ». Lauréat du concours international de design, d’art plastique pour enfants « My Dream Room 2017 ».

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