Le musée de l’Ermitage est mondialement connu pour ses collections impressionnantes. C’est clairement le plus grand musée au monde ! Pour le visiter efficacement vous devez bien vous organiser. Impossible de tout voir d’un coup et surtout, cela ne sert à rien. Mieux, il faut savoir quoi voir et quand les voir. Ici, je vous donne les clés d’une visite réussie. Ci-dessous, vous retrouverez les informations de base sur ce complexe muséal et vous pourrez aller dans le détail des collections ici.

Estimation du temps de lecture : 21 minutes

L’Ermitage en quelques chiffres

Fondé en 1764, c’est aujourd’hui le plus grand musée du monde en objets exposés. On considère ses collections à plus de 60 000 pièces exposées dans 1057 salles sur 66.000 m². Sans pour autant oublier près de 3.000.000 d’objets qui sont conservés dans les réserves. Les collections retracent presque toutes les époques et une très large géographie. C’est aussi une des plus grandes collections au monde de peintures avec plus de 16 000 toiles sans compter les 13.000 sculptures.

Parmi les œuvres exposées, figurent des peintures de maîtres hollandais et français comme Rembrandt, Rubens, Matisse ou Gauguin. On y trouve également deux toiles de Léonard de Vinci ainsi que trente et une peintures de Pablo Picasso. Le musée emploie 2 500 personnes et utilise l’aide de nombreux stagiaires gérés par le service des volontaires du musée de l’Ermitage.

Mais que cachent ces chiffres destinés à épater le public venu du monde entier ?

La palais d’hiver

Ce palais élégant et monumental est de style baroque du milieu du XVIIIe siècle. C’est un brillant exemple de la synthèse de l’architecture et de l’art plastique décoratif. Toutes les façades sont embellies par une colonnade à deux niveaux formant un rythme complexe de verticales. Les colonnes s’élancent vers le haut jusqu’à embrasser les nombreuses statues et vases sur le toit. L’abondance de la décoration moulurée – corniches et encadrements de fenêtres fantaisistes, mascarons, cartouches, rocailles et divers frontons – crée un jeu d’ombre et de lumière extrêmement riche qui investit l’apparence du bâtiment avec magnificence.

Retrouvez notre mega article avec toutes les collections de l’Ermitage ici.

Le petit ermitage

Dans l’ensemble architectural de l’Ermitage, le Petit Ermitage est un lien entre le magnifique bâtiment baroque du Palais d’Hiver et les splendides constructions de l’époque du classicisme – le Grand Ermitage et le Nouvel Ermitage. Ce bâtiment regroupe les collections dédiées à l’art médiéval européen et à l’art hollandais.

Le grand ermitage

En 1771, un nouveau bâtiment à côté du Petit Ermitage a été construit par ordre de l’impératrice Catherine II sur les berges de la Neva. Plus grand que le Petit Ermitage, il fut nommé le Grand Ermitage et était censé abriter les collections du palais et la bibliothèque. Yuri Velten, l’architecte, a réussi à intégrer le nouveau bâtiment dans le complexe existant du palais.

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Le nouvel ermitage

Le nouvel Ermitage a été le premier bâtiment de Russie construit spécialement pour abriter les collections du musée. L’empereur Nicolas Ier a invité l’architecte allemand Leo von Klenze, dont les travaux ont largement contribué à l’image de l’architecture des musées en Europe, à venir en Russie pour construire l’Ermitage impérial. Le nouvel Ermitage construit en 1842-1851 dans le style de l’Historicisme se caractérise par l’austérité et la monumentalité de la structure et l’équilibre des volumes architecturaux.

Le bâtiment de l’état-major général

Construit en 1820, il révèle une rigueur architecturale caractéristique du classicisme. Le bâtiment de l’état-major (En russe : Главный штаб) occupe un vaste espace allant de la perspective Nevsky au coude de la rivière Moika.

L’accent principal dans la composition de la façade est mis sur la magnifique arche qui symbolise le triomphe de la Russie. Au sommet, le char triomphal tiré par six chevaux est accompagné de statues de guerriers. L’œuvre a été réalisé par Vassily Demuth-Malinovsky et Stepan Pimenov en suivant les plans de Rossi. L’expressivité particulière du bâtiment résulte de la combinaison entre la façade neutre et la partie centrale monumentale.

Le rez-de-chaussée se présente sous la forme d’un socle ou d’une base rustique tandis que les fenêtres du premier étage sont entourées de cadres et de rebords décoratifs. La partie supérieure du mur est mise en valeur par une corniche en stuc.

Exposition de peinture française des XIXe et XXe siècles

Chronologiquement, cette section commence par les œuvres d’artistes de la fin du XVIIIe et du début du XIXe siècle dont les contributions à l’histoire de l’art varient énormément. On y retrouve Lethière, Lefebre, Caraffe, C. Vernet, Girodet, P. Chauvin, des artistes très populaires de l’Empire comme Guérin, ou F. Gérard.

Les maîtres les plus célèbres sont aussi représenté : David par son superbe Sappho et Phaon (1809), Gros par son Napoléon sur le pont d’Arcole (vers 1797), Ingres par le Portrait du comte Guriev (1821), Delacroix, le plus brillant des artistes romantiques français, par deux toiles : Selle d’un cheval marocain (1855) et Chasse au lion au Maroc (1854).

La collection de l’Ermitage donne un bon aperçu de l’école de Barbizon. Ce groupe d’artistes s’est installé dans le village de Barbizon près de Paris. Théodore Rousseau, Dupre, Carot, Daubigny et d’autres, allaient avoir une influence majeure sur le développement de la peinture de paysage française. L’un des points capitaux du musée est la collection de tableaux de la fin du XIXe et du début du XXe siècle, qui comprend plus de 250 œuvres.

Les dépendances

Le palais d’hiver de Pierre le Grand

Le palais d’hiver de Pierre le Grand est un bâtiment unique du début du XVIIIe siècle. La résidence officielle de Pierre Ier était située sur le territoire aujourd’hui occupé par le théâtre de l’Ermitage. Dans la partie du palais qui a été préservée, il y a une exposition commémorative consacrée à Pierre le Grand et à son époque. Dans ses pièces, on retrouve une décoration recréée en utilisant des objets authentiques ayant appartenu à l’empereur.

Le théâtre de l’Ermitage

Le théâtre de l’Ermitage est l’un des plus anciens de Saint-Pétersbourg et de Russie. Il fut construit sur ordre de Catherine la Grande en 1783 sur le site de l’ancien Palais d’hiver de Pierre le Grand.

L’auditorium du théâtre a été construit de manière à ressembler à celui de l’Antiquité : des rangées de sièges semi-circulaires s’élèvent de la scène de l’amphithéâtre. Les murs et les colonnades sont décorés de marbre artificiel coloré. Les sculptures d’Apollon et des neuf muses sont situées dans des alcôves et sous celles-ci se trouvent des bas-reliefs avec des portraits de musiciens et de poètes célèbres.

La première saison du théâtre de l’Ermitage s’est ouverte avant l’achèvement des travaux, le 16 novembre 1785, avec une représentation de l’opéra « Le meunier qui était un magicien, un tricheur et un marieur » (musique Мikhail Sokolovsky). 

Sous Alexandre Ier, des bals masqués y étaient souvent organisés. Pendant trois ans, de 1823 à 1826, le théâtre a été utilisé comme terrain de parade militaire.

Un chapitre intéressant de la vie du théâtre est associé à la fin du XIXe siècle. En 1894, des travaux de restauration ont été réalisés sous la supervision de l’architecte Kvasov. En 1902, l’architecte Léon Benois a achevé le foyer du théâtre dans le style rococo. Des artistes tels que Chaliapin, Sobinov, Kshesinskaya, Pavlova, et Vaganova ont joué dans ce théâtre. 

Les événements dramatiques de 1917 ne pouvaient que se refléter dans la vie du théâtre. Devenu l’Université ouvrière Lunacharsky, on continua d’organiser divers concerts, ballets et opéras avant sa fermeture en 1935.

Pendant de nombreuses années, le lieu a été utilisé pour des conférences. Dans les années 1980, la restauration complète lui donna un nouveau souffle. Mais ce n’est qu’en 1991, que le théâtre de l’Ermitage ouvra ses portes au public. Aujourd’hui, il est l’une des scènes les plus populaires de Saint-Pétersbourg.

Le palais Menshikov

Le Palais Menshikov, situé sur le quai de l’université de l’île Vassilyevsky, a été construit sur l’ordre du premier gouverneur de Saint-Pétersbourg et proche associé de Pierre Ier, Alexandre Menshikov.

La construction de cette première structure monumentale en pierre de la ville a commencé en 1710, selon les plans architecturaux établis par Giovanni Mario Fontana. Les travaux se sont poursuivis sous la direction de Johann Gottfried Schaedel de 1712 à 1721. La décoration architecturale du palais est caractéristique du début du XVIIIe siècle. La partie centrale du bâtiment est couronnée d’un grenier, tandis que les saillies latérales ont des frontons courbés. L’ensemble du bâtiment se termine par un haut toit en croupe. Les murs clairs et bicolores du bâtiment, les pilastres avec des chapiteaux en pierre sculptée qui décorent chaque étage et les encadrements de fenêtres simples donnent à la façade un aspect élégant et sont typiques de l’architecture baroque à l’époque de Pierre le Grand.

En savoir plus dans notre article dédié ici.

Quelques bons conseils

Essayez d’éviter la haute saison de Mai à Septembre ou privilégiez le début et la fin de la saison, car il y a énormément de monde. Le musée étant fermé le lundi, vous pouvez imaginer l’affluence le mardi donc privilégiez également les autres jours de la semaine. De la même manière, si vous savez ce que vous voulez voir, calculez votre temps et essayez d’y aller en fin de journée quand il y a moins de monde. Dernier point, le musée est gratuit le 3e jeudi de chaque mois. L’optimum est donc le mercredi ou le vendredi en fin de journée et jusqu’à la fermeture tardive.

Itinéraire des points d’intérêt principaux

Sincèrement, ne rêvez pas, vous ne pourrez pas tout voir. Rien que les 4 bâtiments principaux sont composés de 400 salles. A raison d’une petite seconde par œuvre il vous faudrait 42 jours et il vous restera encore les annexes. Par conséquent, il faut prioriser votre visite. L’exemple d’itinéraire ci-dessous se concentre sur l’essentiel. J’ai fait l’expérience. En marchant rapidement et en ne m’attardant que quelques secondes sur les œuvres majeurs, il m’a fallu 3 heures. Prévoyez donc au minimum une demi-journée voire la journée pour en profiter un minimum. 

Je vous conseille vivement de lire ma description des collections dans le chapitre suivant afin de sélectionner ce qui vous intéresse le plus.

Commencez par le Palais d’hiver

Foulez les marches du mythique escalier du Jourdain, qu’empruntaient les tsars lors des réceptions officielles. S’offre ensuite à vous une enfilade de salles d’apparat. Elle débute avec la petite salle du trône, aussi appelée la « salle Pierre-le-grand » construite en hommage au tsar créateur de l’empire. Non loin, la « galerie militaire de 1812 » impressionne par ses 332 portraits des glorieux généraux qui ont participé à la campagne de Russie. Juxtaposée, la grande salle du trône, ou « salle Saint-Georges » est un des symboles du palais. Construite sous Catherine II, elle sera entièrement détruite par l’incendie de 1837, et reconstruite dans le style que nous connaissons aujourd’hui sous Nicolas Ier. C’est ici que les plus grandes cérémonies avaient lieu. En 1906, c’est là que fut instaurée la 1ere douma, conséquence directe de la révolution de 1905. La grande chapelle parachève l’enfilade, son décor baroque donne une idée de ce qu’était le palais au XVIIIe.

Derrière, dans les anciens appartements privés, se tient une partie de l’impressionnante collection d’art Français du XVe au XIXe siècle. Parmi le florilège de chefs d’œuvres : Poussin, Watteau, Delacroix, Renoir… Vous y trouverez aussi quelques œuvres de Fragonard, qui s’approprie avec délicatesse des scènes d’intimité galantes, comme dans l’œuvre « le baiser à la dérobée » (salle 288), thème que Catherine II affectionnait particulièrement.

Vous pouvez ensuite vous laisser baigner dans l’art anglais sur 3 salles, en ne manquant pas le « portrait de la dame en bleu » de Gainsborough (salle 298) mais aussi découvrir les appartements créés pour Alexandre II. Parmi les salles, le boudoir est d’une remarquable minutie, avec des murs entièrement tapissés d’un tissu provenant de France.

Continuez vers le Petit ermitage

En pénétrant dans la salle du pavillon, vous ne pourrez manquer « l’horloge du paon », acquise par Catherine II pour le musée. Ce n’est ni plus ni moins que la plus grande horloge automatique au monde. D’une grande finesse et toujours en état de marche, elle n’est cependant remontée que pour de rares occasions.

Pour les plus courageux, dirigez-vous vers le grand et le nouvel ermitage

La collection de peintures italiennes occupe tout le grand ermitage ainsi qu’une partie du nouvel ermitage. Parmi les immanquables, la salle Léonard de Vinci, qui expose des œuvres majeures du maître de la Renaissance, dont « La madone Lita ». Plus loin, se dresse une reproduction presque surréaliste des célèbres loges de Raphaël situées au Vatican

Le 1er étage s’achève sur les collections de peintures flamandes et hollandaises. Ainsi, vous trouverez respectivement des œuvres des peintres baroques les plus fameux, comme Rubens et bien sûr l’illustre Rembrandt et son tableau « le retour de l’enfant prodigue ». La salle des chevaliers mérite également un instant pour s’attarder sur les détails de tenues de guerres ou officielles d’époque.

Pour une prochaine visite

Rez-de-chaussée

Le rez-de-chaussée remonte quelques milliers d’années en arrière pour vous proposer différentes collections d’art Grec, Romain ou Égyptien. S’il vous reste encore de l’énergie, terminer votre visite par les collections du trésor, qui sera un fabuleux point final à cette visite pleine de grandeur historique et culturelle.

2e étage

Vous pourrez vous réserver le dernier étage pour étoffer une prochaine visite. A noter que la collection des peintures impressionnistes Français a été transférée dans le bâtiment de l’État-Major, qui sera l’occasion d’une autre très belle visite.

Réservez votre excursion à l’Ermitage

Via Alexandre de Russie

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Histoire de l’Ermitage de Saint-Pétersbourg

La construction sous Pierre-le-grand

Tout débute à la naissance de Saint-Pétersbourg. En 1703, Pierre-le-grand décide d’« ouvrir une fenêtre sur l’Europe » en sortant de terre cette nouvelle ville qu’il désire « occidentale ». Situé sur les rives de la Neva, il fait construire la résidence impériale qui n’est alors qu’une bâtisse en bois, mais rapidement le bâtiment sera reconstruit en pierre et dans un style baroque.

Le palais d’hiver de Pierre Ier jouxte aujourd’hui le nouvel Ermitage et semble bien sommaire à côté de l’ampleur que va prendre l’édifice. Toutefois, cette collection aujourd’hui sans égal, débute dès le XVIIIe siècle lorsque Pierre-le-Grand commence à acquérir ses premiers tableaux.

Durant le règne d’Anne, une de ses nièces, le palais d’hiver sera délaissé pour un autre à côté, il sera assimilé, ainsi que d’autres bâtiments, au palais d’hiver de Pierre-le Grand. L’ensemble impérial commence à s’agrandir.

C’est la fille du Tsar, l’impératrice Élizabeth, qui commandera à l’architecte italien Bartolomeo Rastrelli, la construction du somptueux édifice que l’on connait aujourd’hui comme étant le palais d’hiver. De 1754 à 1762, le palais prend une dimension colossale, et se pare notamment du mythique « escalier du Jourdain ».

Transformation sous Catherine II

En 1762, après avoir provoqué son destin en accédant au trône, Catherine II, fait ajouter deux nouvelles ailes au palais d’hiver : Le Petit Ermitage puis le Viel Ermitage. C’est dans ces nouveaux bâtiments que sera accueillie son immense collection d’œuvres. Ainsi débute l’histoire du musée de l’Ermitage à proprement dit.

C’est notamment à Catherine II, que le site doit cette collection vertigineuse. Suivant ses bons goûts et des conseils avisés, elle fera l’acquisition non seulement de plusieurs milliers de peintures, mais également de camées, ainsi que de livres issus des bibliothèques de Diderot et de Voltaire.

Son petit-fils, Alexandre Ier, marchera dans ses pas et étendra cette prestigieuse collection. Il fera l’acquisition en particulier, de la collection de la première femme de Napoléon Ier, l’impératrice Joséphine, qui permettra de faire rentrer dans le musée ses plus beaux chefs-d’œuvre.

Il faudra attendre le règne du tsar Nicolas Ier pour voir s’ériger en 1839, le « nouvel Ermitage » qui aboutit ainsi sur ce fabuleux complexe qu’est aujourd’hui le musée. Cet agrandissement structurel allait de pair avec l’accumulation des collections impériales, toujours plus grandiose.

L’ermitage après la révolution

Pendant près de 200 ans, le palais d’hiver abritât le pouvoir dynastique des Romanov, mais fut également témoin historique de sa fin tragique.

En octobre 1917, la prise du palais d’hiver ouvre un nouveau chapitre dans l’histoire de la Russie. Les pages qui suivirent furent bien sombres pour le bâtiment.

Le musée sera par deux fois dépossédé de ses collections, pour les protéger des deux guerres mondiales. Guerres qu’il traversera courageusement, subissant de nombreux bombardements, notamment durant l’interminable siège de Leningrad.

Il souffrira également des ventes à l’étranger de ses peintures et objets d’art appliqués au début des années 30, par le gouvernement soviétique.

En octobre 1945, les collections du musée purent de nouveau intégrer l’édifice, et l’Ermitage rouvrit peu après ses portes au public, bien que ses travaux de restauration soient loin d’être achevée.

L’ermitage au XXème siècle

Si l’urbanisme du musée s’étale sur plusieurs siècles, son style architectural intérieur n’est pas en reste. Bien que sa façade soit, dans l’ensemble, issue d’un style baroque, il est aujourd’hui impossible de définir clairement le style intérieur de l’Ermitage. L’exubérance et le grandiose se succèdent respectivement entre le baroque sous Pierre-le-grand, et Élisabeth, puis le classicisme de Catherine II, avant un retour du style antique avec le néo-classicisme durant le règne de Nicolas Ier.

Si les styles répondent aux époques et aux goûts des souverains, un incident majeur modifiera l’apparence du Palais au milieu du XIXe siècle. En 1837, un incendie dévaste pendant 3 jours tout le 1er et le 2e étages, détruisant ainsi les travaux des anciens architectes. Seul l’escalier du Jourdain, véritable prouesse et démesure architecturale sera reconstruit à l’identique.

A l’image de son histoire, le musée de l’Ermitage est une véritable fresque historique, une mosaïque de style issue des fragments de l’histoire russe.

Reportages sur l’Ermitage

• Chaîne: Art
• Titre de l’épisode : Le musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg
• Date de diffusion : Du 12/12/2021 au 12/01/2022
• Durée : 52 minutes
• Réalisateur : Margy Kinmonth

Bien plus qu’un musée national, le labyrinthique Ermitage incarne l’âme de la Russie. Créé en 1764 sous l’impulsion de Catherine II, « impératrice et autocrate de toutes les Russies », il abrite aujourd’hui 3,6 millions d’œuvres et emploie plus de conservateurs que n’importe quelle institution culturelle au monde. Ses fonds sont d’une richesse inouïe : le musée possède aussi bien des Rembrandt que de l’art russe, des objets préhistoriques, la collection personnelle de pierres précieuses de Catherine II, un chef-d’œuvre de Michel-Ange, des œuvres majeures de Matisse et quantité d’autres joyaux.

Visite privée

Tourné en 2014, à l’occasion du 250e anniversaire du musée, ce documentaire embarque les téléspectateurs dans un voyage passionnant qui retrace l’histoire tumultueuse de l’Ermitage, du palais impérial à sa reconversion en musée national. Son directeur a exceptionnellement accepté d’ouvrir les portes du musée aux caméras et de les y guider. Sont montrés à l’écran pour la première fois des collections spéciales et des lieux auxquels le public n’a, d’ordinaire, jamais accès. La réalisatrice Margy Kinmonth raconte l’histoire du lieu et de ses collections, grâce aux images d’archives – dont la fameuse reconstitution par Eisenstein de l’invasion du palais par la foule lors de la révolution de 1917 – et aux témoignages pleins de vivacité des conservateurs du musée, actuel ou anciens. Une promenade parmi les trésors les plus précieux, les plus anciens et les plus rares de la Russie.

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La cathédrale Notre-Dame de Kazan (en russe: Казанский кафедральный собор) a été construite à Saint-Pétersbourg en 1811. Elle est devenue un véritable décor de la perspective Nevski et, pendant près d’un demi-siècle, la plus grande église de Saint-Pétersbourg.

Histoire de la cathédrale Notre-Dame de Kazan

De chapelle à cathédrale

En 1710, une chapelle est construite sur la perspective Nevski. Puis, remplacée par une église en bois nommée Notre-Dame de Kazan. En 1727, en raison de sa vétusté, l’église est fermée et les icônes sont transférées à la cathédrale de la Trinité, située à côté de la forteresse Pierre et Paul.

La construction d’un nouvel édifice en pierre est établie par décret de l’impératrice Anna Ioannovna. Néanmoins, sa construction ne débute qu’en septembre 1733. Cette église fut construite selon les plans de Mikhaïl Zemtsov. On la nomma « L’Église de la Nativité de la Vierge Marie ». Elle était de style baroque, avec un clocher au-dessus de l’entrée et un dôme en bois. Quatre ans après sa construction, l’église a été consacrée en présence de l’impératrice. L’icône de Kazan de la Mère de Dieu y était exposée.

À la fin du XVIIIe siècle, le Tsar Paul Ier ordonne la démolition de l’église, dégradée par le temps, et la construction d’une grande cathédrale. Son principal souhait était que le nouvel édifice ressemble à la basilique Saint-Pierre de Rome…

Une nouvelle cathédrale

L’Empereur Paul Ier organisa un concours de projets pour construire la cathédrale Notre-Dame-de-Kazan. Ainsi, l’Italien Pietro Gonzago, l’Anglais Charles Cameron et le Français Jean-François Thomas de Thomon présentèrent chacun leur projet. Le tsar avait déjà approuvé le projet de Cameron, mais le comte Stroganov lui recommanda celui du jeune architecte russe Andreï Voronikhine qui n’avait pas participé au concours. Les plans de ce dernier plurent à l’empereur et Voronikhine fut nommé architecte principal.

Néanmoins, le projet ne fut pas entièrement mis en œuvre car sa réalisation nécessitait des fonds trop importants. La cathédrale devint malgré tout l’un des plus beaux monuments de la perspective Nevski, une des principales rues de la ville. La première pierre est posée en présence de l’empereur Alexandre Ier en 1801. Pendant la construction, l’architecte Voronikhine a vécu sur le chantier, contrôlant ainsi chaque étape. Dix ans ont été nécessaires pour bâtir le monument.

La cathédrale de Kazan est la création la plus importante du jeune architecte. En septembre 1811, le métropolite, c’est-à-dire l’archevêque Ambroise consacra la cathédrale de Kazan. Un an après sa construction, elle est devenue un symbole des victoires militaires russes. En effet, la guerre patriotique de 1812 marque la victoire russe contre les troupes de Napoléon lors de la campagne de Russie. Des objets comme les bannières militaires françaises, des étendards, les clés des villes et forteresses conquises ainsi que le bâton du maréchal napoléonien Louis-Nicolas Davout y étaient exposés.

En 1912, la plupart des trophées ont été envoyés au Musée Historique d’Etat à Moscou. Le maréchal Koutouzov, autre symbole de la guerre patriotique, repose dans cette cathédrale. Alexandre Ier a ordonné d’enterrer le corps du maréchal décédé à Bunzlau en juin 1813 dans la crypte construite de l’aile nord. Jusqu’à la fin de 1829, les travaux de décoration intérieure se poursuivent. C’est dans cette cathédrale que les membres de la famille impériale prirent la tradition de se marier et on y célébra le tricentenaire de la dynastie des Romanov. Au XIXe siècle, la cathédrale abritait une école pour les adultes, et durant la Première Guerre mondiale, on y collectait nourriture et vêtements pour le front.

L’époque soviétique

La cathédrale a été gravement endommagée lors de la saisie des objets de valeur de l’église en 1922. Environ 2 tonnes d’argent ont été récupérées et des objets uniques ont été fondus. En 1929, les bolchéviques ferment la cathédrale et en 1932 elle devient une annexe de l’Académie des sciences. En lieu et place de la croix sur la coupole une sphère dorée surmontée d’une flèche est posée. On installe alors dans l’édifice le Musée de l’histoire des religions et de l’athéisme.

Son exposition permanente retraçait l’histoire de l’apparition et du développement du christianisme, de l’islam et des religions orientales. Même les reliques de Saint Alexandre Nevski, Saint Zosime et d’autres saints sacrés conservées dans la cathédrale ont été déplacées. Ce n’est qu’en 1991 que les reliques sont réintégrées dans la cathédrale. Puis, le 30 avril 1994, une croix est à nouveau érigée sur le dôme et la consécration complète de la cathédrale a lieu le 29 mars 1998.

Enfin, en l’an 2000, elle est finalement rendue à l’Église orthodoxe russe et reçoit à nouveau le statut de cathédrale. À l’occasion du 300e anniversaire de Saint-Pétersbourg, en 2003, les maîtres de l’usine baltique ont fabriqué la plus grande cloche de la cathédrale, pesant quatre tonnes et faisant plus de deux mètres de haut. Elle accueille régulièrement des services religieux avec la participation des plus hautes personnalités du clergé orthodoxe. Chaque année, le 12 septembre, des processions religieuses sont organisées en l’honneur du prince, le saint patron de la ville, Alexandre Nevksi.

À la découverte de Notre-Dame de Kazan

La longueur de la cathédrale d’est en ouest est de 72,5 mètres et du nord au sud de 57 mètres. Elle possède un dôme couronné d’une croix, située à 71,6 mètres au-dessus du sol.

Architecture de pierre pour une colonnade gigantesque

Peu avant son assassinat, le tsar Paul Ier a voulu une cathédrale semblable à Saint-Pierre de Rome. La cathédrale de Kazan est de style Empire, sous la forme d’une basilique romane classique avec une coupole à sa croisée. La cathédrale Notre-Dame de Kazan est parfois appelée « musée de la pierre naturelle russe ». La pierre utilisée est du tuf calcaire extrait de la région de Gatchina. Elle ressemble au travertin italien à partir duquel a été construite la Basilique Saint-Pierre. Le tuf, avec sa structure poreuse, est facile à travailler. Il a été employé pour le revêtement extérieur des murs de la cathédrale ainsi que pour sculpter les chapiteaux et les frises.

L’architecte Voronikhine dessina une immense et grandiose colonnade, inspirée de la basilique romaine. 96 colonnes de 13 mètres de haut forment un demi-cercle devant la façade nord. Ces belles ailes s’étirent sur 111 mètres en direction de la perspective Nevski tout en entourant un jardin peuplé de statues. Deux d’entre elles représentent le maréchal Koutouzov et son compagnon d’armes le prince Mikhaïl Barclay de Tolly (aux origines normandes)

Les portes d’entrée en bronze sur le côté nord sont une copie des « Portes du paradis » du Baptistère Saint-Jean de Florence.

Quatre sculptures en bronze sont visibles sur la façade nord du temple : le prince Vladimir, André le Premier appelé, Jean le Baptiste et Alexandre Nevksi.

Le dôme, haut d’environ 80 mètres, a été le premier construit en fonte et supporte une croix. Les nombreuses fenêtres du dôme permettent à la lumière de pénétrer dans la cathédrale.

L’intérieur de marbre et granit

L’intérieur de la cathédrale est sombre et de style orthodoxe traditionnel. Voronikhine a utilisé pour les ornements du marbre de Carélie, du porphyre (roche volcanique) et du jaspe (quartz). L’intérieur de la cathédrale ne compte pas moins de 56 colonnes de granit rose finlandais surmontées de chapiteaux corinthiens dorés. 

Le sol du temple est recouvert de mosaïques de marbre multicolore et de quartzite.

Trois nefs divisent la cathédrale. La nef centrale est la plus vaste et elle est couverte d’une voûte semi-cylindrique. 

Quatre chapelles sont situées sur les côtés. Dans la principale, se trouve l’icône miraculeuse de Kazan. Elle serait apparue à Ivan le Terrible après le siège de la ville de Kazan par les Tatars en 1579. Sa légende raconte également qu’en 1612, elle aida les Moscovites à repousser les Polonais. L’icône a été transportée à Saint-Pétersbourg en 1710. Néanmoins, l’originale a été volée en 1904 et a sûrement été détruite. C’est une copie qui la remplace actuellement. Elle est une des icônes les plus vénérées en Russie et on y voit souvent une file de fidèles venir l’embrasser. La chapelle du nord-est dédiée aux Saints Antoine et Théodose. Le culte de la chapelle sud-est voué à la « Nativité de la Bienheureuse Vierge Marie » et au Saint martyr Hermogène.

À l’entrée sur la droite, se trouve le tombeau du maréchal Koutouzov. Héros de la guerre patriotique de 1812, il rappelle aux visiteurs les liens entre l’Histoire et la religion orthodoxe.

On trouve les clés des villes prises par les Russes lors des guerres napoléoniennes : Lubeck, Nancy…, ainsi que des drapeaux et des étendards pris à l’ennemi.

Le tombeau de Saint Alexandre Nevski est un incontournable de la cathédrale, ainsi que les reliques Saint Zosime et d’autres saints.

De nombreuses peintures ornent les murs de la cathédrale. On peut les voir dans l’iconostase, sur les murs et les pylônes – piliers du dôme. 

Une œuvre remarquable est le retable « La prise de la Mère de Dieu au ciel » de Karl Bryullov.

Le style de la cathédrale reflète le désir de Paul Ier d’unir orthodoxie et catholicisme dans un grand christianisme ainsi que sa fascination pour l’Ordre des chevaliers de Malte dont il était membre.

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Le musée de l’Hermitage se compose de plus de 400 salles réparties dans 4 bâtiments sans compter les annexes que nous avons traité dans notre guide complet sur l’Hermitage ici. Dans cet article, nous allons voir toutes les collections. La taille de celles-ci étant immense, nous avons fait au mieux pour avoir le plus important mis en avant. Encore une fois, si vous visitez l’Hermitage, faites des choix, vous ne pourrez pas tout voir. Nous vous proposons un itinéraire dans notre guide ci-dessus.

Temps de lecture estimé : 41 minutes

Les bâtiments du complexe muséal de l’Hermitage

Les 4 bâtiments sont tous reliés les uns aux autres. Le billet d’entrée vous donne accès à l’ensemble mais il n’y a qu’une seule entrée générale via le palais d’hiver. Nous allons donc traiter les 4 bâtiments puis toutes les salles dans l’ordre de numérotation proposé par le musée de l’Hermitage.

Le palais d’hiver de l’Hermitage

Ce palais élégant et monumental est un remarquable monument du style baroque dans l’art russe du milieu du XVIIIe siècle. Le palais est un brillant exemple de la synthèse de l’architecture et de l’art plastique décoratif. Toutes les façades sont embellies par une colonnade à deux niveaux. Formant un rythme complexe de verticales, les colonnes s’élancent vers le haut, et ce mouvement embrasse les nombreuses statues et vases sur le toit. L’abondance de la décoration moulurée – corniches et encadrements de fenêtres fantaisistes, mascarons, cartouches, rocailles et divers frontons – crée un jeu d’ombre et de lumière extrêmement riche qui investit l’apparence du bâtiment avec magnificence.

Développant un seul et même motif architectural, Rastrelli a donné à chacune des quatre façades du palais un rythme structurel différent. La façade sud, qui donne sur la place, a une grandeur formelle. Ici, l’architecte a percé le bâtiment de trois arcs pour créer une grande entrée dans la cour et l’a accentuée avec les éléments verticaux des colonnes jumelées. La majestueuse façade nord, qui donne l’impression d’une colonnade sans fin, fait face à la vaste étendue de la Neva. La façade ouest, en face de l’Amirauté, rappelle la composition d’un palais de campagne avec une petite cour. La façade orientale monumentale, avec ses blocs latéraux massifs formant une grande cour d’honneur, est tournée vers la rue Millionnaya, où se trouvaient les demeures de la noblesse.

Pendant 150 ans, le palais a servi de résidence impériale. En novembre 1917, après la révolution d’octobre, il a été déclaré musée. L’exposition placée dans le palais comprend des grandes salles et des chambres, des collections d’antiquités d’Eurasie et d’Orient, ainsi que des collections de peintures, de sculptures et d’œuvres d’art décoratif européennes et orientales.

Le petit Hermitage

Sur ordre de l’impératrice Catherine II, l’architecte Yury Velten égira le pavillon sud du petit Hermitage en 1765. L’apparence de ce bâtiment combine organiquement les caractéristiques du style baroque tardif et du classicisme précoce. Plus tard, en 1767, l’architecte français Jean Baptiste Vallin de la Mothe construit le pavillon nord sur la rive de la Neva en utilisant le style du classicisme précoce. Les deux structures sont reliées au niveau du premier étage par le Jardin suspendu. Cet ensemble architectural a été appelé le « Petit Hermitage », car dans le pavillon nord, Catherine II organisait des fêtes avec des jeux et des spectacles qui étaient connus sous ce nom. Les œuvres d’art étaient alors logées dans les galeries latérales, ce qui a permis de commencer les collections du musée impérial.

Le Grand Hermitage

En 1771, Yuri Velten réussit à intégrer un nouveau bâtiment à côté du Petit Hermitage. Catherine II souhaitait y mettre sa collection d’œuvre d’art et la bibliothèque. Plus grand que le Petit Hermitage, il fut simplement nommé Grand Hermitage. L’austérité et la simplicité du Grand Hermitage ont suivi les canons du classicisme du XVIIIe siècle. Le bâtiment ne comporte aucun élément indiquant l’ordre comme des colonnes ou des pilastres. Cependant, sa structure est entièrement déterminée par les proportions de l’ordre classique. La partie inférieure du bâtiment, massive et rustique, est équilibrée par la partie supérieure, plus légère. Le schéma décoratif de la façade est basé sur la combinaison rythmique de divisions horizontales et d’ouvertures de fenêtres verticales.

En 1792, Giacomo Quarenghi agrandi le Grand Hermitage pour y installer les Loggias de Raphaël, copies du XVIIIe siècle des fresques originales du Vatican, à Rome.

Le nouvel Hermitage

Le nouvel Hermitage a été le premier bâtiment de Russie construit spécialement pour abriter les collections du musée. L’empereur Nicolas Ier a confié cette mission à l’architecte allemand Leo von Klenze, dont les travaux ont largement contribué à l’image des musées en Europe. Les architectes Nikolay Yefimov et Vasily Stasov, chargés de l’exécution du projet, y ont apporté quelques modifications essentielles afin d’adapter la nouvelle construction à l’environnement architectural existant.

Le nouvel Hermitage construit en 1842 se caractérise par l’austérité et la monumentalité de la structure et l’équilibre des volumes architecturaux. L’entrée du musée est accentuée par un magnifique portique soutenu par des figures atlantes taillées dans du granit gris par Alexandre Térébenev. Le bâtiment est également décoré de statues et de bas-reliefs représentant des artistes, des architectes et des sculpteurs célèbres.

Les salles du musée ont été conçues en fonction des collections qui y seront exposées. Par exemple, les salles du premier étage, équipées de lucarnes lumineuses, abritent la galerie de peintures, tandis que les salles du rez-de-chaussée de style classique, abritent les collections d’antiquités et de sculptures.

Premier étage (RDC en français)

Culture préhistorique (Rose, salles 11 à 33, premier étage)

Anciennes reliques de la culture et de l’art d’Eurasie (Salles 11 à 14)

Les reliques anciennes exposées couvrent la période allant du paléolithique au début de l’âge du fer et ont été découvertes sur les territoires du Caucase, de Crimée, de Russie européenne et d’Asie centrale. Parmi les objets les plus anciens, on trouve des outils de travail et des statuettes féminines provenant de campements du paléolithique. Les pétroglyphes découverts dans le district de Prionezhskiy (Carélie) datent de 4 000 à 3 000 ans avant J.-C. Divers matériaux archéologiques décrivent les cultures agricoles de la fin de l’an 4 000 au début de l’an 2 000 avant J.-C. Les objets en bronze découverts lors des travaux de fouille près du village de Koban en Ossétie (an 1 000 avant J.-C.) donnent une image générale de la culture de l’époque.

La culture scythe du VIIe au IIe siècle avant J.-C. (Salles 15 à 17)

L’exposition est consacrée à la culture nomade primitive dite « scythe », qui existait au premier millénaire avant J.-C. dans les steppes d’Eurasie. J.-C. De nombreux objets proviennent des tumulus découverts sur les terres de Crimée, du Kouban et du Dniepr. On peut voir des exemples d’armement, de harnachement de chevaux et d’objets ménagers utilisés par les Scythes. Divers matériaux archéologiques représentent la culture des tribus agricoles scythes de la zone forêt-steppe.

La culture des peuples de la Sibérie du Sud (Violet, Salles 26 à 32)

L’exposition permet au visiteur de découvrir la culture des peuples de Sayano-Altaï, du Transbaykal et de la Sibérie du Sud de l’époque scythe au Moyen Âge (du VIIIe siècle avant J.-C. jusqu’au XIIIe siècle après J.-C.). Les objets trouvés lors des fouilles archéologiques dans la région de l’Altaï et Тuva occupent une place importante. Ils sont complétés par les matériaux relatifs à la culture tagare, qui s’est répandue sur le territoire de Minusinsk. Le matériel consacré aux nomades Huns explore leur vie quotidienne. Les objets culturels des États turquophones, que l’on pouvait trouver sur le territoire de l’Altaï et de la Sibérie du Sud aux VIe et XIIIe siècles, complètent l’exposition. Le tumulus de Pazyryk, situé sur le versant sud de la chaîne Chulishmanskiy dans l’est de l’Altaï, est l’un des monuments archéologiques les plus remarquables de l’époque « scythe ».

La salle 26 présente les objets de grande valeur découverts dans le cimetière du cinquième tumulus (IVe-IIIe siècle avant J.-C.), la dernière des tombes « impériales » de la haute vallée montagneuse de Pazyryk. Dans la chambre funéraire, on a trouvé une cabane en bois de mélèze, un catafalque en bois, un tapis en feutre avec les scènes rituelles et le plus ancien tapis à poils du monde.

L’Europe à l’époque des migrations et au début du Moyen Âge (Salle 33, couloir de Koutouzov)

Ici, seize vitrines présentent des objets archéologiques qui racontent la période de migration des IVe et VIe siècles après J.-C. C’est une époque historique importante et mouvementée qui a constitué une étape de transition entre l’Antiquité et le Haut Moyen Âge (VIe – Xe siècles). Pour de nombreux peuples européens, c’est à cette époque qu’est née leur propre culture, issue d’une synthèse de traditions ethniques « barbares » et de divers éléments de l’héritage gréco-romain. Le développement des premières civilisations médiévales en Europe commence précisément après l’achèvement des processus migratoires turbulents de cette période et peut être considéré comme leur conséquence.

Salles d’or (Jaune, Salles 41 à 45)

Le Salon d’or abrite une remarquable collection d’objets inestimables, allant d’anciens objets en or scythes et grecs à la collection sibérienne de Pierre le Grand. En outre, vous y verrez de splendides objets qui ont été donnés en cadeau à la famille impériale.

La culture et l’art de l’Asie centrale pré-islamique (Salles 46 à 54)

’exposition s’ouvre avec les objets culturels des nomades Saka (1er millénaire avant J.-C.) et les objets d’art des États hellénistiques – Empire Parthien (IIIe siècle avant J.-C. – IIe siècle après J.-C.) et le Royaume Gréco-Bactrien (IIIe – Ier siècle avant J.-C.). La célèbre frise avec des figures de musiciens provient du monastère bouddhiste d’Ayrtam. Les exemples de sculpture et de peinture trouvés à Pendjikent et les peintures murales découvertes à Varaksha familiarisent le visiteur avec la culture de la Sogdiane (Ve – VIIIe siècles après J.-C.).

La collection d’argenterie sogdienne et khorezmienne est de renommée mondiale. Les fouilles de la forteresse d’Abgar (l’actuelle montagne de Mug) ont permis de découvrir des objets appartenant au dernier souverain de la Pendjikent (début du VIIIe siècle).

L’art du Caucase (Orange, salles 55 à 66, premier étage)

La culture du Caucase. L’Antiquité et le Haut Moyen Âge (Salles 55 à 57)

L’exposition s’ouvre sur les découvertes archéologiques (fin du 2e millénaire avant J.-C.) des différentes régions du Caucase du Sud. La salle suivante est consacrée à la culture de l’ancien État d’Urartu (IXe – VIIe siècles avant J.-C.) situé sur le territoire adjacent aux lacs Van, Urmia et Sevan. La majorité des objets datent des VIIIe et VIIe siècles avant J.-C. et proviennent de l’ancienne ville de Teishebaini, où l’expédition archéologique dirigée par B.B. Piotrovsky de 1939 à 1971 a effectué des fouilles sous une colline à Karmir Blur. Les figurines en bronze de créatures fantastiques, qui proviennent de l’ancienne ville de Rusakhinili (aujourd’hui Toprakkale), sont particulièrement intéressantes. Une galerie séparée expose les découvertes archéologiques uniques du cimetière du ravin de Moshchevaya Balka dans le Caucase du Nord. Elle comprend une collection unique de tissus, de pièces de vêtements, d’objets en bois et en cuir, remarquables par leur état de conservation.

L’art du Daghestan médiéval (Salles 58 à 60)

La majorité des objets d’art représentés dans l’exposition sont associés au phénomène culturel unique qui a émergé au Moyen-Âge dans le village de montagne de Kubachi (la partie centrale de la région aujourd’hui habitée par les Dargins) au Daghestan. La collection de reliefs en pierre et de chaudrons en bronze est exposée dans les salles 58-59. Créés à Kubachi, ces objets d’art ont été exécutés dans deux styles traditionnels caractéristiques de cette culture. Au XIXe siècle, les habitants de Kubachi se consacraient à la décoration d’armes et à la fabrication de bijoux, comme en témoignent les objets exposés dans les vitrines de la salle 60.

L’art de l’Arménie et de la Géorgie (Salles 62 à 63A)

L’art de l’Arménie dans la salle 63 est représenté par les monuments d’art du Ier au XIXe siècle. Le plus grand nombre d’objets reflétant la culture de l’Arménie médiévale comprend les œuvres toreutics du royaume arménien de Kilikan des XIIe et XIIIe siècles, des fragments d’ornementation architecturale des XIe au XIVe siècles et un « khachkar », également appelé croix de pierre arménienne. Les exemples de peintures murales médiévales et la collection de manuscrits enluminés occupent une place importante dans l’exposition.

Dans la salle 62 consacrée à la culture et à l’art de Géorgie, connue dans l’Antiquité sous les noms d’Iberia-Kartli et de Colchis, sont exposés les anciens objets d’art trouvés dans le cimetière du village de Bori (IIe – IIIe siècles), les œuvres des orfèvres médiévaux de Géorgie, y compris des cadres d’icônes et une croix de procession du XVe siècle. On peut aussi y voir des sculptures du XIe et XVe siècles, récipients à vin originaux en argent et des armes du XIXe siècle.

L’art de l’armurerie au Moyen-Orient du XVe – XIXe siècle (Salle 65, le hall aux colonnes blanches)

L’exposition présente des armes provenant d’Arabie, de l’Empire ottoman, d’Afrique du Nord et d’Iran, ainsi qu’un certain nombre d’objets créés par des forgerons du Caucase et d’Asie centrale. Une partie importante de la collection d’armures de l’Hermitage a été constituée dans la première moitié du XIXe siècle sur la base de l’arsenal privé de l’empereur Nicolas Ier conservé à Tsarskoïe Selo. Sa constitution dépendait des cadeaux offerts par les souverains, diplomates et chefs militaires étrangers, ainsi que du butin des guerres du Caucase, d’Asie centrale et du Proche-Orient.

L’histoire et la culture de la Horde d’or (Salles 61 et 66)

L’exposition permet au visiteur de découvrir la diversité culturelle de la Horde d’or, l’État qui occupait la vaste étendue des steppes d’Eurasie du XIIIe au XVe siècle. À partir de matériaux provenant de plusieurs collections archéologiques, l’exposition présente des objets en pierres précieuses, qui représentent les principales étapes du développement de la culture des cavaliers du XIIIe au XIVe siècle. Les matériaux archéologiques fournis par les fouilles menées à Fort Gulistan, dans la région de la Moyenne-Volta, donnent une bonne idée de la culture de la Horde d’Or. Les matériaux de la collection Belorechenskaya (Caucase du Nord) et de la collection Solkhatskaya (Crimée orientale) permettent de révéler les contacts et les relations commerciales entre la Crimée orientale et le Caucase du Nord pendant la période de la fin du XIVe au XVe siècle.

L’art dans l’antiquité (moutarde, Salles 100 à 131, premier étage)

La culture de l’Égypte ancienne (Salle 100)

L’exposition présente au visiteur les principales étapes de l’histoire culturelle de l’Égypte ancienne de la fin de l’an 4 000 à 1 000 avant J.-C. Les fragments de reliefs muraux provenant des tombes des nobles des Ve et VIe dynasties remontent à la période de l’Ancien Empire. Les matériaux caractéristiques des pratiques cultuelles de l’Égypte du Moyen Empire, notamment les stèles, les figurines en bois des serviteurs et les statuettes de particuliers, permettent de se faire une idée sur cette période.

La statue représentant le pharaon Amonemhat III de la XIIe dynastie, qui date du XIXe siècle avant J.-C., est un bel exemple du portrait royal officiel. L’art du Nouvel Empire est représenté par la sculpture, les stèles et l’artisanat d’art. L’un des chefs-d’œuvre de la collection, la statue de Cléopâtre VII, dernière reine de la dynastie ptolémaïque, remonte à la domination de la dynastie macédonienne, qui a cessé d’exister en 30 avant J.-C.

L’art de la Rome antique (Salles 101 à 110 et 127 à 129)

La collection d’art romain couvre la période chronologique allant de la République (1er siècle avant J.-C.) à la fin de l’Empire (4e siècle avant J.-C.). Elle comprend des sculptures, des reliefs, des sarcophages en marbre, des autels, des mosaïques et des objets d’artisanat d’art. Parmi les chefs-d’œuvre figurent le portrait de l’empereur Lucius Verus (IIe siècle avant J.-C.), le portrait d’une jeune femme, dite syrienne (IIe siècle avant J.-C.) et deux monuments d’art du IIIe siècle : les portraits des empereurs Balbinus et Philippe l’Arabe.

L’art de la Grèce antique (Salles 111 à 114)

L’art de la période archaïque et du début de la période classique est représenté par les objets de céramique peinte sur verre provenant de différents centres d’artisanat grec, notamment Athènes, Corinthe et les villes d’Ionie. Parmi les objets exposés figurent des œuvres de peintres de vases tels qu’Epictète, Euphronios et Durios. Les vestiges de l’Antiquité trouvés à Chypre (fin du IIIe au 5e siècle avant J.-C.) sont exposés ici. Les monuments grecs originaux, tels que les tombes avec des reliefs datant du Ve siècle avant J.-C., et les copies romaines des œuvres des célèbres sculpteurs de la Grèce antique familiarisent le visiteur avec l’art des périodes du Haut et du Bas-Classique. L’exposition se termine par les œuvres d’origine romaine reproduisant les chefs-d’œuvre de Scopas, Praxitèle, Lysippe et d’autres sculpteurs de la période classique tardive (IVe siècle avant J.-C.).

La culture des anciennes villes de la région nord de la mer Noire (Salles 115 à 117)

L’exposition est basée sur la collection de monuments datant du VIIe siècle avant J.-C. au IIIe siècle après J.-C. découverts à la suite de fouilles archéologiques au nord de la mer Noire. La partie principale de l’exposition intitulée « Les tumulus du Bosphore » est consacrée aux célèbres sépultures du royaume du Bosphore. Elle présente trois sarcophages en bois uniques, les objets trouvés dans les tumulus de Nimfei et de Semibratniy, ainsi que dans les tumulus de Kul-Oba et de Yuz-Oba. Les sarcophages en bois trouvés dans les tombes du Bosphore sont d’origine romaine. Veuillez noter le masque en or du IIIe siècles. Une section distincte illustre les caractéristiques décoratives des habitations antiques au cours de l’ère archaïque, classique et hellénistique.

L’art de l’ère hellénique (Salle 121)

L’exposition est consacrée à l’art hellénistique issu de la campagne d’Alexandre le Grand à la fin du IVe siècle avant J.-C. Les sculptures exposées sont principalement des copies romaines des originaux hellénistiques. Une section séparée est consacrée à l’art plastique classique en terre cuite des IVe et IIIe siècles avant J.-C. Parmi les objets exposés, on trouve la statuette d’Aphrodite jouant avec Éros ainsi que les gracieuses figurines créées dans la ville de Tanagra en Béotie.

La chambre des diamants (Salles 122 à 126)

L’exposition présente des joyaux inestimables et des objets de luxe qui ont appartenu à la famille Romanov et des cadeaux diplomatiques à la cour russe. Vous verrez la célèbre vitrine qui présente deux harnais de chevaux somptueusement décorés de pierres précieuses, ainsi que des décorations exquises créées par Carl Fabergé.

L’art de l’Italie ancienne (Salles 130 à 131)

L’exposition représente l’art de l’Italie pré-romaine de la fin du IXe au IIe siècle avant J.-C. La majorité des objets exposés sont représentés par des céramiques provenant des différentes régions d’Italie. La pièce la plus belle est l’hydrie laquée noire dont les épaules représentent les divinités. Le corps porte une bande avec les figures en relief de gryphons, lions et panthères. Une section distincte est consacrée aux objets culturels étrusques datant du VIIIe au IIe siècle avant J.-C., notamment les céramiques et les bronzes. L’urne cinéraire représentant la figure couchée d’un jeune est un exemple rare de sculpture étrusque en bronze.

Deuxième étage (premier étage en français)

Culture russe (Violet, salles 151 à 187, deuxième étage)

La galerie de portraits des représentants de la dynastie des Romanov (Salles 151 à 153)

De 1840 à 1918, la galerie Romanov a été installée dans le Petit Hermitage. Basée sur le riche héritage iconographique de la dynastie royale Romanov, la collection a été recréée dans l’une des galeries du Palais d’hiver du musée actuel. On y trouve les portraits de tous les couronnés de la dynastie Romanov et des membres de leur famille.

La culture et l’art russes de la première moitié du XVIIIe siècle (Salles 157 à 167)

Cette exposition raconte l’histoire fascinante du développement de la culture russe depuis l’époque de Pierre le Grand jusqu’au règne d’Elizabeth Petrovna.

Une collection unique de souvenirs provenant du bureau de Pierre le Grand permet de se faire une idée à la fois de la culture de l’époque et de la personnalité du tsar. Elle se compose d’outils, d’instruments et de tours provenant de l’atelier de Pierre. Les portraits des personnalités publiques qui se sont distinguées sous le règne de Pierre le Grand et d’Élisabeth méritent une mention spéciale. Une partie considérable des objets exposés représente les œuvres d’art décoratif et appliqué de la première moitié du XVIIIe siècle. On y trouve notamment des meubles, des décorations d’intérieur, des objets d’art en métal, des objets en verre, des émaux, des exemples de mosaïques, etc. Les premiers exemples de porcelaine produits à la Manufacture de Porcelaine Impériale sont exposés, y compris les rares exemples de porcelaine russe du père de la porcelaine artisanale D.I. Vinogradov.

La culture et l’art russes de la seconde moitié du XVIIIe siècle (Salles 168 à 174)

L’exposition se concentre sur le règne de Catherine II et de ses successeurs immédiats. Les peintures exposées sont pour la plupart des portraits, notamment des œuvres de Vladimir Borovikovsky, Dmitry Levitsky, Fyodor Rokotov et d’artistes étrangers tels qu’Alexander Roslin, Johann Baptist von Lampi, Jean-Louis Voille, Angelica Kauffmann et d’autres. L’exposition présente également des objets d’art décoratif et appliqué, tels que des costumes, des meubles, de la porcelaine, de la verrerie, des textiles et des œuvres d’art en métal. Le bureau d’Alexandre II avec sa chambre à coucher, abrite une plaque commémorative et un buste en marbre de l’empereur, qui est mort ici des suites de ses blessures le 1er mars 1881.

La décoration intérieure russe du XIXe – début du XXe siècle (Salles 176 à 187)

Une partie considérable des objets a été utilisée pour la décoration du Palais d’hiver. L’exposition complète des objets, caractéristiques de cette période historique spécifique et extrêmement variés tant dans leurs fonctions que dans leurs techniques respectives, permet de montrer de façon vivante les traits les plus distinctifs de l’art décoratif et appliqué russe. Classée par ordre chronologique, de l’époque d’Alexandre Ier jusqu’au règne de Nicolas II, l’exposition présente différentes tendances stylistiques reflétant l’évolution des intérieurs, allant du style Art nouveau au style Empire.

Chaque partie de l’exposition porte la marque de son époque. Les objets présentés dans l’exposition recréent partiellement le panorama du mode de vie de l’aristocratie, de la noblesse et de la classe moyenne de la société russe. Chaque fonction a reçu sa propre pièce : le salon, le salon de musique, le bureau privé, le boudoir et autres. La salle 178 représente l’intérieur original du palais. Il s’agit de la bibliothèque de Nicolas II, dont les salons privés étaient situés dans cette partie du palais d’hiver.

La place prépondérante dans l’exposition est occupée par le mobilier qui joue un rôle important dans toute décoration intérieure. La riche collection de meubles russes de l’Hermitage permet de montrer l’impressionnante diversité des formes, du design et de la décoration artistique, ainsi que le rôle important des principaux architectes et maîtres de l’art décoratif et appliqué.

Les chambres d’état (Vert clair, salles 155, 156, 188 à 197, 204, 270 à 271 et 304 à 308)

La suite de chambres Nevsky, la chambre Malachite et la rotonde (Salles 155 à 156 et 188 à 192)

S’étendant le long de la Neva, la suite de chambres Nevsky du Palais d’hiver commence à partir du palier de l’escalier Jordan. Elle comprend trois salles d’état : l’Antichambre, la Salle Nicolas et la Salle de concert. Conçu par Giacomo Quarenghi à la fin du XVIIIe siècle, l’intérieur de la suite Nevsky a été gravement endommagé par l’incendie de 1837. Il a été restauré par V.P. Stasov conformément à la tendance architecturale dominante du milieu du XIXe siècle. Au-delà de la salle de concert se trouve la salle Malachite (architecte A.P. Brullov), dont les portes s’ouvrent sur la petite salle à manger et la salle à manger Blackamoor. De cette dernière, on peut se rendre dans la Rotonde (architecte Auguste Montferrand).

La suite des salles de l’État dans le palais d’hiver (Salles 193 à 197, 270 à 271 et 282)

Commençant près de l’escalier du Jourdain, la suite des salles d’état du Palais d’Hiver mène à la salle Saint George (la grande salle du trône) et à la grande église. Les salles, qui ont conservé leur décoration d’origine, offrent un aperçu fascinant des intérieurs de palais du XIXe siècle.

La suite des salles d’Etat du palais d’hiver commence près de l’escalier du Jourdain et mène à la salle Saint-Georges (la grande salle du trône). Adjacente à la salle des maréchaux, on trouve la salle commémorative de Pierre le Grand. De la Salle d’Armes, on peut entrer dans la Galerie de la Guerre créée comme un monument à la gloire militaire de la Russie. Les portes de la partie centrale de la Galerie de la Guerre s’ouvrent sur la Salle Saint-Georges, l’ancien lieu des cérémonies d’accession impériale. Juste après on trouve une petite antichambre, la salle des piquets de grève et la salle Alexandre Ier.

Les chambres privées de l’impératrice Maria Alexandrovna dans le palais d’hiver (Salles 289 et 304 à 308)

Les salons privés de l’impératrice Marie-Alexandrovna, épouse de l’empereur Alexandre II se composent de la salle blanche, le salon doré, le salon vert, le bureau cramoisi, le boudoir et la chambre bleue. La décoration intérieure a été recréée en 1841 par A.P. Briullov. Selon les souhaits de l’impératrice, A.I. Stackenschneider et G.A. Bosse ont rénové les salons privés dans les années 1850.

L’art italien (Vert foncé, salles 207 à 238)

Art de la Renaissance italienne du XIIIe – XVIe siècle (Salles 207 à 216)

L’art de la Renaissance italienne, qui couvre une période allant de sa naissance au XIIIe siècle jusqu’au XVIe siècle, est représenté dans la Grande Suite des chambres du premier étage de l’Ancien Hermitage. L’exposition présente les œuvres des maîtres de diverses écoles italiennes, la première place étant occupée par l’école florentine.

Datant de la seconde moitié du XIIIe siècle, l’une des plus anciennes œuvres de l’exposition est intitulée « Croix avec le Christ crucifié » par Ugolino di Tedice, le maître de Pise. Il convient de mentionner en particulier l’exemple remarquable de l’art du début de la Renaissance italienne – le panneau diptyque droit de petite taille – qui représente la Madone dans une scène de « L’Annonciation », œuvre du grand artiste de la Renaissance italienne Simone Martini (salle 207). L’art florentin du XVe siècle est représenté par les peintures de Fra Beato Angelico, Fra Filippo Lippi, ainsi que par les œuvres des sculpteurs et céramistes de la famille della Robbia (salles 209-210).

L’exposition contient les peintures des principaux artistes italiens des XVe et XVIe siècles, notamment Sandro Botticelli, Filippino Lippi, Pietro Perugino, Andrea del Sarto et Francesco Franchi. Deux tableaux de Léonard de Vinci – « La Madone de Benois » et « La Madone de Litta » – sont considérés à juste titre comme les joyaux de la collection de l’Hermitage. Les tableaux des disciples et des adeptes du grand maître, dont Francesco Melzi, Bernardino Luini et Giampietrino (salle 215), ainsi que les toiles des artistes maniéristes Jacopo Pontormo, Angelo Bronzino et Giulio Romano complètent l’exposition.

L’école d’art vénitienne de la Renaissance italienne (Salles 217 à 223)

La cour-enfilade du premier étage du Grand Hermitage est consacrée à l’école de peinture vénitienne représentée par les œuvres des maîtres des XVe et XVIe siècles Cima da Conegliano, Giorgione et Sebastiano del Pjombo, ainsi que par les portraitistes Palma l’Ancien, Domenico Capriolo et Lorenzo Lotto (salles 217-218). Les peintures de Titien caractérisent les différentes étapes de son œuvre. La plus ancienne, le tableau monumental « La fuite en Égypte », a été réalisée au début du XVIe siècle (salle 217), tandis que les célèbres tableaux de la collection de l’Hermitage – « Danaé », « La Madeleine pénitente » et « Saint-Sébastien » – (salle 221) représentent la période tardive de l’œuvre de Titien. Les tableaux de Paolo Véronèse et de Jacopo Tintoretto illustrent la dernière étape du développement de l’art à la Renaissance (salle 222). L’exposition est complétée par des objets d’art appliqué : verre vénitien, heurtoirs de porte en bronze, tissus et dentelles (salle 223).

Les loggias de Raphaël (Salle 227)

Commandées par l’impératrice Catherine II à la fin des années 1780, les loges de Raphaël sont la copie exacte de la galerie du palais papal au Vatican. Les fresques des loggias ouvertes du Palais papal ont été peintes d’après les croquis de Raphaël. Leurs copies réalisées en Italie par un groupe d’artistes sous la supervision de Christopher Unterberger, ont pris place dans la galerie d’un bâtiment séparé érigé par Giacomo Quarenghi. Les voûtes des Loggias sont décorées de scènes tirées de récits bibliques, les murs sont couverts de peintures avec des motifs « grotesques ».

L’art italien des XVIe – XVIIIe siècles (Salles 229 à 238)

L’exposition d’art italien du XVIe au XVIIIe siècles au premier étage du Nouvel Hermitage occupe les salles dites des Petites et Grandes lucarnes italiennes (salles 237-238), les salles de l’Enfilade de la Cour, « les Cabinets italiens » (salles 230-236) et la salle de la Majolique italienne (salle 229).

Deux peintures anciennes de Raphaël – « La Vierge aux Conestabile » et « La Sainte Famille » – ainsi que l’énorme dessin animé de Giulio Romano intitulé « Le triomphe de Scipion l’Africain » sont exposés dans la salle 229. On y trouve également des objets d’art décoratif et appliqué de la Renaissance, notamment des exemples de majoliques, de cassones et de tapisseries du XVIe siècle. La cour s’ouvre sur la salle des fresques réalisées au XVIe siècle par les artistes de l’école Raphaëlite sur les thèmes des « Métamorphoses » d’Ovide. On y trouve également une petite sculpture de Michelangelo Buonarroti intitulée « Le garçon accroupi », acquise pour la collection impériale sur ordre de Catherine II, ainsi qu’une partie de la collection de sculptures de Farsetti et des œuvres du grand-maître du style baroque Gian Lorenzo Bernini.

L’Académie de Bologne est représentée par les tableaux des frères Carracci, Guido Reni, Guercino et Domenichino (salles 237,231), et une autre division de la collection connue sous le nom de Caravagisme italien (salles 237,232,233) est représentée par « Le joueur de luth » (salle 237), le seul tableau en Russie de Michelangelo Merisi da Caravaggio. La grande salle italienne des lucarnes présente des toiles de grande taille réalisées par des artistes italiens des XVIIe et XVIIIe siècles (salle 238).

Sont exposées ici les peintures dans le genre de la veduta, les œuvres du grand artiste baroque italien Luca Giordano, ainsi que les peintures de Salvator Rosa et Giovanni Maria Crespi. Des toiles décoratives à grande échelle peintes par Tiepolo sur le thème de l’histoire romaine ancienne ont été créées par le maître pour le Palais des Dauphins à Venise. Au centre de la salle se trouve la sculpture intitulée « La mort d’Adonis » de Giuseppe Mazzuola.

La peinture espagnole (Saumon, Salles 239 à 240, deuxième étage)

La collection de peinture espagnole occupe deux salles au premier étage du Nouvel Hermitage : la petite salle de la lucarne espagnole et le Cabinet espagnol (salles 239-240).

L’exposition s’ouvre avec les œuvres des maîtres représentant les différentes écoles d’art du XVe siècle. La peinture espagnole du XVIe siècle est illustrée par les toiles de Luis de Morales et Francisco Ribalta, ainsi que par les maîtres du portrait de cour Alonso Sanchez Coello et Juan Pantoja de la Cruz. L’un des joyaux de la collection de l’Hermitage est « Les Apôtres Pierre et Paul » du Greco. L’art espagnol du XVIIe siècle est associé aux noms de maîtres tels que Jusepe de Ribera, Francisco de Zurbaran et Diego Velazquez. Un grand nombre de tableaux de Bartolomé Esteban Murillo donnent une image générale de l’œuvre du célèbre artiste sévillan. Le « Portrait de l’actrice Antonia Zarate » de Francisco de Goya, daté du début du XIXe siècle, clôt l’exposition de manière chronologique.

La peinture flamande (Bleu, Salles 245 à 247, deuxième étage)

La peinture flamande occupe quatre salles au premier étage du Nouvel Hermitage (salles 245-247). Il s’agit de l’une des plus grandes collections au monde, qui contient les œuvres de Peter Paul Rubens, Anthony van Dyck, Jacob Jordaens et Frans Snyders, les célèbres artistes du XVIIe siècle.

Le XVIIe siècle a marqué l’âge d’or de la peinture flamande. Les tableaux de Peter Paul Rubens (salle 247) constituent le point central de l’exposition. Son œuvre, en tant qu’artiste principal de l’école de peinture flamande, est représentée par différents genres : paysage, portrait, sujets bibliques et mythologiques. Parmi les œuvres les plus remarquables figurent « L’union de la terre et de l’eau », « Persée et Andromède » et « Bacchus ». L’œuvre du célèbre portraitiste flamand Anthony van Dyck est représentée à l’Hermitage par 24 tableaux, dont la plupart sont exposés dans la salle attenante (246). Les peintures grand format de Frans Snyders de la série « Shops », les peintures de scènes de chasse de Paul de Vos et « The Bean King » de Jacob Jordaens donnent un aperçu de la diversité des genres pratiqués par les maîtres flamands du XVIIe siècle (salle 245).

La peinture hollandaise (Bordeau, Salles 248 à 254, deuxième étage)

L’exposition de peinture hollandaise est l’une des plus importantes de la collection de l’Hermitage. Elle occupe six salles au premier étage du nouvel Hermitage (salles 249-253).

Étant la plus grande en superficie, la Salle de la Tente (249) représente la diversité des genres pratiqués dans l’art néerlandais du XVIIe siècle. On y trouve les œuvres des célèbres paysagistes Jan van Goyen et Jacob van Ruisdael, des peintres de genre Jan Steen, Gerard Terborch, Pieter de Hooch, Adriaen et Isaac van Ostade, de l’animalier Paulus Potter et des maîtres de la nature morte Willem Claesz Heda et Willem Kalf. Les portraits de Frans Hals sont également exposés. Une salle séparée présente les œuvres de Rembrandt Harmensz van Rijn (salle 254). L’Hermitage possède la plus grande collection d’œuvres du grand artiste néerlandais, qui est représentée par des peintures sur des sujets bibliques et mythologiques, ainsi que par des portraits.

L’art allemand du XVe au XVIIIe siècle (Bleu clair, Salles 255 à 257, deuxième étage)

La collection d’art allemand de la Renaissance comprend cinq peintures de Lucas Cranach, Ambrosius Holbein et Georg Pencz. Les tableaux de Hans von Aachen (le peintre de la cour de l’empereur Rodolphe II Habsbourg), Johann Schonfeld et Christopher Paudiss donnent un aperçu de la peinture du XVIIe siècle. La collection de peinture allemande du XVIIIe siècle est représentée par les œuvres d’Angelica Kauffman, d’Anton Raphael Mengs et d’Antoine Pesne. La collection de portraits allemands de la seconde moitié du XVIIIe siècle comprend les toiles de Johann Friederich Tischbein et d’Anton Graff. L’exposition présente aussi des œuvres de sculpture et des objets d’art décoratif et appliqué.

L’art des Pays-bas (Rose, Salles 258 à 261, deuxième étage)

L’exposition d’art des Pays-Bas se trouve au premier étage du Petit Hermitage où elle occupe une partie du pavillon sud adjacent (salle 258), une des galeries (salles 261 – 262) et la salle d’angle du bâtiment du Nouvel Hermitage (salle 248).

Loin d’être de grande taille, la collection de peinture néerlandaise contient les œuvres d’artistes remarquables, qui ont atteint le plus haut sommet de leur art national. L’une des premières peintures néerlandaises, qui remonte au début du XVe siècle, est le diptyque « Trinité ». La Vierge à l’enfant près d’une cheminée » de Robert Campin. C’est ici que le visiteur peut voir les peintures des principaux artistes du XVe siècle : « Saint Luc dessinant la Vierge » de Rogier van der Weyden et le triptyque de Hugo van der Goes.

Parmi les joyaux de la collection se trouve le triptyque « La guérison de l’aveugle de Jéricho » de Lucas van Leyden, ainsi que les tableaux de Jan Gossaert, Dirck Jacobsz, Pieter Aertsen, Joachim Patinier et Adriaen Thomas Key. Sont également exposés des sculptures, des tapisseries et des objets d’art appliqué créés par les maîtres néerlandais.

L’Europe occidentale : l’art appliqué du XIe au XVe siècles (Violet foncé, Salle 259)

La collection de monuments d’Europe occidentale d’art appliqué du Moyen Âge est exposée dans la galerie Romanov du Petit Hermitage. Elle présente des objets d’église, notamment des reliquaires, des ostensoirs, des croix de procession, des plaques d’os sculptées et une sculpture en ivoire de la Vierge à l’Enfant. Une place importante dans la collection des maîtres de Limoges est occupée par un cercueil portant des scènes de la vie de Sainte Valérie. Un exemple très rare est le vase Fortuny en céramique du XIVe siècle, exécuté dans le style hispano-mauresque. L’exposition contient également des pièces de mobilier, des tapisseries, des vitraux et des œuvres d’art en métal.

L’art français des XVe – XVIIIe siècles (Bleu foncé, Salles 272 à 281 et 283 à 297, deuxième étage)

L’art de la seconde moitié du XVe au début du XVIIe siècle est représenté par des toiles d’artistes tels que Pierre Dumonstier et Jacques Bellange (salles 272-275), des émaux de Limoges (salle 274), des céramiques produites à Saint Porcheres et la célèbre « poterie rustique », pour laquelle Bernard Palissy était célèbre (salle 273). L’exposition présente au visiteur les œuvres des artistes les plus célèbres du XVIIe siècle, dont Simon Vouet, qui fut le premier peintre du roi Louis XIII, son disciple Eustache Le Sueur, les frères Le Nain, Sébastien Bourdon et d’autres (salles 275 -276). Il y a 12 tableaux de Nicolas Poussin, le principal maître du classicisme dans la peinture française du XVIIe siècle (salle 279). Une salle séparée présente les tableaux du peintre paysagiste Claude Gellee (ou Le Lorrain), le disciple de Nicolas Poussin (salle 280). L’exposition illustrant l’école française de peinture du XVIIIe siècle est remarquable par les œuvres d’Antoine Watteau, François Boucher, Jean Siméon Chardin, Jean-Honoré Fragonard et Hubert Robert (salles 283-288). Les œuvres sculpturales de Maurice Falconet et de Jean-Antoine Houdon se distinguent avant tout.

L’art anglais (Bleu clair, Salles 298 à 301, deuxième étage)

Peintures, objets en argent, porcelaine, faïence de Wedgwood, camées et médailles sont exposés dans les quatre salles de l’Enfilade au premier étage du Palais d’hiver (salles 298-301). Une partie considérable de la collection de peinture anglaise comprend des portraits, dont les plus anciens remontent au XVIe siècle. Le genre de la peinture de portrait de la fin du XVIIe et du XVIIIe siècle est représenté par les œuvres de William Dobson, Godfrey Kneller, George Romney, Henry Raeburn et Thomas Gainsborough. C’est ce dernier qui a créé le « Portrait d’une dame en bleu » (salle 298). Trois œuvres de Joshua Reynolds, dont « L’Hercule infantile étranglant les serpents », commandées par Catherine II, illustrent le travail du maître (salle 300). La peinture du XIXe siècle est représentée par les œuvres des éminents portraitistes Thomas Lawrence, Christina Robertson et George Dawe (salles 300 -301).

Troisième étage (deuxième étage en français)

L’art oriental (rouge, 351 à 397, troisième étage)

La culture et l’art de l’Asie centrale (Salles 359 à 367)

L’exposition donne une image générale de la diversité des cultures des peuples qui ont habité les différentes régions de l’Asie centrale et de la Mongolie depuis les temps anciens jusqu’au Moyen Âge. Parmi les objets exposés, on trouve des peintures murales, des sculptures et des matériaux archéologiques mis au jour lors des travaux de fouille dans les temples-cavernes bouddhistes des oasis de la route de la soie. Les œuvres d’art bouddhiste sont également représentées par les reliques des temples rupestres de Mogao (près de Dunhuang) et par les œuvres d’art de la dynastie Tang, notamment par la peinture et la sculpture bouddhistes de Hara-Hoto, l’un des centres de l’État Tangut du Xia occidental. Ll’Hermitage possède un grand nombre de pièces archéologiques provenant des tumulus de Noin-Ula, le complexe archéologique de la culture nomade des Huns d’Asie centrale (Hsiung-nu) dans le nord de la Mongolie. La collection d’art tibétain, qui suit la tradition des formes tibétaines et mongoles du bouddhisme, comprend des exemples d’art plastique bouddhiste en bronze, de peinture (tangka tibétain) et d’objets rituels.

L’art de l’Inde du 1er au 19ème siècle (Salles 368 à 370)

L’art de l’Inde ancienne et médiévale est représenté par des sculptures bouddhistes, jaïnes et hindoues en pierre, en bronze et en bois. L’exposition de peintures miniatures indiennes fournit une introduction aux différentes écoles de peinture, y compris des exemples d’art des écoles d’Inde occidentale, des Mogols, du Deccan et du Rajputu. Il convient également de noter les feuilles créées dans les écoles musulmanes provinciales. Sont également exposées les miniatures sur ivoire associées à l’école de la Compagnie. La plus belle collection d’armes et d’armement indiens de Russie occupe une place importante dans l’exposition. Parmi celles-ci, on peut voir les haches rituelles pour faire des sacrifices, les épées Kunda pour les batailles impliquant des éléphants, les boucliers d’acier faits de peau de rhinocéros, les canons décorés de peinture décorative, les chakras (disques de combat), ainsi que l’armure complète qui appartenait à un noble guerrier Rajput.

L’art du Japon (Salles 358, 375 et 376)

L’exposition présente des œuvres d’art qui familiarisent le visiteur avec différents aspects de la culture traditionnelle japonaise, notamment des objets d’art bouddhiste des XIVe et XVe siècles, des objets pour la cérémonie du thé, ainsi que des exemples d’armes japonaises. On peut également y voir les estampes ukiyo-e du XVIIIe au XXe siècle qui reflètent la vie quotidienne, la routine et les fêtes des citadins. Des objets en métal, en laque, en ivoire et des œuvres d’art émaillées permettent de se faire une idée des différentes formes d’art appliqué. L’exposition présente 240 netsukes créés les maîtres des écoles de Yedo, Osaka, Kyoto, Nagoya, Ivami et Tsu.

L’art du XIXème et XXème siècle a été déplacé au bâtiment de l’état-major général.

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Le château des ingénieurs dit Saint-Michel (en russe : Инженерный (Михайловский) замок) à Saint-Pétersbourg est situé en plein centre de la capitale du Nord. Ce majestueux palais de forme bizarre est le symbole du règne de tsar Paul Ier. On disait souvent que le château Saint-Michel était sa forteresse.

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Histoire du château Saint-Michel à Saint-Pétersbourg

Les travaux du château Saint-Michel ont commencé en 1784 sous la direction des architectes Vassili Bajenov et Vincenzo Brenna. L’empereur Paul I a lui-même dessiné plusieurs croquis du palais. Pour accélérer la construction, on fit amener des matériaux d’autres chantiers. Résultat, il fallut seulement trois ans pour ériger cette immense demeure. L’église de la maison fut sanctifiée le jour de Saint-Michel. C’est pourquoi le château reçut le nom de cet archange.

La forteresse prenable

Paul I, fils de Catherine II, voulait que le palais soit construit de façon qu’il puisse s’y sentir à l’abri. D’où son nom de « château » qui, de surcroit était entouré de part et d’autre. Les rivières Moïka et Fontanka coulaient au nord et à l’est tandis que deux petits canaux passaient au sud-ouest. Les fortifications se composaient de canaux, de demi-bastions, de canons et de pont-levis. Au centre de la place devant le château, on érigea une statue de Pierre Ier. A l’époque l’entrée était possible que par trois pont-levis fortement gardés.

Malgré cette extrême prudence, l’empereur est assassiné dans sa chambre la nuit du 11 au 12 mars 1801. Il n’habita le château Saint-Michel que 40 jours.

Transformation de Saint-Michel en Ingénieur

Après cet événement, aucun des membres de la famille royale n’a voulu y vivre. Les trésors furent emportés et les locaux vidés et cédés à diverses institutions. Vingt ans après le drame, le château Saint-Michel devint l’École principale des Ingénieurs ce qui lui donna son nom officiel en février 1823. A la même période on combla les canaux.

En 1991, le château Saint-Michel intégra le Musée russe. Depuis lors, on effectue la restauration des intérieurs du bâtiment.

L’exposition permanente de la galerie d’art du musée russe se trouve ici. Des expositions et de divers événements y sont souvent organisés. Une place particulière est dédiée à son histoire.

Expositions du château Saint-Michel

Trois expositions fonctionnent de manière permanente.

Société de Pétersbourg de l’époque Romanov

Ce projet unique est dédié aux moments quotidiens de la vie métropolitaine du XIXe siècle. On peut y voir les peintures, aquarelles, gravures et figurines d’antiquaire en porcelaine les plus rares. Tout est exclusivement authentique, transféré des réserves du Musée russe et des collections privées.

Visages de Russie

La galerie « Visages de Russie » vient ensuite et illustre l’évolution du portrait en tant que genre distinct de la peinture. On peut y remarquer les œuvres de maîtres légendaires tels qu’Alexeï Venetsianov, Ilia Répine, Karl Brioullov et Ivan Kramskoï. Ils ont peint les premières personnes de l’État, écrivains, musiciens et chefs militaires célèbres. Dans la dernière salle, il y a un écran plasma avec des chroniques d’archives prérévolutionnaires.

Sculptures du XVIIIe à nos jours

La salle des sculptures, termine les excursions du château Saint-Michel. Elle contient une anthologie d’œuvres du XVIIIe siècle jusqu’à nos jours, y compris l’avant-garde du début du XXe siècle et le constructivisme soviétique. De temps à autre des œuvres expérimentales d’auteurs contemporains sont présentées dans la cour du château.

À l’extérieur du bâtiment principal, il y a aussi quelque chose de surprenant. Le pavillon ouest présente un projet interactif « Notre empereur romantique », qui attire l’attention sur la personnalité de Paul I. Il comprend une salle de conférence pour les adultes, des quiz et des casse-têtes éducatifs pour les enfants de différents âges. Parmi les bonus intéressants, vous aurez la chance de voir un hologramme en trois dimensions de la couronne de l’Empire russe, conservée au Fonds des diamants à Moscou.

Intérieur du Château Saint-Michel

Aujourd’hui, 21 salles du château des ingénieurs sont accessibles y compris les locaux historiques.

La salle du trône de Marie Fedorovna était la salle de réception de l’impératrice, dans laquelle se tenaient les bals. Elle a été entièrement rénovée en 2002, en préservant les moulures dorées et les lustres en verre de rubis.

La galerie de marbre est la salle principale de réception des ambassadeurs étrangers et des invités honoraires. Elle a été restaurée selon les plans d’archives. Partiellement appauvrie pour son marbre sous Nicolas I, elle fut ensuite percée d’une bombe allemande pendant le blocus de Léningrad.

La salle ovale est l’une des rares pièces qui n’a pas été endommagée et qui a partiellement conservé sa décoration d’origine. Elle a été conçue comme une pièce de loisirs et pendant les années d’existence de l’École, elle a été utilisée comme atelier de modelage.

L’Escalier d’honneur est l’endroit où les excursions commencent et se terminent. Les baies partent de la mezzanine, et se rapproche grandement de leur aspect prérévolutionnaire. L’aigle bicéphale doré avec une croix maltaise sur son cœur – une symbolique distinctive de l’époque pavlovienne est particulièrement intéressante.

Jardin Saint-Michel

Le Jardin d’Été a réouvert à Saint-Pétersbourg après sa reconstruction le 27 mai 2012, le jour de la Fête de la ville. Les travaux ont duré environ trois ans et les restaurateurs ont fait tout leur possible pour que les visiteurs voient le Jardin d’Été tel qu’il était au XVIIIe siècle. Après avoir visité cette île verte en plein centre de la capitale du Nord, vous comprendrez mieux ce qui a inspiré tant de poète.

Préhistoire de la création du jardin

Au début de son existence, il y avait des colonies rurales et des terrains de chasse du capitaine suédois Konau. En 1716, Pierre I a ordonné à l’architecte Jean-Baptiste Le Blond de mettre en œuvre le plan directeur concernant les trois jardins d’Été. Le premier et le deuxième sont apparus sur le territoire du Jardin d’Été actuel tandis que le troisième devint le jardin du château Saint-Michel.

En fait, Le Blond a créé un immense complexe de jardins et de parcs. Les plans qu’il a réalisés ont été personnellement approuvés par Pierre le Grand. Des sapins, taillés en forme de pyramides, poussaient près du Palais. L’allée des châtaigniers menait directement à un grand parterre avec une pergola treillis. Dans les premières années de son existence, la partie sud-ouest du jardin était conçue comme un jardin classique. Des arbres fruitiers, des herbes aromatiques, des racines ont été cultivés sur son territoire. En outre, des bâches et des serres ont été construites pour faire pousser des plantes et des fruits exotiques.

Caprices d’empereurs

En 1741, Élisabeth I a chargé l’architecte de la cour Bartolomeo Rastrelli de créer son palais d’été à l’emplacement du palais de Catherine I et du jardin. Le projet était prêt en avril 1743. C’était un jardin labyrinthe avec des sculptures et des fontaines. De l’autre côté du Palais, Rastrelli a prévu une autre section du jardin, plaçant sur son territoire deux étangs figurés, une fontaine et un jardin de fleurs fantastique. Le territoire a été conçu en tenant compte de formes géométriques précises, des allées droites et croisées. Au centre du jardin, selon le projet, cinq étangs rectangulaires furent creusés.

À l’arrivée au pouvoir de Paul I, le palais d’Elisabeth Ier fut remplacé par le château Saint-Michel qu’on connaît aujourd’hui. Le terrain près du palais associait les deux jardins suédois et celui de Rastrelli. Selon le nouveau projet, on relia les étangs par un canal souterrain.

Nouvelle étape dans la vie du Jardin

La nouvelle vie du jardin a commencé en 1819, lorsque Carlo Rossi, sur commande d’Alexandre Ier, a entamé une nouvelle série de transformations. Le projet prescrit de combler le canal de l’église et de réduire la taille de l’étang tout en conservant le canal Voskresensky et le système unique d’eau. Outre cela, on commença à construire un collecteur souterrain, reliant le grand étang à la Moïka. Cela fournit une circulation supplémentaire d’eau. Deux rangées d’arbres coupés ont été plantées autour du château.

Certaines parties du parc restées de l’époque de Le Blond et de Rastrelli s’inscrivent dans le nouveau projet de Rossi avec une élégance surprenante. En fait, Carlo Rossi a créé un magnifique jardin « à l’anglaise », qui reprend les bases du style paysager du milieu du XVIIIe siècle. Devant la façade de jardin du palais Saint-Michel, Rossi a placé une grande prairie en forme d’ovale irrégulier, décorée d’une allée qui entoure le périmètre.

Les étangs des jardins à l’anglaise ont des formes irrégulières. Pour cela, l’architecte a dû transformer d’anciennes piscines géométriques en étangs de formes variées. On supprima les petits étangs au centre du jardin et on ajouta un pavillon sur le quai de la Moïka.

Le jardin Saint-Michel était bien fleuri avec beaucoup d’arbustes. Lors du réaménagement, Rossi a conservé la disposition précédente qu’il compléta par des arbres et des fleurs.

XXe siècle = dégradation

Au début du XXe siècle, les autorités de la ville ne prêtaient aucune attention au jardin Saint-Michel. En 1902, le petit étang de l’est fut comblé en raison de l’ensablement. La construction de l’église de la Résurrection de Jésus, conçue par Alfred Parland, a considérablement réduit le territoire du jardin. En 1922, le jardin a été rebaptisé selon les idées révolutionnaires de ce temps pour devenir un parc municipal ordinaire. Le jardin à l’anglaise fut fendu par un chemin pour les citadins. Plus tard, dans les années 60, les autorités ont même accepté la construction d’un court de tennis…

Au cours de cette terrible période, la plantation d’arbres et d’arbustes se déroulait de manière complètement chaotique. Il a fallu 8 longues années de 2001 à 2007 pour redonner vie à ce superbe jardin.

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Le Palais de marbre (en russe : Мраморный дворец) prend son nom du fait que la pierre naturelle – marbre et granit – a été utilisée pour la première fois en Russie pour le revêtement des façades et la décoration intérieure. 

Au total, 32 variétés ont été utilisées – russe (carélien et ouralien), grecque et italienne, ainsi que le lapis-lazuli (la lazurite) de Transbaïkalie. La couleur de la finition était très différente – blanche et argentée, toutes les nuances de gris et de rose, du bleu au gris bleuâtre et verdâtre.

La construction du Palais de marbre a commencé en 1768 et a duré 17 ans (du 10 octobre 1769 jusqu’à 1785). Le projet, basé sur le croquis de Catherine II, a été réalisé par Antonio Rinaldi, l’architecte le plus célèbre de Saint-Pétersbourg. L’Impératrice a surveillé l’avancement des travaux et a encouragé ceux qui se sont distingués. Environ 100 maçons et jusqu’à 300 fusiliers d’artillerie ont travaillé sur le chantier. Des blocs de pierre ont été transportés par voie fluviale sur la Neva.

Les principaux trésors du Palais sont la salle de marbre et l’escalier d’honneur. Leur apparence a été préservée dans sa majorité et reflète le mieux l’époque de Catherine II. Mais la majeure partie du palais est désormais occupée par des expositions.

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Décoration extérieure du Palais de marbre

Pour le revêtement du Palais, des matériaux ont été apportés des carrières situées près des lacs Ladoga et Onega. Le marbre blanc a été livré d’Italie. C’était moins cher que de l’amener de l’Altaï ou de l’Oural.

Catherine II a beaucoup apprécié le talent du remarquable architecte Rinaldi et, par son ordre, un portrait sculptural du grand architecte a été installé dans une niche à l’entrée du bâtiment.

Le Palais construit semblait naître du granit de la Neva. Les murs de marbre et de granit gris-rose font écho aux couleurs du ciel de Saint-Pétersbourg.

Au-dessus de l’entrée il y a une inscription « Bâtiment de la gratitude ». Le bâtiment est couronné d’une petite tour de l’horloge. Et à côtés de la tour il y a deux personnages réalisés par Fedot Choubine : à droite – « Fidélité » avec un sceau dans les mains, à gauche – « Générosité » avec une corne d’abondance. Dans les salles du Palais de marbre il y a près de 40 œuvres du sculpteur.

La façade centrale est décorée de reliefs en marbre avec des accessoires militaires. La pierre et le métal prédominent partout.

Antonio Rinaldi a réussi à créer un palais qui a servi de maison urbaine et en même temps de propriété de campagne seigneuriale. Les lignes des façades du sud, d’ouest et du nord se sont mariées de manière organique avec la construction de la ville. Et du côté de la cour, on voit une propriété des nobles avec une cour d’apparat, un jardin et une clôture.

La partie ouest du Palais avait le même plan que le côté principal, mais était cachée par les façades des bâtiments des rues voisines.

Intérieurs du Palais de marbre à Saint-Pétersbourg

Escalier d’honneur

Selon l’idée de Rinaldi, la décoration artistique de l’escalier d’honneur a dû être un prolongement de la décoration en pierre commencée sur les façades du bâtiment.

L’escalier est décoré de marbre gris aux nuances argentées. La retenue dans la conception de l’escalier d’honneur du Palais s’explique par le fait que Catherine II a voulu donner aux salles d’apparat un aspect courageux et austère.

La lumière des fenêtres du deuxième étage et de la coupole permet de voir les motifs variés de la pierre sur les colonnes et les pilastres, taillés dans des blocs entiers. La couleur plus claire du marbre des rampes et des balustres (petites colonnes) élargit visuellement l’espace et les rend légères.

Le plafond de l’escalier d’honneur est l’œuvre de Joseph Christ de l’année 1784 « Jugement de Pâris ». Dans les niches de marbre, il y a des personnages qui personnifient le matin, le jour, le soir et la nuit, et symbolisent l’enfance, la jeunesse, la maturité, la vieillesse.

Sur le palier du deuxième étage au troisième, il y a deux allégories représentant l’équinoxe d’automne et de printemps. Les bas-reliefs modelés sont bien visibles depuis le palier du troisième étage. Au centre – la composition « Jeu des Cupidons », à gauche et à droite – les figures féminines « Modération », « Force de l’Esprit », « Sagesse » et « Justice ».

Salle de marbre

La pièce principale du Palais est la salle de marbre, qui a conservé l’ancienne décoration en pierre du XVIIIe siècle.

Antonio Rinaldi a habilement combiné des nuances du marbre rose et cerise de Tivdie (carélien), gris jaunâtre de l’Oural et de la pierre italienne verte et jaune.

Tout au long du périmètre de la Salle, les arcades au-dessus des pilastres du premier rang et les bas-reliefs ronds autour du sujet du « Sacrifice » ajoutent du raffinement et de l’harmonie à cette salle. Les portes aux éléments anciens sont décorées de bronze doré.

Le côté ouest de la salle est richement décoré. La pierre lapis-lazuli coûteuse apportée de la région du Baïkal a été utilisée comme arrière-plan pour deux reliefs en pierre blanche. Les compositions « Retour de Ragul à Carthage » et « Camille libère Rome des Gaulois » ont été réalisées par le sculpteur Mikhail Kozlovskiy. Les sujets sont tirés de l’histoire des guerres puniques de la Rome antique. Ils parlent du devoir, de la loyauté envers la patrie, du sacrifice de soi et de la générosité des anciens généraux.

Les compositions sont placées dans des cadres en bronze doré. Au-dessus et au-dessous, il y a des guirlandes avec des figures d’aigles et des branches croisées de palmier et de chêne, sculptées du marbre blanc italien.

Dans la Galerie d’art du Palais (partie sud-est du bâtiment), il y avait plus de deux cents œuvres de Rembrandt et Titien, Raphaël et d’autres maîtres. Dans la partie sud-ouest, les bains grecs et turcs ont été aménagés. Au troisième étage, il y avait des chambres, et la salle de bal était située dans le bâtiment le long de l’allée de marbre.

Musée de Ludwig au Musée russe

En 1995, les époux Peter et Irène Ludwig, deux célèbres collectionneurs allemands ont fait un don inestimable au Musée russe. Celui-ci se composait d’une collection de 118 œuvres d’artistes contemporains d’Europe, d’Amérique et de Russie, à la base desquelles cette exposition a été formée dans le palais de marbre.

Dans la seconde moitié du XXe siècle, le mouvement artistique du réalisme socialiste dominait dans l’art soviétique. Il était presque impossible de voir les œuvres d’art soviétiques non-officielles et occidentales. Cet aspect a poussé les époux à faire ce don.

C’est la seule collection d’art contemporain international avec une exposition permanente en Russie. Pour la première fois, les visiteurs peuvent voir les originaux des œuvres des auteurs classiques du pop art dans le Palais de marbre.

La collection inclut des peintures d’Andy Warhol, Tom Wesselmann, Claes Oldenburg, Roy Lichtenstein et James Rosenquist.

L’hyperréalisme américain s’exprime dans les œuvres de Robert Bechtle, Ralph Goings et Jeff Koons. L’art allemand de la seconde moitié du XXe siècle se reflète dans la collection d’œuvres de Joseph Beis, des néo-expressionnistes Georg Baselitz, Markus Lüpertz et Anselm Kiefer.

L’un des cadeaux les plus précieux de Peter et Irène Ludwig est la peinture de Pablo Picasso « Grandes Têtes » de 1969. C’est la seule œuvre du maître de la période après 1917 à Saint-Pétersbourg.

L’une des salles du musée Ludwig représente l’art des artistes non-officiels de l’URSS et d’Europe de l’Est, dont les œuvres n’ont pas été exposées dans les musées russes. Le tableau « Jardin » est l’œuvre d’Ilya Kabakov, leader du conceptualisme russe.

Collection des frères Rzhevskiy

La collection des frères Rzhevskiy est un ensemble de pièces offertes au Musée russe par les frères Joseph et Yakov Rzhevskiy. Elle comprend des tableaux d’Ivan Aïvazovski, d’Alexandre et d’Albert Benois, d’Alexandre Ivanov, de Boris Kustodiev, d’Ivan Chichkine et bien d’autres maîtres. On y trouve également des meubles, des horloges de voyage, des horloges à carillon et des pendules de cheminée fabriquées par des horlogers d’Europe occidentale et de Russie aux XVIIIe et XIXe siècles.

Exposition « Konstantin Romanov – Poète de l’Âge d’argent »

Dans les appartements du Grand-Duc, dernier propriétaire du Palais de Marbre, est présentée l’exposition « Konstantin Romanov – Poète de l’âge d’argent ». Les petites chambres privées de sa famille ont été conservées au premier étage du Palais de marbre. Le salon musical, appelé gothique par sa conception, se distingue par sa décoration. L’intérieur est décoré de bois avec des voûtes et des murs aux motifs sculptés complexes.

Afanassi Fet, Apollon Maïkov, Anton Rubinstein, Piotr Tchaïkovski et d’autres personnalités célèbres se sont trouvés présents à des soirées musicales et poétiques ici.

Légendes du Palais de marbre

Selon la légende, une porte secrète a été prévue dans le Palais de marbre à travers laquelle Catherine II partait secrètement rencontrer Grigori Orlov.

Une autre légende raconte qu’une boîte en marbre avec des pièces de monnaie a été murée dans le fondement du Palais de marbre.

Histoire du Palais de marbre

Catherine II a offert le Palais de marbre à son favori, le comte Orlov, pour son service dévoué et sa participation aux événements de 1762.

À la suite du coup d’état le 28 juillet 1762, l’empereur Pierre III a été détrôné et Catherine II est montée sur le trône avec l’aide des frères Orlov.

À l’âge de trente et un ans, Grigori Orlov s’est mis en tête de l’artillerie de l’armée russe et a reçu le titre de général. Restant en service tout au long de sa vie, il a reçu de nombreuses hautes distinctions, notamment l’Ordre impérial de Saint-André et l’Ordre de Saint-Alexandre Nevsky.

De plus, Grigori Orlov a joué un rôle important pour mettre fin à la révolte de 1771 causée par la peste à Moscou. Le comte a remercié l’impératrice pour ce cadeau par un gros diamant de 189,62 carats.

Il est mort en 1783 à l’âge de 48 ans n’ayant pas vu l’achèvement des travaux de la construction.

Catherine II a racheté le Palais aux héritiers du comte et l’a présenté à son petit-fils, Konstantin Romanov. L’architecte Ivan Starov a effectué les réparations et l’aménagement d’un certain nombre d’intérieurs pour le mariage du Grand-Duc.

Plus tard, sous la direction de l’architecte de la cour Andreï Voronikhine, les chambres du Palais ont été reconstruites.

Le Palais de marbre appartenait à deux autres Konstantin : Konstantin Nikolaevich, le deuxième fils de Nicolas Ier, et à son petit-fils – Konstantin Konstantinovitch.

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Le Palais Stroganov (en russe : Строгановский дворец) à Saint-Pétersbourg a été créé par le plus grand architecte du XVIIIe siècle, Francesco Rastrelli. Le bâtiment est situé en plein centre de la capitale du Nord – à l’intersection du quai de la Moïka et la perspective Nevski. Le palais Stroganov est un exemple du baroque russe, qui a atteint son apogée sous le règne d’Élisabeth I.

Temps de lecture estimé : 15 minutes

Histoire du palais Stroganov à Saint-Pétersbourg

Le Palais Stroganov avait au début deux bâtiments : une petite maison près du pont Vert et un deuxième bâtiment en forme de la lettre « L ». Propriété du tailleur Jean Neumann, ils ont été conçus par l’architecte Mikhaïl Zemtsov.

En 1742, ces sites ont été achetés par le baron Sergueï Stroganov. Pour la construction du Palais, il invita Francesco Rastrelli, l’architecte de la cour de l’impératrice Élisabeth I. En deux ans de 1753 à 1754 le nouveau bâtiment devint la maison-mère des barons Stroganov.

L’héritier du trône, le prince Paul Ier est né le 19 septembre 1754. A cette occasion, Sergueï Stroganov organisa un grand bal pour faire plaisir à l’impératrice. Cet évènement en l’honneur du futur Tsar se transforma en une présentation du Palais Stroganov.

Le projet du baron eu un tel succès qu’on retrouva la nouvelle dans les journaux européens. C’était la première fois en Russie qu’un architecte de la cour créa un bâtiment pour un particulier.

Reconstructions du Palais Stroganov

Sergueï Stroganov y habita deux ans avant de mourir. Son héritier, son fils unique Alexandre est le plus célèbre de la famille Stroganov car collectionneur et mécène. Selon le poète C. Batiouchkov, le comte Alexandre Stroganov était « un patron éclairé et un ami des sciences et des arts ».

Au milieu des années 1780, Il commence la reconstruction du Palais avec l’aide des architectes Andreï Voronikhine et Fiodor Demertsov. Leur majeure contribution est représentée par la salle Hubert Robert, le cabinet minéralogique, la galerie d’art, l’escalier d’honneur, le petit salon et la salle à manger principale.

En 1818, certains intérieurs du bâtiment dans les parties sud et ouest ont été reconstruits par l’élève d’Andreï Voronikhine, l’architecte Ivan Kolodin. En 1820, la décoration de l’enfilade du bâtiment ouest est faite par Carlo Rossi. Puis en 1842, Piotr Sadovnikov a créé le bâtiment sud, dont les façades ont été « copiées » des bâtiments du XVIIIe siècle.

Les salles du bâtiment ouest ont de nouveau été reconstruites dans les années 1860, probablement par l’architecte Mikhaïl Makarov. C’est surtout le Grand salon qui a été magnifiquement décoré.

Le seul intérieur conservé conçu par Rastrelli est la grande salle du palais Stroganov. Tous les autres locaux ont été reconstruits plus tard.

Après la révolution

En 1917, tous les Stroganov quittent la Russie, le bâtiment est nationalisé et la collection est transférée dans différents musées du pays. En 1988, le Palais Stroganov est devenu une filiale du Musée russe.

La restauration totale du palais a pris 20 ans. Vous pouvez maintenant admirer les décors et l’architecture qu’ont voulu les Stroganov.

Décoration extérieure du Palais Stroganov

Francesco Rastrelli a construit un palais à trois étages en forme de « L ». Ses façades donnant sur la Moïka et la perspective Nevski ont été décorées dans le style italien avec d’élégants chambranles, des colonnes et des sculptures.

La partie centrale de la façade du côté de la perspective Nevski est particulièrement intéressante. Vous pouvez y voir les cariatides qui sont des sculptures de figures féminines mais aussi les armoiries des Stroganov représenté par deux zibelines tenant dans leurs pattes un bouclier avec une tête d’ours.

La composition des armoiries reflète l’origine et les loisirs de la famille Stroganov : commerçants et manufacturiers russes, originaires des paysans de Poméranie et de Novgorod.

Des médaillons au profil masculin sont placés dans les murs entre les fenêtres du bâtiment. Certain disent que c’est une image en relief du comte Sergueï Stroganov et d’autres penchent plutôt pour le portrait de Rastrelli lui-même.

Intérieurs du Palais Stroganov

Les Salles de cérémonie sont situées au deuxième étage et sont accessibles par l’Escalier d’honneur.

Escalier d’honneur

Créé en 1754 par Francesco Rastrelli, l’escalier d’honneur est richement décoré de moulures en stuc, de marbre et de balustrades en fer doré.

À la fin du XVIIIe siècle, Andrey Voronikhine reconstruit l’escalier d’honneur dans un style plus classique. Quatre colonnes doriques, rappelant les temples antiques, soutenaient des volées des marches en granit.

L’intérieur de l’escalier d’honneur a été de nouveau modifié dans les années 1830 par les architectes Joseph Charlemagne et Piotr Sadovnikov. Les peintures du plafond créent alors l’illusion que le ciel est visible à travers l’ouverture. Elles ont été découvertes par hasard lors de l’entretien.

Nouvelle antichambre

L’exposition principale commence par la nouvelle antichambre réalisée par Andrey Voronikhine. Au centre de la salle se trouve une sculpture de Mikhaïl Kozlovsky « Minerve et le Génie des Arts ». L’impératrice est représentée à l’image de la déesse de la sagesse, et le génie des arts est prêt à noter les noms de ceux qui méritent de recevoir une couronne de laurier de ses mains.

Grande salle

La Grande salle, créée par Rastrelli, est intéressante pour sa décoration luxueuse.

Ici, vous verrez un magnifique plafond « Le Triomphe du héros », dont l’auteur est le peintre et décorateur italien Giuseppe Valeriani. Au centre de la composition se trouve Minerve, la déesse de la sagesse. Hermès est un messager des dieux olympiques qui transmettent au personnage principal (Alexandre Stroganov) des instructions et un souhait de construire un temple à Saint-Pétersbourg (on sous-entend la Cathédrale Notre-Dame-de-Kazan). Un cadre oblique sculpté entoure la toile.

À titre informatif, Alexandre Stroganov avait un rapport direct à la construction de la Cathédrale Notre-Dame-de-Kazan. Il proposa à Paul Ier son projet et son architecte, Andrey Voronikhine. Stroganov a consacré presque les 10 dernières années de sa vie à la construction de ce temple.

Salle de la cheminée en chêne

L’intérieur actuel de la salle remonte à la fin du XIXe siècle. La décoration du bureau est dédiée aux loisirs du comte, qui aimait la chasse à courre et possédait plusieurs haras.

Dans ce cabinet avec une cheminée en chêne, on peut voir des sculptures et des peintures d’animaux (Nicolas Swertschkoff, Artemiy Ober, Rudolf Frentz et d’autres maîtres). La cheminée en chêne est décorée du tableau « Epagneul breton » de Karl Knappe et d’un motif décoratif avec les armoiries de la famille Stroganov en forme de lettre « S ».

Salle grecque

La salle grecque a été reconstruite par les propriétaires quatre fois et conserve plusieurs couches historiques. Initialement, cet espace était un salon de passage, dont l’intérieur a été réalisé par Rastrelli. Puis Andrey Voronikhine a reconstruit cette pièce en salle de réception pour Sophie Stroganova. Dans les années 1840, Piotr Sadovnikov a refait la salle grecque dans le style classique pour Elizaveta Stroganova (née Saltykova), fille de Pavel Stroganov et de Sophie Stroganova. Du marbre jaune et des bas-reliefs en style pseudo-grec ont été utilisés ce qui lui donna son nom.

Dans la salle grecque, on peut voir une cheminée en marbre avec des guirlandes et des cupidons. Sur le mur il y a un portrait de Sergueï Stroganov réalisé par Constantin Makovski. Les bustes d’Andreï Voronikhine et de sa femme Marie ont été réalisés par Alexeï Voronikhin, le neveu de l’architecte. Après avoir traversé la salle grecque, on peut entrer dans les grand et petit bureaux de la comtesse Sophie Stroganova, épouse de Pavel Stroganov.

Grand et petit bureau de la comtesse

Le Grand bureau de la comtesse Sophie Stroganova ressemble plus à une petite galerie d’art. Il expose des peintures liées aux événements de la guerre napoléonienne. Le peintre Vladimir Moshkov a reconstitué dans son tableau la bataille de Leipzig, à laquelle cinq Stroganov ont participé.

De l’autre côté de la salle se trouve le tableau de Polidor Babayev « L’exploit du grenadier du Régiment finlandais de la Garde Leonti Korennoï près de Leipzig ». Le héros, blessé 18 fois, a été capturé, mais a été libéré après avoir été présenté à l’empereur français.

Dans la guerre contre Napoléon, Sophie a perdu son mari et son fils.

Le Petit bureau porte le nom de petite bibliothèque. Il a été décoré par Andrey Voronikhine en 1804, et plus tard, en 1818, par l’architecte Ivan Kolodin.

Andreï Voronikhine a présenté cette salle comme un petit temple antique avec une fausse voûte cylindrique profonde remplie de rosaces. Kolodin a fait de nouvelles colonnes corinthiennes à partir de marbre artificiel et des pilastres.

Un bas-relief intéressant a été conservé sous le plafond. Il représente Ivan le Terrible donnant de l’eau potable un simple soldat blessé pendant le siège de Kazan. Sous le bas-relief, derrière les colonnes, on trouve un vase présenté au comte Stroganov par des membres de la Commission pour la construction de la cathédrale de Kazan en mémoire de l’achèvement des travaux.

En retournant dans la salle grecque, on peut passer dans le grand salon.

Grand salon

Le grand salon est une pièce claire dont l’intérieur a été restauré à partir de photographies de l’album de la famille Stroganov. Cette salle est devenue une illustration de l’atmosphère luxueuse et éclectique qui caractérisait l’époque.

En 1804, Andrey Voronikhine a inclus le grand salon dans l’ensemble des intérieurs de cérémonie. C’est Piotr Sadovnikov qui a effectué le deuxième changement en la décorant dans le style classicisme. La soie lyonnaise de couleur crème aux fleurs est devenue la décoration principale du grand salon. Ce tissu était utilisé à la fois pour la décoration des murs, le recouvrement des meubles et la draperie des fenêtres et des portes. Des plantes, des sculptures, des horloges murales dans le style rococo et des groupes de porcelaine complètent l’intérieur.

La dernière modification du grand salon a été faite dans les années 1870, probablement par l’architecte M. Makarov. La soie blanche couverte de fleurs encadrait les cadres dorés, rappelant l’époque Rastrelli. L’intérieur est complété par une élégante cheminée en marbre rouge, décorée de plaques bleues et blanches, dont la principale représente le mariage de Cupidon et Psyché.

Au centre du grand salon, il y a une sculpture « Fidélité » de Giosuè Meli. Le sculpteur représente un enfant endormi et un chien qui attrape le serpent.

Petit salon

L’intérieur du petit salon donne une idée du travail de Andreï Voronikhine à la fin du XVIIIe et au début du XIXe siècle. Les murs sont recouverts de marbre artificiel aux couleurs chaudes. Des miroirs sont installés dans la cloison entre les fenêtres et au-dessus de la cheminée, ce qui élargit l’espace de la salle.

Ici vous pouvez ressentir l’intention d’Andreï Voronikhin d’imiter les modèles grecs et romains.

Au-dessus des portes en acajou avec des masques dorés de lion, il y a des bas-reliefs à motifs floraux et la tête de la Gorgone. La partie supérieure des murs du petit salon attire l’attention – ce sont des lunettes qui contiennent des compositions en relief représentant des sujets des « Métamorphoses » d’Ovide.

Salle à manger principale

En 1794, Andreï Voronikhine a décoré la salle à manger principale. On suppose qu’elle a remplacé la Galerie des Glaces de Rastrelli qui n’a pas survécu jusqu’à notre époque. Apparemment, l’admiration pour le talent de son prédécesseur a incité Voronikhine à laisser l’ancien effet décoratif. Le centre du mur, en face des fenêtres donnant sur la perspective Nevski, était occupé par de grands miroirs avec des semi-lampes superposées.

Voronikhine y a utilisé la méthode française, mais l’a reproduite avec une vraie ampleur russe. Des miroirs solides d’une superficie de 12 mètres carrés ont été utilisés pour donner un effet de gigantisme.

Ancienne antichambre et Salle de Hubert Robert

Les deux salles suivantes accueillent l’exposition permanente « Empire russe ». Des objets d’art décoratif et appliqué de l’époque d’Alexandre Ier y sont exposés.

Salon Arabesque

En 1859, dans le bâtiment nord à côté de la galerie d’art on a aménagé le salon arabesque et les bureaux pour le comte Stroganov, qui est revenu vivre à Saint-Pétersbourg.

Des copies des fresques grotesques de Raphaël au Vatican ont été utilisées dans la conception du salon arabesque. Des copies de la villa de Cicéron ont été placées sur les dessus-de-porte.

Cabinet minéralogique

Le Cabinet minéralogique avait une riche collection de livres appartenant au comte Stroganov et une collection de minéraux.

Andreï Voronikhine a créé un espace à deux niveaux avec un plafond couvert de peintures qui crée l’illusion d’un dôme. L’auteur de la peinture est Pietro Gonzaga. Grâce à cette technique, le troisième étage illusoire « apparaît ». Le premier niveau est décoré de quatre lunettes (ouvertures cintrées) avec des sculptures représentant les quatre éléments. L’allégorie principale est la « Terre », représentant l’image de la déesse Cybèle avec une couronne héraldique sur la tête. L’auteur voyait Catherine II dans son apparence.

Galerie d’art

Le palais Stroganov était célèbre pour sa galerie d’art, décorée par Andreï Voronikhine. Il y avait une collection de peintures d’artistes célèbres comme Sandro Botticelli, Agnolo Bronzino, Antoine van Dyck, Claude Lorrain, Rembrandt ou Rubens.

Alexandre Stroganov a acquis de nombreuses œuvres dans les années 1770 lors d’une vente aux enchères à Paris. Le comte a soigneusement réfléchi comment placer les peintures et les sculptures dans la galerie d’art. Devenu président de l’Académie des Beaux-Arts en 1800, il a invité des étudiants dans sa galerie pour copier des œuvres célèbres.

Jusqu’en 1917, toutes les peintures sont restées aux mêmes endroits. La menace de la prise de Petrograd par les troupes allemandes a fait retirer la plupart des toiles. De nombreux tableaux ont été envoyés à Moscou. Et même si en 1919 la galerie a été partiellement restaurée, elle n’a plus rien à voir avec le concept original.

À l’époque soviétique, le Palais Stroganov était occupé par des organisations étatiques, et certains locaux étaient utilisés comme appartements. Pendant ce temps, de nombreux éléments de la décoration ont été perdus. En 2012, la Galerie d’art a été reconstituée et remplie d’œuvres contemporaines aux Stroganov.

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Le restaurant Blok est situé sur un toit du centre de Leningrad au niveau du jardin de Tauride. C’est le premier projet du célèbre restaurateur Alexander Leonidovich Rappoport dans la capitale du Nord. Le concept reflète l’amour du restaurant pour la cuisine russe moderne et la viande persillée. Les plats sont préparés à l’aide de recettes traditionnelles, et les produits sont importés de différentes régions du pays.

Info pratique

Cuisine Auteur, Russe

Prix moyen 3000+ RUB

Adresse Potemkinskaya ulitsa 4, Saint-Pétersbourg

Horaire Ouvert tous les jours de 12h à 1h

Services Livraison

A propos de l’établissement Blok

La base autour de laquelle s’articule le récit gastronomique du restaurant Blok est la viande russe, qui, grâce à un engraissement approprié, à la génétique et à un environnement favorable, présente un degré de perfection unique. Vous pouvez voir la viande persillée à travers les parois transparentes de l’armoire du boucher, où les morceaux peuvent vieillir au sec sur les étagères, ce qui leur donne une saveur encore plus riche.

Dans votre assiette

Deux chefs – Evgeny Meshcheryakov (Siberia, National) et Jacomino Perez Feliber (Pub lo Picasso, Quartier Latin, El Gaucho) – ont travaillé sur le menu du Blok. Ce dernier est spécialisé dans la préparation de plats de viande. Dans ce cas, il y a sept types de tartare et quatre variétés de carpaccio, deux douzaines de steaks, des joues de veau braisées, des boulettes, de la cervelle cuite, de l’ossobuco, du hamburger et diverses escalopes – de veau, de poulet ou de faisan. La gamme de prix est large : vous pouvez trouver un steak pour 690 roubles ou 3 500, tandis que le budget pour un dîner complet atteindra mille roubles.

Les végétariens devront se contenter d’une salade de légumes, d’un minestrone ou de pâtes à la courgette, mais pour les amateurs de poisson, les sections « Non viande » et « Non viande chaude » offrent un bon choix : salade de cou d’écrevisse avec avocat et tobiko, escalopes de crabe, foie de lotte ou zalom de Caspienne (une famille de harengs, extrêmement rare dans les restaurants).

Quant à la carte des vins, elle suit le même principe que le menu : le prix commence à 1 500 roubles pour une bouteille de bon vin russe et va jusqu’à 290 000 roubles pour une bouteille de Bourgogne. La sélection de vins aux verres commencent à 330 roubles. La gamme de cocktails aux noms poétiques faisant référence au début du XXe siècle, inventée pour le Blok par le chef barman Anton Sergeyev, vaut également le détour. Parmi eux, le bracelet de grenade à base de tequila avec du sirop de grenade, de menthe et de cannelle, et l’Aurora, une variante originale du Bloody Mary à base de vodka infusée avec de l’ail, des tomates rôties, du tobasco, du jus de citron vert et de la sauce Worcester.

L’intérieur

Le bar lui-même occupe une place centrale dans l’intérieur du Blok et constitue la première attraction : un bar original en verre et métal multicolore est associé à des œuvres d’artistes russes d’avant-garde qui ornent le mur derrière lui. La salle spacieuse, avec ses hauts plafonds et ses fenêtres panoramiques, est divisée en trois zones et peut accueillir deux cents personnes. La zone centrale est plus solennelle grâce à l’énorme lustre aux nombreux lampes. Les zones de gauche et de droite sont plus détendues. Cependant, comparées à elles, les deux terrasses ouvertes donnant sur les jardins de Tauride et la cathédrale Smolny offrent un panorama exceptionnel.

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Très souvent, dans les restaurants, il y a un déséquilibre entre la forme et le contenu – d’un côté ou de l’autre. Soit la silhouette du chef attire trop l’attention sur lui, soit le designer rend le décor si saisissant que la nourriture passe au second plan. Il est d’autant plus agréable que le nouveau restaurant GODS sur Rubinstein ait réussi à trouver un juste milieu en combinant le concept intérieur et la cuisine.

Info pratique

Cuisine Auteur, Européenne

Prix moyen 1500 RUB – 3000 RUB

Adresse Rubenstein ulitsa 16, Saint-Petersbourg

Horaire Ouvert tous les jours de 14h à 1h et jusqu’à 2h le week-end

Services Livraison

A propos de l’établissement GODS

Il n’y a pas de chef renommé ni de grands designers ni même de restaurateurs derrière le projet. La propriétaire Rada Baghelfer est responsable de tout chez GODS. Elle a elle-même inventé le concept et collecté des plats colorés lors de ses voyages à travers le monde.

Entrez dans ce monde unique d’époques symbiotiques, de significations entrelacées et de signes cachés. Cet art a le pouvoir de vous emmener dans le subconscient au-delà de l’imagination ; il fascine et inspire, enchante et rend amoureux. Bienvenue au restaurant GODS, un lieu à l’esthétique inspirante.

L’intérieur

Le restaurant a été construit avec amour et avec le désir de faire plaisir aux clients, ce qui est rare de nos jours. Une attention particulière a donc été accordée aux petits détails : vaisselle, couverts et qualité des ingrédients pour les plats et les boissons. Le résultat n’est pas du tout un restaurant « Rubensteinien » typique, car l’addition moyenne ici est plus élevée que la moyenne. Il faut compter environ 2000 RUB hors boissons. Bien entendu, les invités sont différents et plus matures. Ils viennent ici exprès, reviennent et amènent des amis.

L’intérieur néo-gothique est orné de peintures murales représentant les dieux et des symboles catholiques. L’institution a même réussi à attirer l’attention des militants orthodoxes de Saint-Pétersbourg…

Dans votre assiette

Des combinaisons inattendues, des interprétations provocantes et des saveurs enchanteresses. Le menu de GODS est une véritable pièce de théâtre, dans laquelle les convives sont invités à jouer les rôles principaux. Dans cette performance, quelque chose de spécial naît, une nouvelle perception est créée.

Le menu de GODS comprend quatre douzaines de plats (de 450 à 2 700 roubles), avec un accent sur le poisson et les fruits de mer (y compris les crabes et les coquilles Saint-Jacques russes) et la viande, bien qu’il y ait également des plats de légumes.

Je ne peux pas parler de tous les plats, mais de ce que j’ai essayé, il y a deux favoris :

• Demi-avocat avec racines croustillantes cuites au four et sauce aux noix (550 roubles)
• Artichauts avec parmesan et sauce tropicale (490 roubles)

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Le Palais d’Été de Pierre le Grand (en russe : Летний дворец Петра I) à Saint-Pétersbourg est situé dans le Jardin d’Été. Il a été construit dans les premières années de la fondation de la ville par un grand groupe d’architectes et de jardiniers. Pierre I rêvait de créer un jardin à la Versailles. Il y habitait avec sa famille pendant l’été. Visitons ensemble ce magnifique édifice.

Temps de lecture estimé : 10 minutes

Histoire du Palais d’Été

La construction de bâtiments résidentiels fut lancée en même temps que celle de l’Amirauté sur la rive gauche de la Neva. Pierre le Grand choisi pour sa résidence d’été la partie de la rive de la Neva entre le Ruisseau Anonyme (Fontanka) et la rivière Mya (Moïka).

Construction du palais d’été

Au début, Pierre I habitait dans une maison en bois, construite en 1703 et assez différente de la résidence royale. Pierre appelait cet endroit son « palais d’été ». Le nom traversa les siècles.

La petite île apparue après que la Moïka ait été reliée au canal des Cygnes. Entre 1710 et 1714 on y construit le palais d’Été. Il fut l’un des premiers palais en pierre à Saint-Pétersbourg. L’auteur du projet est l’architecte Dominico Trezzini. On confia les intérieurs au sculpteur et architecte allemand Andreas Schlüter. Trezzini aménagea le bâtiment de la résidence de sorte que six de ses douze fenêtres soient orientées à l’est et les six autres – strictement à l’ouest. « Notre Russie fait également face à l’Ouest et à l’Est », expliqua l’architecte, et le tsar approuva une telle expression de ses idées. Pierre le Grand adorait le Palais d’Été et il y habitait avec sa famille du printemps à la fin de l’automne.

Premiers égouts à Saint-Pétersbourg

Le premier système d’égouts de la ville fut construit dans la résidence du tsar. Des pompes fournissaient l’eau qui était ensuite déversée dans la Fontanka. Vu que la maison était entourée d’eau, c’est le courant de la Fontanka qui donnait la force motrice. Après l’inondation de 1777, la petite baie devant la maison fut comblée et le système d’égouts cessa de fonctionner.

Le palais au XXe siècle

En 1925, le Palais d’Été a été transféré au Musée russe et, depuis 1934, il a le statut de Musée historique indépendant.

Dans les années 60, architecte Alexandre Hessen restaura de nombreux éléments originaux du Palais d’Été.

Après la mort de Pierre I et Catherine I, presque personne n’habita la maison. À un moment donné, elle accueilli des réunions du Haut conseil secret, et plus tard des courtisans impériaux s’y reposaient. Les tsars eux-mêmes y étaient rarement.

L’aspect extérieur du Palais n’a guère changé depuis trois siècles. Cela s’explique par le fait que même pendant la vie de l’empereur, de nouvelles résidences étaient aménagées. Après la construction du Grand Palais d’Été pour Élisabeth I sur une rive de la Moïka (à la place actuelle du château Saint-Michel), l’ancien palais de Pierre le Grand fut abandonné.

Cela l’a sauvé des modifications et il a conservé son apparence initiale. Le bureau vert, la salle à manger et les pièces où vivaient les demoiselles d’honneur de Catherine I ont conservé leur aspect initial. Les objets personnels de Pierre et Catherine sont restés et sont devenus un peu plus tard les principales pièces du musée.

Décoration extérieure du Palais d’Été de Pierre I

Le bâtiment a été construit dans le style baroque. On voit des proportions précises et de nombreuses fenêtres, ainsi que des bas-reliefs et une frise en stuc sous le toit.

Le palais n’a pas été prévu pour les cérémonies, mais comme une habitation pour le tsar et sa famille.

Le bâtiment a un aspect strict. Le toit est haut avec aux quatre versants, des gouttières en forme de dragons ailés. Les façades sont décorées d’une frise de vingt-neuf bas-reliefs divisant les étages. Les images des bas-reliefs racontent les succès militaires de la Russie. D’ailleurs on reconnaît Pierre I sous les traits de Persée. Le bas-relief au-dessus de l’entrée principale nous présente Minerve – la déesse de la sagesse, la patronne des sciences et de l’artisanat – entourée de bannières et de trophées.

Intérieur du Palais d’Été

Il y a sept petites chambres à chaque étage du palais. Il n’y a pas de grandes salles ici. Le hall est décoré de panneaux en chêne sculptés, divisés par des pilastres ioniques. L’image en bas-relief de Minerve a été réalisée par le sculpteur Nicolas Pineau.

Deux petit étage

Les chambres du tsar se trouvaient au rez-de-chaussée tandis que les chambres de sa femme Catherine et de ses enfants se trouvaient au premier. Dans la salle de réception, il recevait des demandes et des plaintes écrites et orales. De plus, une cellule disciplinaire pour des coupables fut installée à côté de cette salle.

Au premier étage on trouve le vestiaire, la chambre des demoiselles d’honneur, une salle du trône, une chambre à coucher et une chambre d’enfants, ainsi qu’une salle de danse.

Décoration intérieur

Le Cabinet vert est particulièrement attrayant, étant décoré d’inserts, de moulures et de dorures pittoresques. Le bureau de l’empereur et la cuisine sont décorés de carreaux hollandais uniques. Les plafonds du cabinet sont pittoresquement réalisés par maître G. Gsell.

Les intérieurs du bâtiment sous la forme d’une allégorie glorifient la victoire des armes russes dans la grande guerre du Nord.

Les peintres russes A. Zakharov, I. Zavarzin et F. Matveïev ont participé à la décoration des salles. Les salons ont conservé la même atmosphère qu’auparavant. De nombreuses chambres sont revêtues de carrelage et de bois sculpté fabriqués dans les temps anciens.

On y voit également des toiles représentant des navires, des batailles, des portraits rares et des paysages. Parmi les raretés du musée, on trouve un instrument à vent apporté de Dresde. Une girouette représentant Georges de Lydda, installée sur le toit, fait marcher le mécanisme de cet appareil.

La maison de Pierre le Grand conserve toujours une atmosphère familiale chaleureuse.

Jardin d’été

Le Jardin d’Été a réouvert à Saint-Pétersbourg après sa reconstruction le 27 mai 2012, le jour de la Fête de la ville. Les travaux ont duré environ trois ans et les restaurateurs ont fait tout leur possible pour que les visiteurs voient le Jardin d’Été tel qu’il était au XVIIIe siècle. Après avoir visité cette île verte en plein centre de la capitale du Nord, vous comprendrez mieux ce qui a inspiré tant de poète.

Création du Jardin d’Été à Saint-Pétersbourg

La construction a été lancée en 1704 par le maître Ivan Ugryumov sous la direction de Pierre le Grand. Le tsar a rêvé de son propre Versailles et a dessiné lui-même le plan initial. Il prévoyait de créer un parc architectural classique avec un aménagement clair et des allées droites, des arbres et des arbustes bien taillés. Pour renforcer le sol, on amena une énorme quantité de terres. Régulièrement des arbres étaient plantés. D’éminents architectes et maîtres jardiniers ont participé à la création du parc. Le parc était censé devenir un lieu de repos, combinant les caractéristiques d’une habitation urbaine et rurale.

Architecture du jardin d’été

Le Jardin d’Été est entouré d’eau de chaque côté. Les rivières Neva et Fontanka sont devenues la frontière naturelle du parc des côtés nord et est tandis que la Moïka et le Canal des Cygnes couvrent le sud et l’ouest.

Trois allées droites parallèles mènent de la Neva à l’intérieur du territoire, elles sont traversées par des chemins perpendiculaires.

La galerie centrale, la plus décoré, est ornée de douze colonnes de marbre. Le chemin est recouvert de dalles en marbre blanc et noir. Une statue antique de Vénus, plus tard appelée Vénus de Tauris, trônait au milieu et maintenant conservée au musée de l’Ermitage.

Les fontaines du Jardin d’Été

Ces fontaines sont les premières en Russie. Pour qu’elles fonctionnent, une machine à vapeur pompait l’eau de la Fontanka. Bien évidemment, ces fontaines étaient plus modestes que celles de Peterhof, mais elles ont réussi à animer le parc. Une grave inondation en 1777 les a malheureusement détruites. Lors de la reconstruction du parc, les ingénieurs ont restauré le système d’alimentation en eau selon les anciens dessins et redémarrés les reproductions des fontaines d’origine.

Grotte et labyrinthe

La grotte elle-aussi a été endommagée lors de l’inondation de 1777 puis partiellement démantelée en 1801. À sa place se trouve maintenant la Maison de café, créé par l’architecte C. Rossi. Ici vous pouvez faire une pause.

Dans la deuxième partie du jardin, un labyrinthe et ses sculptures illustrent des sujets des fables d’Esope. Pour ceux qui n’ont pas lu les fables, il y a des panneaux avec des explications près des fontaines.

Sculptures du Jardin d’Été

Pierre le Grand a apporté des sculptures pour le Jardin d’Été d’Italie. Au XVIIIe siècle, on comptait plus de deux cents sculptures, mais beaucoup d’entre elles ont été détruites lors de l’inondation ou ont été déplacées dans les résidences royales. Environ 90 statues et bustes en marbre de la collection ont été conservés. Ils ont été réalisés par les maîtres de l’école vénitienne P. Baratta, G. Bonazza, A. Tarsia et G. Zorzoni.

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Le Mickey & Monkeys est un multicafé conceptuel qui offre plein d’activité. Ils sont entre autres les inventeurs du Overshake, un milkshake topé d’une multitude de sucreries. Une petite overdose parfaite pour les instagrameurs.

Cuisine Internationale & Américaine

Prix moyen 1000 RUB

Adresse Gorokhovaya ulitsa 27, Saint-Pétersbourg

Horaire Ouvert tous les jours de 10h à 23h00

Services Wifi, livraison

À propos de l’établissement – Mickey & Monkeys

La surface cyclopéenne de 560 mètres carrés pourrait facilement accueillir une piste de danse, mais le nouveau lieu n’aspire pas aux fastes du bar voisin : la musique ici ne casse pas les oreilles, et le programme de divertissement ne promet que des expositions temporaires et des rassemblements formels l’après-midi, comme des séances d’autographes.

Outre l’espace bar, deux halls lumineux avec de la végétation tropicale et des fenêtres ouvertes du sol au plafond (celle qui donne sur le canal Griboyedov est particulièrement impressionnante), un poste d’observation sur un rebord de fenêtre et un comptoir ouvert avec un réfrigérateur « Mir », un magasin de fleurs avec des bouquets de Pavel Loparev (« Flower Kitchen ») et une pâtisserie ouverte où le chef pâtissier de Candies by Coffee Room s’est spécialement installé. Mais l’histoire ne s’arrête pas là : trois autres zones sont en préparation : un espace de co-working, un bureau interne et une salle pour les événements privés.

L’intérieur minimaliste

Le restaurant phare du Coffee Room est de style colonial. L’institution dispose de plusieurs salles : les murs de presque toutes les pièces sont peints en blanc, et le mobilier est en bois foncé. Les accents intérieurs sont constitués de plafonniers et d’appliques flamboyants, de miroirs, de fenêtres de sol arquées et d’un énorme palmier dans une baignoire au centre d’une des chambres.

Concept d’OVERSHAKE

Pour une petit-déjeuner gargantuesque, c’est l’endroit idéal. Le produit phare est le Shake géant avec topping glace, cake, bonbons, cookies, gaufres voire même donuts. Cette option suffit largement pour 2 personnes voir un repas complet « sucré » pour une personne. Les différents latte à la bergamote ou à la cardamome sont excellents et les smoothies tout autant.

Dans votre assiette

Le menu Mickey & Monkeys est une collection de chapitres colorés. Le multiculturalisme gastronomique est en pleine floraison : fajitos mexicains (280 roubles), burger thaïlandais avec poitrine de poulet et crevettes (470), Vitello Tonato italien (450), soupe à l’oignon française (300) et fish and chips anglais (290), et même notre propre « Mimosa » (360), non seulement avec du saumon, mais aussi avec du foie de morue et du wasabi. Et beaucoup de desserts : meringues, muffins, mousses, gâteaux, biscuits à l’orange, éclairs à la lavande.

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