Qui sont les frères Morozov, dont l’extraordinaire collection de peintures est exposée à la Fondation Louis Vuitton jusqu’au 22 février 2022 ? Je vais essayé de répondre à cette question en vous donnant l’histoire de la famille, leur principale réalisation et en partageant un reportage dédié.

Fondateur de la dynastie des Morozov

Savva Vasilyevich Morozov est né en 1770 et décède en 1860. C’est un entrepreneur et philanthrope russe, fondateur de la dynastie Morozov. Les Morozov sont issus d’une ancienne famille de vieux croyants du village de Zuevo, district de Bogorodsky, province de Moscou.

Savva Morozov était un paysan serf du propriétaire terrien Ryumin , « un berger, un cocher, un tisserand-ouvrier, un tisserand-artisan » qui se rendait à Moscou pour vendre ses marchandises. Petit à petit, il devint propriétaire d’une petite institution, un bureau de distribution et une usine. En 1797, Savva Morozov épousa la fille d’un maître teinturier Ulyana Afanasyevna et la même année, il ouvrit son propre atelier de tissage de la soie. En 1811, il y avait déjà 10 machines dans son atelier, qui étaient entretenues par 20 ouvriers. Ils fabriquaient jusqu’à 200 pièces de soie par an pour un total de 1200 roubles.

Après la guerre de 1812, Savva Morozov profite d’une belle opportunité pour vendre ses biens à d’éminents propriétaires terriens et habitants de la capitale. Cela lui permet en 1821 de racheter le servage avec ses fils Elisha, Zakhar, Abram, Ivan et Timofey pour une somme énorme à l’époque – 17 000 roubles en billets de banque. Equivalent de 500.000€ au jour d’aujourd’hui.

Devenu un homme libre, Savva achète en 1823 à son ancien propriétaire terrien Ryumin une partie du terrain sur la rive droite de la Klyazma dans la ville de Nikolskoïe, où fut fondée la célèbre manufacture plus tard. Cet événement a marqué le début de la croissance de la ville industrielle de Nikolskoïe. Aujourd’hui, Zuevo et Nikolskoïe font partie de la ville d’Orekhovo-Zuevo à l’est de Moscou.

En 1825, Savva fone une usine de tissage à la main à Moscou, qui dans les années 40 se composait de 11 bâtiments, qui abritaient 3 ateliers de tissage, 1 ourdissage et 3 ateliers de teinture et de séchage. Il n’y avait pas de machines, mais il y avait 240 métiers à tisser manuels avec des machines Jacquard pour faire des tissus à motifs colorés. Cette usine de Moscou a été liquidée après la guerre de Crimée. En 1830, il ouvrit une usine dans la ville de Bogorodsk, qui devint finalement la manufacture Bogorodsko-Glukhovsky. En 1846, avec l’aide de Ludwig Knop, la construction de la plus grande filature de papier de Russie commença à Nikolskoïe, qui fut mise en service le 15 janvier 1848.

Savva Morozov mourut en 1860 en tant que marchand de la première guilde, laissant à ses descendants une capitale colossale et de nombreuses usines.

Abraham Morozov

Comme le reste de la famille, c’est un vieux-croyant de confession. Il est tôt orphelin de père. Il écrivait avec des fautes et ne savait pas bien parler.

Varvara Alexeïevna (née Khloudova) s’opposa longtemps à l’idée d’un mariage avec Abraham, bien que leurs familles fussent proches et à l’initiative à ce projet. Mais en 1869, elle donna finalement son accord sous la pression de son père. Juste avant son mariage, le fiancé se convertit à la branche des vieux-croyants de l’Église orthodoxe russe.

Après le partage de l’héritage entre lui et son frère, il fonde la « Compagnie de la manufacture de papier de Tver ». C’est ainsi qu’apparaît la branche dite de Tver des descendants d’Abraham dont il est le fondateur. Il ne dirige pas longtemps les affaires de la manufacture, mais il a su rapidement les développer. C’est sa femme, Varvara, qui prend en main les affaires de l’entreprise.

À partir de 1877, Abraham Morozov commence à souffrir de troubles psychiques sévères et jusqu’à sa mort, sa femme le soigne, ne souhaitant pas l’enfermer dans une clinique psychiatrique. Le fameux psychiatre Sergueï Korsakov, qui en était à ses débuts, tente de le soigner, mais finalement Morozov meurt le 8 février 1882.

Dans son testament, Morozov donne tous ses biens à ses enfants, Varvara exerçant la tutelle.

Dans cet article, je vais rester focalisé sur la branche d’Abraham qui a donné naissance à la célèbre fratrie et volontairement omettre la branche de Timofey Morozov pour ne pas que ça soit trop lourd.

La célèbre fratrie Morozov

Mikhail, Ivan et Arseniy Morozov naissent dans les années 1870 à Moscou, dans une très riche famille de vieux-croyants installés à Tver, à l’ouest de Moscou. Ils sont les fils d’Abraham Morozov, un puissant industriel qui a fait fortune dans le textile en reprenant les usines de son père, Savva Morozov, ancien serf affranchi et fondateur de la dynastie des Morozov. Abraham Morozov est aussi mécène et gère des orphelinats dans la région. Leur mère, Varvara Khludova, est l’héritière d’un marchand et collectionneur de livres anciens. Elle tient d’ailleurs un salon littéraire où l’on rencontre des poètes comme Andrei Bely ou Alexander Blok.

Les fils Morozov grandissent dans un environnement strict mais progressiste. À cet égard, les arts et la culture occupent une place très importante dans leur éducation. C’est pourquoi Mikhail et Ivan prennent des cours de peinture de façon assidue. Parmi leurs professeurs, on compte un certain Constantin Korovine, alors étudiant, ou des peintres itinérants comme Yegor Khruslov qui emmènera les enfants faire des croquis le long de la Volga et dans le Caucase lors de leurs vacances d’été.

Quand le père des trois garçons meurt en 1882, leur mère reprend la gestion des affaires familiales d’une main de fer. Ce n’est qu’en 1892 que Mikhail, le frère aîné et alors étudiant à Moscou, hérite de l’empire familial et de colossales rentrées d’argent. À cette époque, Ivan, lui, est parti étudier à l’École Polytechnique de Zurich où il apprend la chimie, mais continue, comme son frère aîné, de se passionner pour l’art et plus particulièrement la peinture.

En 1895, Ivan revient en Russie et reprend en main l’usine familiale pour laquelle son frère Mikhail, n’a finalement montré que peu d’enthousiasme et d’intérêt, plus passionné par la vie mondaine et l’art que par le commerce. Quant à Arsène, le benjamin de la famille, il préfère jouer au dandy et partir à la chasse.

Ivan s’installe à Tver et, doué pour les affaires, fait très largement fructifier l’héritage familial. Chef d’entreprise intraitable mais visionnaire, il œuvre aussi pour le bien-être et l’ouverture d’esprit de ses ouvriers et leur fait notamment construire un théâtre.

Ivan Morozov, le collectionneur

En 1885, la famille s’installe dans l’ancien hôtel particulier des princes Dolgorouki, rue Vozdvijenka, que Mme Morozov fait réaménager en style néoclassique. Ivan demeure à Tver et lorsqu’il se rend à Moscou, il descend chez son frère Mikhaïl et sa belle-sœur Margarita qui reçoivent de nombreux artistes dont Vroubel, Serov et Korovine. Il fait construire un théâtre pour ses ouvriers de Tver en 1898. Il préside l’Assemblée des marchands de Moscou en 1898-1899. Au début de l’année 1900, il déménage à Moscou et achète à la veuve de son oncle David Morozov son hôtel particulier au 21 rue Pretchistenka. Il débute alors une vie mondaine, invite des artistes dont il commence à collectionner les œuvres et organise des soirées littéraires dans ses salons de réception.

Sa passion de l’art débute à la même époque que celle de son compatriote Sergueï Chtchoukine, c’est-à-dire à la fin du XIXe siècle. Il commence par collectionner des œuvres de jeunes peintres russes, puis en 1907 se met à acheter de l’art français pour son hôtel particulier qu’il vient de réaménager. S’ouvre alors une concurrence fructueuse entre les deux collectionneurs. Toutefois, à la différence de Chtchoukine dont les achats sont parfois risqués, Morozov est un collectionneur plus prudent. Il se concentre sur des œuvres en nombre limité de très grande qualité, comme L’Acrobate et la petite équilibriste de la période bleue de Picasso (1905, toile achetée en 1912 pour treize mille francs), deux paysages de la Montagne Sainte-Victoire de Cézanne (sa collection comprend dix-sept toiles de Cézanne), le Café de nuit à Arles, chef-d’œuvre de Van Gogh, etc. Il se rend régulièrement à Paris où il achète ses tableaux chez Ambroise Vollard, Eugène Druet ou encore Paul Durand-Ruel.

Ivan Morozov avait l’esprit tourné vers l’avenir. C’est lui qui a découvert Bonnard, bien avant son succès auprès du grand public, à la fin du xxe siècle.

Il collectionne avant tout des impressionnistes et des post-impressionnistes, des fauves, comme Matisse (dont il fait la connaissance par l’intermédiaire de Chtchoukine) et Derain, ainsi que des Nabis. Maurice Denis est chargé en 1907 de décorer le salon de musique de l’hôtel particulier de Morozov avec un cycle de l’histoire de Psyché, et Aristide Maillol de créer quatre sculptures de bronze pour ce salon.

Sa collection est confisquée par un décret de Lénine au printemps 1918 et nationalisée. Il émigre entretemps. Son ancien hôtel particulier devient alors le premier musée d’art moderne de la planète. Il est fermé par Staline en 1948, les œuvres étaient dispersées dans divers endroits, tandis que des toiles jugées « dégénérées » sont cachées.

On retrouve une grande partie de la collection dans deux grands musées :

• Le musée des beaux-arts Pouchkine de Moscou conserve de nombreuses pièces de sa collection confisquée à la Révolution russe, notamment : Les Baigneurs, Nature morte aux pêches et aux poires, et L’Homme à la pipe de Cézanne, La Gelée à Louveciennes et le Jardin d’Hoschedé, Montgeron de Sisley, Paysage d’Auvers après la pluie de Van Gogh ou encore La Grenouillère et La Rêverie, portrait de Jeanne Samary de Renoir.
• Le musée de l’Ermitage de Saint-Pétersbourg possède également des toiles de la collection Morozov de grande qualité, comme le Portrait de Jeanne Samary en pied de Renoir, Étang à Montgeron de Monet, ou Nature morte au rideau de Cézanne.

Mikhail Morozov, vie mondaine et passioné d’art

Mikhaïl s’est marié le 10 novembre 1891, alors qu’il était encore étudiant en avant-dernière année. Il a choisi comme épouse Margarita Kirillovna Mamontova, âgée de dix-huit ans, réputée être la première beauté de Moscou, représentante de la famille de marchands Mamontov.

Le mariage a été magnifiquement célébré au restaurant Hermitage. Le même jour, le couple est parti pour Saint-Pétersbourg où il a passé sa lune de miel à l’hôtel Evropeyskaja. Le même jour, le couple est parti à Saint-Pétersbourg pour sa lune de miel à l’hôtel Evropeyskaya. Le jeune couple devient un habitué des théâtres Mikhailovsky et Alexandrinsky. Après Saint-Pétersbourg, Mikhail et sa femme se sont rendus à Paris où ils ont également passé un mois. Les jeunes mariés ont ensuite visité Nice et Monte-Carlo. À Nice, leur voisin d’hôtel était la reine Victoria, et à Monte-Carlo, les Morozov ont rencontré la veuve de l’empereur Alexandre II, la princesse Ekaterina Yuryevskaya, lors d’une partie de roulette.

Michael et Margarita sont retournés à Moscou en mars 1892 et pendant un certain temps ont vécu dans un appartement loué, et six mois plus tard Michael a acheté l’ancien manoir du négociant en thé Konstantin Popov au coin de l’allée Glazovsky et du boulevard Smolensk, reconstruit par l’architecte Alexandre Rezanov en 1877. La maison, avec une terrasse semi-circulaire encadrée de colonnes et un jardin d’hiver, se dresse encore aujourd’hui au 26/9 boulevard Smolensky. Le jeune couple ne s’est rien refusé. Margarita Morozova se rappelle que jusqu’à deux cents invités assistaient aux réceptions et aux bals dans leur maison. Ils ont organisé des concerts, des pièces de théâtre artisanales et des spectacles en costumes. Ils avaient également leur propre maison à Paris et aimaient voyager : Espagne, Grande-Bretagne, Égypte.

L’ameublement de leur maison moscovite témoigne d’un bien-être total : deux voitures tirées par des chevaux, des repas raffinés, des bijoux fantaisie et les meilleurs tailleurs pour l’épouse. Les domestiques sont nombreux : un cuisinier coûteux, un barman avec des assistants, des cuisiniers, des valets de pied, une femme de chambre, une blanchisseuse, des lingères, un horloger, un portier, un cocher, un valet de chambre. La maison était équipée de sa propre centrale électrique, dont l’entretien était assuré par un électricien spécialement engagé.

En 1894, la deuxième exposition de MTH s’ouvre à Moscou. Konstantin Korovin expose « Paris Boulevard » et « A Northern Idyll ». Mikhail Morozov achète ces œuvres, lançant ainsi sa collection. Plus tard, son frère Ivan Abramovich s’est mis à collectionner lui aussi des tableaux.

En 1900, lors de la deuxième exposition du magazine « World of Art » au musée de l’école des arts du Baron Stieglitz, Mikhail Morozov a acheté le tableau « Swan-Princess » à Mikhail Vrubel pour 300 roubles. Lors de l’exposition « World of Art » suivante, en 1901, Morozov a acheté « An Intimate Extravaganza » de Paul Benard et « A Man Tearing Fruit from a Tree » de Paul Gauguin pour 18 000 francs.

Enfin, en 1893, un important groupe d’artistes se réunit dans la maison de Mikhail, dont les membres réguliers comprennent Mikhail Vrubel, Valentin Serov et Konstantin Korovin.

Enfant, Morozov a souffert de la scarlatine avec des complications rénales et cardiaques, mais il n’a pas pris soin de sa santé et n’a pas suivi les recommandations des médecins. Selon les souvenirs de sa femme, « lorsque les médecins lui ont diagnostiqué une néphrite, il buvait de la vodka tous les jours et en mangeait avec de la viande crue et des poivrons. C’était horrible à regarder ! »

Le 22 septembre 1903, Mikhail Morozov a soudainement développé une néphrite. Le professeur Leiden, un médecin généraliste, a été convoqué de Berlin pour le voir. Le 12 octobre, dans sa 34e année, Mikhail Abramovich Morozov est mort.

Arsène Morozov, le dandy

Arsène ne participe pas à l’entreprise familiale : sa mère et son frère aîné Ivan sont responsables de la manufacture de Tver. Arseny n’était connu à Moscou que comme un bacchanal, un bel homme et un homme prodigue. En outre, il était éleveur de chiens et un chasseur passionné.

Il étudie à Moscou puis en Angleterre. Lors de ces nombreux voyages en Europe, il découvre le fabuleux palais portugais de Sintra. À son retour à Moscou, il a décidé de construire une maison-château dans le style hispano-mauresque sur un terrain que lui avait donné sa mère Varvara le jour de son 25e anniversaire. Le manoir de Vozdvizhenka a été conçu par son ami Victor Mazyrin. Il a fallu trois ans (1897-1899) pour construire un bâtiment aux formes fantaisistes et à la décoration complexe.

Dès le début de sa construction, il est devenu l’objet de conversations amusées des Moscovites, de commérages, de rumeurs et de critiques dans la presse. L’opinion publique considérait ce manoir exotique comme une pure excentricité. Les conversations autour de sa construction se reflètent dans le roman de Léon Tolstoï, Résurrection (publié en 1899) : le prince Nekhlioudov, en passant devant la bâtisse de Morozov, trouve qu’il s’agit « d’un palais stupide et inutile pour une personne tout aussi stupide et inutile ».

Une légende existe qui rapporte que la mère d’Arseni, une femme colérique et à la langue bien pendue, visitant les travaux de la maison de son fils en décembre 1899, aurait dit : « Avant je savais que tu étais un imbécile, mais maintenant tout Moscou le saura ! »

Le style néo-mauresque se manifeste d’abord dans la conception du portail de l’entrée officielle et dans les deux tours de chaque côté de celui-ci. Une ouverture en forme de fer-à-cheval, accompagnée de colonnes torsadées fantaisistes, de moulures en forme de coquillages sur les tours (solution décorative qui rappelle les murs de la Casa de las Conchas à Salamanque), et la corniche ajourée et l’attique créent une impression unique. Dans les autres parties du bâtiment apparaissent des éléments de styles différents : ainsi certaines ouvertures de fenêtres sont flanquées de colonnes classiques. La composition d’ensemble avec un manque de symétrie des éléments du bâtiment participe aux techniques caractéristiques de l’architecture art nouveau. La décoration intérieure des locaux reflète la diversité des centres d’intérêts du propriétaire pour la décoration : la salle à manger d’apparat, appelée Salle des chevaliers, est décorée dans le style pseudo-gothique russe, le salon principal, dans lequel se déroulaient des bals est de style Empire, le boudoir pour l’épouse du propriétaire est décoré dans le style baroque. On trouve également des éléments de style arabe et chinois. Au-dessus de l’hôtel a été aménagé un petit jardin suspendu.

La vie d’Arseny Morozov a été écourtée d’une manière maladroite. Une fois à Tver, dans l’une des usines familiales, Arseny Morozov paria avec des amis qu’il se tirerait une balle dans la jambe sans ressentir de douleur grâce au pouvoir de l’esprit, qu’il avait développé avec les techniques ésotériques de Mazyrin ; s’étant tiré une balle dans la jambe sans montrer de douleur, il gagna le pari, mais la blessure non soignée entraîna un empoisonnement du sang, et Arseny Morozov mourut trois jours plus tard, le 24 décembre 1908 (6 janvier 1909) à l’âge de 35 ans.

Exposition « Frère Ivan. Collections de Mikhail et Ivan Morozov»

Du 28 juin au 30 octobre 2022, le Musée Pouchkine, présente une exposition consacrée aux frères Morozov, la dernière d’une série de projets sur ces grands collectionneurs en Russie et en France. Créées par Mikhail (avec passion et émotion) et Ivan (avec la persévérance et la confiance d’un connaisseur), les collections étaient à la fois une pratique et un rêve, le fruit d’un travail acharné et d’une réflexion. Conçue par Ivan, sa collection va devenir un musée idéal, pensé dans les moindres détails. À l’image de l’exposition, ayant temporairement réuni les parties françaises et russes des collections des frères, nous avons essayé d’imaginer ce que pouvait devenir un tel musée au cours du XXe siècle – dans ces années où se développait l’architecture du modernisme – noblement sobre, laconique et à l’écoute de la contemplation des collections rassemblées par les chefs-d’œuvre des collectionneurs moscovites.

Exposition « La collection Morozov, icônes de l’art moderne »

Du 22 septembre 2021 au 22 février 2022, la Fondation présente La Collection Morozov, l’une des plus importantes collections au monde d’art impressionniste et moderne. L’exposition événement réunit plus de 200 chefs-d’œuvre d’art moderne français et russe des frères moscovites Mikhaïl Abramovitch Morozov (1870-1903) et Ivan Abramovitch Morozov (1871-1921). C’est la première fois depuis sa création, au début du XXe siècle, que la Collection Morozov voyage hors de Russie.

La Collection Morozov. Icônes de l’art moderne rassemble un ensemble d’œuvres d’artistes français et russes parmi les plus iconiques de cette Collection : Manet, Rodin, Monet, Pissarro, Lautrec, Renoir, Sisley, Cézanne, Gauguin, Van Gogh, Bonnard, Denis, Maillol, Matisse, Marquet, Vlaminck, Derain et Picasso aux côtés de Répine, Korovine, Golovine, Sérov, Larionov, Gontcharova, Malévitch, Machkov, Kontchalovski, Outkine, Sarian ou Konenkov.

Conçue par Anne Baldassari, commissaire générale, l’exposition se déploie dans une muséographie originale évoquant références historiques et intemporalité d’œuvres emblématiques de la modernité artistique naissante de la fin du 19ème siècle et du début du 20ème siècle.

Si vous n’êtes pas à Paris, suivez la commissaire de l’exposition pour une visite guidée en direct, en attendant de découvrir ces chefs-d’œuvre sur place du 22 septembre 2021 au 22 février 2022.

Reportage : Les frères Morozov, mécènes et collectionneurs

• Chaîne: Arte
• Titre de l’émission : Les frères Morozov, mécènes et collectionneurs
• Réalisation: Elisabeth Kapnist
• Année: 2021
• Date de diffusion : Du 19/09/2021 au 24/11/2021
• Durée : 52 minutes

Émaillé d’archives, de focus sur des œuvres emblématiques et d’éclairages de spécialistes – dont Anne Baldassari, commissaire générale de l’exposition présentée à la Fondation Louis-Vuitton –, ce documentaire retrace la captivante saga des frères Morozov, figures hautes en couleur et oubliées de l’histoire de l’art.

Date de diffusion de la vidéo ci-dessous : Du 19/09/2021 au 24/11/2021

Le passionnant portrait de Mikhaïl et Ivan Morozov, flamboyants collectionneurs russes du tournant du XXe siècle, dont les trésors, de l’impressionnisme à l’art moderne, sont présentés à la Fondation Louis Vuitton.

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Ilia Répine (en russe : Илья́ Ефи́мович Ре́пин) est un célèbre peintre russe qui voit le jour dans une famille modeste. Son père est en effet soldat et vendeur de chevaux, tandis que sa mère tient une petite école pour les paysans. C’est elle qui fait l’éducation du jeune Ilia, lui lisant les œuvres de Pouchkine, Gogol et Lermontov. Autant d’auteurs que Repine illustrera par la suite, dans des séries d’aquarelles et de dessins.

Temps de lecture estimé : 20 minutes

Biographie d’Ilia Répine

De son enfance à sa première femme

Ses talents de peintre se révèlent très tôt. À treize ans, il obtient un poste d’apprenti dans un atelier de peinture d’icônes. Puis il est admis à l’Académie des beaux-arts de Saint-Pétersbourg, où il étudiera pendant huit ans. De cette période restent plusieurs toiles d’un goût et d’une facture classique, dont la plus connue est sans doute La Résurrection de la fille de Jaïre (1871).

Paradoxalement c’est au sortir de cette période académique, à tout juste vingt-huit ans, que Répine peindra une de ses œuvres les plus célèbres : Les Bateliers de la Volga (1873). L’idée lui vient lors d’un voyage sur le plateau de la Volga, en compagnie de son frère. Les jeunes gens y rencontrent les fameux bateliers, ou bourlakis qui charriaient les navires le long des berges du fleuve, souvent à contre-courant. Un labeur que Répine décide aussitôt de porter sur la toile, mettant un point d’honneur à ne rien inventer, restituant les visages, les costumes, les attitudes des véritables bateliers, pour un résultat saisissant de réalisme.

À la même époque, Ilia Repine rencontre sa première femme Vera Alexeïevna, qui lui donnera quatre enfants. Tout au long de sa vie, le peintre réalisera différents portraits de sa famille et de ses proches, dans lesquels il exprimera un lyrisme tendre et charmant, tranchant assez avec le reste de son œuvre.

Ilia Répine jusqu’à la consécration

Après un bref voyage en Europe, où il visite les grandes galeries, Répine s’établit ensuite à Moscou, où il devient membre des Ambulants. Ce groupe de jeunes artistes rejettent l’esthétique classique de l’Académie, ainsi que les influences occidentales. Ils privilégient plutôt une forme de réalisme social, et œuvrent à la création d’une peinture typiquement russe.

C’est dans cette veine qu’Ilia Répine produira ses plus grands œuvres, abordant tantôt des sujets populaires voire triviaux (Procession religieuse dans la province de Koursk, 1883), tantôt s’appropriant les figures sanguinaires de l’histoire russe (La Régente Sophie, 1879), ou  puisant simplement dans les contes et légendes nationales (Sadko, 1876).

Au sommet de son art

Désormais reconnu, Ilia Répine tisse des liens d’amitiés avec d’autres célébrités du monde des Arts et des Lettres, dont il fera souvent le portrait, comme Tourgueniev, Moussorgski, ou Tolstoï (qu’il peindra en habits de laboureur !)

Il n’hésite pas à dresser des passerelles entre les différentes formes d’art. Ainsi, c’est lors d’un concert de Rimski-Korsakov que lui vient l’idée du tableau Ivan le Terrible tue son fils (1885). Sans doute sa toile la plus sombre et la plus violente.

« À Moscou en 1881, j’ai entendu une nouvelle pièce de Rimsky-Korsakov, « Vengeance ». Cette mélodie s’est emparée de moi, et je me suis demandé si je pouvais incarner en peinture cette émotion que la musique m’avait fait ressentir. Je me suis alors souvenu du tsar Ivan. »

Ilya Repine

12 années pour un masterpiece

Dans la même logique, Répine devient membre de l’association Mir iskousstva (Le Monde de l’Art), qui rassemble différents peintres, décorateurs, costumiers et metteurs en scène de théâtre ou de ballet. Tous mettent leur travail en commun, et tentent de dépasser les clivages entre leur discipline respectif.

La notoriété d’Ilia Répine va croissante et il reçoit plusieurs commandes d’Etat. Pendant douze longues années, il travaille également à un autre de ces chefs-d’œuvre : Les Cosaques zaporogues écrivant une lettre au sultan de Turquie (1891). La toile fait référence à un épisode historique véridique : en 1676 cosaques du Dniepr reçoivent un ultimatum du sultan Mehmet IV, exigeant leur soumission. Peuple fier et belliqueux, les cosaques répondent dans une lettre remplie d’insultes et de jurons ! Répine tire du sujet un tableau haut en couleur et très expressif. Aujourd’hui encore, c’est l’une des peintures les plus appréciées des Russes. Il n’est pas rare d’en voir des reproductions sur la vaisselle ou le service à thé.

Cliquez sur l’image pour découvrir 281 pages publiées en 2012 par Parkstone International

Sur ces vieux jours, Ilia Répine se retire en Finlande où il écrit ses mémoires. Il prend ses distances avec la Révolution d’octobre et l’URSS naissante. Malgré les invitations de Staline et du Politiburo, il ne reviendra jamais en Russie. Il s’éteint dans sa propriété de Kuokkala, à 86 ans.

Anecdote sur Ilia Répine

Répine a entretenu un rapport compliqué avec la censure et le pouvoir tsariste :

• En 1885, la toile Ivan le Terrible tue son fils est présenté au tsar Alexandre III. Le souverain la trouve si morbide qu’il l’a fait interdire. C’est la première peinture censurée dans l’Empire russe.
• En 1891, le même tsar Alexandre III débourse 35 000 roubles pour Les Cosaques zaporogues écrivant une lettre au sultan de Turquie. C’est la toile la plus chère de son temps.

Comme ses amis Tolstoï et Gorki, Ilia Répine était végétarien.

Fait rare pour l’époque, Ilya Répine ne possédait pas de domestiques. Plusieurs pancartes étaient accrochées à l’entrée de sa maison de Kuokkala : « Débrouillez-vous ! », « Enlevez votre manteau et déchaussez-vous tous seuls ! » ou même « Les domestiques sont la honte de l’humanité ! »

En 1948, son village de Kuokkala (Finlande) a été renommé Répino en son honneur.

Les maisons-musées, lieux où a vécu Ilia Répine

Il existe quatre maisons-musées consacrés à Répine sur les territoires russes, ukrainien et biélorusse, le plus connu étant celui des Pénates, propriété dans laquelle il vécut environ trente ans.

Repino ou les Pénates

En 1899, Ilya Répine acheta une ferme à Kuokkale (aujourd’hui le village de Repino). La petite maison a été reconstruite selon le projet de l’artiste : un deuxième étage avec un grand atelier lumineux a été érigé et plusieurs pièces ont été rénovées. Le peintre a nommé le domaine en l’honneur des dieux romains du foyer – « Penates ». Leurs images étaient ornées de portes en bois peintes, créées d’après un dessin de Repin. Il a lui-même planté des arbres et creusé des canaux afin que plusieurs petits lacs apparaissent sur le site.

Chaque mercredi, les Pénates étaient « portes ouvertes » – des invités venaient voir Ilya Répine et sa femme. La tradition des réceptions officielles a été introduite par la seconde épouse de l’artiste, Natalya Nordman, afin que le reste du temps, le peintre ne puisse pas être distrait de son travail. Sergueï Essénine, Maxim Gorky, les compositeurs Alexandre Glazounov et Anatoly Lyadov, le chanteur Fédor Chaliapine, le critique Vladimir Stasov, ainsi que de nombreux artistes, se rendaient régulièrement aux Pénates . Les gens venaient ici avec des amis et des connaissances, pas nécessairement sur invitation.

Retrouvez plus d’information dans notre article dédié à Repino ici.

Œuvres visibles sur place :

• Dans la salle du Conseil d’Etat
• Portrait de Vera Repina. 1925
• Hommes libres de la mer Noire. Début des années 1900

Une petite maison à Chiriaïevo

En 1870, trois jeunes artistes , Ilia Répine, Fiodor Vassiliev et Ievgueni Makarov, ainsi que le frère d’Ilia Répine, Vassili Répine, passent plusieurs mois à Chiriaïevo. Répine a décrit ces moments dans son ouvrage Le lointain proche. Ce qui frappe la plus dans la Volga, écrit-il, ce sont ses vastes espaces. « Aucun de nos albums ne pourraient contenir une pareille perspective ». C’est là qu’il a esquissé son tableau Les Bateliers de la Volga.

Musée d’Art et de Mémoire Ilia Répine à Tchouhouïv

Le peintre y a habité à plusieurs reprises auprès de ses parents, notamment dans les années 1870 et 1890. Tchouhouïv se situe en Ukraine à côté de Kharkiv. En 1889, à partir d’archives conservées à Kiev, l’atelier du peintre, presque complètement détruit durant la seconde guerre mondiale, a été reconstitué.

Site internet du musée ici.

Œuvres visibles sur place :

• Nikolai Mirlikisky soulage trois condamnés innocents de la peine de mort. 1890
• Portrait d’un habitant de Chuguev S.L. Lyubitskaya. 1877
• Portrait de l’écrivain T.L. Shchepkina-Kupernik. 1914
• Portrait de V.V. Stasov. 1905
• Portrait de T.P. Chaplygin, I.E. cousin de Repin. 1877
• Etude pour le tableau « La séance solennelle du Conseil d’Etat le 7 mai 1901 ». 1903

Au Musée d’État des beaux-arts de Kharkiv :

• Les Cosaques écrivent une lettre au sultan turc. 1889-1896
• Cosaque dans la steppe

Au Musée d’État d’art russe de Kiev :

• Portrait de S.A. Repina, née Shevtsova
• Un portrait du poète Voinov. 1923-1926
• Un portrait du poète S. Gorodetsky et de sa femme. 1914
• Jeunes femmes parmi un troupeau de vaches
• Calvaire (La crucifixion du Christ). 1869
• Tête de paysan
• Suivez-moi, Satano.
• L’historien Nikolai Ivanovich Kostomarov dans son cercueil. 1885
• Des baby-sitters italiens. 1870
• Nonne. 1887
• Au bord de la mer. 1904
• Vieux paysan. 1885
• Cabane ukrainienne. 1880
• Figure d’un homme dansant. 1900

Musée-domaine Ilia Répine à Zdravnevo

La ville de Vitebsk est située à une vingtaine de kilomètres au sud du domaine de Zdravnevo. C’est une ville de province mais elle dispose déjà de structures culturelles à la fin du XIXe siècle. Plusieurs peintres plus ou moins proches du groupe des Ambulants travaillent, exposent et enseignent dans la ville : Julius von Klever, Iouri Pen. Klever était parfois considéré comme le maître de Pen. Quant à Pen lui-même il s’installe dans la ville en 1891 et crée l’école artistique de Vitebsk en 1892. Il a comme élève Marc Chagall pendant quelques mois, et restera plus tard son ami quand Chagall reviendra de Paris (de 1914 à 1922). En 1892, Ilia Répine vient s’installer dans une campagne proche de la ville. Il y acquiert une superbe propriété au bord de la Dvina, à Zdravnevo. Il va y passer tous les étés de 1892 à 1900 avec toute sa famille et y recoit de nombreux amis artistes. À son ami Léon Tolstoï, qui lui demande pourquoi il a choisi de s’installer près de Vitebsk, il répond qu’il aime le pittoresque de la ville qui lui paraît semblable à Tolède.

Œuvres visibles sur place :

• Motif africain
• Portrait de femme
• Femme à la casquette
• Zaporozhets
• Mère de Dieu et Enfant. 1896
• Dans le gradin supérieur du théâtre
• Défecteur. 1917 
• Chevaux
• Paysage de Zdravnevo
• Portrait de P. Schindler
• Le sermon de Kuntsevich en Biélorussie. 1893
• Christ avec une coupe. 1894

Au Musée national d’art de la République de Biélorussie, Minsk :

• Cosaques.
• Nuit au clair de lune des années 1880 . Zdravnevo. 1896
• Portrait de L.P. Steingel. 1895
• Portrait de M.F. Andreeva. 1905
• Portrait de l’artiste V.S. Svarog. 1915

Où voir les œuvres d’Ilia Répine ?

La majeure partie des oeuvres se trouvent en Russie, en Ukraine et en Biélorussie.

Galerie Tretyakov de Moscou

177 Œuvres sont répertoriée à la Galerie Tretyakov de Moscou.

Musée russe de Saint-Pétersbourg

Une centaine d’œuvre d’Ilia Répine se trouvent au musée russe de Saint-Pétersbourg.

Musée-Réserve d’Abramtsevo

14 Oeuvres d’Ilia Répine sont stockées dans le domaine d’Abramtsevo aux portes de l’anneau d’or.

Autres musées avec des œuvres d’Ilia Répine

Voici une liste non-exhaustive des autres musées où voir les œuvres d’Ilia Répine. La liste des peintures est à retrouver en russe ici.

• Appartement-musée de I.I.Brodsky, Saint-Pétersbourg
• Musée-réserve de Novgorod
• Galerie de photos régionale de Tver
• Musée d’État « Art Culture du Nord russe », Arkhangelsk
• Musée Ateneum, Helsinki
• Galerie nationale d’Arménie, Erevan.
• Musée national d’art de Géorgie, Tbilissi
• Musée-Réserve de Pskov
• Musée d’art de Saratov
• Musée d’art d’Oulianovsk
• Musée d’art d’Extrême-Orient, Khabarovsk
• Musée d’art de Samara
• Musée d’art d’État de Nijni Novgorod
• Galerie d’art de Perm
• Galerie d’art régionale Primorsky, Vladivostok

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Marc Chagall est un artiste majeur du XXe siècle, presque aussi célèbre que Picasso dont il fut l’ami. Son œuvre, sans se rattacher à aucune école, présente des caractéristiques du surréalisme et du néo-primitivisme. Son œuvre, nimbée de sacré, s’inspire de la tradition juive qui a baigné son enfance. Exilé de Russie, Chagall s’installe en France en 1925. Il s’est essayé, outre la peinture sur toile, à la gravure, à la sculpture, à la poésie, à la peinture sur vitrail et sur émail. Ses toiles, hautes en couleur, sont à la fois oniriques et poétiques, en dépit d’une vie marquée par le déracinement et le traumatisme des deux guerres.

Temps de lecture estimé : 15 minutes

Biographie de Marc Chagall

L’odeur de l’enfance

Marc Chagall voyait le monde différemment. Cela ne fait aucun doute. Lorsqu’il est né dans la petite ville de Vitebsk en Biélorussie, la maison voisine était en feu. Plus tard, dans son autobiographie, simplement intitulée « Ma vie« , il écrit : « C’est peut-être pour cela que je suis toujours aussi nerveux ». En effet, en regardant des photos de lui, on peut remarquer une étincelle d’agitation omniprésente dans ses yeux. À travers ces yeux, il voyait le monde bouillonnant de vie, de couleurs, de tendresse et de bonheur. C’est ce monde qui transparaît dans ses œuvres, toujours inévitablement bucoliques et colorées.

Enfant, il dessinait ses tableaux sur des sacs suspendus au-dessus de son lit. Ses nombreuses sœurs les volaient secrètement et les utilisaient comme paillassons. Faire des choses en secret était généralement une chose facile dans une famille aussi nombreuse – Marc était l’un des neuf enfants. Se souvenant de son enfance, Chagall a écrit que « ça sentait le hareng fumé ». Le hareng était partout, sur la table du dîner et dans le garde-manger.

Il remplissait l’épicerie de sa mère et était le principal produit de l’usine dans laquelle travaillait son père. Les parents de Chagall espéraient que leur fils ferait quelque chose d’utile de sa vie. « Deviens comptable ou intendant », disaient-ils, « ou, au moins, photographe ! » Mais le jeune Chagall ne voulait pas de ça. Il passait son temps à dessiner tout ce qu’il voyait et ignorait joyeusement tout ce qui se disait dans l’école synagogale qu’il fréquentait.

L’étudiant « capable »

Finalement, en 1906, cédant aux promesses de son fils, la mère de Chagall lui permet de suivre des cours de dessin avec le célèbre artiste local Yehuda Pen. Marc était rempli d’espoirs et de rêves, il s’attendait à ce que le célèbre maître s’incline devant la beauté de ses œuvres. Mais son maximalisme se heurte à un rejet sévère : Pen ne pensait pas que Chagall avait du talent. Il était, au mieux, « capable », disait-il.

L’artiste en herbe perd rapidement tout intérêt pour l’art classique formel. Il ne comprenait pas pourquoi il devait dessiner les têtes froides en marbre des Grecs anciens alors que tout ce qui l’entourait était tellement plus coloré, tellement plus vivant. Il a vraiment essayé, mais les Grecs anciens qu’il dessinait avaient l’air indubitablement juifs. Deux mois plus tard, Chagall quitte les cours de Pen, malgré l’immense respect qu’il porte à son professeur. Il se sent déçu, mais reste déterminé, toujours déterminé à montrer au monde comment il le voit, ou peut-être comment il devrait être…

La Bella vita

L’enfance se terminait rapidement, peut-être trop rapidement au goût de Chagall. Il était temps de passer à autre chose, de quitter le foyer parental, de grandir… Mais elle s’est vraiment terminée par une vision. Le nom de la vision était Bella. Elle est apparue devant Marc, littéralement au milieu de la rue, et, malgré des années de séparation, ne l’a jamais quitté depuis. L’artiste a écrit que lorsqu’il l’a vue, tout le reste a disparu. « Elle était seule, toute seule… J’étais entré dans une nouvelle maison et maintenant elle était à moi pour toujours ». Bella était la seule muse de Chagall. Avant même leur mariage, il la peignait nue, à la grande horreur de sa mère religieuse.

Il la peignait presque constamment : en blanc, en noir, nue, avec un bouquet de fleurs, survolant la ville… C’est elle qui a inspiré des chefs-d’œuvre tels que L’Anniversaire, La Promenade et Bouquet avec les amants volants. Mais tout cela, c’était pour plus tard. Pour l’instant, Chagall était jeune, amoureux et déterminé à conquérir la capitale du pays – Saint-Pétersbourg.

Le style de ne pas abandonner

Saint-Pétersbourg n’apprécie guère le futur artiste d’avant-garde de renommée mondiale. Chagall a tenté de s’inscrire dans une académie de dessin technique, dans l’espoir de rencontrer enfin des artistes partageant les mêmes idées et, plus concrètement, d’obtenir un permis de séjour sans lequel les Juifs n’étaient pas autorisés à vivre dans la capitale. Il est encore idéaliste et est vraiment surpris lorsque l’académie, conçue pour la riche aristocratie, rejette un juif issu d’une famille pauvre.

Ce rejet ne l’a pas beaucoup affecté psychologiquement – bien sûr, il était encore totalement confiant dans la valeur de sa vision. Le côté pratique, en revanche, n’était pas aussi bon. Chagall est contraint de vivre dans des pièces miteuses, dont les toits fuient souvent. Il a même été arrêté brièvement pour ne pas avoir de permis de séjour. Cependant, ne pas abandonner est devenu son style et, finalement, en 1910, il a été accepté dans une école d’art. Et là encore, il s’est senti mal à l’aise. L’éducation artistique classique, axée sur le redécoupage de statues anciennes, exigeait le réalisme. Chagall, en revanche, voulait changer le monde à sa guise : s’il voit un visage vert avec un paysage sur le front, pourquoi ne pas le peindre ?

Les couleurs de son monde

Ainsi, à l’âge de vingt ans, Chagall était tout à fait convaincu qu’il ne pourrait jamais tirer quoi que ce soit d’utile d’une école d’art. À quoi bon, si tout le monde peut finalement dessiner un Grec mort en plâtre ? Il a dit que malgré les louanges qu’il entendait, il savait qu’il voulait quelque chose de différent, un peu comme dans la prière qu’il a inventée lorsqu’il était enfant :

Entends-moi, Dieu, toi qui te caches dans les nuages ou derrière la maison du cordonnier, aide mon âme à remplir son but… Montre-moi mon destin. Je ne veux pas être comme les autres. Je veux voir le monde à ma façon.

Le souhait a été exaucé. Leon Bakst, un célèbre décorateur de théâtre de l’époque, est le premier à remarquer le talent de Chagall. C’est également lui qui a parrainé Chagall pour qu’il se rende à Paris pour la première fois en 1910.

À Paris

Par la suite et tout au long de sa vie, Chagall a parlé de Paris comme de son « second Vitebsk ». Elle n’est jamais devenue sa première. Malgré la longue séparation avec sa lointaine patrie, il l’a gardée partout où il est allé dans son cœur et, par conséquent, dans son art.

Et vous pouvez le voir très clairement : les petites chèvres, les harengs (tant de harengs dans ses tableaux !), les belles personnes aux cheveux bouclés, les violoneux, les marchands, les amoureux et, à nouveau, les harengs… Tous ces éléments rappellent si clairement les années de son enfance. Certains de ses amis ont dit en riant que, quoi qu’il peigne ou qui qu’il peigne, il en ressort inévitablement une autre version de Chagall.

Il avait une énergie phénoménale. Pendant les trois années qu’il a passées à Paris, il a réalisé des centaines de tableaux et rencontré des dizaines de personnes. De célèbres poètes d’avant-garde, qui ont rapidement formé le cercle des amis de Chagall, ont inventé de nombreux termes pour désigner son œuvre. Ils l’ont appelé « surnaturel », « coloriste », « surréaliste ». Les surréalistes français et les expressionnistes allemands ne manquèrent jamais de l’accueillir dans leurs clubs. Chagall, cependant, se contente de hocher la tête : il ne s’associe à aucune école particulière.

Il apprend des autres, s’inspire de leurs œuvres, mais surtout, il veut créer. Sa popularité en Europe grandit – en 1914, sa première exposition individuelle a lieu à Berlin – mais quelque chose le pousse à rentrer chez lui. Était-ce Bella ? Ou bien la série Vitebsk sur laquelle il travaillait ?

J’ai choisi la peinture, elle m’était aussi nécessaire que la nourriture. Elle me paraissait comme une fenêtre à travers laquelle je m’envolerais vers un autre monde.

Marc Chagall

L’amour en temps de guerre

Quoi qu’il en soit, à la veille de la Première Guerre mondiale, Chagall retourne en Biélorussie. Il travaille inlassablement à ses gravures, quittant à peine sa chambre, mais, finalement, comme s’il était frappé par la foudre, il offre sa main à Bella. Elle rit d’abord : « J’ai passé quatre ans à attendre un artiste ! » Ses parents sont fermement opposés à cette union

La fille de riches bijoutiers, épousant un pauvre artiste, le fils de quelques marchands de harengs… Que diront les voisins ? Mais ni Marc ni Bella ne s’intéressent à ce que les voisins ont à dire et, en 1915, le couple se marie.

Après la révolution bolchevique

Chagall a bien accueilli la révolution de 1917. Il était enthousiasmé par la rapidité avec laquelle les choses changeaient, par le sentiment de libération qu’elle procurait. Il est nommé commissaire aux arts de la province de Vitebsk et met à profit son énergie apparemment inépuisable. Chagall voyait sa ville natale comme une immense toile vide. Il voulait décorer ses maisons de bannières lumineuses et de peintures murales célébrant le début d’une nouvelle ère.

Il voulait apprendre à ses habitants à aimer l’art. Et c’est ce qu’il fit : le premier anniversaire de la révolution, la ville était remplie de vaches et de chèvres peintes, à la grande surprise des responsables du parti communiste. Déçu par son poste à Vitebsk, Chagall déménage avec sa femme et sa fille de quatre ans à Moscou pour s’occuper de la décoration du Théâtre de chambre juif.

Enfin célèbre

Pendant toute l’année suivante, il enseigne le dessin dans une école internationale pour orphelins de guerre. Mais il se lasse du régime communiste toujours plus strict et du mode de vie toujours plus pauvre. En outre, Paris l’appelle. Il se rend donc à Paris.

Ce qui suit est une avalanche de gloire. Ses tableaux sont exposés dans le monde entier, notamment dans les plus grandes galeries de Paris, Berlin, Cologne, Dresde, New York, Budapest, Amsterdam, Bâle, Prague et Londres. Sa femme et sa fille n’avaient plus à se battre pour joindre les deux bouts, essayant désespérément de trouver du pain et de coudre leurs bas.

La célébrité, apparemment, n’a pas affecté Chagall : il ne pouvait pas rester immobile, tant sur le plan géographique que dans son travail. Il a dit une phrase célèbre : « Je travaille dans le médium qui me plaît le plus à ce moment-là ». C’était un homme populaire : il a travaillé sur des illustrations, des costumes et des décorations de théâtre, des gravures, des essais critiques et des poèmes. Il a visité l’Italie, le sud de la France, l’Allemagne, l’Angleterre, avant de s’installer à New York en 1941 pour échapper à la menace du nazisme.

Paralysé par la perte

En 1944 survient le plus grand choc de la vie de l’artiste. Sa bien-aimée Bella, sa seule inspiration, meurt. Puis, la nouvelle suit : son Vitebsk bien-aimé est occupé par les troupes nazies.

Le 15 février 1944, un hebdomadaire new-yorkais publie la lettre de Marc Chagall « À ma ville de Vitebsk ».

Ma chère Vitebsk, il y a longtemps que je ne t’ai pas vue et entendue, que je n’ai pas parlé à tes ciels et reposé mes bras sur tes clôtures. Toutes ces années, comme un vagabond attristé, je n’ai pu que peindre ton souffle sur mes tableaux. C’est ainsi que je t’ai parlé, en te voyant dans mes rêves. Ma chère ville, avec toute ta douleur, tu ne m’as jamais demandé pourquoi je t’avais quittée et ce que je cherchais à la place. Nous étions séparés, mais chacune de mes photos incarnait ton esprit et ton visage.

Je suis heureux et fier de voir avec quelle fermeté tu t’es dressé contre le pire ennemi de l’humanité, je suis fier de ton peuple, de sa créativité et de la vie que tu as construite. Le mieux que je puisse me souhaiter est de t’entendre dire que je t’ai toujours été fidèle, sinon je ne serais jamais devenu un artiste !

Pendant plus d’un an, Chagall n’a pas trouvé l’inspiration. Il commençait sans réfléchir à peindre le tableau inachevé dans le coin de son atelier.

Le monde pour la toile

En 1947, Marc Chagall rentre en France pour y rester jusqu’à la fin de ses 98 ans, à la villa La Colline, dans les environs de Saint-Paul de Vence, sur la côte azuréenne de la Méditerranée. À 65 ans, il épouse Valentina Brodsky, qu’il appelle tendrement « Vava ». Elle n’était pas de taille pour Bella, bien sûr, et n’apparaissait que dans une seule de ses peintures : simple, étrangement réaliste, ne survolant pas une ville mais assise.

Après que Chagall eut quitté l’URSS en 1922, on le qualifia de Français, mais Chagall aimait tellement sa Vitebsk qu’il représentait sa ville natale dans presque tous ses tableaux, voire dans toute autre œuvre. Chagall était doué pour toutes les activités artistiques : il peignait, dessinait, sculptait, incrustait. Il a réalisé des illustrations pour la Bible et des vitraux pour des temples chrétiens en Suisse, en Grande-Bretagne et en Allemagne.

Il a conçu la façade du bâtiment de l’ONU à New York, il a créé une nouvelle décoration intérieure pour l’Opéra de Paris, il a travaillé sur les peintures murales du Metropolitan Opera de New York. Travaillant sur le projet d’illustration de la Bible qu’il a mené toute sa vie, il a visité des édifices religieux dans le monde entier, peignant des peintures murales et concevant des vitraux. Le monde entier était sa toile. Il l’a rempli de couleurs.

Où voir les œuvres de Marc Chagall ?

Les oeuvres de Chagall sont maintenant un peu partout sur la planete. Néanmoins, on en trouve beaucoup en Europe et aux Etats-Unis.

En France, vous pourrez en voir à Pairs, au Centre Pompidou mais aussi au musée Chagall de Nice et bien sur à Saint-Paul de Vence.

En Russie, elles sont principalement regroupée à la Galerie Tretyakov.

Pour aller plus loin dans le monde de Chagall

Les fables de La Fontaine illustrées par Chagall

Une de mes plus tenaces ambitions d’éditeur avait été de publier les Fables de La Fontaine dignement illustrées. C’est au peintre russe Marc Chagall que je demandai l’illustration du livre. On ne comprit pas ce choix d’un peintre russe pour interpréter le plus français de nos poètes. Or c’est précisément en raison des sources orientales du fabuliste, que j’avais songé à un artiste à qui ses origines et sa culture rendaient familier ce prestigieux Orient. Mes espérances ne furent pas déçues  : Chagall fit une centaine de gouaches éblouissantes.

Ambroise Vollard

Ce coffret célèbre ce dialogue entre deux artistes exceptionnels, La Fontaine, d’une part, aujourd’hui le plus connu des poètes français du XVIIe siècle, styliste éblouissant et moraliste de la nature humaine  ; et Marc Chagall, d’autre part, qui livre sa vision onirique et personnelle des Fables, nourrie par les paysages enneigés de Vitebsk et par un animisme hérité des traditions hassidiques d’Europe de l’Est, ponctuée des couleurs et des atmosphères de la Bretagne, de l’Auvergne et du midi de la France.

Réalisé en collaboration avec le Comité Marc Chagall, ce coffret rend hommage à cette rencontre artistique originale, à travers une soixantaine de gouaches magnifiques, accompagnées pour la première fois de leurs gravures. Il est complété d’un livret explicatif qui relate la genèse et le sens de ce dialogue entre les deux artistes.

La base de donnée du Centre Pompidou

Le Centre Pompidou dispose d’une gigantesque base de données dans laquelle on retrouve des milliers d’œuvres extrêmement bien documentées. Vous y trouverez 641 œuvres de Marc Chagall.

227 tableaux de Marc Chagall

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Artiste majeur du XX^ème siècle, le peintre Vassily Kandinsky est l’un des fondateurs de l’art abstrait. Il est notamment considéré comme l’auteur de la première œuvre non-figurative de l’histoire de l’art moderne.

Le 16 décembre 1866, à Moscou, naît Vassily Kandinsky – peintre, graveur, théoricien de l’art, fondateur de l’art abstrait, poète et dramaturge russe.

Kandinsky grandit dans une famille prospère, qui déménage à Odessa au cours de ses premières années. Il y reçoit une éducation classique, et étudie la musique et la peinture. Selon le souhait de ses parents, il obtient son diplôme de la faculté de droit de l’Université d’État de Moscou et devient professeur. Âgé de 30 ans, il se voit proposer un poste de professeur, qu’il refuse. Kandinsky avait déjà décidé de peindre…

Temps de lecture estimé : 6 minutes

Exposition « Dans l’intimité de Kandinsky »

Du 10 février au 31 décembre 2021 le Centre Pompidou initie une collaboration inédite avec Google Arts & Culture autour de l’œuvre de Kandinsky. Un projet tout-numérique sans précédent pour s’immerger dans le travail de cet artiste majeur et visionnaire de l’histoire de l’art du 20e siècle.

Cette exposition numérique regroupe plus de 3000 œuvres de l’artiste. Une première mondiale ! Par ailleurs, il est possible d’écouter les couleurs comme le faisait Kandinsky qui était atteint de synesthésie.

Début de carrière en Russie

En 1900, Kandinsky entre à l’Académie de peinture de Munich, dans la classe de Franz von Stuck, l’un des meilleurs dessinateurs allemands. Le maître est content de son élève, mais considère sa palette trop brillante. Répondant à ses exigences, Kandinsky peint toute l’année en noir et blanc, « étudiant la forme en tant que telle ».

Kandinsky fonde le groupe Phalanx, dans lequel il organise des expositions et enseigne.

Il se rend en Europe, et visite l’Amérique et la Russie. Puis il revint en Bavière, s’installe à Murnau et poursuit ses expériences – il peint des paysages expressionnistes des environs, s’essaye au fauvisme et à l’abstraction.

Après le déclenchement de la Première Guerre mondiale, Kandinsky s’installe à Moscou.

Dans sa peinture, la géométrisation d’éléments individuels s’intensifie, provoque d’une part par son propre processus de simplification, d’autre part par l’atmosphère avant-gardiste et artistique de Moscou à cette époque.

En Russie, Kandinsky s’inscrit dans le développement culturel et politique post-révolutionnaire. De 1918 à 1921, il collabore avec le Commissariat populaire à l’éducation aux beaux-arts dans le domaine de la pédagogie artistique et de la réforme des musées. Entre 1919 et 1921, il publie six grands articles et participe à l’organisation de vingt-deux musées provinciaux.

La carrière de Vassily Kandinsky en Allemagne

Pourtant, la pénétration de l’idéologie socialiste dans l’art n’est pas du goût de l’artiste… Vivement critiqué par ses opposants, il part pour Berlin en décembre 1921 et les peintures de Kandinsky sont retirées des musées soviétiques.

Walter Gropius, fondateur de l’École supérieure de construction et de design artistique (Bauhaus), invite Kandinsky à diriger l’atelier de peinture murale. La créativité de Kandinsky subit à nouveau des changements : des éléments géométriques sont de plus en plus présents, la palette est saturée d’harmonies de couleurs froides, le cercle est utilisé comme symbole sensuel d’une forme parfaite.

En 1932, les national-socialistes arrivés au pouvoir en Allemagne ferment le Bauhaus. Kandinsky et son épouse émigrent en France, où ils s’installent en banlieue parisienne.

La France pour dernière demeure

L’environnement artistique parisien – qui peine à reconnaître la peinture abstraite – réagit avec retenue à l’apparition de Kandinsky. En conséquence, l’artiste vit et travaille de manière isolée, se limitant à communiquer uniquement avec de vieux amis.

A cette époque, s’opère la dernière transformation de son style. Kandinsky n’utilise plus de combinaisons de couleurs primaires, mais fonctionne avec des nuances de couleurs faibles, raffinées et subtiles. En même temps, il complète et complique le répertoire des formes : de nouveaux éléments biomorphiques apparaissent.

Au cours des années suivantes, faute de matériaux, les formats de peintures sont de plus en plus réduits, jusqu’au moment où l’artiste est obligé de se contenter de gouache sur du carton de petit format.

Partisan de la théorie de l’interaction et de l’association de divers types d’art, l’artiste joue du piano et du violoncelle, aime le théâtre et revêt de combiner la couleur, la musique et la scène.

Au cours de sa vie, il a également publié ses mémoires, plusieurs essais, ainsi qu’un recueil de poèmes.

Il acquiert la nationalité française en 1939 et s’éteint à Neuilly-sur-Seine en 1944, laissant une œuvre abondante.

Où voir les œuvres de Vassily Kandinsky ?

Artiste prolifique et visionnaire, les œuvres de Vassily Kandinsky sont exposées dans les musées du monde entier et son patrimoine créatif est vendu aux enchères à des millions de dollars. En Juin 2017 une vente aux enchères chez « Sotheby » le « Murnau – paysage avec une maison verte » a été acheté pour 26,7 millions de dollars en 22 minutes et « Peinture avec des lignes blanches » accroché en 1974 à la galerie Tretyakov a été vendue 42 millions de dollars.

Une grande partie de ses tableaux se trouve au Centre George Pompidou à Paris mais aussi à la Galerie Tretyakov de Moscou et au Lenbachhaus de Munich.

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• Chaîne: ARTE
• Titre de l’émission : Arte Reportage
• Titre de l’épisode : Moscou : L’art et la ville
• Réalisateur : Documentaire d’Inga Wolfram
• Date de diffusion : Disponible du 12/07/2020 au 10/08/2020
• Durée : 52 minutes

Plongée dans la bouillonnante créativité de Moscou, capitale de l’art contemporain en quête d’émancipation, qui revisite le passé avec un regard critique et se montre ouverte à l’expérimentation.

Igor Chelkovski, sculpteur et peintre moscovite exilé à Paris, est retourné il y a quelques années vivre et travailler dans sa ville natale. Peintre talentueuse, Alexandra Paperno est, elle, rentrée des États-Unis pour exposer dans la capitale russe. Quant à la célèbre galerie d’État Tretiakov, elle présente non seulement d’étonnants trésors de l’avant-garde russe, mais aussi des œuvres majeures issues de l’époque soviétique. Plongée dans la bouillonnante créativité de Moscou, capitale de l’art contemporain en quête d’émancipation, qui revisite le passé avec un regard critique et se montre ouverte à l’expérimentation.

Reportage extraordinaire vous montrant une autre vision de la Russie avec des artistes incroyables. On a adoré !

Avis d’Alexandre de Russie

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Viktor Vasnetsov est un artiste-peintre qui a profondément marqué son époque et l’art russe. Il s’est illustré aussi bien dans la peinture et l’architecture que dans la réalisation de décors et costumes d’opéra. Précurseur du style néo-russe, il a délaissé le réalisme et les traditions artistiques de son époque au profit d’une réinterprétation du folklore et des contes russes.

Temps de lecture estimé : 5 minutes

Un début de carrière dans les pas des Réalistes

Une carrière ecclésiastique est le chemin tout tracé pour le jeune Vasnetsov, dont le père est prêtre à Viatka. Mais c’est au séminaire orthodoxe du village, où il étudie l’iconographie et prend des cours de dessin, que se développe sa passion pour l’art. Parallèlement à ses études, il travaille pour un marchant d’icônes et seconde l’artiste polonais Michał Elwiro Andriolli dans la réalisation des fresques de la cathédrale Saint-Alexandre Nevski à Viatka.

En 1867, le jeune aspirant peintre quitte le séminaire pour Saint-Pétersbourg afin d’intégrer l’Académie des Beaux-Arts. Dans la capitale, côtoyant les membres les plus éminents des Ambulants, parmi lesquels Ilia Répine et Ivan Kramskoi, avec qui il se lie d’amitié, Viktor Vasnetsov s’imprègne des idées de ce mouvement réaliste rejetant l’Académisme et prônant un art social. Le peintre se consacre ainsi à la représentation de scènes quotidiennes chez les paysans russes.

La mythologie russe, source d’inspiration inépuisable pour Viktor Vasnetsov

En 1878, après avoir passé plusieurs mois à Paris avec les Ambulants, Vasnetsov quitte Saint-Pétersbourg pour Moscou. Là-bas, il côtoie les artistes de la résidence d’Abramtsevo du mécène Mamontov, qui ne cessent de délibérer autour de sujets historiques et archéologiques. Ces discussions ont sûrement contribué à amener Vasnetsov vers ses sujets de prédilection : le folklore et les contes russes.

Dorénavant, c’est inlassablement que le peintre puise son inspiration dans la mythologie russe et les bylines pour réaliser des toiles aujourd’hui célèbres telles que Le Chevalier à la croisée des chemins (1882), Le Prince Igor sur le champ de bataille (1878), Le Tapis volant (1880), Ivan Tsarévitch chevauchant un loup gris, (achevé en 1889) ou encore Alionouchka (1881), qui, dans un premier temps, déplaît au critique Pavel Tretiakov. On reproche en effet à l’artiste l’abandon des principes réalistes prônés par les Ambulants. Ce n’est que dans les années 1880 que ses tableaux commencent à être appréciés et le succès est tout à fait au rendez-vous lorsque Vasnetsov expose son œuvre la plus célèbre à Saint-Pétersbourg Les Bogatyrs, commencée à Kiev mais achevée en 1898.  

La naissance du style néo-russe en architecture

Dès 1882, les projets architecturaux se multiplient et permettent à Vasnetsov de poser les bases de ce qui sera le style néo-russe. Il est chargé de la réalisation d’une frise pittoresque pour le musée historique de Moscou, pour lequel il crée également le décor intérieur, puis il conçoit une église à Abramtsevo. L’artiste va à rebours de la tradition architecturale de l’époque en ne recopiant pas à l’identique tous les détails de l’architecture du XIVème siècle de Novgorod ou de Pskov, mais en cherchant plutôt à en extraire sa quintessence.

En 1885, Viktor Vasnetsov voyage en Italie afin de découvrir les œuvres de la Renaissance et imagine les décors et les costumes de l’opéra La Demoiselle des neiges (Snegourotchka) de Nikolaï Rimski-Korsakov.

L’été de cette même année, le créateur s’installe à Kiev pour peindre des fresques pour la cathédrale Saint-Vladimir de Kiev. Une fois de plus, il s’écarte des traditions religieuses en vogue de l’époque, aussi bien russes qu’occidentales. Il est par la suite rejoint par quelques peintres tels que Vroubel, qu’il prendra sous son aile.

Après son retour à Moscou en 1891, Vasnetsov développe un style architectural fortement inspiré des contes de fées. Il conçoit l’architecture de sa propre demeure à Moscou en 1894, se trouvant rue Vasnetsov Pereulok (autrefois Troïtsky Pereulok) puis réalise les plans du Pavillon Russe à l’Exposition Universelle de Paris en 1898. Enfin, en 1904, l’artiste dessine les plans de son édifice le plus célèbre, aujourd’hui haut lieu de l’art russe : la Galerie Tretiakov.

Entre 1906 et 1911, Viktor Vasnetsov travaille aux mosaïques de la cathédrale Saint-Alexandre-Nevsky de Varsovie, avant la consécration suprême, puisqu’il est anobli par le tsar Nicolas II en 1912.

Où voir les œuvres de Viktor Vasnetsov ?

• Galerie Tretiakov
• Musée Vasnetsov, à Moscou
• Musée d’art de Nijni-Novgorod
• Musée d’Etat russe de Saint-Pétersbourg
• Musée d’art russe, Kiev

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Ivan Ivanovitch Chichkine est un peintre et graveur russe originaire du Tatarstan. Dès sa plus tendre enfance, le jeune Ivan, qui grandit dans la campagne de l’Oural, se passionne pour le dessin et la nature, notamment la forêt.

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Chichkine, artiste dès le début

Encouragé par ses parents à poursuivre dans cette voie, il part étudier à l’École de peinture, sculpture et architecture de Moscou en 1852. Il y reste quatre années pendant lesquelles Mokritski, son professeur, conscient du talent de son élève, l’encourage dans la peinture des paysages.

En 1856, Chichkine rejoint l’Académie de peinture de Saint-Pétersbourg où il révèle véritablement son talent tout en imposant son propre style. L’année suivante, il est récompensé par une médaille en argent pour ses dessins. En 1860, c’est la consécration avec l’or ! Cinq ans plus tard, il devient membre de cette même Académie, puis en sera professeur en 1873.

Le Titan de la forêt

C’est ainsi qu’on le surnomme parce que la forêt russe est définitivement son élément. Il la ressent au plus profond de son être, s’en imprègne, la peint telle quelle, avec une précision sans pareil dans les détails, mais sans chercher à la magnifier comme le font les peintres italiens.

A force d’observation, il connaît chaque essence d’arbre sur le bout des doigts ; il perçoit et pose sur la toile avec un réalisme surprenant, les jeux d’ombre et de lumière. La forêt et lui ne font qu’un. Mieux encore, la nature et lui ne font qu’un. D’où son exigence envers ses élèves qui redoutent de commettre la moindre erreur ! C’est pourquoi, aujourd’hui encore, Ivan Chichkine est considéré comme l’un des meilleurs peintres paysagistes en Russie.

Chichkine et la Société des expositions artistiques ambulantes

Lors de son séjour en Suisse et en Allemagne où il se perfectionne à l’Académie des beaux-arts de Düsseldorf, Chichkine comprend que la peinture russe doit garder son identité propre. Lorsqu’il rentre enfin dans sa Russie bien-aimée, il intègre en 1863 la Société des expositions artistiques ambulantes dont les membres, des peintres réalistes russes, sont contre l’enseignement, les sujets et les méthodes de l’Académie russe des beaux-arts de Saint-Pétersbourg. Dès lors, les tableaux de la Société des Ambulants, dont ceux de Chichkine, vont tenir une place importante dans toutes les expositions universelles, notamment celle de Vienne en 1873 où l’on parlera d’une Ecole russe.

En 1871, Ivan Chichkine fonde la Société des Aquarellistes. Il est un artiste reconnu et apprécié. L’empereur Alexandre III en personne s’intéresse à son œuvre et lui commande un tableau du massif de Bialoveza, en Biélorussie. Il a donc tout pour être heureux mais hélas, une série de deuils va assombrir son existence. Chichkine se noie dans le travail pour tenter de surmonter son chagrin.

A l’un des journalistes qui lui demande comment il souhaite mourir, le maître répond simplement : « Sans douleur, en toute quiétude et instantanément ». Son vœu est exaucé. Le 20 mars 1898 à Saint-Pétersbourg, il est terrassé par une crise cardiaque alors qu’il peint. Il est enterré au cimetière Tikhvine de Saint-Pétersbourg.

Ivan Chichkine expliqué par Irina Shuvalova

La campagne russe est l’une des plus charmantes du monde pour ses célèbres étendues de fleurs sauvages qui lui donnent un air de forêt au printemps. Mais aussi pour les hivers polaires de la toundra qui triomphèrent sur l’avancée de Napoléon et qui seront le cadre de nombreuses scènes célèbres de la littérature russe.

Qui d’autre ne put mieux les immortaliser qu’Ivan Shishkin (1832-1898), peintre paysagiste russe. Dans cet ouvrage exhaustif, Irina Shuvalova et Victoria Charles font une analyse approfondie de l’œuvre de Shishkin.

Irina Shuvalova est une historienne de l’art rattachée au département de la peinture russe de la fin du XIXe et du début du XXe siècle au Musée russe de Saint-Pétersbourg. Elle a organisé un certain nombre d’expositions sur l’art russe à l’étranger, et a beaucoup écrit sur le sujet. Victoria Charles possède un doctorat en histoire de l’art. Elle a intensivement publié sur l’histoire de l’art et a contribué à Art Information, un guide international d’art contemporain. Elle écrit régulièrement pour des journaux et des magazines.

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Quelques unes de ses œuvres

Plusieurs des œuvres d’Ivan Chichkine se trouvent à la Galerie Tretiakov de Moscou.

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Mikhail Aleksandrovitch Vroubel est un peintre russe de la fin du XIXème siècle. De la peinture à la gravure, en passant par la sculpture et les décors de théâtre : Mikhail Vroubel s’est illustré dans tous les arts picturaux.

Il est l’un des plus grands représentants du symbolisme et de l’Art nouveau en Russie. Surnommé le Cézanne russe, il est considéré comme le précurseur de l’art moderne et de l’avant-garde russe. Pourtant, ce n’est qu’à la fin de sa vie que la critique et le public ont reconnu son talent.

Les troubles mentaux dont il a souffert à la fin de sa vie et la figure récurrente du démon dans ses œuvres ont contribué à donner au peintre une image d’artiste solitaire et maudit.

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Etudes et début de la carrière de Vroubel

Après avoir étudié le droit à Saint-Pétersbourg, il intègre l’Académie des Beaux-Arts à 24 ans. C’est dans l’atelier de son professeur Pavel Tchistiakov qu’il met au point un nouveau langage pictural, sa technique cristallique, qui consiste en la juxtaposition de micro-surfaces. Avec de gros pinceaux, Vroubel « sculpte » la forme directement sur la toile et les contours des objets disparaissent. Comme dans la mosaïque, ce sont les surfaces assemblées qui créent la forme générale.

En 1883, invité par l‘historien d’art Adrian Prakhov, Vroubel part pour Kiev afin de restaurer l’Église Saint-Cyrille. Après plusieurs années de travaux qui lui font découvrir l’art byzantin et la peinture d’icône, il se rend à Moscou en 1889 et loge à l’atelier du peintre Constantin Korovine qui lui présente le mécène Mamontov.

Grâce à ce dernier, Vroubel se passionne pour la céramique à l’atelier d’Abramtsevo et reçoit de nombreuses commandes. C’est à cette époque qu’il réalise plusieurs œuvres architecturales pour des édifices de style moderne et néo-russe tels que la Gare de Iaroslavl ou la Maison de rapport Sokol.

Vroubel, artiste incompris et rongé par ses démons

En 1890, un projet d’édition de recueil en deux tomes à l’occasion du jubilé du Démon de Lermontov le ramène au thème du démon, qui avait commencé à l’intéresser durant ses travaux à Kiev. Il réalise alors Le Démon assis, son premier grand tableau sur le sujet. A rebours du naturalisme et du matérialisme de l’époque, Vroubel se fait le chantre d’une spiritualité dépassant le cadre chrétien, car c’est la dimension philosophique et psychologique du démon qui prime pour le peintre.

La symbolique du démon

Contrairement à la représentation religieuse, le démon de Vroubel n’est pas l’incarnation du mal. Solitaire, il est partagé entre le monde surnaturel et celui des hommes. Or, dans la conception symboliste, l’artiste est l’intermédiaire entre les hommes et le monde supérieur. C’est par le symbole qu’il doit révéler ce que les humains ne peuvent voir. C’est pourquoi les critiques ont tôt fait de comparer Vroubel à son sujet de prédilection, le démon.

Vroubel puise donc non seulement son inspiration dans les thèmes littéraires avec notamment Le Démon de Lermontov, mais également dans le folklore russe, en représentant des figures telles que la Princesse cygne.

Afin d’exprimer le surnaturel, Vroubel utilise aussi l’orientalisme et l’ornementalisme « Art Nouveau » (nature luxuriante, vêtements, chevelure) qui rendent les images plus exotiques.

Ses démons prennent le dessus

Le grand public découvre Vroubel en 1896 lors de l’Exposition panrusse de l’industrie et des arts de Nijni-Novgorod. Deux panneaux monumentaux de Vroubel, Mikoula Selianinovitch et La Princesse Grioza, au départ refusés par le jury, sont tout de même exposés grâce au soutien de Mamontov. Mais c’est un échec total, car les critiques accusent Vroubel, dont les œuvres prennent le contre-pied des idéaux sociaux de la peinture réaliste, de décadentisme.

En 1898, à Saint-Pétersbourg, l’artiste remplace Korovine, malade, à la réalisation des décors et des costumes de l’opéra-conte d’Engelbert Humperdinck, Hansel et Gretel. Quelques mois plus tard, il épouse l’interprète de Gretel, Nadejda Ivanovna Zabela.

En 1902, lorsque Le Démon terrassé est exposé, Vroubel retouche la toile de façon frénétique jusqu’au vernissage de l’exposition, alors même qu’elle est déjà accrochée.

Cette même année, les premiers symptômes d’une maladie mentale se manifestent, puis en 1903, son unique enfant, Savva, décède à l’âge de 2 ans, ce qui détériore davantage la santé fragile du peintre. L’artiste effectue alors plusieurs séjours en clinique psychiatrique jusqu’en 1906.

Vroubel, annonciateur des temps nouveaux de Mikhail Guerman (1997)

Reconnaissance tardive

Vers la fin de sa vie, le public et les critiques commencent à changer d’avis à son sujet. Le peintre Alexandre Benois et le mécène Serge de Diaghilev, fondateurs du mouvement artistique Mir Isskoustva, organisent en novembre 1902 une exposition de ses œuvres. L’exposition est un tournant pour l’héritage artistique de Vroubel.

En novembre 1905, Vroubel est honoré par l’académie de peinture pour « la brillante réussite de sa carrière artistique ». Devenu aveugle, vivant les dernières années de sa vie dans un état végétatif, l’artiste s’éteint en 1910.

Quelques unes de ses œuvres

Les œuvres de Vroubel sont visibles principalement à la Galerie Tretiakov de Moscou, au Musée russe de Saint-Petersbourg et au Musée national d’art de Kiev.

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