Kasta (En russe : Каста, signifiant caste) est un groupe de rap russe originaire de Rostov-sur-le-Don. Le groupe est dirigé par le MC et producteur Vladi. Les autres membres sont les MCs Shym, Khamil et Zmey, ainsi que le DJ Khobot. Kasta est notamment influencé par la tradition du rap de New York, en particulier par le Wu-Tang Clan. Fin 2022, il sort un album choc dénonçant les dérives de la guerre qui se prolonge.

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Biographie

Création et lancement de Kasta

À l’automne 1995, Vladi et son ami Tidan ont formé un groupe de rap appelé Psycholirik, que Shymon a rejoint un an plus tard. En 1997, Psycholirik et les rappeurs de Rostov ont formé une union sous le nom de Kasta,mais ce nom est également devenu celui du groupe successeur Psycholirik, dont Tidan s’est retiré. À sa place, Basta Hryu alias Vasily Vakulenko a rejoint le groupe en 1997 et Hamil en 1999.

L’idée de renommer Psycholirik en Kasta a été suggérée par Basta Hryu et Vladi en 1996 : initialement, Basta a proposé le nom Fu Blood Kasta dans la lignée de Wu Tang Clan, mais Shym a trouvé le nom peu sonore et finalement tout le monde s’est mis d’accord pour simplement « Kasta ».

Le collectif, qui se composait des groupes Grani, Sand People et de quelques MCs libres, a ensuite été connu sous le nom de United Kasta. Le premier album de United Casta, « Three Dimensional Rhymes », enregistré au studio de Vladi, a vu le jour en 1999. L’album a eu une fonction promotionnelle, car en plus des ventes, les cassettes ont été distribuées en quantités illimitées.

En 1999, Kasta a remporté le Grand Prix du Rap Music Festival, le plus grand festival de genre de l’époque. Parallèlement à la sortie de l’album, cet événement a contribué à accroître la popularité des rappeurs dans toute la Russie et dans les pays proches. Les premières tournées plus ou moins importantes commencent.

Kasta surfe sur les succès

En 2000, un nouveau label Respect Production a été créé spécifiquement pour Kasta. La compagnie fraîchement organisée a tourné pour les rappeurs leur premier clip à part entière « We take it in the streets » (Мы берём это на улицах), qui est devenu un succès auprès des fans.

La chanson suivante pour laquelle le clip a été tourné est « Up Taller ». Elle a eu lieu en 2001. À la même époque, Yuri Yarushnikov, alias DJ Khobot, a commencé à travailler avec Kasta.

2002 a été une année riche en événements pour le groupe. L’album « Louder Than Water, Higher Than Grass » (Громче воды, выше травы) est l’incarnation des qualités créatives et techniques des artistes de l’époque. Le disque a eu beaucoup d’écho dans la presse et à la télévision. Dès que le « buzz » s’est estompé, Vladi a sorti un album solo intitulé « What Shall We Do » en Grèce.

Avec la vidéo « About Max », les musiciens ont réussi à passer sur la chaîne MTV, dont le public était défavorable à l’esthétique du rap. Dans la vidéo, le réalisateur s’est éloigné de la démonstration d’une lecture pour présenter au public un scénario à part entière. Cette technique a fonctionné et le public du groupe s’est élargi.

Comme les noms des gars étaient sur toutes les lèvres, le réalisateur Yegor Konchalovsky a accepté d’utiliser deux compositions – « Duplicator » et « Hot Time » – dans le nouveau « Antikiller », une adaptation du roman du même nom de Danila Koretsky.

En 2003, Kasta a organisé un nouveau festival de musique, Nashi People, qui s’est avéré être une autre étape importante dans le développement du genre. En 2004, Hamil a sorti un album. Bien que l’album « Phoenix » soit considéré comme un album solo, les camarades du chanteur ont participé à son enregistrement.

Quelques années plus tard, un autre morceau des artistes a été utilisé comme bande sonore pour le simulateur de voiture Lada Racing Club. En même temps, Muz-TV a introduit une nouvelle nomination pour le meilleur projet rap/hip-hop de l’année, qui a été remporté par Kasta.

Six ans après la sortie de leur précédent album (on parle de général, pas de solo), les rappeurs ont sorti un nouveau disque, intitulé Bullseye. Les auditeurs accueillent chaleureusement la sortie, et les critiques saluent le travail plus sérieux sur les paroles et la composante musicale du disque.

La sortie du nouvel album a été suivie d’une restructuration de Respect Production. Une fois tous les éléments commerciaux en place, le groupe au complet s’est attelé au tournage des vidéos « Radio Signals » (Радиосигналы), « Encounter » (Встреча) et « Around the Noise » (Вокруг шум), puis aux concerts. La dernière vidéo a été tournée en Biélorussie, dans une ville dotée d’une unité militaire, où les artistes ont été autorisés à utiliser des tanks.

Tournée américaine

En 2013, Zmey (le serpent), membre de Kasta, a réussi à devenir le chanteur de la chanson « The Sky Has Us », qui est ensuite devenue l’hymne officiel du relais de la flamme olympique de Sotchi 2014. La chanteuse Yolka s’est produite en duo avec le rappeur.

En 2014, Kasta a réussi à se rendre aux États-Unis pour la première fois de sa carrière, pour faire la tournée des grandes villes américaines et voir de près les lieux où leur genre tant aimé est né et a été façonné. Les rappeurs en ont profité pour tourner plusieurs clips en Amérique.

Un an plus tard, Vladi sort son troisième album, un album conceptuel « Unsupported », composé de 12 titres. La première représentation de ces chansons a eu lieu au club RED de la capitale.

En 2017, inspirés par l’exemple de la composition virale du groupe « Грибы« , les gars de Kasta ont écrit la chanson Makarana, et ont également tourné une vidéo parodique pour celle-ci. Un peu plus tard, les rappeurs ont publié un clip pour un titre plus sérieux, « Oni », mais les interprètes ont également abordé cette nouvelle œuvre avec une bonne dose d’ironie.

Vers la fin de l’année 2017, les rappeurs se réjouissent avec l’album tant attendu Four Heads Shout (Четырехглавый орет), troisième œuvre de la discographie du groupe. L’album a présenté de multiples facettes, certaines chansons étant perçues comme très sociales, avec une touche caustique de satire. Cependant, les interprètes eux-mêmes ont déclaré dans une interview qu’il ne fallait pas le prendre trop au pied de la lettre, mais qu’il n’était pas non plus nécessaire d’entrer dans le brouillard : la vérité est simple, et elle se trouve à la surface.

En 2017, les rappeurs ont réussi à apparaître dans l’émission « Evening Urgant », dans l’émission « Where’s the logic ? », sur la chaîne du Big Russian Boss sur YouTube, à donner une interview à Yuri Dud, à participer au festival annuel « VKontakte » et bien plus encore.

Le groupe a notamment réalisé la vidéo « A Year in Search », créée en collaboration avec le segment russe du moteur de recherche Google, consacré aux requêtes les plus fréquentes des utilisateurs.

Premier film

L’un des principaux projets du groupe est le film Piter by Kasta de 2018. Outre les membres du groupe, le film présente Yulia Topolnitskaya, Artur Smolyaninov et Yuri Muzychenko, le leader du groupe The Hatters de Saint-Pétersbourg. L’idée principale du film est de raconter la biographie des quatre membres du groupe d’un point de vue alternatif, en les présentant comme des habitants de Saint-Pétersbourg. Le film a été diffusé en première sur TNT4.

En mars, les musiciens ont présenté un clip pour une nouvelle composition « At the other end » (На том конце), pour le tournage de laquelle ils ont invité leurs collègues Dzhigan et Ptaha, Sergei Shnurov, les blogueurs vidéo Natasha Krasnov et Kyivstoner (ancien membre du projet « Griby ») et d’autres. Les membres du groupe ont décidé de garder l’ensemble du clip dans une veine humoristique. Par exemple, à la fin de la vidéo, ils ont utilisé des plans avec des images superposées d’oreilles d’animaux de dessins animés et des jets de selfies Instagram.

La vidéo a reçu des réactions plus positives que le travail précédent de Kasta pour la chanson « Stop Game » (Стоп-игра). Ce clip a été tourné dans l’esprit des chroniques criminelles des années 90, où les plans de violence étaient périodiquement remplacés par des scènes de petits enfants jouant avec des armes d’adultes et des liasses de billets.

En été, le groupe a organisé un « Concert d’été » en solo à Museone. Auparavant, Kasta avait fait plaisir à ses fans en se produisant au festival des supporters de la FIFA à Rostov-sur-le-Don. Les musiciens sont montés sur scène entre deux matchs : Allemagne-Mexique et Brésil-Suisse. Le titre Kasta a été présenté à la télévision allemande. La musique des rappeurs russes était diffusée dans un clip accompagnant la retransmission des événements du mondial.

Roma Zhigan a eu l’idée d’un film sur la scène rap russe. Rapidement, en 2019 a eu lieu l’enregistrement du film Russian Hip Hop Beef, dans lequel Kasta a également joué. En même temps, la sortie du nouvel album du groupe, About the flaw, est claire. Les musiciens l’ont présenté lors du concert reprogrammé à Vladivostok en l’honneur du 20e anniversaire du groupe.

Sortons pour une marche

À l’automne 2020, les musiciens ont sorti le clip « Come Out for a Walk » (Выходи гулять), dans lequel leurs fans biélorusses ont vu une référence aux événements survenus dans le pays à l’occasion de l’élection présidentielle. Le nombre de spectateurs de la vidéo a grimpé en flèche dans les premières heures qui ont suivi son apparition sur la chaîne YouTube. C’est le début de l’engagement de Kasta.

La pandémie n’a pas affecté l’activité créative du groupe ; à la fin de l’année, ils ont préparé un CD intitulé « Inky Osminog ». Certaines chansons font référence à la vie personnelle des membres du groupe – le titre « Organ of Guardianship » a été créé par Shym après son divorce. Sur un autre disque, les musiciens ont présenté une collection de chansons pour enfants, « Albomba », destinée à la jeune génération. Les musiciens ont annoncé la nouvelle sur leur site officiel.

Février dure…

Début 2022, Vladi a sorti le clip « Article qui n’existe pas » dans le cadre d’une action avec l’organisation des droits de l’homme Comité contre la torture.

Le groupe Kasta peut être considéré comme l’un des principaux porte-paroles politiques du rap russe (voir les albums Four Heads Shout (2017) et About the Flaw Understandably (2019)). En 2022, en raison de ses prises de position, elle a été inscrite sur la liste officieuse des artistes interdits, et ses spectacles ont commencé à être interdits en Russie.

Nous grandissions, nous nous ennoblissions intérieurement, nous nous cultivions extérieurement, et il s’est avéré que nos vies ne sont pas foutrement nécessaires. Ce dont nous avons besoin, c’est de la grandeur. A quoi ça sert et ce qu’il faut en faire – juste pour l’avoir. Mes amis, si nous avons la chance à l’avenir d’être un pays ouvert et agréable, ne la manquons pas, comme la dernière fois.

Vladi

Discographie de Kasta

Albums

• 2002: Громче воды, выше травы (« Gromche vody, vyshe travy », « Louder than Water, Taller than Grass »)
• 2002: Что нам делать в Греции? (« Chto nam delat v Greciee? », « What do we do in Greece? ») [par Vladi]
• 2004: Феникс (« Dank Kush ») [par Khamil]
• 2005: Кипеш (« Kipesh », « Bustle ») [par Zmey et Grani]
• 2008: Быль в глаза (« Byl v glaza », « Facts to the Eyes »)
• 2010: ХЗ (« kHa.Ze. ») [par Khamil et Zmey]
• 2011: ЖаЗ дуэт (« ZhaZ duet », « ZhaZ (Jazz) duo ») (EP) [par Jara et Zmey]
• 2012: Ясно! (« Yasno! », « Clear! ») [par Vladi]
• 2017: « Четырёхглавый орёт » (« Chetyrekhglaviy oret »)
• 2019: Другое слово (« Another word ») [par Vladi]
• 2020: «Чернила осьминога»
• 2021: «Альбомба»
• 2022 : «Длится февраль» (« Février dure ») [par Vladi]

Albums of United Kasta (Объединенная Каста)

• 1997: Первый удар (« Pervy udar », « First Strike »)
• 1999: Трёхмерные рифмы (« Tryokhmernye rifmy », « 3D Rhymes »)
• 2000: В полном действии (« V polnom deistviee », « In Full Force »)

Mixtapes

• 2001: На порядок выше (« Na poryadok vyshe », « Vastly beyond »)
• 2002: Горячее время (« Goryacheye vremya », « Hot time ») [par Vladi]
• 2003: Алкоголики (« Alkogoliki », « Alcoholics ») [par Zmey etGrani]
• 2006: По-приколу (« Po-prikolu », « For fun »)

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Miron Yanovich Fyodorov (En russe : Мирон Янович Фёдоров) est plus connu sous le nom de scène Oxxxymiron. Cet artiste de hip-hop russe est l’ancien PDG de l’agence de réservation Booking Machine, ainsi qu’un cofondateur et ancien membre du label Vagabund. Il est l’un des artistes hip-hop les plus influents et les plus en vue en Russie. Ses albums The Wandering Jew et Gorgorod sont considérés par la communauté comme les sorties les plus importantes du rap russe.

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Biographie

De Minsk à Melbourne en passant par Israël

Miron Yanovich Fyodorov est né le 31 janvier 1985 à Leningrad, dans une famille de Juifs russes. Son père est un physicien théoricien de l’Institut Konstantinov de physique nucléaire de Saint-Pétersbourg et sa mère est bibliothécaire. À Saint-Pétersbourg, Miron fréquente l’école secondaire n° 185. Lorsqu’Oxxxymiron a 9 ans, sa famille émigre à Essen, en Allemagne. Pendant ses études à l’école Maria Wächtler, Miron avait des « relations tendues » avec ses camarades de classe en raison de son statut social et de son mauvais allemand. À l’âge de 13 ans, Miron Fyodorov commence à écrire des textes et à faire du rap en allemand et en russe sous le nom de MC Mif (de Miron Fyodorov). À 15 ans, les Fyodorov déménagent à Slough, au Royaume-Uni. En 2004, Miron Fyodorov commence à étudier à l’université d’Oxford, à la faculté d’anglais. Pendant ses études, Miron Fyodorov a été le président de la communauté russe d’Oxford. En 2006, on lui a diagnostiqué un trouble bipolaire et il a dû arrêter ses études. Après une pause, il a obtenu un diplôme en littérature anglaise en 2008.

Après l’université, Fyodorov a déménagé dans l’East End où il a relancé sa carrière musicale sous le nom d’Oxxxymiron. Le nom est dérivé de son prénom Miron, du dispositif rhétorique oxymoron et du triple X, représentant la grande quantité de blasphèmes dans ses paroles. Il n’a pas réussi à trouver un emploi en raison de sa surqualification perçue et a dû travailler comme caissier, traducteur, chargeur, guide, tuteur, MC et employé de bureau. La vie de Fyodorov à Londres a servi de base au scénario de la série télévisée russe de 2015, Londongrad.

Optik Russia (2008–2010)

En 2008, après une pause de sept ans, Oxxxymiron publie un nouveau titre London Against All (russe : Лондон против всех). La même année, il rejoint un label allemand Optik Russia où il rencontre Dmitry Khinter, connu sous son nom de scène Schokk. En 2008, Oxxxymiron a publié son premier clip vidéo, I’m a Hater (russe : Я xeйтep).

En 2009, Oxxxymiron a participé à la 14e bataille indépendante sur Hip-Hop.ru et a atteint les demi-finales. L’une des principales intrigues de la bataille était la confrontation par correspondance d’Oxxxymiron et du rappeur anonyme underground Babangida, qui s’est exprimée par des dissertations mutuelles l’une contre l’autre dans les morceaux des deux interprètes. Cependant, en raison du départ de Miron après le 8e tour, la confrontation en face à face entre eux n’a jamais eu lieu. À la fin de l’année, Oxxxymiron a remporté plusieurs nominations dont celle du meilleur MC.

Les 26 et 31 juillet de la même année, les premiers concerts de Miron ont eu lieu à Kiev et Odessa. En août 2010, Oxxxymiron et Schokk ont quitté Optik Russia.

Après cette période, le groupe devint autosuffisant. Une vie riche en tournées et un travail actif en studio ont commencé. En 2004, Bi-2 sort l’album « Inomarki », en 2006 le CD « Moloko », en 2009 « Lunapark », en 2010 ils enregistrent la bande sonore du film « What Men Talk About » et en 2011 « Spirit », qui est devenu la première expérience de crowdfunding pour le groupe.

À l’automne 2014, le CD « 16 Plus » est publié. Ce 9e album studio comprend les tubes « Compromise » et « Enlisted in the Army ».

Vagabund (2011)

En automne 2010, Oxxxymiron et Schokk ont fait une tournée dans les pays de la CEI. Un an plus tard, Oxxxymiron, Schokk et le manager Ivan Karoy aka Vanya Lenin ont fondé un label indépendant Vagabund. Le 15 septembre 2011, Vagabund publie le premier album de Fyodorov, The Wandering Jew, qui reçoit de nombreuses critiques positives. Le 30 octobre 2011, Vagabund a donné son dernier concert. Le 1er novembre 2011, Oxxxymiron a quitté Vagabund en raison d’un conflit entre les membres du label et le rappeur moscovite Roma Zhigan. Le 6 novembre, il donne un concert a cappella gratuit à Moscou et retourne à Londres.

miXXXtape (2012–2014)

Le 12 mars 2012, Oxxxymiron a publié miXXXtape I qui comprend les meilleurs titres enregistrés de 2008 à 2011. Le 18 octobre 2013, miXXXtape II : Long way home (russe : Долгий путь домой) a été publié. Il comprenait les meilleurs morceaux de 2012 à 2013 et remixait les bars d’Oxxxymiron de son combat contre Krip-a-Krip dans Versus Battle league. Le 8 août 2014, Oxxxymiron a repoussé la date limite de sortie de son deuxième album pour une durée indéterminée alors que sa sortie était prévue pour le 14 août 2014.

Gorgorod (2015–2016)

Le 25 août 2015, le vidéoclip Londongrad (russe : Лондонград) a été publié en tant que bande-annonce pour la série télévisée Londongrad basée sur la vie de Miron à Londres avant de relancer sa carrière de rappeur. Le 21 septembre, Oxxxymiron a publié le clip City under the Sole (russe : Город под подошвой) qui a été regardé 2 millions de fois en une semaine.

Le 13 novembre 2015, Oxxxymiron a publié son deuxième album, Gorgorod (russe : Горгород) qui est devenu l’album de musique russe le plus populaire de 2015. C’est le début de la gloire.

Le 28 juin 2016, Oxxxymiron est devenu le premier ambassadeur de Reebok Classic en Russie. En 2017, Oxxxymiron est devenu le PDG de l’agence de réservation Booking Machine (BM).

Depuis 2017

Le 28 septembre 2017, il a été annoncé qu’Oxxxymiron jouera dans l’adaptation cinématographique du roman Empire V de Victor Pelevin. Le réalisateur du film est Victor Ginzburg, célèbre pour la version à l’écran du roman Génération « П ». En 2021, Oxxxymiron a également joué le rôle du compositeur Nikolai Rubinstein dans La femme de Tchaïkovski de Kirill Serebrennikov.

En septembre 2019, Oxxxymiron a participé de manière inattendue à la 17e Independent Battle sur Hip-Hop.ru et a passé le cap du premier tour de qualification. Après cela, une certaine vague d’excitation a commencé autour de l’événement, et de nombreux artistes de hip-hop célèbres y ont également participé (Egor Kreed, Noize MC, L’One, ST1M, Yury Khovansky, etc.). Le 2 mars 2020, Oxxxymiron a annoncé son rejet du 5e tour de la bataille sur Twitter et n’ira pas au bout.

Le 1er novembre 2021, Oxxxymiron a publié une vidéo musicale de dix minutes intitulée Who killed Mark ? Le 12 novembre, la troisième mixtape de Fyodorov, miXXXtape III : Time of Troubles, est sortie. Elle comprenait 36 chansons de 2014 à 2021 et deux nouveaux titres parmi eux. Le single de neuf minutes Who killed Mark ?, qui a précédé la sortie de la mixtape, n’a pas été inclus dans la playlist du disque.

Le 1er décembre 2021, Oxxxymiron sort son troisième album Beauty & Ugliness qui comprend 22 nouvelles chansons, dont des collaborations avec la chanteuse russe Tosia Chaikina, le rappeur estonien Tommy Cash, les rappeurs russes Dolphin, ATL et Igla et le duo de hip-hop électronique russe AIGEL. La couverture de l’album a été réalisée par l’un des pères fondateurs de la musique rock russe, Boris Grebenshchikov.

Son engagement

En réaction à l’invasion de l’Ukraine par la Russie en 2022, Oxxxymiron a appelé à un mouvement anti-guerre, déclarant : « Je sais que la plupart des gens en Russie sont contre cette guerre, et je suis convaincu que plus les gens parleraient de leur véritable attitude à son égard, plus vite nous pourrons arrêter cette horreur. »

Il a annulé six concerts à guichets fermés à Moscou et à Saint-Pétersbourg, déclarant : « Je ne peux pas vous divertir quand les missiles russes tombent sur l’Ukraine. Quand les habitants de Kiev sont obligés de se cacher dans les caves et dans le métro, alors que des gens meurent ». Il a ensuite déclaré qu’il était impossible d’organiser un concert anti-guerre en Russie car « une censure totale a été mise en place, et quiconque s’exprime contre la guerre de quelque manière que ce soit devient une cible potentielle de poursuites pénales ».

Il a ensuite annoncé une série de concerts de bienfaisance dans d’autres pays, intitulée « Les Russes contre la guerre », dont les recettes seraient reversées à des ONG aidant les réfugiés ukrainiens. Le premier de ces concerts a eu lieu à Istanbul, où vit une importante diaspora russe composée de personnes ayant quitté le pays pour protester contre l’invasion. Les deux autres concerts ont eu lieu à Londres et à Berlin. En septembre 2022, il est rentré en Russie ; le mois suivant, le ministère russe de la justice l’a ajouté à la liste des agents étrangers.

Discographie d’Oxxxymiron

Albums

• 2011 – The Wandering Jew (Вечный жид)
• 2015 – Gorgorod (Горгород)
• 2021 – Beauty & Ugliness (Красота и Уродство)

Singles

• 2011 — Feast Today and Fast Tomorrow feat. Schokk (То густо, то пусто)
• 2011 – East Mordor (Восточный Мордор)
• 2011 – Hello from the Bottom feat. dom!No (Привет со дна)
• 2011 – My Mentality (Мой менталитет)
• 2011 – Russky Cockney
• 2012 – Roly-poly Toy (Неваляшка)
• 2012 – Ultima Thule feat. Luperkal
• 2013 – Darkside feat. Madchild
• 2015 – HPL
• 2015 – Londongrad (Лондонград)
• 2015 – City under Sole (Город под подошвой)
• 2017 – Bipolar (Биполярочка)
• 2018 – Konstrukt feat. Porchy, May Wave$, Jeembo, Loqiemean, Thomas Mraz, Tveth, Souloud, Markul
• 2019 – In the rain feat. Djino
• 2019 – Reality feat. Piem, J.Makonnen, Dinast, LeTai, Palmdropov
• 2021 – Who killed Mark? (Кто убил Марка?)
• 2022 – Oyda (Ойда)
• 2022 – Made in Russia (Сделано в России)

Singles en tant qu’invité

• 2014 – Earth Burns (Porchy feat. Oxxxymiron)
• 2014 – I’m Bored with Life (LSP feat. Oxxxymiron) (Мне скучно жить)
• 2015 – Breathless (Jacques Anthony feat. Oxxxymiron) (Бездыханным)
• 2017 – Fata Morgana (Markul feat. Oxxxymiron)
• 2018 – Gorsvet (Loqiemean feat. Oxxxymiron) (Горсвет)
• 2018 – Stereocoma (Thomas Mraz feat. Oxxxymiron)
• 2018 – Tabasco (Porchy feat. Oxxxymiron)
• 2021 – A tale of lost time (Rudeboi’s single) (Сказка о потерянном времени)

The post Oxxxymiron rapeur engagé appeared first on Alexandre de Russie.

Bi-2 (En russe : Би-2) est un groupe de rock alternatif, formé dans les années 1980 à Bobruisk, en Biélorussie. C’est l’un des groupes qui a connu le plus de succès, avec de nombreuses ventes et de nombreux hits dans les charts en Russie. Bi-2 a reçu le MTV Russian Music Awards du meilleur groupe de rock en 2007.

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Membres du groupe

• Lyova B-2 (Лёва Би-2) – voix, guitare acoustique, percussion, guitare électrique supplémentaire
• Shura B-2 (Шура Би-2) – guitare solo, chant, guitare basse
• Andrey « Zvonok » Zvonkov (Андрей «Звонок» Звонков) – guitare
• Maxim « Lakmus » Andryushchenko (Максим «Лакмус» Андрющенко) – guitare basse
• Boris Lifshitz (Борис Лифшиц) – batterie
• Yanik Nikolenko (Яник Николенко) – flûte, claviers, tambourin, chœurs.

Origine du nom

Le nom du groupe, B2, fait référence à l’avion militaire B2 de l’US Air Force. Il s’agit d’un bombardier stratégique lourd peu observable, conçu pour percer les défenses aériennes denses et délivrer des armes nucléaires. Le nom officiel en langue anglaise est Northrop B-2 Spirit.

Histoire du groupe

De Minsk à Melbourne en passant par Israël

Les futures rock stars Yegor (Lyova B-2) et Alexander (Shura B-2) se sont rencontrés en 1985 à Minsk, où ils fréquentaient tous deux le studio de théâtre pour enfants Rond. Cependant, ils se sont vite rendu compte qu’ils étaient plus intéressés par la musique que par le théâtre. En août 1988, Shura et les membres du groupe « Chance » ont lancé leur premier groupe appelé « Brothers in Arms », qui a ensuite été rebaptisé « The Coast of Truth ».

Le répertoire se composait de chansons de Lyova, mais lui-même étant trop timide pour les chanter, le chanteur était un autre membre, Alexander Sergeev, surnommé « Crutch ». Malheureusement, le groupe n’a pas été un succès et les musiciens ont vite décidé de faire une pause. Celle-ci n’a pas duré longtemps et déjà en 1989, Lyova et Shura formait leur nouveau groupe Bi-2 qui allait vite devenir célèbre. Après quelques concerts dans leur home studio, ils enregistraient leur première cassette-album « Traitors of Motherland ».

En 1991, Shura et Lyova émigrent en Israël. Dans ce nouveau pays, les musiciens ont continué à essayer de conquérir l’Olympe musical. La période israélienne a été marquée par leurs performances sur des festivals de rock et dans différents clubs. En même temps, ils produisent des chansons qui deviendront des succès nationaux plusieurs années plus tard. Parmi eux, on trouve « Varvara » et « With You ». Tristement en 1993, Shura déménage en Australie, et Lyova reste à Jérusalem. Le groupe cesse à nouveau son activité.

À Melbourne, Shura fonde « Shura Bi-2 Band », qu’il positionne comme un projet solo. En 1997, le musicien met fin à ce projet et reprend sa collaboration avec Lyova. Étant à distance, les musiciens enregistrent l’album « Shura Bare and Sad Love », avec Shura comme chanteur, interprétant des chansons avec des paroles de Lyova B-2 et Mikhail Karasev. Victoria Bilogan, qui joue des claviers, participe également à l’enregistrement du disque. L’album est sorti en 1998, mais n’a pas connu un grand succès. Seulement quelques radios comme Nashe Radio et Maximum accepte de diffuser les titres.

Retour en Russie

En automne 1999, les deux compères sont de retour en Russie, où ils ont monté un groupe de musiciens locaux. Ils prévoyaient de sortir un album, mais étaient constamment rejetés par les labels. La situation change après avoir rencontré Alexander Ponomarev, qui assurait la promotion de Splin à l’époque. Le groupe joue au festival « Invasion », apparaît dans le programme « Anthropologie » de Dmitry Dibrov, participe au film « Brat-2 » de Balabanov. La chanson « No one writes to the colonel » devient la bande-son officielle du film et lance définitivement le groupe. Pour promouvoir le film, un clip a été réalisé, qui a été régulièrement diffusé à la télévision, grâce auquel le grand public a pu connaître le nouveau groupe. Cette musique est culte en Russie, c’est sans doute la plus connu du groupe.

Pour consolider le succès de Bi-2, ils ont effectué une tournée commune avec le groupe Splin, qui a donné lieu à la sortie de l’album live « Fellini Tour ». L’équipe d’Alexander Vasilyev a présenté l’album « 25th Frame ». Cette œuvre comprend la chanson « Fellini », enregistrée en deux versions, dont l’une avec Lyova B-2.

Après cette période, le groupe devint autosuffisant. Une vie riche en tournées et un travail actif en studio ont commencé. En 2004, Bi-2 sort l’album « Inomarki », en 2006 le CD « Moloko », en 2009 « Lunapark », en 2010 ils enregistrent la bande sonore du film « What Men Talk About » et en 2011 « Spirit », qui est devenu la première expérience de crowdfunding pour le groupe.

À l’automne 2014, le CD « 16 Plus » est publié. Ce 9e album studio comprend les tubes « Compromise » et « Enlisted in the Army ».

Projets Bi-2 avec orchestres symphoniques

Depuis 2010, Bi-2 collabore activement avec des orchestres symphoniques. Les musiciens préparent un programme spécial de leurs meilleures chansons, et enregistrent en studio des morceaux aux arrangements inhabituels. Le premier projet de ce type a été mis en œuvre avec l’orchestre du ministère russe des affaires intérieures en 2010. En 2013, le groupe a enregistré un CD avec l’Orchestre symphonique de Prague. Un troisième album de ce type sera publié à l’automne 2016.

Vitesse de croisières

Fin 2016, Bi-2 a enregistré un autre tube, intitulé « L’oiseau sur le rebord de la fenêtre ». Cette composition a été interprétée par Shura et Leva avec Diana Arbenina, Vladimir Shakhrin (groupe Chaif), Nike Borzov et d’autres stars du rock.

En 2017, les musiciens ont présenté leur 10e compilation studio Event Horizon et à la fois deux titres bruyants avec d’autres artistes. Il y a d’abord eu la chanson « Whiskey », enregistrée avec l’Américain John Grant. Cette composition a été jouée dans les cadres du film « What Men Talk About ». Un an plus tard, « Bi-2 » a reçu un prix pour la bande sonore du film de la part de la chaîne de télévision RU.TV dans la catégorie « Cinéma et musique ».

En outre, Leva et Shura ont chanté ensemble avec Miron Fedorov, connu sous le nom d’Oxxymiron. Dès la première semaine, la vidéo de la composition commune « Time to come home » a obtenu plusieurs millions de vues sur YouTube.

En 2018, Leva et Shura ont organisé le Bi-2 Fest, qui a eu lieu à Bobruisk, en Biélorussie. Parmi les musiciens invités figuraient les groupes Seti, Brainstorm, Midnight Faces et d’autres. Bi-2 a également été la tête d’affiche du festival KINOprobs à Okulovka en juillet où on pouvait retrouver de nombreux groupes de rock célèbres comme Kalinov Most, Pilot, DDT, Grechka ou Luna (Louna).

En 2020, le groupe a publié un album live actualisé, « Event Horizon with Orchestra ».

En 2021, le groupe effectue une tournée en Russie et en Europe avec le programme de concerts « Let’s Get Out of the House » et prépare le matériel pour la sortie du clip de la nouvelle chanson « We Don’t Need a Hero ».

Bi-2 aujourd’hui

Aujourd’hui, les musiciens sont toujours passionnés par ce qu’ils aiment et participent activement aux événements publics. Au cours de l’été 2022, le groupe a ravi les fans avec le clip « Lullaby ». Le morceau a été dédié au défunt directeur de la fondation caritative créée par Konstantin Khabensky. Quelques jours avant sa mort, Alena Meshkova a demandé à ses amis d’écrire la chanson. Cette composition a été incluse dans le futur album du groupe.

Par ailleurs, ce clip dénonce indirectement et subtilement la guerre en Ukraine.

Le 28 avril 2022 à Omsk, le groupe refuse de se produire au stade du complexe sportif de Krasnaya Zvezda à cause de l’affiche « Pour le président ».

Ils enfoncent le clous avec le clip « Je ne crois personne ».

Regardez attentivement ces deux derniers clips. La symbolique est très forte

Discographie de Bi-2

Albums

• Asexual and Sad Love (Бесполая и Грустная Любовь; 1998)
• BI-2 (Би-2; 2000)
• Meow Kiss Me (Мяу Кисс Ми; 2001)
• Cars Of Foreign Make (Иномарки; 2004)
• Moloko (Молоко; 2006) (lit.: Milk)
• Amusement Park (Луна-парк; 2009)
• What Men Talk About (О Чём Говорят Мужчины; the soundtrack to the film of the same name, 2010)
• Spirit (2011)
• #16plus (#16плюс; 2014)
• Event Horizon (Горизонт событий; 2017)
• Heat (Пекло; 2020)

Singles

• Silver (Серебро; 2000)
• Wolves (Волки; 2001)
• My Love (Моя Любовь; 2001)
• Sand (Песок; 2003)
• Slow Star feat. Diana Arbenina (Медленная Звезда; 2005)
• Muse (Муза; 2008)
• Bowie (Digital Single) (2009)
• Christmas (Digital Single) (2009)
• Optimist (Оптимист, 2011) (Digital Single)
• Non-Air-Raid Alarm (Безвоздушная тревога; 2011)
• Island (Остров; 2011)
• #Hipster (#Хипстер; 2014)
• Dark Skies (Темные небеса; 2014)
• Taken To The Army (Забрали в армию; 2014)
• Grass Near The House (Трава у дома; 2015)
• Likes / Alice (Лайки / Алиса; 2016)
• Bird On The Windowsill (Птица на подоконнике; 2016)
• Pilot (Лётчик; 2017)
• Whiskey feat. John Grant (Виски; 2017)

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Star au look encore très soviétique, qui débuta à 14 ans, Alla Pougatchiova (En russe : Алла Пугачёва) fait régulièrement l’objet d’articles dans la presse populaire sur sa carrière de chanteuse extravagante et sur sa vie privée riche en péripéties conjugales. Symbole de la variété soviétique et russe jusqu’au bout : quand, en décembre 1991, elle reçoit le titre d’ « artiste nationale de l’Union Soviétique », quelques jours plus tard l’URSS disparaît. Alla Pougatcheva est en Russie un monument historique vivant !

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Histoire de la diva russe – Alla Pougatchiova

Née en 1949 à Moscou, Alla Pougatchiova est une chanteuse de variété et une actrice russe extrêmement populaire en Russie et dans les pays de l’ex-U.R.S.S. On ne compte plus le nombre d’émissions qui lui sont consacrées à la télévision. De Kaliningrad à Vladivostok, en passant par Samarkande, tout le monde connaît cette artiste fantasque bourrée d’énergie (elle a dû tomber dans la potion magique dès sa naissance) et tout le monde connaît ses chansons.

Je ne sais pas si le phénomène Alla Borissovna Pougatchiova a un équivalent en France. En effet, Johnny Hallyday n’a pas eu à refuser un poste de ministre de la Culture, Mireille Mathieu ne porte pas de mini-jupes, et Joe Dassin est mort trop jeune (il a quand même eu le temps de chanter à ses côtés pour inaugurer l’Hôtel Kosmos, à Moscou, en 1979). Quant à Annie Cordy, elle est belge.

Alla Pougatchiova gagne le cœur du public dès sa première apparition dans l’émission PIF-PAF. Ses premières chansons passent à peine à la radio qu’elles sont fredonnées dans le bus et les usines, par toute une jeunesse soviétique. Faisant fi des critiques et des conseils, elle commence à chanter dans les usines, dans les kolkhozes, dans les maisons de jeunes, avec son cœur et son corps, comme une actrice, sans retenue, mais sans non plus se compromettre par des textes engagés.

Pour brosser un portrait à la hauteur de ce personnage démesuré, je publie ici quelques extraits d’un article écrit avec brio par la journaliste Petra Procházková (agentura Epicentrum) publié sous le titre « Alla Pugačovová » dans le mensuel Tchèque Reflex en août 1999.

« La chanteuse qui raffole des mini-jupes a de trop grosses jambes. La soliste d’opéra avec une voix trop imprégnée d’alcool et de tabac. La ministre de la Culture avec trop de maris et d’amants. La star de dimension planétaire avec un look et une façon de chanter trop soviétiques. Alla Pougatchova est pourtant devenue un phénomène en Russie, et son pouvoir d’attraction n’a pâti en rien de la chute du régime communiste.

Les concerts qu’elle donne à l’étranger sont fréquentés essentiellement par des émigrants russes et des nouveaux riches en vacances dans la ville. Chez elle, en Russie, personne ne comprend comment il est possible qu’à Paris, à Londres ou à Washington, aucune foule de fans déchaînés n’arrête Alla dans la rue. Tout comme ils ne comprennent pas que l’Europe fasse grise mine à la Jigouli, alors que pour les routes poussiéreuses et cahoteuses de Russie, c’est le véhicule parfait.

Pour Alla Borissovna Pougatchova, chanteuse symbole de la musique populaire soviétique, puis aujourd’hui de la musique populaire russe, il est clair depuis longtemps qu’elle restera incomprise en Occident. Après avoir tout de même dominé la scène de la variété pendant vingt-cinq ans dans un sixième du monde, elle a en Russie beaucoup plus de fans que les groupes, chanteurs ou acteurs les plus divers qui ne se sont hissés sous les feux de la rampe que dans les années quatre-vingt-dix, après la chute du régime totalitaire et de l’empire colonial soviétique. La chanteuse, qu’a supportée – et même soutenue – le Comité Central du Parti communiste de l’Union Soviétique, a survécu à l’effondrement de son père nourricier, et même de tout le système dans lequel elle a grandi et auquel son nom a été si étroitement associé. Les bohémistes distingués l’appellent le Karel Gott russe. Et ils affirment que, comme lui, elle survivra à l’an 2000 grâce à sa force et à son énergie bouillonnantes. »

Sa carrière a commencé dans l’oural

Alla a beau vouloir et avoir toujours voulu être la première en tout, il y a une chose où elle a été la dernière. En décembre 1991, la chanteuse a été officiellement couronnée « artiste nationale de l’Union Soviétique ». En décembre toujours – quelques jours plus tard –, l’URSS s’effondrait. Alla est donc devenue l’artiste nationale d’un pays qui n’existait plus. Personne ne risquait de lui ravir le titre. Alla Borissovna, comme on le lui rappelle souvent en Russie, est moscovite. Soit dit en passant, une « bonne » Moscovite. Rien dans sa biographie qui puisse fournir matière à un long-métrage. Papa était le directeur du service des ventes de l’usine de chaussures Taldom, et à l’époque, il gagnait si bien sa vie que maman pouvait se permettre de rester à la maison avec le petit frère Génia.

Dès qu’elle a eu cinq ans, ses parents ont commencé à embêter la turbulente Allotchka avec la musique. Finalement, maman l’a inscrite à la classe de direction d’orchestre de l’école de musique Ipplotov-Ivanov. Alla n’avait naturellement aucune envie de se retrouver à agiter les bras en habit noir derrière le pupitre. Elle a commencé à chanter.

Sa première performance publique a préfiguré toute sa vie. Dans l’émission satirique PIF-PAF, elle a ébloui les spectateurs ouraliens. Ce n’était pas franchement un exploit, dans la mesure où le spectacle était à peu près aussi stupide que tous ceux qui l’ont suivi. À la même époque, quelques chansons de son répertoire ont commencé à passer à la radio et la jeunesse s’est mise à fredonner ses mélodies dans le bus ou à l’usine, devant les tours et les fraiseuses. Pourtant, elle avait beau être devenue une héroïne de la classe ouvrière, la direction de la radio ne la trouvait pas trop à son goût. Mais chez Pougatcheva commençaient à percer les traits fondamentaux de son caractère : elle faisait tout simplement ce qui lui plaisait. Elle ne tenait aucun compte de l’avis de ses camarades plus âgés et plus expérimentés. Elle s’en fichait d’une façon si ostentatoire qu’ils ont préféré la laisser tranquille. Elle mettait la foule dans sa poche. Loin de se contenter de chanter, elle jouait, elle se démenait, elle délirait. Aucun slogan, pas de petits drapeaux américains ni d’inscriptions sur les tee-shirts, rien que de la pure culture russe moderne. Pas la moindre entorse au politiquement correct.

Pas de politique – juste l’amour et les clowns

Au temps du communisme, on jetait sur les artistes de variété « popularnaïa », comme on dit en Russie, un regard très contradictoire. Ils véhiculaient un je-ne-sais-quoi, soufflé par les vents d’Ouest sur la grande puissance de l’Est, qui ne collait pas tellement avec les règles du comportement socialiste. Les acrobaties sur scène, et qui plus est dans des fringues extravagantes, réfutaient l’iconographie communiste en ceci qu’elles impliquaient que la jeunesse devait avoir du temps libre.

D’un autre côté, l’art de Pougatcheva était parfaitement inoffensif sur le plan idéologique. À la différence de ces désagréables redresseurs de torts, comme Vyssotski ou Okoudjava, qui trouvaient toujours quelque chose à redire et dont les textes pouvaient aller jusqu’à exprimer une certaine insatisfaction, Alla chantait l’amour, le cirque, les clowns, l’amitié, le bonheur, l’enfance et le mariage. Il arrivait même que ses textes simples et ses mélodies simples ne passent pas trop au-dessus de la casquette des secrétaires généraux, ou même des premiers secrétaires. Ils ne voyaient rien de dangereux là-dedans. Bien au contraire. « Que les jeunes s’amusent comme ils en ont envie, au moins ça leur évitera de se mettre des imbécillités dans la tête », disaient les représentants les plus progressistes de l’avant-garde communiste lors des réunions du parti. Pougatchiova avait définitivement fait sa percée.

Dès la première moitié des années 80, elle était devenue une fois pour toutes et pour toujours à la fois la coqueluche du public simple et celui des plus hautes autorités communistes. Personne ne pouvait la montrer du doigt et aucun critique ne se serait risqué à lâcher un seul mot sous-entendant que, sur tel ou tel point, elle ne s’en tirait pas à la perfection. C’est précisément à ce moment-là que Pougatchiova a gagné pour la première fois le cœur du public étranger. On l’aimait et on l’admirait en Suède et en Finlande – son disque est sorti là-bas sous le titre Soviet Superstar. Les Finlandais ont même voulu donner son nom à l’un des ferry-boats de la mer baltique, mais le ministère soviétique de la culture et le Comité Central du Parti y ont mis le holà. Pas de culte de la personnalité. Ça n’a jamais attiré aux Russes que des problèmes.

Pougatchiova sur la poitrine de Boris Eltsine

Le plus admirable dans la carrière d’Alla Pougatcheva, c’est que, de toute évidence, pas un seul autre artiste vivant n’est passé avec une telle aisance de l’ère communiste à l’époque de la démocratie naissante. Absolument personne n’a su se conserver autant d’appuis.

Au temps de la perestroïka de Gorbatchev, c’est-à-dire à la fin des années 80, Pougatchova s’est préparée à la transition vers une nouvelle ère. Elle a organisé quelques concerts grandioses, dans un style et avec des arrangements purement occidentaux, au complexe sportif Olympiïskiï de Moscou. De sa manière bien particulière, elle s’est ainsi impliquée dans le mouvement démocratique, et dans son domaine, elle a assuré la promotion de la perestroïka sans avoir jamais prononcé un seul discours politique.

Pour la première fois en 1986, ses spectacles se sont politisés. Elle a été l’initiatrice d’une série de concerts avec des artistes célèbres, dont les bénéfices étaient distribués aux victimes de la catastrophe de Tchernobyl. La même chose se répétera dix ans plus tard, mais cette fois, il s’agira d’aider un autre genre de victime : Elle s’engagera dans la campagne électorale d’un candidat qui se présente pour la deuxième fois, Boris Eltsine. À la différence de ses collègues, elle n’a jamais déclaré qu’elle regrettait l’avoir fait.

Alla a chanté pour un Brejnev quasiment sourd. Le charismatique président Gorbatchev lui a baisé la main. À l’aéroport de Tbilissi, le président géorgien Chévarnadzé l’a accueilli avec un bouquet de fleurs. Sur le plan de la célébrité, Alla s’est maintenue à flot jusqu’à l’ère Eltsine. Il est hautement probable qu’elle survive encore à quelques présidents, voire – avec la grâce de Dieu – à quelques secrétaires généraux. Elle a noblement refusé le poste de ministre de la Culture que lui avait officiellement proposé en 1996 le Premier ministre de l’époque, Victor Tchernomyrdine. Elle a pesé le pour et le contre : « Je devrais peut-être. C’est l’époque qui l’exige », avant de déclarer finalement qu’elle n’était pas un gratte-papier.

Dans toute période de changement politique, la même blague populaire a été colportée par les gens simples. Les dirigeants se sont succédé et Pougatchiova est toujours restée leur plus grand héros. C’est ainsi qu’on disait du temps de Léonid Illitch : « Ah oui, Brejnev ! C’est ce petit tyran insignifiant qui vivait à l’époque d’Alla Pougatchova… ».

Le 15 avril de cette année, quand la chanteuse a fêté son cinquantième anniversaire, elle a été invitée à une audience au Kremlin par Boris Eltsine en personne. Il l’a décorée de l’ordre des Mérites patriotiques de deuxième classe (la première classe étant réservée aux chefs d’État), il a serré la puissante poitrine d’Alla contre sa puissante poitrine (enfreignant du même coup toutes des règles protocolaires jamais édictées) puis, après avoir repris son souffle, il a proféré lentement : « Un jour on dira : Ah oui, Eltsine ! Celui qui vivait à l’époque d’Alla Pougatcheva ».

Par un curieux concours de circonstances, il se trouve que la scène eut lieu le jour-même où le parlement devait soumettre au vote la destitution de Eltsine. La séance a été suspendue sine die sous la pression des démocrates libéraux eux-mêmes, alléguant qu’on n’avait pas le droit de laisser ces chamailleries déplaisantes gâcher l’anniversaire de Pougatchova. C’est ainsi que l’artiste est intervenue jusque dans les plus hautes sphères de la politique.

« Je suis tombé amoureux de vous, vous qui vous êtes insurgée contre ceux qui ont voulu vous étouffer et semer d’embûches votre parcours. Je me suis battu aussi, et dans ce sens, nous avons quelque chose en commun ».

Eltsine l’en a récompensée par ces mots

Alla a levé son verre à la santé de la patrie et du président.

Un appétit d’amour

« Je grossis et on me dit que ça me va bien. Je maigris et on me dit que ça me va bien. C’est comme ça ».

La charismatique Alla Pougatchiova proclame ces vérités sans états d’âme. Le dernier en date bat tous les records de longévité. « Philippe entame déjà son deuxième mandat », s’esclaffe le pianiste Alexandre Youdov qui travaille avec Pougatchiova depuis vingt ans. « Il y en a eu beaucoup, mais on s’est habitué », déclare-t-il résigné. « Elle a un cycle amoureux d’environ trois ans. Alors finalement, Kirkorov est un dur à cuire, il fait durer ».

Ils se sont mariés en 1994, et ce jour-là la Russie a tremblé sur ses bases. À cause du mariage, à cause du show, mais pire que tout, à cause de la différence d’âge – car Philippe a 18 ans de moins qu’elle. Par-dessus le marché, son aspect de looser délicat, ses cheveux noirs, bouclés formaient un contraste saisissant avec la rugueuse Alla, ses allures de bûcheron, son agressivité masculine et son éternelle cigarette. On voyait au premier coup d’œil qui jouait le rôle de l’homme et qui aurait le dessus en cas d’affrontement physique. Et les bagarres du ménage de Pougatchova n’étaient un secret pour personne. Elle est d’un tempérament qui réclame des victimes. « Philia ! », l’entend-on crier au téléphone – elle appelle son mari toutes les demi-heures lorsqu’elle est en tournée à l’étranger pendant que lui se produit sur la scène nationale – « Tu me manques tellement, mon petit bonhomme ». Le ton se fait maternel. « Philou, mais qu’est-ce que tu fabriques, encore ?… ». Puis elle explique avec un sourire indulgent : « Il ne peut pas toujours m’accompagner, il enchaîne concert sur concert à Moscou. Il essaie sans arrêt de rivaliser avec moi, le pauvre garçon…».

Les esclandres de la dame en lincoln blanche

En se mariant avec Kirkorov, Pougatchova s’est attiré des ennemis. Quelques admiratrices féministes convaincues se sont offusquées. La jalousie est également à l’origine d’une série de scandales où la fortune des Pougatchov, qu’on prétend fabuleuse, a joué un rôle central. Dans la mentalité soviétique qui n’a pas encore dit son dernier mot, on n’étale pas sa richesse, bien au contraire. Seulement Alla adore se précipiter dans la rue avec un chapeau couvert de diamants.

Pougatchiova s’est battue contre la police fiscale. Elle avait acheté quelques appartements aux USA, mais elle avait oublié de payer les taxes communales. Ses projets commerciaux se terminent la plupart du temps en catastrophe. « Le pétrole est à vendre, pas la voix », dit-elle pour excuser ses faillites. Manifestement elle n’est pas à la rue. Quand son mari Philippe se demande ce qu’il va lui offrir pour son anniversaire, il se lamente : « Je lui ai déjà offert des limousines, des villas, et même des manteaux de fourrure. Rien de matériel ne peut plus la surprendre. Je lui consacre une chanson qui s’appelle Naïvnaïa ».

De plus en plus, et de plus en plus souvent, Alla Pougatchiova choque son public plus qu’elle ne l’éblouit. Exactement comme elle le faisait sous l’ère soviétique, à l’époque où piquer des sprints sur scène et se comporter avec la dernière vulgarité – choses pour lesquelles elle avait une indubitable prédilection, spécialement après quelques verres de vodka – étaient pratiquement des crimes de haute trahison. Mais tout ça, c’est du passé. Aujourd’hui Alla provoque avec son parfum, son salon ou ses chaussures d’un luxe à un prix pharaonique.

Autrefois, sa voix accompagnait quasi officiellement la gymnastique matinale dans les camps de pionniers ou dans les camps du Komsomol : « Je voudrais tant que jamais ne finisse l’étééé… » – ce fut assurément l’un de ses plus grands hits. À cette époque-là, Pougatcheva aurait été exclue de toutes les organisations de base rien qu’à cause de sa Lincoln blanche. Alla demeure un symbole du passé, c’est vrai, mais aujourd’hui elle aime toujours autant la vie. Et elle roule en Lincoln.

Échec à l’eurovision

En 1995, elle a annoncé tout à coup qu’elle interrompait sa carrière artistique. Visiblement, elle trouvait fort réjouissant d’observer le traumatisme que la chose provoquait chez ses fans. Avec un malin plaisir et sans cacher son mépris pour le monde qui l’entourait, elle a alors déclaré : « Le piédestal s’est libéré. Il y a quelqu’un qui veut monter dessus ? ». Le propos était à peu près aussi aimable qu’une invitation à monter sur la chaise électrique. En réalité, personne n’a réussi à prendre sa place. Et ce n’est pas seulement une question de voix. Pougatchiova aujourd’hui, c’est à la fois les scandales fiscaux susmentionnés, une Lincoln blanche, des appartements et des maisons disséminés dans le monde entier, de l’hystérie, de l’énergie et du mauvais goût. Il y a peu de gens qui arrivent à réunir tout cela en une seule personne et à y ajouter par-dessus le marché un charme personnel hors du commun, de la prétention, de l’orgueil, un véritable culte de soi-même et ce qu’on appelle habituellement du charisme.

Alla, bien sûr, a fait savoir qu’elle voulait se reposer, se consacrer à son tendre mari, à ses petits-enfants et jouir pour la première fois d’une véritable vie de famille. Mais la réalité, c’est que son instinct, en d’autres temps passablement sous-développé, lui a cette fois soufflé que la Russie pourrait bien en avoir assez d’elle. Pougatcheva est « trop » dans tous les sens du terme. On ne voit qu’elle à la télévision, dans les journaux, à la radio, dans la publicité. Alla a compris qu’elle devait se faire plus rare.

Elle est remontée sur scène en 1997. Pendant deux années entières, elle a préparé sa réapparition publique. Elle s’est fait faire des dizaines de nouvelles robes, elle a maigri, puis de nouveau grossi, elle a changé sa coupe de cheveux. De temps en temps, elle laissait filtrer une information moins scandaleuse à son sujet. Quand elle a jugé que le moment était mûr, elle a interprété la chanson Primadonna au célèbre concours de l’Eurovision. Avec ses propres paroles et sa propre musique. Évidemment, Pougatchova a été la curiosité exotique de la soirée, un peu comme Eltsine dans les sommets du G8. Très loin de là, dans toute la Russie, d’innombrables commentateurs et critiques de télévision se sont alors fâchés contre ces Européens qui n’y comprenaient rien. Même ceux qu’on ne pouvait guère ranger parmi les fans d’Alla ont poussé des hauts cris : « Comment pouvez-vous permettre ça ? C’est une atteinte à notre dignité à tous, parce qu’Alla, c’est nous ! ». Pougatchiova a été l’une des plus mal classées du concours. À un âge aussi respectable, difficile d’encaisser ce genre de coup. Furieuse, elle s’est exclamée : « Je continuerai à vous donner la sérénade jusqu’à la fin des siècles ! ».

Je ne suis pas Hillary Clinton

Pougatchova a un caractère très complexe. Elle ne supporte pas d’être photographiée ou maquillée par un étranger, elle ne fait confiance à personne. Lorsque l’équipe du magazine Vogue a pris l’avion pour Munich (où elle chantait pour les émigrés russes) avec l’idée de faire d’elle, au moins pour quelques heures, une star de type occidental, toute l’histoire s’est terminée par un scandale : « Je ne suis pas Hillary Clinton ! » rugit-elle quand on lui fit valoir que même la femme du président se comportait d’une manière plus accommodante. « En ce qui vous concerne, je ne suis pas Hillary Clinton, mais Alla Pougatchiova », répéta-t-elle dans un accès de rage hystérique. Le côté piquant de l’histoire, c’est que de tous ces gens qui passent leur temps à maquiller des gens célèbres pour la couverture de Vogue, pas un seul ne connaissait Pougatcheva. On leur avait dit que c’était une chanteuse russe célèbre, d’un caractère assez exécrable, mais intéressante. Ils ne l’avaient jamais entendu chanter.

Sous les mains du maître coiffeur, les cheveux bouclés de Pougatchova ont été lissés, défrisés et plaqués sur le crâne. Elle s’est contentée de commenter d’un ton sec : « Quand j’étais jeune, on faisait ça au fer à friser ». On lui a fait un maquillage si doux et si délicat qu’on ne voyait plus que ses deux yeux immenses qui lui mangeaient le visage. Alla avait tellement changé que ses plus proches collaborateurs ne la reconnaissaient pas. Sur la couverture du magazine, elle a l’air d’une fille de trente ans maximum, avec une tête sublime et une bouche intéressante. Mais quand Alla s’est regardée dans le miroir, elle s’est renfrognée et elle s’est écriée : « Mais ça n’a rien à voir avec moi ! Je suis l’excès en personne, je suis agressive et les épaisses couches de maquillage me vont bien. Je suis Pougatcheva, je ne suis pas la première cruche venue ! ». Elle s’est ébouriffé les cheveux d’un geste hystérique, elle s’est badigeonné le visage avec des tonnes de maquillage, comme elle aime bien le faire et elle a glissé son volumineux derrière dans un pantalon de quelques tailles trop petit pour elle. Après quoi, bien entendu, elle est allée casser la croûte, son passe-temps favori, comme elle le reconnaît elle-même. D’ailleurs, ça se voit. « Je ne veux pas maigrir », affirme-t-elle. « Quand je maigris, je deviens terriblement coquette. Et Kirkorov devient d’une jalousie féroce. Je finis toujours par avoir envie de regrossir », s’esclaffe la Primadonna.

La reine immortelle

Les critiques, et même les psychologues, sont impuissants à expliquer les raisons d’un engouement aussi indéfectible pour Pougatchiova. Au début des années 90, tout le monde pensait que la chute du communisme, la mort des vieilles traditions et l’ouverture au monde de la culture occidentale allait sonner le glas du culte Pougatcheva. Mais sa popularité a au contraire augmenté et, aujourd’hui, dans le déluge de nouvelles stars qui s’abat sur le pays, elle occupe une position privilégiée. Elle est inébranlable dans sa conviction d’être la meilleure. Elle ne s’est humiliée ni devant les drapeaux rouges ni devant la nouvelle élite politique. Elle a des réserves d’énergie colossales, le mot « honte » lui est inconnu, elle est capable d’engueuler, de virer et d’humilier un journaliste ou un homme politique aussi bien que de l’inviter à dîner. « Je suis la prolétaire type », dit-elle d’elle-même. On se raconte comment à l’un de ses concerts, il y a longtemps, les spectateurs ont renversé les barricades, risquant de se piétiner les uns les autres. Les organisateurs et le service d’ordre ont été balayés. Pougatchova, de sa voix impérieuse et extraordinairement puissante, a hurlé du haut du podium : « STO-O-O-O-O-P ! ». Et la foule s’est effectivement figée.

Alla embrasse Eltsine, et lorsqu’il lui propose un poste ministériel, elle décline son offre. Elle ne joue pas la comédie, elle ne cache ni sa mauvaise humeur ni ses insuffisances. Il y a certainement en Russie de bien plus belles voix que la sienne. Seulement, on associe à sa personne des souvenirs nostalgiques et la croyance qu’il existe une chance d’adaptation et de survie dans le futur.

Discographie d’Alla Pougatchiova

• 1977 – Зеркало души
• 1979 – Арлекино и другие
• 1979 – Поднимись над суетой!
• 1980 – То ли ещё будет…
• 1985 – Ах, как хочется жить
• 1986 – Счастья в личной жизни!
• 1987 – Пришла и говорю
• 1995 – Не делайте мне больно, господа
• 1998 – Да!
• 2001 – Речной трамвайчик
• 2003 – Живи спокойно, страна!

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Le groupe Little Big complètement timbré a la particularité de détruire tous les stéréotypes sur la Russie, mais aussi d’en ajouter quelques-uns. Qu’on aime ou pas, la performance artistique et l’originalité des clips sont au rendez-vous.

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L’histoire du groupe Little Big

Little big est un groupe de musique originaire de Saint-Petersbourg, bien connu pour son côté atypique et déjanté jouant régulièrement sur les clichés des occidentaux sur la Russie. Ils se sont fait connaître sur la scène internationale avec leur titre « everyday I’m drinking » sorti en avril 2013 sur Youtube.

Le succès qu’a connu cette chanson leur a permis de rapidement se produire sur scène et ce dès juillet 2013. Ils sortent leur premier album en mars 2014 « with Russia from love ».

De succès en succès, Little Big effectue des tournées en Europe et en Russie grâce à leur premier titre. Ils obtiennent alors des invitations à travers toute l’Europe, désireuse de ce style rave et décalé.

De Big dick à LollyBomb

En 2016, ils remportent la première place aux Berlin Music Video Awards dans la catégorie la plus trash avec leur vidéo « Big Dick » qui est remplie d’images à connotation sexuelle mais qui a fait tout de même plus de 35 millions de vues.

Plus récemment ils remportent le prix du meilleur clip vidéo en 2018 au Grand Film Festival de Los Angeles avec le clip « LollyBomb » en parodiant Kim Jong-Un.

Malgré le retrait d’une des principales protagonistes, Olympia Ivleva, Little Big continue de produire, dernièrement avec le clip « Faradenza » et la sortie de la deuxième partie de l’album « antipositive » en octobre 2018.

Les membres se décrivent comme des « musiciens remettant en cause les gros problèmes de la Russie et de ses stéréotypes », la qualifiant ainsi de « pays poubelle » et en y établissant « un équilibre au bord de l’absurde combiné avec rave, musique électronique et des éléments de hip-hop ».

Skibidi wapapa

Little Big a obtenu un succès viral avec la sortie de la vidéo de Skibidi le 6 octobre 2018. Cette vidéo présente une danse qui est devenue populaire lorsque d’autres ont essayé de l’imiter dans le cadre du « Skibidi Challenge ». En novembre 2019, onze mois après sa sortie, leur vidéo Skibidi est vue plus de 310 millions de fois sur YouTube.

Quoi de neuf en 2021-2022 ?

Le groupe ne représente pas la Russie au Concours Eurovision de la chanson 2021, le pays ayant décidé d’y envoyer la chanteuse Manizha. Le 1er mars 2021, Little Big annonce sur Instagram le décès de sa membre fondatrice Anna Kast. Le même mois, ils sortent « Sex Machine ». Ils sont encore une fois nominés au Berlin Music Video Awards pour le clip de S*ck My D*ck 2020 qui critique l’horrible année 2020.

Le 24 juin 2022, le groupe a sorti le single « Generation Cancellation », qui critiquait l’invasion russe en Ukraine. Les deux leaders du groupe, Ilich et Sonya, ont depuis déménagé à Los Angeles, en Californie.

Composition du groupe

• Anton Lissov alias Mr. Clown : voix
• Sergueï ‘Gokk’ Makarov : DJ, Ingé son
• Ilya « Illitch » Proussikine : voix
• Sofia Taïourskaïa : voix

Anciens membres :

• Olympiya Ivleva (membre jusqu’en avril 2018)
• Anna Kast, décédée le 1^er mars 2021

Les clips les plus connus de Little Big

Go Bananas

• Sorti en 2019
• 240 millions de vues

Discographie de Little Big

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Rudolph Noureev surnommé le « seigneur de la danse » est considéré comme l’un des plus grands danseurs classiques et comme l’un des plus grands chorégraphes. Il marqua à jamais l’histoire du ballet.  

Estimation du temps de lecture : 9 minutes

Biographie de Rudoph Noureev

Enfance et entrée dans le monde de la danse

Rudolf Noureev naît en 1938 à bord du Transsibérien non loin de la frontière mongole, pendant un voyage durant lequel sa mère était partie rejoindre son père en fonction comme instructeur pour l’Armée rouge à Vladivostok. Trois ans plus tard[1], ses parents quittent Moscou et vont se réfugier dans la ville d’Oufa où il passe son enfance. Il commence à danser à 7 ans, d’abord des danses folkloriques puis de la danse classique. Encouragé par Anna Oudeltsova, ancienne danseuse de ballet maintenant professeure de danse, il intègre à 17 ans la prestigieuse Académie de ballet Vaganova de Saint-Pétersbourg[2]. Il a comme professeur Alexandre Pouchkine.

Après avoir obtenu son diplôme de fin d’études de l’École Vaganova, il intègre en 1958 le Kirov de Leningrad[3], compagnie de ballet dans laquelle il passe 3 ans. Il s’illustre alors en tant que soliste dans des pièces telles que Le Lac des cygnes, Don Quichotte ou La Belle au bois dormant. Il devient alors un des danseurs favoris du public et lors d’une tournée à Paris deux ans après, il tente de gagner sa liberté à l’aéroport du Bourget dans lequel il fuit vers deux policiers français en demandant l’asile politique. Parvenant à rester en France, il intègre la compagnie de ballet du Marquis de Cuevas et part au Danemark où il rencontre le danseur Erik Bruhn avec qui il passera une partie de sa vie.

« Tant que mes ballets seront dansés, je vivrai »

Rudolph Noureev

Montée puis apogée de sa carrière de danseur

Après sa première représentation télévisée américaine en 1962, il commence à danser pour le Royal Ballet de Londres dans lequel il danse avec Margot Fonteyn. Ils interprètent ensemble Giselle pour la première fois le 21 février 62 lors d’une représentation qui leur vaudra 23 rappels du public. Deux ans après, il produit, pour l’Opéra d’état de Vienne, sa première pièce en tant que chorégraphe, Le Lac des cygnes. À partir de là, démarre sa carrière véritablement internationale, il danse pour des compagnies de ballet sur tous les continents et donne un nouveau visage au traditionnel ballet russe de Marius Petipa en reprenant ses pièces célèbres : Don Quichotte, La Belle au bois dormant ou encore Casse-Noisette.

Il poursuit sa fabuleuse carrière de danseur étoile tout au long des années 70 jusqu’en 83 lorsqu’il se fait nommer directeur du ballet de l’Opéra de Paris par Jack Lang, ministre français de la culture[4] de 81 à 86. Il permet à la compagnie de ballet de revivre, il lui apporte grâce à ses nombreuses collaborations, notamment avec le chorégraphe William Forsythe, une renommée internationale. Il occupe ce poste jusqu’en 89[5], moment auquel il reçoit l’autorisation de retourner en Russie afin de danser au théâtre du Kirov[6], c’est la première fois en presque 30 ans qu’il y retournait .

Dernières années

Vivant depuis quelques années avec le virus du VIH, Noureev s’affaiblit considérablement à partir de 90 tout en poursuivant sa carrière de danseur. Il essaye des traitements qui s’avèrent inefficaces mais continue à espérer se soigner. Sa dernière apparition publique est le 8 octobre 1992 à l’Opéra Garnier acclamé par la foule pour la première représentation de sa pièce La Bayadère. Il décède le 6 janvier 1993 interné dans une clinique de Levallois-Perret à 54 ans. Ses obsèques sont célébrées au Palais Garnier à Paris, il est par la suite enterré au cimetière russe de Sainte-Geneviève-des-Bois au sud de Paris.

[1] 1941, invasion de l’URSS par l’Allemagne nazie « Opération Barbarossa ».
[2] Leningrad de 1924 à 1991.
[3] Le théâtre porta ce nom de 1935 à 1992. Aujourd’hui ballet du Mariinsky de Saint-Pétersbourg, son nom Kirov lui vient de Sergueï Kirov, chef communiste assassiné en 1934.
[4] Jack Lang fut ministre de la culture de 81 à 86 mais aussi de 88 à 92 et de 92 à 93.
[5] Chute du mur de Berlin et de l’Union Soviétique.
[6] Aujourd’hui théâtre Mariinsky, voir « ³ » page 1.

Ce qu’il incarne

Il est récompensé du titre de chevalier de la légion d’honneur en 1988 par François Mitterrand[7] puis du titre de commandeur de l’ordre des Arts et des Lettres[8] en 1992 par Jack Lang. L’Opéra de Paris organise tous les 10 ans depuis sa mort une soirée en son honneur durant laquelle se déroule, notamment, un défilé de ballet. Depuis 1997, l’école de ballet de son village d’enfance, Oufa, porte son nom. Nom qui sera aussi attribué à l’une des salles de répétition de l’académie Vaganova. Ce sera deux des hommages post mortem qui lui seront rendus et qui viendront s’ajouter à la collection de récompenses et distinctions obtenues au cours de sa vie.

Noureev est mondialement connu, non seulement dans le monde de la danse, mais pas uniquement. S’il est certainement le plus connu des directeurs de ballet de l’Opéra de Paris marquant et passionnant toute une génération de danseurs, il est aussi l’homme qui est parvenu à échapper aux agents du KGB pour vivre sa passion en Europe. Il est un véritable symbole de contestation artistique de la Russie soviétique. Incarnant un danseur d’une technique parfaitement maîtrisée et impeccable, il amène ce nouveau style romantique en faisant redécouvrir au public les pièces de Marius Petipa. C’est le principal responsable, grâce à sa notoriété, de l’exportation du ballet à l’international. Il reste encore aujourd’hui une icône dont le nom marque tous les esprits.

[7] Président de la République française de 1981 à 1995.
[8] Ce titre représente la plus haute décoration honorifique culturelle en France.

Son appartement à Paris

L’appartement du danseur étoile et directeur de la danse de l’Opéra de Paris, Rudolf Noureev (1938-1993) se situait dans le superbe immeuble XVIIIe siècle du 23 quai Voltaire à Paris, avec une vue superbe sur la Seine et le Louvre.

Somptueux décor néo-classique et romantique dans le goût russe opulent avec du mobilier russe, français et italien, des murs recouverts de cuir de Cordoue, des bois et des tissus précieux et une profusion de tableaux néo-classiques.

L’ensemble des oeuvres d’art a été dispersé en vente aux enchères à Londres en 1995.

Noureev le film

• Genre : Biopic, drame
• Date de sortie : 19/06/19
• Réalisé par : Ralph Fiennes
• Durée : 127 minutes
• IMDB: 6.6/10

Synopsis

Jeune prodige du célèbre ballet du Kirov, Rudolf Noureev est à Paris en juin 1961 pour se produire sur la scène de l’Opéra. Fasciné par les folles nuits parisiennes et par la vie artistique et culturelle de la capitale, il se lie d’amitié avec Clara Saint, jeune femme introduite dans les milieux huppés. Mais les hommes du KGB chargés de le surveiller ne voient pas d’un bon œil ses fréquentations « occidentales » et le rappellent à l’ordre. Confronté à un terrible dilemme, Noureev devra faire un choix irrévocable, qui va bouleverser sa vie à jamais. Mais qui va le faire entrer dans l’Histoire.

Bande annonce

Pour aller plus loin

Voici 3 livres qui vous permettront de creuser un peu plus loin.

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Lorsque l’on évoque la musique ou les chansons traditionnelles Russes, un instrument revient sans cesse à l’esprit, tel un envoûtant refrain aux accents quelques peu orientalisants : la Balalaïka (En russe : Балалайка). Il fait partie de ces images d’Épinal qui collent à la peau de la Russie, au même titre que l’Ours et la Vodka.

Mais au-delà des clichés tenaces, qu’en est-il vraiment de la réalité de cet instrument, de ses origines, son répertoire et sa vitalité aujourd’hui ?

Temps de lecture estimé : 6 minutes

Origine de la Balalaïka

L’origine de cet instrument populaire est perdue depuis des siècles. « Quand » et « Par qui » la Balalaïka a été inventée, reste inconnu.

Mais elle est certainement ancienne, et quelques chroniques de voyageurs (arabes notamment) en font mention dès le 10^e siècle, alors qu’ils parcouraient les terres des « Bulgares de la Volga » (territoire correspondant actuellement à une zone allant de Samara à Volgograd).

Il est fort à parier qu’elle soit le résultat d’une évolution hydride d’instruments utilisés par les peuples voisins des Russes (à savoir les ancêtres des Kirghiz ou Tatars), avec les instruments déjà préexistants chez les Russes.

En ce sens, la Balalaïka peut être considérée comme un parent de la Domra (instrument folklorique russe pincé avec un corps ovale)

Le mot lui-même « Balalaïka » a probablement une racine slave commune – (Bal), qui phonétiquement se rapproche du sens des verbes « parler, discuter » (en Russe : говорить, болтать). Également une connotation de « plaisanter » présente dans certains dialectes slaves orientaux. Une autre hypothèse serait que la racine « Bala » proviendrait des langues turcophones et signifierait « petit enfant ». Jouer de cet instrument calmerait les tout-petits.

En conclusion, tout cela définit donc le caractère de cet instrument : placer la personne dans un état joyeux et serein, un antidépresseur en somme !

Histoire de la Balalaïka

Malgré ses origines anciennes, elle ne se popularise (et donc ne se structure) que vers le 15e et 16e siècle, au moment où la Rus moscovite (En russe : Московская Русь) affirme son indépendance face aux Mongols.

À partir de là, elle connaîtra un essor sans précèdent surtout dans les couches paysannes de la population. Elle est alors partout présente dans les fermes, foires et marchés.

Alors qu’elle devient très populaire, il n’y toujours pas de standards établis concernant son apparence et sa construction : on rencontre des Balalaïkas de formes rondes, ayant 3 faces ou 4, trapézoïdales, et même avec un nombre de cordes différent : de 2 à 5 !

Seulement vers le XVII et XVIIIe siècle se généralisent des Balalaïkas avec un contour triangulaire. Mais là aussi il existe des différences notables de forme d’une région à une autre. 

Ce n’est que vers la fin du XIXe siècle que sa forme définitive sera adoptée sous l’impulsion de la cour et de la noblesse. (c’est-à-dire un instrument à corps triangulaire avec 3 cordes).

A noter qu’il y a deux types de Balalaïkas officielles désormais : une professionnelle (académique) et une folklorique (traditionnelle). Les principales différences entre ces deux types résident dans les cordes (nylons pour l’une, métalliques pour l’autre) et moins de frettes dans la Balalaïka dite traditionnelle.

Par ailleurs, vous pourrez voir dans des soirées ou bien concerts très officiels, toute une « famille » de Balalaïkas développée par F. Passerbsky et brevetée en Allemagne au XIXe siècle (allez savoir pourquoi !).
Cette « famille » est devenue la base de l’orchestre folklorique russe !

Et pas seulement : Vous pouvez tout aussi bien jouer des airs de jazz, blues que des œuvres de musiques classiques avec. Cette « famille » comprend les Balalaïkas : piccolo, prima, alto, ténor, basse, contrebasse

La longueur de la Balalaïka varie de 60 à 70 cm (balalaïka prima) à 1,7 m (balalaïka contrebasse).

Où acheter votre Balalaïka ?

La Balalaïka (prima) est de loin la plus répandue, et c’est elle que l’on joue le plus souvent. Elle est de tonalité la-mi-mi.

Elle est composée de bois de hêtre (parfois érable) pour le corps, d’épicéa (ou cèdre) pour la table, d’acajou (ou hêtre) pour le manche.

Le son est clair, peut être doux ou cristallin suivant votre jeu. Les techniques de jeu les plus courantes sont le cliquetis, le pizzicato, le double pizzicato, le simple pizzicato, le vibrato, le trémolo, les fractions et quelques techniques de guitare.

Guitaristes confirmés, si vous pensez que la Balalaïka est une sœur ou cousine de votre guitare, vous tomberez de haut !

Bien que ces deux instruments aient des ressemblances et certainement une origine commune (mais fort lointaine), il vous faudra quelques années d’apprentissage pour sortir des mélodies qui feront voyager vos auditeurs dans les brumes de la Taïga sibérienne.

Ceci étant dit, les airs du folklore russe (comme Kalinka) sont tellement entrainants, que vous éprouverez instantanément un réel plaisir à votre étude.  

Une bonne Balalaïka (prima) coûte environ 100 Euros (avec le taux actuel 1 € pour 90 RUB). Pour un instrument de concert (académique), vous avoisinerez les 2 000 €.

Il en existe de toutes les couleurs, avec des ornementations des plus sobres aux plus farfelues.

Achetez une Balalaïka lors de votre voyage à Moscou

Popularité aujourd’hui

La Balalaïka n’a cessé de croitre en popularité depuis le 19e siècle et a bénéficié des moyens de diffusions du moment : représentations des orchestres Russes à l’étranger, apparition du phonographe, puis radio, télévision et internet maintenant.

Tout le monde ou presque, sait ce qu’est une Balalaïka et ce qu’elle véhicule en termes d’image et d’impressions.

Les différents courants musicaux, ceux notamment du 20^e siècle (Blues, Bossa-nova) ou bien des compositeurs de musique classique tels que Bach par exemple, ont influencé les balalaïkistes et ceux-ci produisent des sons tout à fait novateurs dans leur domaine.  

D’ailleurs, La Balalaïka a finalement reçu sa reconnaissance mondiale, lorsque l’artiste Russe Alexei Arkhipovsky (en Russe Алексей Архиповский) a joué aux jeux olympiques de Vancouver et a ouvert l’Eurovision en 2009 !

Il est considéré comme l’un des virtuoses de cet instrument et les adaptations plutôt aériennes qu’il en faits sont remarquables :

Il arrive à mélanger des airs de folklores Russes, de musique classique et de Blues avec naturel, grandeur d’âme et humour !

Bref, un concentré de simplicité et de bonhomie Russe.

Aujourd’hui il y a tout de même une forte concurrence de la musique russe moderne (la popsa Russe). L’idée générale répandue qui est «je veux que ce soit rapide et que ça rapporte tout de suite » touche aussi la sphère musicale.

Même dans les campagnes où la Balalaïka puise ses racines historiques, les jeunes ont tendance à l’oublier.

Mais sans nul doute, qu’avec des artistes comme A. Arkhipovsky, ou bien V. Boldyrev pour ne citer qu’eux, la Balalaïka continuera de fasciner et susciter de nouvelles vocations.

« La balalaïka est un instrument indépendant, avec son propre monde intérieur »…
Au-delà de ces simples mots : ne serait-ce pas là le reflet de tout un peuple, de toute une culture multimillénaire, forte de son histoire tumultueuse et si particulière, sublimés à travers cet instrument de bois et capable de vous émouvoir jusqu’aux larmes ?

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Leningrad est un groupe russe de ska-rock, originaire de Saint-Pétersbourg. Créé en 1996, le groupe n’a cessé d’évoluer jusqu’à aujourd’hui. Connus pour leurs chansons excentriques, ils abordent de nombreux thèmes liés à l’alcool et à la vulgarité.

Leningrad a plus de 20 ans, il est surprenant qu’un groupe avec une telle expérience soit toujours sur le devant de la scène. Toujours en forme, les musiciens permettent à leurs nouvelles chansons de devenir encore plus populaires que leurs anciens tubes. Au cours de ces vingt dernières années, Leningrad s’est réinventé à plusieurs reprises, en changeant chanteur, style, composition, vêtements et sphères d’influence, pour adopter un style inhabituellement varié et universel, capable de répondre à presque toutes les demandes du public.

Temps de lecture estimé : 8 minutes

L’histoire du groupe Leningrad

Les débuts de 1996 à 1999

Igor Vdovin a participé à la création de Leningrad en 1996 en tant que chanteur, le texte et la musique des compositions étant écrites principalement par Sergei Shnurov, il a également joué de la guitare basse, mais est rapidement devenu un frontman. La formation originale de « Leningrad » comprenait : Igor Vdovin (chant, guitare), Sergey Shnurov (guitare basse), Andrey Antonenko (accordéon, clavier, tuba), Alexander Popov (chant, grosse caisse, guitare), Alexey Kalinin (batterie), Roman Fokin (saxophone), Oleg Sokolov (trompette) et Ilya Ivashov (tuba). Pendant les représentations de « Leningrad », un ou plusieurs membres du groupe sont souvent montés sur scène en état d’ébriété. C’était typique pour de nombreux groupes « underground » russes, mais l’ivresse est devenue un élément obligatoire de l’image scénique de « Leningrad ».

À l’époque d’Igor Vdovin, le groupe jouait principalement de la musique de « cour », largement inspirée de l’œuvre d’Arkady Severny. Si, à un stade précoce, les « maty » (gros mots) dans les chansons de « Leningrad » était épisodique, ils sont vite devenus monnaie courante dès le deuxième album (« Gros mots sans électricité »).

En été 1998, Leonid Fedorov participa en tant que producteur de son et musicien à l’enregistrement de l’album « Balle » avant de remplacer le frontman tombé malade.

À l’automne 1998, la chaîne de télévision de Saint-Pétersbourg NBN a présenté la première vidéo du groupe « I love you so much ». Les membres du groupe n’ont pas aimé la vidéo, et la chaîne MTV-Russie a catégoriquement refusé de diffuser le clip. Au même moment, Igor Vdovin quitte le groupe et se voit remplacé par le guitariste Alexander Popov surnommé « Puzo ». Après l’échec d’un concert, Sergey Shnurov décide de devenir le seul frontman de « Leningrad ».

À cette époque, la composition du groupe change (le trompettiste Oleg Sokolov et le tromboniste Ramil Shamsutdinov partent, le groupe comprend Vsevolod Antonov (bassiste), Svetlana Kolibaba (claviériste et chanteuse), le tromboniste Vasily Savin et le trompettiste Alexander Privalov. Dans le line-up actualisé, le groupe a enregistré son deuxième album « Gros mots sans électricité », qui est sorti sur le label « Gala Records » le 17 décembre 1999. Le deuxième clip de la chanson du groupe « Du yu lava Mi (Give Love) » (Ду ю лав ми) a été diffusé sur la chaîne de télévision « MTV-Russie ». Le groupe commence à gagner en popularité dans le pays.

Une popularité en pleine croissance de 2000 à 2002

La grande popularité du groupe a été apportée par la diffusion de certaines chansons sur la radio « Наше радио » et via le film « ДМБ-2 », où une douzaine de chansons de « Leningrad » ont été utilisées comme bandes sonores.

En été 2000, le groupe a enregistré son troisième album « Dachniki » (Дачники). Les chansons de cet album ont rapidement conquis le cœur des fans mais l’ivresse effrénée et le comportement agressif de Roman Fokin pendant les concerts ont disloqué tout le groupe.

En août 2000, le troisième clip du groupe a été tourné sur la composition « When There is no money » (Когда нет денег). Contrairement aux deux premières vidéos, ce clip a souvent été diffusé sur « MTV Russia » jusqu’à l’été 2003.

Le quatrième album studio « Leningrad » est sorti en 2001 sous le titre « Made in Ass » (Маде ин жопа). Sur la pochette de l’album, vous pouvez voir l’inscription « Trois débiles jouant une chanson inconnue de Leningrad ». Cette année le groupe gagne encore plus de popularité grâce à ses performances aux festivals « Wings » et « Nashestvie« . Malgré les attaques agressives des médias, Leningrad a gagné une popularité grâce à ses diffusions télévisées.

Fin de l’année 2001, le groupe travaillait activement sur un autre album, intitulé « Pirates du XXIe siècle » (Пираты XXI века). Certains des enregistrements bruts ont été volés au studio « Gala », et le bootleg « I’m drinking, but I can speed up » fut diffusé sans leur accord. L’album a dû se faire dans la précipitation sans compter les conflits internes. Sergei Shnurov pris l’initiative d’inviter le groupe de ska de Saint-Pétersbourg « Spitfire » à participer à l’enregistrement de l’album.

À l’été 2002, Sergey Shnurov dissous le groupe et se fait pousser les cheveux. Peu de temps après le groupe « Spitfire » vient jouer le rôle d’accompagnateur tandis que les musiciens de l’ancienne composition ne sont pas invités au concert. Peu à peu, les membres de Spitfire intègrent Leningrad.

Yuri Luzhkov, maire de Moscou, décide d’interdit les grandes représentations publiques de Leningrad. Les concerts sont annulés mais les affiches rouge vif avec Sergei Shnurov à cheval restent jusqu’au Nouvel An. La fin de l’année 2002 a été marquée par le succès des tournées du groupe en Amérique du Nord.

Le septième album studio « Tochka » (Точка), sorti le 29 novembre 2002, c’est une compilation de chansons précédemment volées au studio, connu sous forme de chansons solo de Sergei Shnurov et d’un remix par le groupe « Disco Avariya ». Le titre de l’album « Tochka » souligne la fin des relations entre le groupe et son ancienne maison de disques « Gala Records ».

Profusion d’albums de 2003 à 2008

En février 2003, Leningrad présente son nouveau album « Pour des millions » (Для миллионов) produit par « Mystery of Sound ». Le 5 juin 2003, Leningrad remporte le prix « Muz-TV 2003 », au cours duquel Shnurov jeta le trophée dans la salle avec les mots : « Vous ne pouvez pas acheter ou vendre la liberté ». À l’automne 2003, Leningrad enregistre l’album Huinya (publié en 2005) avec le trio londonien, The Tiger Lillies.

Au début de l’année 2004, deux clips du groupe sur « Manager » (Менеджер), décembre 2003 et « Huyamba » (Хуямба), janvier 2004 sont devenus leaders à tour de rôle sur deux chaînes de télévision musicales – MTV et Muz-TV. Au printemps 2004, la première du clip musical « Roads » (Дороги), occupe les premières places des hit-parades.

Le neuvième album studio du groupe « Babarobot » (Бабаробот) est sorti le 27 mai 2004. L’album est un soi-disant « film », une histoire qui raconte les gars qui travaillaient à l’usine. De rien, ils ont fait passer leur ami Robot pour un cyborg, dont le modèle s’appelle « Babarobot ». Après la sortie de l’album « Babarobot », la popularité du groupe Leningrad a augmenté de manière significative. Il y avait moins de vulgarité et plus de paroles et de blagues. Le titre « Gelendzhik » (Геленджик) est devenu un hit de la côte de la mer Noire. Le 7 août 2004, le groupe Leningrad s’est produit au festival « Nashestvie » où Sergei Shnurov a proposé de jouer « Gelendzhik » avec la participation de personnes vêtues de costumes de poulets gonflables.

Le 22 novembre 2005 est sorti l’album le plus lourd en termes de son « Pain » (Хлеб). « A Small Leningrad Symphony » est une compilation de 5 chansons célèbres de Sergey Shnurov, arrangées par le violoncelliste Sergey Drabkin. L’album a été écrit par l’artiste et showman Stas Baretsky.

Début 2006, l’album « Bread » sort en Allemagne et le 28 novembre 2006, le douzième album « Indian Summer » sort.

Depuis 2007, la chanteuse Julia Kogan a rejoint le groupe Leningrad en tant que choriste. Le 20 novembre 2007, le groupe a sorti le treizième album studio « Aurora » (Аврора). Les critiques l’ont accueilli favorablement.

En été 2008, Leningrad s’est produit au festival annuel « Picnic Afisha« . Le 25 décembre 2008, après plusieurs concerts à succès dans le club moscovite « B1 Maximum », Sergey Shnurov annonce la dissolution de « Leningrad » et la création d’un nouveau groupe appelé « Ruble » qui se résume à une abondance de gros mots comme l’annoncé Sergey lui-même.

Depuis 2010 ils enchaînent les albums

Les 26 et 27 novembre 2010 à l’Arena Moscow, les 2 concerts complets ont vu apparaître des musiciens moustachus habillés à la manière des ensembles vocaux et instrumentaux soviétiques (Shnourov est arrivé sur scène en tant que musicien de rock des années 1970 – avec les cheveux jusqu’aux épaules, en veste de perles et en jean étroit).

• L’album « Хна » est sorti le 12 avril 2011 et est devenu le quatorzième album studio du groupe.
• Le quinzième album studio est sorti le 3 octobre 2011 sous le titre « Вечный огонь ».
• Le 17 octobre 2012, l’album « Fish » (Рыба), composé de 12 chansons, est paru sur le site officiel du groupe.
• Fin 2014 sont sortis les albums « Farsh » et « Our Beach » respectivement «Фарш» и «Пляж наш» sans la chanteuse qui a quitté le groupe fin 2013.
• Le 13 avril 2018 sort le premier album complet « Anything » (Всякое) depuis 4 ans.

Le 19 octobre 2018, « Leningrad » a battu un nouveau record de fréquentation parmi les artistes en Russie, en rassemblant 65 110 spectateurs à la « Zenit Arena » de Saint-Pétersbourg. Les chanteuses et choristes n’arrêtent pas de se succéder.

En 2019, le groupe a besoin de souffler et Shnurov déclare qu’une pause est nécessaire pour se recentrer. Le dernier concert a eu lieu fin Décembre.

Ne vous inquietez pas, ils reviendront comme toujours 🙂

Ils étaient déjà prévus pour Coachella 2020…

Les clips les plus connus

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Kino (En russe: Кино) était le groupe de rock soviétique le plus populaire des années 1980. Victor Tsoï reste invariablement le leader et l’auteur de presque tous les textes et de toutes les musiques. Après sa mort, le groupe, qui a produit plus de cent chansons sur une période de neuf ans sans compter ses lives et ses compilations, a cessé d’exister.

Sur le plan stylistique, le groupe a abandonné de nombreux éléments traditionnels du rock russe, des effets programmables au moyen de boîtes à rythmes ont été utilisé au lieu d’une batterie traditionnelle, ce qui donne parfois une touche pop ou disco. Le groupe aborde des thèmes quotidien de l’adolescence, l’amour ou encore des sentiments dramatique ce qui à d’ailleurs valu aux membres du groupe le titre de « nouveaux romantiques ».

La popularité de Kino n’a cessé de croître au fil des années tout en recevant de vives critiques de la part de la presse officielle et underground. Au début des années 90, leurs disques furent distribués à des millions d’exemplaires et leurs concerts remplissaient des stades entiers. Le groupe a engendré le phénomène de «kinomanie», qui s’est intensifié après la mort tragique de Viktor Tsoi, cette mode est toujours d’actualité, ainsi des « pèlerins » se déplacent jusqu’à l’ancien lieu de travail du musicien.

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L’histoire du groupe Kino

L’émergence

Kino a été formé par deux groupes de Saint-Petersbourg « Chamber № 6 » et « Pilgrim », le premier à la basse jouait Victor Tsoï (Виктор Цой), le second était composé du guitariste Alexei Rybin et du batteur Oleg Valinsky. En outre, Tsoï s’est produite plusieurs fois aux concerts des « Automatic Satisfiers », et Rybin a répété avec « Abzatz » pendant un certain temps. Durant l’été 1981, trois amis « sauvages » sont allés se reposer en Crimée, où ils ont pris la décision de créer un groupe commun appelé « Garin et les hyperboloïdes » (par analogie avec le roman fantastique d’Alexei Tolstoï « Garin, ingénieur hyperboloïde »). De retour à Leningrad, Valinsky fut appelé à l’armée et dû quitté le collectif. À l’automne 1981, les musiciens sont entrés dans le club de rock de Leningrad et ont fait la connaissance du représentant influent de l’underground rock Boris Grebenshikov qui a tellement aimé la créativité du jeune groupe qu’il leur a proposé de travailler ensemble en studio. Au début de 1982, le nom du groupe a été changé en Kino qui signifie Cinéma en russe.

Le sens de ce nom est simple. Il est bref, vaste, et aussi « synthétique », c’est-à-dire artificiel. Lorsque le nom a été inventé, les principales conditions étaient la présence de deux syllabes au maximum, la prévalence et la facilité de prononciation. Ces conditions sont apparues parce que le prénom « Garin et les hyperboloïdes » était trop long. Le mot « cinéma », en plus de sa brièveté, a plu à Victor Tsoi par son artificialité, à l’image de la chanson « Concombres d’aluminium » (Алюминиевые огурцы), écrite en 1981 sous l’impression de travaux agricoles, que le musicien avait reçue pendant ses études à l’école.

Le premier album a été enregistré à la Maison des Pionniers du district de Krasnogvardeyskiy, plus tard le studio « Antrop ». Comme le groupe Kino ne comptait alors que deux personnes, Grebenshikov demanda de l’aide à ses collègues du groupe « Aquarium » : Vsevolod Gakkel (violoncelle), Andrei Romanov (flûte) et Mikhail Feinstein-Vasilyev (guitare basse). En raison de l’absence d’un batteur, il a été décidé d’utiliser une boîte à rythmes soviétique « Electronics ». L’album qui en résulte contient 13 chansons, et est nommé d’après la durée totale prévue en minutes – « 45 ». L’album est passé presque inaperçu, mais a contribué à la popularité du groupe, y compris en dehors de Leningrad.

Rybin quitte le groupe

Fin 1982, dans le studio du théâtre Maly Drama, les musiciens ont tenté d’enregistrer le deuxième album avec la participation du batteur Valery Kirillov (futur membre de « Zoopark ») et du directeur du son Andrey Kuskov. Pendant le processus, Viktor Tsoï n’était pas satisfait du son des instruments de percussion et il décida d’arrêter l’enregistrement. Plus tard, des fragments de cette cassette ont été inclus dans l’édition intitulée « Chansons inconnues de Victor Tsoi » et sont sortis sur CD en 1992. En hiver 1983, le groupe a donné plusieurs concerts à Leningrad et à Moscou, et lors de certaines représentations de Kino, il était accompagné du batteur de « Aquarium » Peter Troschenkov. Rybin a commencé à faire venir aux répétitions le bassiste Maxim Kolosov et plus tard le guitariste Yuri Kasparyan. Selon Grebenshikov, Kasparyan ne jouait pas très bien de la guitare, mais il a progressé rapidement et est finalement devenu le deuxième participant le plus important du groupe. Le premier public était perplexe, Kino avait besoin d’une amélioration considérable.

Les tâches entre Tsoï et Rybin étaient clairement réparties : le premier était responsable de la composante créative – écriture de textes et musique, le second effectuait tous les travaux administratifs, organisait les concerts, les répétitions et les séances d’enregistrement. En mars 1983, un grave conflit a éclaté entre eux, résultat de nombreux désaccords. Tsoï, en particulier, était agacé par le fait que Rybin, de son côté, interprétait ses chansons et n’écrivait pas les siennes, alors que Rybin n’aimait pas le leadership inconditionnel de Tsoï dans la prise de toutes les décisions. Finalement, ils ont simplement cessé de s’appeler et ne se sont jamais revus depuis. Après l’éclatement du groupe, Tsoï, faute de line-up, a cessé son activité musicale pendant un certain temps.

Le seul document audio de cette période est un bootleg appelé « 46 » – des versions démo des nouvelles chansons de Tsoï, enregistrées dans le studio du port d’attache d’Alexei Cherry, un jeune ingénieur du son.

Retour sur scène

Début 1984, Tsoï et Kasparyan commencèrent à enregistrer le véritable deuxième album ; le rôle du producteur a été repris par Grebenshikov, qui a invité nombre de ses amis à enregistrer : Alexandre Titov (guitare basse), Sergey Kuryokhin (clavier), Peter Troschenkov (batterie), Vsevolod Gakkel (violoncelle), Igor Butman (saxophone) et Andreï Radtchenko (batterie). L’enregistrement a été réalisé au studio d’Andrey Tropillo et a été publié sous le titre « Le chef du Kamchatka » (Начальник Камчатки). Parmi d’autres musiciens, Georgy « Gustav » Guryanov est représenté sur la couverture, bien qu’il n’ait rejoint qu’à la toute fin du processus de travail et n’ait participé qu’à une seule chanson. Le style qui définit l’album est le minimalisme, qui se manifeste à la fois dans le laconisme des arrangements et dans l’équipement technique, lorsque, par exemple, le son de la guitare de Kasparyan est traité non pas par une surmultiplication, mais à l’aide d’un magnétophone soviétique « Note », qui à l’époque servait d’effet fuzz.

Les musiciens se sont produits au IIe festival du Rock Club de Leningrad, où ils ont fait sensation avec le prix de la meilleure chanson. Depuis lors, le groupe acquis une certaine notoriété et a commencé à tourner régulièrement dans d’autres villes de l’Union soviétique.

Au début de 1985, le collectif a tenté d’enregistrer un autre album, mais Tsoi n’a pas apprécié l’interférence excessive de Tropillo, qui a constamment tenté d’influencer la créativité, de sorte que ce projet est resté inachevé.

Alexander Titov, tout en participant aux activités du groupe, était membre d’Aquarium, et chaque jour, il lui était de plus en plus difficile de combiner son travail en deux groupes, c’est pourquoi en novembre 1985 il décida de quitter Kino en faveur de l’ensemble de Boris Grebenshikov. À sa place on prit le guitariste de jazz Igor Tikhomirov (ex « Jungle »). Le groupe final était formé.

En janvier 1986, Andrei Tropillo sort un enregistrement qu’il avait réalisé dans son studio quelques mois auparavant. L’album intitulé « Nuit » (Ночь) est devenu la première sortie officielle de Kino, publié par la société moscovite « Melody ». Deux millions de copies du vinyle ont été vendues ce qui a rendu le groupe célèbre bien au-delà de la communauté rock. Néanmoins, les musiciens eux-mêmes ont eu une perception extrêmement négative de la sortie de cet album, dont les ventes ne leur ont pas rapporté un centime. L’album « Red Wave » avec le groupe Aquarium sorti clandestinement d’URSS et distribué en Californie à 10 000 exemplaires, fut la première sortie de musique rock soviétique à l’Ouest.

De 1986 à 1988, Victor Tsoï participe activement au tournage de films comme « Asset » (Ассе) de Sergei Solovyov et « Eagle » de Rashid Nugmanov. Il disparaissait constamment, partant longtemps au Kazakhstan. Yuri Kasparyan, désœuvré, répét avec Maxim Pashkov, et enregistre un album avec le groupe « Petlya Nesterov ». Tsoï, étant « dans les steppes », a continué à composer des chansons et en 1987 Kino enregistra l’album « Blood Group » (Группа крови), qui est considéré par la plupart des critiques comme l’œuvre la plus complète et la plus mature de Kino. Kasparyan était marié à l’Américaine Joanna Stingray, qui lui apportait du matériel de qualité de l’étranger – en particulier, ils possédaient une machine « Yamaha RX-11 », qui permettait de monter facilement non seulement le motif rythmique, mais aussi le timbre et le volume.

Le groupe est apparu à la télévision d’état avec un concert dans le programme « Musical Ring », et en 1988, le film « Assa » est sorti sur les écrans des cinémas. Dans les dernières scènes, le groupe « s’adressant à un large public, interprète la chanson « Changement ! » (Перемен) Ce dernier épisode a eu un effet proche du choc culturel qui a couvert tout le pays. Le sentiment de paix du héros romantique des chansons de Tsoï s’est avéré très similaire à l’humeur des jeunes auditeurs de la génération des années 1980…

Le pic de popularité

Ayant gagné en popularité, le groupe a commencé à recevoir des invitations de différentes républiques socialistes, et même de certains pays étrangers. Dans le cadre du mouvement « Next Stop », un concert de charité a été organisé au Danemark, dont les recettes sont allées aux victimes du tremblement de terre en Arménie, un concert a été donné au plus grand festival de rock français au Bourget, ainsi qu’au festival soviéto-italien « Back in the USSR » à Melpignano. En 1989, les musiciens se sont rendus à New York, où a eu lieu la première du film « Needle ». Après cela, le groupe s’est rendu à Paris pour enregistrer l’album « Last Hero » (Последний герой), qui est en fait une collection de vieilles chansons, réenregistrées en bonne qualité. L’enregistrement et la sortie de l’album ont été financés par le diplomate français Joel Bastener, un connaisseur de la culture russe, largement connu dans le cercle étroit de la bohème moscovite.

Le 16 novembre, lors du concert commémoratif d’Alexandre Bachlachev au Palais des sports « Loujniki », le public, après que les musiciens aient été mis en sourdine, a osé s’asseoir dans le parterre et n’a pas voulu se disperser. Le 20 novembre, même réaction du public à un concert à la mémoire de Bachlachev. En conséquence, le groupe a interdiction de jouer à Moscou.

En 1989, l’album « Une étoile appelée soleil » (Звезда по имени Солнце) sort avec les premiers clips vidéos.

Le 15 août, 1990 Viktor Tsoï trouve la mort dans un accident de voiture près de Riga où il était en vacances. Le choc est tel que des fans se suicident. Pendant des mois, les fans dormaient dans des tentes à côté de sa tombe. L’album posthume est terminé par le groupe et sort avec un couverture noir (Чёрного альбома).

Les clips les plus connus

Leto / Лето

Été (Leto en russe) est un biopic sur la vie de l’icône du rock russe, Viktor Tsoï. Sur la musique de Kino, ce film vous emporte dès le début dans les années 1980 et vous expose la niaque de jeunes artistes pour sortir d’un système oppressant avec leur musique rock & roll.

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MiyaGi & Endgame (En russe: MiyaGi & Эндшпиль) est un groupe de hip-hop russe de la ville de Vladikavkaz , en Ossétie du Nord, fondé en 2015. Le groupe est composé de deux personnes, connues sous leur nom de scène: «MiyaGi» – Azamat Kudzaev et «Andy Panda» – Soslan Burnatsev.

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Azamat Kudzaev dit MiyaGi

Azamat Kudzaev est né le 13 décembre 1990 à Vladikavkaz. Son père est un célèbre chirurgien et dirige le centre d’orthopédie et de chirurgie esthétique en Ossétie du Nord. Azamat est diplômé de l’Académie de médecine et se consacre au rap depuis 2007.

En 2007-2013, il a joué sous le pseudonyme Shau, puis l’a changé en MiyaGi. Il a pris son pseudonyme en l’honneur de M. Miyagi dans le film « Karaté Kid ». En 2009, Azamat rejoint le Dope Records Creative Group, qui comprenait également Namo Mingigan, Shuga, Asab, SH Kera, The GuyS. Puis en août 2014, Azamat fonde son propre label Asata, qui comprend également Namo Mingigan et Amigo. Pendant son séjour à Asata, Azamat sort des clips à succès sur les titres « Colibri », « Dom », « Bonnie » («Колибри», «Дом», «Бонни»). En septembre 2017, il sort le single solo « Sunshine ».

Le 18 mai 2018, après une longue pause, le single « Sunshine » est sorti. En 2018, 3 autres singles sont sortis : « Captain », « Sorry », « Native Poi » (Родная пой).

En 2019, plusieurs singles sont sortis : « Fantasy », « Angel », « Bismarck », ainsi que TumaniYO et KADI, « Trenchtown ». Le 21 juin 2019 a vu la sortie du premier album de Miyagi, « Buster Keaton« , qui comprenait 13 titres, ainsi que des titres communs avec Hajime Records : Andy Panda (Endgame), HLOY, TumaniYO et KADI. Le 13 septembre 2019 a vu la sortie d’un titre de style reggae avec TumaniYO appelé « Jamm » puis le 12 décembre 2019, un clip d’animation dédié à Bob Marley pour la chanson « Trenchtown ».

Le 2 mars 2020, la vidéo de la chanson « Samurai » (Самурай) sort et le 9 mars, le titre « Texture » est remasterisé.

Soslan Burnatsev dit Andy Panda (Эндшпиль)

Soslan Burnatsev est né le 2 octobre 1995 à Vladikavkaz. Dans sa jeunesse, il a joué au football dans l’équipe de jeunes du Spartak (Vladikavkaz). Il a reçu une formation de technologue alimentaire. Il a commencé à rapper à l’âge de 16 ans. Son surnom a été inspiré par le film « Hell Endgame ».

En 2012, il a rejoint l’association Dope Records, qu’il a quittée en 2014. La même année, il a sorti son premier album solo « Scale » (Накипь), et un an plus tard, son deuxième album « Tyutelka in Tyutelka » (Тютелька в тютельку). En 2015, il sort également un album commun avec le rappeur de Vladikavkaz SH Kera nommé « Bums » (Бездельники).

En mars 2018, après une pause de six mois, le single « It’s My Life » sort avec TumaniYO. Suslan s’est présenté avec un nouveau surnom, Andy Panda, en sortant le titre « Intro ». Seuls 2 singles sont sortis en 2018 : « Cocoon » et « Brother Passed On » («Коконъ» и «Брат передал»). Pour le deuxième single, Soslan a diffusé un clip sur YouTube.

Le 8 mars de l’année suivante, Dose, qui travaillait alors avec Scriptonite, décide de faire plaisir à ses fans adans un titre commun avec Andy Panda intitulé « Dance » (Танцевала). Plusieurs singles sont sortis en 2019 : « I Wanna Feel The Love » avec Castle ; « Billboard » avec Scriptonite, 104 avec TumaniYO et Miyagi ; « Sun » avec TumaniYO et Niman ; et « Frozen ».

Le 18 octobre 2019, le premier single de l’EP, avec TumaniYO et Miyagi, intitulé « Jumanji » sort. Le mois de novembre a vu la sortie du nouveau EP « King Kong », qui comprend 8 titres. Quelque temps après, la vidéo de « Rude Mantras » est mise en ligne. Suslan a participé à l’album « 2004 » de Scriptonite sur le titre « Habit » (Привычка).

L’histoire du groupe MiyaGi & Engame

MiyaGi et Endgame se sont d’abord produits séparément, mais en 2013, ils sortent un premier album commun intitulé « ENaMi ». Toujours pendant leur séjour chez Dope Records, leurs chansons communes ont du succès : Ma Ja (feat. SH Kera), Shuba-duba (feat. SH Kera, Namo Mingigan), Nowhere to Go (feat. Asab), Slander (feat. Aca6, Namo Mingigan). La première œuvre du duo est le single « Sanavabich » (Санавабич), qui est sorti en même temps que la vidéo en 2015. Ce chanson marque le nouveau style de ce duo.

Ensemble on est plus fort

Ayant uni leurs efforts créatifs, MiyaGi et Endgame ont déjà sorti au printemps 2016 le premier album de Hajime composé de huit chansons, et déjà à l’automne de la même année la deuxième partie sort et comprenait également huit titres. En 2016, 5 singles sont sortis : « For an Idea », « Last Time », « High », « Nutro », « #TAMADA », « My Gang » (respectivement en russe: «За Идею», «В Последний Раз», «Кайф», «Нутро», «#ТАМАДА», «Моя Банда»).

Tamada fait un carton avec son rythme légèrement electro.

La consécration avec I got love

En juin 2017, c’est la consécration avec la chanson « I Got Love », qui fait partie de l’album Hajime, pt. 2. Elle explose les records russes avec plus de 400 millions de vues sur YouTube à l’heure actuelle.

Toujours la même année 2017, le duo sort la chanson « Raise up » (Райзап) extrait du prochain album « Umshakalaka » (Умшакалака) avec l’un des premiers rappeurs d’Ossétie du Nord, Roman Tsopanov, sous le nom de scène Amigo.

La même année, 5 singles : un titre commun « Pappahapa » avec Old Gnome et le groupe OU74, « No Reason » avec le performeur kazakh Truwer, « Exactly Ta » et « DLBM » et « When I Win ».

La chanson « Half Mine » (Половина моя) a été incluse dans le top 30 des titres les plus écoutés sur le site de VKontakte en 2017.

Hajime

Le 13 juillet 2018, après une pause de six mois, le single du promoteur « Lady » (Дама) sort. Il a été inclus dans le nouvel album de Hajime, Pt. 3, qui est l’achèvement de la trilogie Hajime et qui consiste en dix chansons.

Albums de Hajime, Pt. 1 et Hajime, Pt. 2 ainsi que le single « I Got Love » sont multiplatinum. Les deux disques ont reçu le statut de disque de platine (plus de 80 000 exemplaires vendus). Les ventes du single « I Got Love » ont dépassé la barre des 600 000 exemplaires, ce qui équivaut à 3 disques de platine.

Le 14 août 2018 a vu la sortie de la bande sonore de « Hustle » pour le documentaire « Charisma » et d’un morceau commun avec TumaniYO « Dance Up ». Et en quelques mois, le titre commun avec Rem Digga « Untouchable » est sorti.

2019

Depuis 2019, Soslan a complètement changé son surnom en Andy Panda, et le duo est devenu connu sous le nom de « Miyagi & Andy Panda ».

En 2019, plusieurs singles sont sortis : un titre commun avec l’artiste américain de Los Angeles Moeazy « Freedom », « Freeman », dont la vidéo est sortie plus tard, « Force », ainsi que TumaniYO, « Get Up », « Under Your Own (2017) ».

2020

Le 13 janvier 2020, le producteur, qui a été chargé par Miyagi & Andy Panda de refaire l’instrumental dans leur single commun officiellement inédit avec la chanteuse new-yorkaise Azealia Banks, a mis la chanson en ligne sous le titre fictif « Shar Iz Ognya » (Boule de feu). Le 14 février 2020, le duo sort un nouveau single intitulé « Kosandra ».

Le 5 mars 2020, le nouvel album du duo intitulé « Yamakasi » a été annoncé, en lien avec la tournée de charité « Arnella’s Tour » dans certaines villes européennes afin de collecter des fonds pour le traitement d’Arnella Persaeva, gravement malade, mais en raison de la pandémie de coronavirus, la tournée a dû être suspendue. Le duo a lancé #YAMAKASICHALLENGE afin de récolter 50 millions de roubles pour le traitement. Le 3 avril 2020, le duo a sorti son premier single de l’album « Yamakasi » intitulé « Utopia » puis dans la foulée le deuxième single « Malo Nam » («Мало Нам»).

Les clips les plus connus

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